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Así se perreaba en el Siglo de Oro
Las décadas de 1580 a 1620 fueron testigos de un florecimiento inusitado de bailes cantados, primero escondidos en tabernas y barrios marginales, más tarde creciendo en popularidad hasta llegar a palacios, iglesias y conventos.
A diferencia de las danzas, que usaban de “movimientos mas mesurados y graves, y en donde no se usa de los brazos, sino de los pies solos; los bailes admiten gestos mas libres de los brazos y de los pies juntamente”, escribió González de Salas en Nueva idea de la tragedia antigua, (1633, vol. I, p. 171).
La magnitud del peligro se ilustra con los graves castigos que llevaba aparejada la práctica de estos bailes: en 1583 los alcaldes de Madrid prohibieron la zarabanda bajo pena de doscientos azotes y seis años de galeras.
Censuras de los moralistas
No parece que tuvieran mucho éxito ya que, pocos años después, el erudito Juan de Mariana escribió un extenso ensayo contra la zarabanda, censurando que “ha salido estos años un baile y cantar tan lascivo en las palabras, tan feo con los meneos, que basta para pegar fuego aún a las personas muy honestas” (Tratado contra los juegos públicos, ca. 1590. f. 55).
Continúa Mariana criticando que en España “se representan, no sólo en secreto, sino en público, con extrema deshonestidad, con meneos y palabras a propósito, los actos más torpes y sucios que pasan y se hacen en los burdeles, representando abrazos y besos y todo lo demás con boca y brazos, lomos y con todo el cuerpo”.
Por las mismas fechas, el canónigo de la Catedral de Toledo Pedro Sánchez califica de auténtica locura esta pasión, preguntándose:
¿Qué cordura puede haber en la mujer que, en estos diabólicos ejercicios, sale de la composición y mesura que debe a su honestidad, descubriendo con estos saltos los pechos y los pies, y aquellas cosas que la naturaleza o el arte ordenó que anduviesen cubiertas? ¿Qué diré del halconear con los ojos, del revolver las cervices y andar coleando los cabellos y dar vueltas a la redonda y hacer visajes, como acaece en la zarabanda y otras danzas, sino que todos estos son testimonios de locura y no están en su seso los danzantes?
(Historia moral y filosófica, 1590, f. 102)
Las censuras se siguieron sucediendo en las décadas siguientes, lo que confirma que las prohibiciones no fueron demasiado efectivas. En 1598, el poeta Lupercio Leonardo de Argensola llega a denunciar, en un memorial dirigido al rey Felipe II, que “veíamos a las niñas de cuatro años en los tablados bailando la zarabanda deshonestamente” (incluido en Francisco Quiroga, Primera parte de las excelencias de la virtud de la castidad, p. 851).
A partir de finales de siglo se fueron sumando otros bailes no menos lascivos, como critica en 1627 el teólogo de la Orden de los Mínimos Lucas Montoya:
Lo que se debe mucho reprender son estos bailes y cantares que el demonio ha inventado, y va aumentando en España de cuarenta años a esta parte, desde que por los de mil y quinientos y ochenta, poco más o menos, inventó la zarabanda, tras ella la chacona, luego las seguidillas, ahora el escarramán y el rastro, y cantares y bailes indignos de los que profesamos la religión cristiana, y nos preciamos de hijos católicos de la Santa Iglesia Romana.
(Lucas Montoya, Sentido metafórico literal de todos los lugares de la Sagrada Escritura, 1627, f. 183v).
Según narra Cervantes en una de sus Novelas ejemplares, “el endemoniado son de la zarabanda” cantado a la guitarra es la llave mágica que utiliza el galán Loaysa para abrir las puertas de la fortaleza de El celoso extremeño y seducir a su joven esposa Leonora (Novelas ejemplares, 1613, f. 146v).
No obstante, no parece que fuera precisamente la música la causa de tantos estragos.
Más bien al contrario, eran los textos poéticos y la gestualidad los que producían mayor rechazo de los moralistas. Las críticas confirman que los bailarines realizaban gestos obscenos, probablemente representando distintas formas de acto sexual, llegando a mostrar los propios atributos de los danzantes “que la naturaleza o el arte ordenó que anduviesen cubiertas”.
Todo indica que el perreo existe desde mucho tiempo antes de lo que se pensaba.
