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Estos fueron los momentos que definieron musicalmente esta década (2010-2019)

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¿Cómo será recordada la década que abandonamos al cierre de 2019? Hemos presenciado cosas extraordinarias que van, algunas, más allá de nuestra comprensión. Por ejemplo, las audiencias pasaron del odio al amor (aunque sea en lo privado) con el reggaetón, un género que actualmente domina los listados en todo el mundo con artistas que llevan un par de años en los escenarios tales como J Balvin y Bad Bunny. El rap conquistó absolutamente todo en artistas de talla internacional que rompieron sus propias marcas como Drake y la llegada monumental de Kendrick Lamar. 

Los servicios de streaming reinan ahora como la forma absoluta de consumir música frente al rechazo de muchas bandas y artistas que se niegan, a la fecha, en caer en las plataformas. Ni qué decir de la proliferación de festivales internacionales que atravesaron fronteras hasta llegar a países latinoamericanos como la versión chilena, brasileña y argentina del Lollapalooza. ¿Y México? El año en que arrancó la década también dio inicio a la primera edición del Corona Capital, una propuesta internacional de bandas anglo que ha dominado el mercado en la región desde hace, precisamente, 10 ediciones.

Y así como estos, hay más eventos y momentos que definen musicalmente la década que está a punto de terminar, y que permitirán el inicio de miles de actividades más que serán decisivas para la industria, la formación de artistas y la forma en que las audiencias reciben y consumen música. En una labor de discriminación intensa, nos quedamos con algunos momentos que definieron esta década sin un orden cronológico o de importancia en particular:

Las plataformas de streaming dominan la industria

Es cierto que la evolución de las plataformas de streaming comenzaron en la primera década del nuevo milenio, pero fue a partir de 2010 que se apropiaron de la industria musical. Es impresionante la forma en que ahora lideran el mercado internacional, tomando cada vez más a las audiencias. A mediados de este año, por ejemplo, Spotify contaba con 217 millones de usuarios mensuales y 100 millones suscritos a su servicio Premium. 

Pero por el mismo crecimiento desmedido, han habido problemas con artistas como Taylor Swift o De La Soul, quienes se han manifestado públicamente ya que, debido a tecnicismos legales, no todas sus reproducciones les generan ganancias a ellos, pero sí a la plataforma. Y cómo olvidar la invasión que sorprendió a los usuarios de dispositivos Apple cuando en 2014, descubrieron que tenían un disco completo de U2 descargado en su biblioteca. ¿Alguien recuerda lo que Thom Yorke opina de las plataformas de streaming respecto al valor de la obra frente al negocio?

Rumbo a la siguiente década, nos quedan varias preguntas: ¿Cómo trabajarán las plataformas en la censura?, ¿desaparecerán algunos formatos físicos?, ¿surgirán nuevas plataformas que le den competencia a las máximas que se encuentran actualmente?

La organización de festivales se convierte en el gran negocio musical

Sin ser algo completamente nuevo, en esta década los festivales de música fueron más redituables que nunca, y con una buena base para serlo: las propuestas para los line up acompañados de enormes headliners. La proliferación de decenas de fiestas musicales en todo el mundo resultó exponencial y se diversificó para especializarse en géneros específicos, mezclando con toda clase de temáticas y conceptos.

Por ejemplo, la industria llegó a alcanzar hasta 32 millones de asistentes anuales sólo en Estados Unidos, de acuerdo con Billboard. Esto ha atraído a grandes empresas y marcas mundiales para realizar una inversión en esta clase eventos que, con los años, se ponen más diversos al incluir varios géneros que se salen de su primera línea. Uno de los mejores ejemplos es el anuncio de J Balvin como headliner en Coachella este 2019, sin olvidar a Los Tucanes de Tijuana. Todos estos cambios y propuestas también trajeron como resultado uno de los fraudes más grandes del siglo, el famoso caso del Fyre Festival.

El muro de Roger Waters y la garra de U2 redefinen los conciertos en estadios

Los conciertos en espacios enormes como los estadios, no son una novedad y tenemos varias pruebas de ello como la presentación de Queen en el Wembley en Londres en 1986, sin duda, uno de los mejores conciertos en la historia. Sin embargo, estos han ido cambiando conforme el paso del tiempo, y para eso se hacen presentes los irlandeses de U2, quienes con el 360° Tour, dieron la vuelta al mundo en una de las giras más grandes en la historia. 