Poemas licenciosos
Una de las principales consecuencias de tamaña persecución ha sido que pocos textos poéticos han llegado a nosotros, en su mayoría conservados fuera de España. Algunos ayudan a entender las reservas de los moralistas, ya que describen de manera bastante explicita distintos aspectos del juego amoroso.
Por ejemplo, en Italia y Francia se conservan varias copias de un poema que, a partir del estribillo “¿Cómo te pones, amores? / ¡Ay, vida!, ¿cómo te pones?”, va explicando las distintas posturas que adopta una mujer para solazarse con su enamorado, entre ellas la postura de la rana o la de la jineta:
Póngome como rana
nel cantico de la cama
y cuando me viene la gana
lo hago con mis amores.
Póngome a la jineta
encima de su bragueta
y dígole: ¡meta, meta
el zumo de sus piñones!
No resulta difícil imaginar los gestos que podrían adoptar dos bailarines mientras cantaban esta zarabanda, tanto o más explícitos que los que hacen los modernos bailantes de reguetón.
Todavía más directa es la zarabanda titulada Una batalla de amor, conservada en un manuscrito romano dedicado al príncipe Peretti, sobrino del papa Sixto V, cuyo papado se caracterizo por una persecución a ultranza de todo tipo de inmoralidades, especialmente de carácter sexual.
Este poema describe con un lenguaje ligeramente metafórico el encuentro carnal entre un galán y una dama, dos “valientes guerreros” que “salieron en cueros” armados con “un broquel” y “un puñal sin punta”. Las sucesivas estrofas van desgranando el acto amoroso, sin omitir detalle, hasta que alcanzan juntos el orgasmo y la relajación posterior.
El puñal de aquel encuentro
se lo metió hasta el centro
y ella, que lo sintió dentro
con herida tan süave,
dice «¡Ay, cómo me sabe
un poquito antes que acabe!».
Y mirando su herida,
la mano al puñal asida
dice «¡Ay de mí!, dolorida,
¿cómo entraste aquí y por dónde?».
¿Ay, adónde, a dónde?
Por en casa del conde. […]
Ella, que se ve morir,
le comenzó a decir:
-Ya viene, ¿quieres venir?
Ven, mi vida, que te espero.
Madre, que me muero,
llámenme al barbero.
Que me muero, madre,
llamen la comadre. […]
Al fin se vieron a un punto,
ella muerta y él difunto,
y echaron el resto juntos
por no perder coyuntura.
Para su ventura,
zarabanda y dura.
Zarabandas religiosas
Paradójicamente, también se compusieron zarabandas “a lo divino”, esto es, canciones religiosas basadas en la melodía del baile y acompañadas por algún remedo de la gestualidad original.
El poema más antiguo que se conserva es un villancico navideño basada en el tono de la zarabanda, escrita en México en 1569 por un tal Pedro del Trejo, que fue perseguido por la Inquisición, no por usar una melodía que entonces todavía no estaba prohibida, sino porque el poema contenía algunos conceptos teológicos considerados heréticos.
Pero uno de los ejemplos más sorprendentes son las Coplas en alabanza de Nuestra Señora de la Cabeza contrahechas a la zarabanda vuelto de lo humano a lo divino, un poema dedicado a esta devoción mariana de Andújar, impresa en 1594 en un pliego de cordel, probablemente para ser vendido por los ciegos durante la romería de la Virgen, que Cervantes evoca en su Persiles.
Transformar un poema y cantar erótico en otro devocional exigía una cierta dosis de flexibilidad mental que era más común en el Siglo de Oro que en nuestros días. Un ejemplo muy ilustrativo es la mutación del estribillo “¿Cómo te pones, amores?”, en “Mi Dios, ¿y cómo te pones / a morir por los pecadores?”.
Difusión por Europa
A pesar de estos intentos de “normalización” de un baile prohibido, parece que la persecución triunfo frente al solaz popular y la zarabanda fue erradicada de la monarquía hispana.
Eso no pudo evitar su progresiva difusión por el resto de Europa hasta acabar por convertirse en una de las principales danzas cortesanas en la bailarina Francia y un elemento indispensable de la suite barroca.
El erotismo pudo haber sido una de las causas de su éxito, como ilustra la anécdota de un enamorado Cardenal Richelieu que, en su afán por cortejar a la reina Ana de Austria, llegó a bailar la zarabanda en privado para ella, vestido de terciopelo verde, con cascabeles de plata en los tobillos y tocando las castañuelas, como narra en sus memorias el conde de Brienne, que fue su Secretario de Estado.
Censuras y prohibiciones tuvieron otro daño colateral, ya que no se ha conservado ningún rastro de la primitiva zarabanda en partitura y muy pocas trazas de otros bailes contemporáneos.
Lo único que tenemos, además de un puñado de poemas, son los acordes de la guitarra y algunos esquemas rítmicos de rasgueado. Combinando las distintas piezas en un proceso de restauración musical ha sido posible reconstruir muchas melodías perdidas.
Algo parecido a lo que hicieron en Jurassic Park con los dinosaurios, pero en este caso el único peligro sería volver a arrastrar a los españoles a la alegría y el desenfreno, algo que no nos vendría mal en estos tiempos.
Este artículo se publicó originalmente en The Conversation y está reproducido aquí bajo la licencia Creative Commons. Haz clic para leer el original en inglés aquí.
*Álvaro Torrente es profesor de Historia de la Música y director del Instituto Complutense de Ciencias Musicales de la Universidad Complutense de Madrid.
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Este 12 de enero de 2022, se dio a conocer la muerte de Ronnie Spector, vocalista y líder de The Ronettes, a los 78 años de edad. De acuerdo con un comunicado de su familia, el cual se puede leer en la página oficial de la cantante, Ronnie murió después de una dura batalla contra el cáncer. Sin duda, la música pierde a una de sus figuras más emblemáticas dentro del pop y la construcción de grupos integrados por mujeres.
“Nuestros amado ángel, Ronnie, ha dejado este mundo de manera pacífica después de una dura batalla contra el cáncer. Estuvo rodeada de su familia y en los brazos de su esposo Jonathan… Ronnie vivió su vida siempre con un brillo en sus ojos, una actitud divertida, un atrevido sentido del humor y una sonrisa en su rostro. Estuvo llena de amor y gratitud“, se puede leer en el comunicado.
La familia de Ronnie Spector anunció que en un futuro, se hará un evento para celebrar su vida y obra. También pidieron que se respetara su privacidad para atravesar el duelo.
Ronnie Spector / Foto: Getty Images
Ronnie Spector
Veronica Yvette Bennett nació el 10 de agosto de 1943 y fue criada en el Spanish Harlem de Nueva York. Desde pequeña se interesó en la música, y comenzó a cantar en varios lugares de la ciudad junto a su hermana Estelle y su prima Nedra Talle. Después de un rato, ya en su adolescencia, fundó The Ronettes para grabar su primer disco en 1961.
Pronto, la banda liderada por Ronnie Spector se convirtió en el parámetro de este tipo de bandas en la década de los 60. En 1963, su éxito creció cuando Phil Spector las firmó para producir cada uno de sus éxitos, entre los que destacan “Be My Baby”, pero también “Baby, I Love You”, “Walking In The Rain” y “Do I Love You”, entre otros.
Poco tiempo después de que conoceron a Phil Spector, comenzaron un romance y se casaron en 1968, matrimonio que terminaría en 1972. Muchos años después, Ronnie Spector confesó que durante su relación con el controversial productor, vivió una vida llena de abuso y violencia. Sin embargo, después de que se anunciara la muerte de Phil en 2021, Ronnie dijo que a pesar de que era un ser humano oscuro, también era un gran productor y nunca olvidaría la música que hicieron juntos.
The Ronettes
A partir del éxito de “Be My Baby” de 1963, es que The Ronettes emprendieron una gira internacional donde tocaron junto a The Roling Stones. Para 1966, cuando los Beatles llegaron a Estados Unidos para una gira, contraron a The Ronettes para abrir sus conciertos; sin embargo, algunos medios indicaron que Phil Spector le prohibió a Ronnie cantar, por lo que la banda apareció en los escenarios sin la vocalista principal…
Cuando en 1972 se separó de Phil, comenzó a construir de nueva cuenta su carrera, pues el productor le prohibia cantar o aparecerse en el escenario. Pero eso no significó que no tuviera algunos éxitos durante su matrimonio. En 1970, Ronnie cantó en “Earth Blues” de Jimi Hendrix y en 1971, liberó “Try Some, Buy Some” junto a Apple Records. La canción fue producida y escrita por George Harrison, y participaron en la música el mismo George junto al resto de los Beatles.