¿La razón? La famosa “garra” que colocaron en estadios de todo el mundo y que parecía sacada de una película de ciencia ficción.  Y para acompañar esta proyección en los conciertos mundiales, está Roger Waters y su imponente muro de 10 metros del altura y más de 70 metros de largo, aproximadamente, para la gira mundial The Wall Live que arrancó en 2010. Uno de los momentos más importantes de esta gira, fue cuando en 2011, durante la presentación de Waters en la O2 Arena en Londres, apareció David Gilmour para tocar una de las canciones más icónicas de la banda, “Comfortably Numb”. 

Las canciones virales y las que rompieron todos los récords

Primero comenzaron como algo pegajoso, y terminaron por hacernos huir de ellas. Las canciones virales de esta década, sin duda, fueron “Friday” de Rebecca Black, “Call Me Maybe” de Carly Rae Jepsen, “Gangnam Style” del coreano Psy, y la famosa “Baby Shark”, una canción infantil que dio la vuelta por todo el mundo hasta convertirse en un verdadero fenómeno de las redes sociales. Unas con un mayor número de reproducciones que otras, pero todas impactaron las plataformas de streaming y redes sociales con miles de millones de reproducciones. 

Pero si hay una canción que terminó con el reinado de las demás, esa fue “Despacito” de Daddy Yankee y Luis Fonsi, la cual se llevó siete récords Guiness, sin olvidar que, hasta este momento, tiene 6,566,692,766 visualizaciones. Esto también ayudó a que el reggaetón fuera ganando terreno poco a poco.

El reggaetón sigue ganando terreno 

Además de escalar en cantidad de reproducciones y ventas, el reggaetón llegó inclusive a los terrenos protegidos de los amantes de otros géneros, y esa es la razón por la cual las playlists de México y todo el mundo, se encuentran llenas de artistas latinos dentro del llamado género urbano. J Balvin (si lo mencionamos tan seguido es porque es el artista más popular del momento) fue nombrado como el artista más escuchado de 2019, pero que en 2018 no se quedó atrás con algunas colaboraciones junto a otros reggaetoneros y artistas internacionales como Bad Bunny y Cardi B.

Algo muy interesante ha sucedido con este género a nivel “cultural”, y es el alcance del idioma español en todo el mundo. Antes, para entrar al mercado internacional, los latinos debían cantar en inglés en colaboración con algún artista que sirviera de trampolín. Ahora es al revés, artistas como Beyoncé, Bieber, Alicia Keys o Drake, entre otros, quieren cantar en español en un género que le está dando la vuelta al mundo como ningún otro. Independientemente de los primeros gustos de la audiencia, el reggaetón vio en esta década un resurgimiento que va más allá de lo que habíamos visto.

La censura al Rey del Pop

Este 2019, a mediados de febrero y marzo, se estrenó en HBO el documental Leaving Neverland donde dos supuestas víctimas de abuso sexual y violación de Michael Jackson, revelaron todo ante las cámaras. Desde su primer acercamiento cuando eran niños, hasta el abuso que vivieron por años sin darse cuenta. Desde que salieron los primeros avances de este trabajo documental, comenzaron a causar un impacto negativo en la imagen del cantante. 

En distintas estaciones de radio alrededor del mundo, comenzó la censura contra la música de Michael Jackson, las cuales decidieron  no transmitir al aire más temas del estadounidense tras recibir llamadas de radioescuchas fúricos, los cuales, fue de suponerse, habían visto el contenido del documental. 

Las separaciones y reuniones

En agosto de 2019, Tool liberó el disco Fear Inoculum, el cual marcó su regreso después de 13 años de ausencia (pero de verdad sin saber nada de ellos), quizá uno de los álbumes más esperados de todos los tiempos.

Las separaciones de esta década dejaron a varios desilusionados, ya que dejaron de existir bandas como REM, The White Stripes, Sonic Youth, Crystal Castles, My Chemical Romance (que para nuestra suerte ya volvieron), Death Grips, Roxy Music, The Civil Wars, Does It Offend You Yeah?, Jet, Noah And The Whale, Mötley Crüe, The Eagles, Buena Vista Social Club, The Presidents of the United States of America, Modern Baseball, Wild Beasts, Yellowcard, Minus the Bear, Rush, The Pains of Being Pure at Heart, Fischerspooner y The Stone Roses.

Pero también regresaron a tocar bandas como Caifanes, Guns N’ Roses, Grateful Dead (con Trey Ansatasio y John Mayer), Sleater-Kinney, Pulp, Blondie y Outkast. Seguimos esperando otras, como los eternos rumores sobre Oasis, Led Zeppelin con el hijo de Bonham y gracias a una serie de presentaciones todo indica que Rage Against the Machine.

Para este conteo no incluimos bandas como LCD Soundsystem, que en menos de una década decidieron separarse y reunirse.

El empoderamiento femenino llegó a la industria

Algo que nos quedó muy claro en estos 10 años fue que las mujeres tomaron muchísimo más protagonismo en la industria musical. Con líderes al frente como Beyoncé Knowles o Cardi B, la demanda social de las mujeres por más lugares en los festivales, y mayor titularidad en conciertos incrementó.

Beyoncé fue el acto definitivo en Coachella 2018, y Cardi B ganó en 2019 el mejor álbum de rap, en una categoría en la que únicamente habían ganado hombres en los Grammy, aceptó el premio poniendo en alto su condición reciente de madre ante millones de espectadores.

Un plagio descarado al famosísimo Marvin Gaye

Si hubo una rola que resultó ser todo un hitazo en 2013 fue “Blurred Lines” de Robin Thicke junto a Pharrell Williams, aunque nunca se salvó de la polémica. Para empezar el video oficial es uno de los más controversiales que han salido pues mostraba a algunas modelos como Emily Ratajkowski bailando completamente desnudas frente a los cantantes.

Pero la polémica total fue cuando en 2015 un juez ordenó que pagaran por el plagio a Marvin Gaye, ya que “Blurred Lines”era una casi copia de “Got To Give It Up”, una de las canciones más reconocidas en la carrera del cantante de soul. ¿En verdad esperaban que nadie se diera cuenta?

El terror armado llega a los conciertos

El 13 de noviembre de 2015, los Eagles of Death Metal estaban dando un electrizante show en el Bataclan de París, cuando un grupo extremista irrumpió con armas para dejar un saldo de 89 personas fallecidas. La experiencia de la banda y de algunos de los asistentes quedó plasmada en el documental Nos Amis, el cual revela paso a paso cómo fue aquella terrible noche y sobre todo, las secuelas que dejó en cada uno de los que estaban ahí. 

El 22 de mayo de 2017 otro atentado terrorista ocurrió. Durante el concierto de Ariana Grande en el Manchester Arena, 22 personas fallecieron tras una enorme explosión mientras ella cantaba. Un día después, el Estado Islámico se adjudicó los hechos con un video. Más tarde, Ariana reagendó las fechas de su tour mundial y pagó los funerales de todas las personas que murieron ese día. 

Para recordar a todas las víctimas de este atentado en Manchester, Ariana Grande junto a otros músicos armaron un concierto benéfico llamado One Love Manchester en el que actuaron artistas como Marcus Mumford, Take That, Stevie Wonder, Miley Cyrus, Katy Perry y Justin Bieber. Pero quizá el momento que nunca olvidaremos de esa noche fue cuando sonó  “Live Forever” de Oasis fue cantada días después de la tragedia por Liam Gallagher junto a Coldplay. 

Ese mismo año, en octubre, sucedió el peor ataque en un evento musical en la historia. Todo ocurrió durante el Festival Route 91 Harvest en Las Vegas mientras cerraba la jornada el cantante country, Jason Aldean. Justo cuando estaba terminando su presentación, Stephen Paddock comenzó a disparar desde su habitación ubicada en el piso 32 del hotel Mandalay Bay a la multitud que asistía al festival

El recuento de los daños dejó una cifra increíble de víctimas, 869 heridos y 58 personas. Esperamos que para la siguiente década estas tragedias generen más medidas de seguridad para todos los eventos masivos en los que solo queremos despreocuparnos y cantar. 

Las muertes más dolorosas.

Algo que de plano nadie podrá a olvidar fue que muchos músicos importantes y que marcaron nuestras vidas dejaron este plano para convertirse en leyendas puras. Quizá las muertes que más nos llegaron al cora fueron las de David Bowie, Prince, B.B. King, Chris Cornell, Chavela Vargas, Juan Gabriel, José José, George Michael, Celso Piña, Robin Gibb, Gustavo Cerati, Rita Guerrero, Scott Weiland, Tom Petty, Chuck Berry, Whitney Houston, Leonard Cohen, Lou Reed, Glenn Frey y Donna Summer. Chester Bennington, Dolores O’Riordan, Donna Summer. Adam Yauch de los Beastie Boys y Aretha Franklin. También partieron promesas musicales como Amy Winehouse y Mac Miller.