Pero fue hasta 1976, después de su ruptura, que comenzó a ver su carrera tomar un camino. Ese año Billy Joel le escribió “Say Goodbye to Hollywood”, y en el 77, Ronnie Spector grabó el track junto a Bruce Springsteen para salir como un single.
El nuevo milenio para Ronnie Spector
En 2004, Ronnie Spector fue reconocida por su contribución a la música popular de Estados Unidos, y entró al Vocal Group Hall Of Fame. Dos años después, “Be My Baby” se integró a la National Recording Registry of the Library of Congress por su importancia histórica y cultura. La canción, a incios de este 2022, entró al Hot 100 Chart de Billboard entre las 10 primeras. Esto no ocurría desde 1963; es decir, la rola regresó a las listas de éxitos después de 58 años. En marzo de 2007, Ronnie Spector and the Ronettes entraron al Rock & Roll Hall of Fame.
La entrada Murió Ronnie Spector, vocalista de The Ronettes, a los 78 años se publicó primero en Sopitas.com.
ues de anuncios individuales.Parece que fue ayer cuando el mundo entraba de lleno a los 2000, al nuevo milenio; ese momento dosmilero que aún se siente fresco pero que ya tiene sus añitos encima. Y si de algo estamos seguros, es que aquella época nos dejó mucha música genial, tal como en el periodo del 2002.
En ese sentido, se siente el trancazo duro de nostalgia cuando caemos en cuenta que estamos en el 2022 y que desde entonces, han pasado dos décadas. Ni se siente que haya pasado tanto, pero es verdad: crecimos con un montón de temas y álbumes geniales que nos marcaron para siempre, que en nuestra mente se sienten frescos a pesar del tiempo.
Nomás porque andamos nostálgicos y queremos que se nos unan en esta sensación, repasaremos a continuación algunos discos que en este año cumplen su 20 aniversario.
Foto: Matador Records.
A Rush Of Blood to the Head – Coldplay
Lanzamiento: 26 de agosto
Coldplay tiene sin duda un lugar como una de las bandas más icónicas de la primera década de los 2000 y sin temor a equivocarnos, A Rush of Blood to the Head es el disco que los colocó como una de las bandas más representativas de la época. Con su segundo disco, los ingleses nos trajeron temas como “In My Place”, “The Scientist”, “Green Eyes” y “Warning Sign” que seguro siguen resonando en las playlists de muchos fans. Discazo.
By The Way – Red Hot Chili Peppers
Lanzamiento: 9 de julio
Con su octavo disco de estudio, los Red Hot Chili Peppers demostraban que seguían bien vigentes incluso en el nuevo milenio. La banda nos mostró nuevamente un disco lleno de rock y fusión funky que se pudo sentir en temazos de la talla de “By The Way” que le da nombre al disco, “Dosed, “Can’t Stop”, “The Zephyr Song”, entre otras. Un material infaltable para los fans.
Come With Us – The Chemical Brothers
Lanzamiento: 28 de enero
Otro proyecto musical que le entró al nuevo milenio con un disco en 2002, fueron The Chemical Brothers y el disco en cuestión fue Come With Us. Para este momento, el grupo no necesitaba demostrar nada pues para ese momento ya eran leyendas de la música electrónica mundial, sobre todo del big beat. Pasan los años y rolas como “Star Guitar” nos siguen emocionando en grande.
Escapology – Robbie Williams
Lanzamiento: 18 de noviembre
Uno de los grandes exponentes del pop de los 2000 es Robbie Williams y hay un montón de discos que lo comprueban. Sin embargo, Escapology sobresale del resto por simplemente porque incluye ese mega hitazo que significó “Feel”, una rola que es un un clásico de la época en toda la extensión de la palabra.
Heathen – David Bowie
Lanzamiento: 11 de junio
Este disco es bastante especial por muchas razones. Primero que nada, Heathen demostró que David Bowie es eterno aunque los tiempos pasen y segundo, significó el regreso del productor Tony Visconti a un disco del Starman. Quizá no tiene el estatus de clásico como otros materiales, pero tiene unas canciones que no pueden faltar para todo buen fan de Bowie como “Slow Burn”.