La música siempre podrá ver estos sucesos como parte de su historia, y tendrán impacto en los años que vienen ya con el rumbo hacia el 2020. ¿Qué otros momentos marcaron su década musical?

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Molotov genera críticas por su canción "Quiten el trap"

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Usuarios critican que Molotov no ha podido saberse adaptar a los cambios que ha tenido la música

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¡Se logró! Dua Lipa aceptó un Dr. Simi en su show de Monterrey

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Vaya semana que tuvimos los y las fans de Dua Lipa en México, pues el pasado 21 de septiembre la cantante arrancó con su ‘Future Nostalgia Tour’, el cual la tuvo (desde días antes) dando el rol por la Ciudad de México y nos dio un show increíble en el Foro Sol.

El concierto de Dua Lipa en la CDMX fue memorable no sólo por el setlist y el espectáculo que brindó, sino también por la pequeña polémica que despertó luego de que se viera cómo la cantante pateó un peluche del Dr. Simi y hasta un sombrero charro que le lanzaron al escenario.

Foto: Especial

Dua Lipa llegó con su ‘Future Nostalgia Tour’ a Monterrey

Entre que muchos se rompieron las vestiduras por debatir si fue una actitud de diva o no, en Monterrey alguien logró lo impensable, pues durante el concierto que la artista británica dio en la tierra de la carnita asada se le vio cantando con un Dr. Simi en el escenario.

Fue la noche del viernes 23 de septiembre cuando Dua llegó al Estadio Banorte, donde dio un show que dicen incluso estuvo más interactivo que el de CDMX. Pero bueno, regresando al tema, Dua se encontraba cantando “We’re Good” cuando alguien le lanzó un peluche del Dr. Simi.

Dua Lipa con su Dr. Simi. Foto: Especial

Y aceptó un Dr. Simi que le lanzaron al escenario

En esta ocasión, en lugar de patear al pobre muñeco y sacarlo del escenario, la también modelo tomó el peluche y aplicó un Bruce Dickinson al cantar con el Dr. Simi. Algo que por supuesto enloqueció a muchos y muchas, ya que al final se logró que Dua Lipa formara parte de esta reciente tradición.

Va el video 100% real no fake de lo ocurrido:

De paso, explicó el porqué pateó el peluche que le lanzaron en su concierto de CDMX

Y bueno, antes de que empiecen con sus teorías de si Dua Lipa amó más a Monterrey por aceptar el peluche en cuestión, la cantante se tomó el tiempo de explicar el porqué pateó el Simi Lipa que recibió en CDMX. Algo que fue más por seguridad que por otra cosa.

“Por lo general, cuando las cosas se arrojan al escenario, pueden ser un peligro para la seguridad para mí y los bailarines, pero esto fue en el momento perfecto. Estamos bien Sr. Simi”, explicó Dua en sus historias de Instagram donde se le ve con el famoso peluche.

Foto: Dua Lipa (Instagram)

Ahora sí que, después de este Dr. Simi, sus visitas a lugares icónicos de la CDMX, los tacos de Orinoco y el temblor que vivió la madrugada del 22 de septiembre, podemos decir con toda seguridad: ¡Dua, hermana, ya eres mexicana!

Qué susto: Captan a Dua Lipa durante el temblor en la CDMX y así fue su reacción

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¿Nirvana vs. Red Hot Chili Peppers? El día en que ambas bandas sacaron sus mejores discos

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¿Nirvana vs. Red Hot Chili Peppers? El día en que ambas bandas sacaron sus mejores discos

Para muchos, el 24 de septiembre es un día más en la vida, pues no hay algo que se festeje especialmente en esa fecha. Sin embargo, para algunos fans de la música y sobre todo del rock, ese día es bastante especial pues dos de las bandas más importantes de la década de los 90 estrenaron un par de discazos que cambiaron la historia para siempre. Así es, hablamos de Nirvana y los Red Hot Chili Peppers.

Y es que es una gran coincidencia que tanto Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl, como Anthony Kiedis, Flea, Chad Smith y John Frusciante hayan escogido esa fecha pero de 1991 para lanzar los que quizá sean sus mejores trabajos. Por un lado, los de Washington irrumpieron con el legendario Nevermind, mientras que la agrupación californiana la rompió por completo su quinto álbum de estudio, Blood Sugar Sex Magik.

¿Nirvana vs. Red Hot Chili Peppers? El día en que ambas bandas sacaron discazos
Cartel de la gira ‘Blood Sugar Sex Magik’ donde los Red Hot Chili Peppers tenían a Nirvana y Pearl Jam como invitados/Foto: Especial

Aunque eso sí, cabe aclarar que jamás hubo una batalla encarnizada entre Nirvana y Red Hot Chili Peppers o armaron una bronca mediática para ver quién sacaba el mejor disco aquel 24 de septiembre (cof cof, así como Blur y Oasis), pues incluso ambos salieron de gira juntos, es inevitable no hacer una comparación entre ambos álbumes (aunque tengan temáticas y sonidos muy diferentes). Es por eso que aprovechando que llegó el 24 de septiembre y estos materiales que cambiaron para siempre el camino de la música de los 90 cumplen 31 años, parece un buen momento para repasar la historia de estos discazos.

También puedes leer: 1991: Los 10 discos que en 90 días cambiaron al rock

Red Hot Chili Peppers renació con ‘Blood Sugar Sex Magik’

Empecemos con la banda que en aquel entonces tenía más experiencia, los Red Hot Chili Peppers. Para 1991, la agrupación ya contaba con cierta fama. Habían conseguido un disco de oro con Mother’s Milk y tenían éxito con su nueva versión de “Higher Ground” de Stevie Wonder. Sin embargo, seguían siendo una especie de banda underground, pues aún no era un éxito nacional y mucho menos a nivel internacional. Pero no sabían que todo eso estaba a punto de cambiar.

Tras conseguir un nuevo contrato discográfico con Warner Brothers después de abandonar EMI, Anthony Keidis y John Frusciante empezaron a escribir canciones para lo que sería su primer lanzamiento para su nuevo sello. Se decidieron por Rick Rubin para producir el álbum, quien aceptó a pesar de haber rechazado trabajar con ellos en su tercer disco de estudio, Uplift Mofo Party Plan debido a las adicciones a las drogas de Keidis, Frusciante y el ex guitarrista Hillel Slovak, quien lamentablemente perdería la vida el 25 de junio de 1988 debido a una sobredosis de heroína.

¿Nirvana vs. Red Hot Chili Peppers? El día en que ambas bandas sacaron sus mejores discos
Foto: Getty Images

Los Red Hot Chili Peppers decidieron que querían un ambiente interesante para las sesiones de grabación, y después de varias opciones eligieron la famosa “Houdini House”, la mansión del legendario Harry Houdini la cual se dice que está embrujada –pues hay quienes han dicho que les metieron un sustazo–. La casa, propiedad de Rubin, se equipó rápidamente con el equipo necesario y en mayo de 1991, la mayoría de los integrantes –excepto Chad Smith– decidieron mudarse a este lugar para trabajar el tiempo que sea posible en el estudio.

Un disco que le dio la libertad a la banda

La banda grabó durante un mes en la casa, y además de pasar por un momento de crecimiento musical, las canciones que estaban grabando se alejaban del sonido que presentaron en su trabajo previo. Por si esto no fuera suficiente, también se dieron un montón de libertades creativas y quien más disfrutó de esta situación fue Frusciante, pues pudo experimentar con los tonos de su guitarra tirándole más al funk y jugar con diferentes sonidos, como en el solo de “Give it Away”, que se convirtió en un gran éxito y sigue siendo una canción popular después de todos estos años.

La combinación de una producción estelar y una composición más melódica y madura resultó ser una combinación enormemente exitosa. Eso sí, las letras de estas canciones de los Red Hot Chili Peppers seguían siendo en su mayoría sobre divertirse, pero transmitieron ideas poderosas con Blood Sugar Sex Magik. Lo decimos porque Anthony Kiedis y compañía también dan mensajes antirracistas (“The Power of Equality”) y reflexiones sobre las relaciones rotas (“Breaking the Girl” y “I Could Have Lied”), concretamente las del frontman, quien canta de una manera melancólica como pocas veces podemos escuchar.

No a todos les encantó la fama y éxito

Finalmente el 24 de septiembre de 1991, el disco llegó a todas las tiendas y Warner Brothers aventó toda la carne al asador por este proyecto, encargando los vídeos de “Give it Away”, “Suck My Kiss”, “Under the Bridge” y “Breaking the Girl”, que se convirtieron en los sencillos principales del material que terminaron sonando por todos lados y algunas de las rolas más famosas de toda su discografía.

No se puede negar el impacto de Blood Sugar Sex Magik, que todavía hoy se considera como el lanzamiento más importante en la carrera de los Red Hot Chili Peppers. A todo el mundo le encantó el éxito, excepto a Frusciante, que pensó que de alguna manera manchaba la música. Su frustración lo llevó a dejar la banda a mitad de la gira y a sumergirse en las profundidades de la adicción a la heroína. A partir de ese momento, John fue y regresó en un par de ocasiones y afortunadamente ahora lo tenemos de vuelta con sus compañeros, creando discos interesantes. Sin embargo, este álbum que sacaron a inicios de los 90 y Californication probablemente sean los mejores trabajos de su historia, ¿no creen?

Nirvana se consagró con el legendario ‘Nevermind’

Ahora sí, llegó el turno de contarles un poco sobre la historia de uno de los discos más influyentes de la música, el Nevermind de Nirvana. Para 1991, Kurt Cobain y Krist Novoselic ya tenían la atención de un público pequeño pero fiel gracias a su álbum debut, Bleach. Sin embargo, en esa época llegó un elemento importante que junto a ellos conformó el trío perfecto: ni más ni menos que Dave Grohl.

Aunque había indicios de su sonido en otras bandas antes de que llegaran a la escena, ese año fue el momento perfecto para que los de Washington se abrieran paso. Su versión más austera de la fórmula versos tranquilos/estribillos fuertes, similar a la de los Pixies, y la voz ronca y característica de Cobain fueron el antídoto ideal contra el exceso de la década anterior del rock, y aunque en este disco todavía hay pequeños indicios de la producción de los años 80, la agresividad de la banda y la oscuridad de los temas líricos estaban sin duda más en sintonía con la sensación de aislamiento y pesimismo de la Generación X.

Nirvana
Foto: Getty Images

La banda creó un disco lleno de clásicos para la juventud noventera

Grabado principalmente en los estudios Sound City de Van Nuys, California con la producción del gran Butch Vig, con Nevermind, Nirvana terminó de pulir su estilo. Por un lado, teníamos los brutales golpes de batería por parte de Dave Grohl, a Krist Novoselic creando líneas de bajo discretas pero potentes y ni qué decir del sonido de la guitarra de Kurt Cobain, que con distorsión y algunos efectos, creó riffs memorables que cualquier joven que apenas comenzaba a tocar la lira podía tocar sin tener que estudiar años y años para lograrlo.

Gracias a rolas como “Come As Your Are”, “Polly”, “In Bloom”, “Something in the Way”, “Breed”, “Lithium” y más, la banda logró conectar con esos adolescentes incomprendidos de la década que encontraron en las letras de Cobain –donde hablaba de experiencias con las cuales se puede identificar en esa edad– y su manera de contarlas, una figura que tanto necesitaban pues los representaba y eso no lo veían veían en los artistas de las generaciones previas.

Sin duda, este álbum es uno de los más influyentes de la historia

Y por supuesto, no podíamos dejar pasar la canción más icónica del álbum, “Smells Like Teen Spirit”. Sabemos que la hemos escuchado hasta el cansancio, pues es uno de esos temas que las bandas de covers tocan a cada rato. Pero siendo muy honestos y analizándola un poco, esta rola es una muestra de lo que pasaba cuando Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl unían fuerzas. Con un inicio poderoso, versos tranquilos, coros estruendosos y pegajosos y un solo melódico pero memorable combinándose con el mensaje sobre rebeldía juvenil, hicieron que el movimiento de grunge explotara y le abrieron paso a muchas otras bandas.

Nevermind se estrenó el 24 de septiembre de 1991 y llegó en el momento exacto. Era música por, para y sobre un nuevo grupo de jóvenes que habían sido pasados por alto e ignorados, que no encajaban con los moldes de la sociedad. Pero no solo eso, pues con este material discográfico, Nirvana llevó al rock alternativo al público masivo, confirmando que era viable a nivel cultural y comercial. Y sí, hay un debate entre los fans porque algunos consideran que este es su mejor trabajo y otros opinan que In Utero, pero estamos de acuerdo en que los de Washington cambiaron la música de los 90 con su segundo álbum de estudio.

Cuando salió este disco,, había una pequeña división, pues un lado apoyaba a Kurt Cobain y compañía, pero los rockeros “true” estaban con otras bandas. Sin embargo, lo más cool de este asunto es que hablando de los Red Hot Chili Peppers en específico, tanto sus fans como los de Nirvana apreciaban a ambas agrupaciones.

Y ustedes, ¿con qué álbum se quedan, Blood Sugar Sex Magik o Nevermind?

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