Siempre es hoy – Gustavo Cerati
Lanzamiento: 26 de noviembre
Cuando entra en discusión cuál sería el mejor disco de Gustavo Cerati, la cosa viene brava. Mejor no meterse en problemas y disfrutar de la magia multifacética del argentino. Y si nos remontamos al 2002, la joya que debe uno escuchar de manera obligada, es Siempre es hoy. Elijan la rola que deseen porque todas están de 10. Desde “Cosas imposibles” hasta “No te creo”, pasando por “Artefacto” o “Amo dejarte así”.
Heathen Chemistry – Oasis
Lanzamiento: 1 de julio
Siempre conflictivos cuando se trata de lanzar discos y componer, pero unos genios sea como sea. Los hermanos Gallagher entregaron en 2002 el genial pero infravalorado Heathen Chemistry que nos dejó rolas chidas como “Stop Crying Your Heart Out”, que nomás de escucharla se le pone a uno la piel chinita.
Highly Envolved – The Vines
Lanzamiento: 14 de julio
The Vines es una banda que brilló bastante en los 2000 y formó parte de esa camada de grupos como The Libertines y The Strokes que trajeron de vuelta la esencia garagera al ruedo. Su disco Highly Envolved es una de esas joyas dosmileras que no entendemos por qué no brilló de la misma manera que otros materiales discográficos contemporáneos. Quizá el hecho de no ser ellos de Estados Unidos o Inglaterra (son de Australia), les jugó la mala pasada cuando esos dos países han sido el foco de atención de la industria históricamente.
Pero que discazo es este de The Vines, la verdad.
One By One – Foo Fighters
Lanzamiento: 22 de octubre
Este es el primer disco que los Foo Fighters lanzaron en el nuevo milenio y de alguna manera, nos mostraba lo que Dave Grohl y compañía querían hacer: canciones llenas de potencia y otras más emotivas, pero igualmente poderosas. En este álbum, que fue el primero que hicieron con el guitarrista Chris Shiflett ya integrado, encontramos tracks clásicos de la banda como “Times Like These” o “All My Life”, que son la muestra de que la banda puede echarle a los riffs duros y a los temas más relajados al mismo tiempo.
Sea Change – Beck
Lanzamiento: 24 de septiembre
Si andas de bajón por aquello del amor, este es el disco que no puedes dejar pasar. Sea Change de Beck es un viaje melancólico para los corazones rotos y no lo decimos solo porque suena nostálgico en cada track; el propio compositor ha dicho que este álbum se inspiró prácticamente en su ruptura con la novia que tuvo de toda la vida. Repetimos: si andan tristones, este es el antídoto para que los hará sentir comprendidos. Si no lo creen, échenle una escuchada a “It’s All in Your Mind”.
The Eminem Show – Eminem
Lanzamiento: mayo del 2002
No es que queramos hacer menos a los discos de Eminem anteriores a este, pero debemos decir que The Eminem Show es en toda la regla el que terminó por encumbrarlo como una leyenda viva del rap. Por otro lado, este material es recordado también por ser el que más se vendió en Estados Unidos y el mundo entero en 2002, así que no hay mucho que decir para referirnos a este discazo como un infaltable de la primera década de los 2000. ¿Hay alguien que de plano no conozca “Without Me”?
Turn On The Bright Lights – Interpol
Lanzamiento: 19 de agosto (Reino Unido), 20 de agosto (Estados Unidos)
Dentro de la movida neoyorquina dosmilera, sabemos que Interpol tiene su nombre escrito con letras de oro. Y aunque es algo debatible, no cabe duda que Turn On The Bright Lights, su disco debut, es uno de sus mejores trabajos. Todavía no podemos creer que ese indie-rock de corte garagero con toques de post-punk nos siga emocionando tanto como la primera vez con rolotas como “Obstacle 1”, “NYC”, “PDA” o “Say Hello to the Angels”.
Up The Bracket – The Libertines
Lanzamiento: 14 de octubre
La batalla del rock dosmilero la libraban, como es costumbre, Estados Unidos e Inglaterra. Desde el continente americano, The Strokes eran la sensación del revival de corte indie-garagero mientras que en el Reino Unido, The Libertines marcaban la tendencia. Pero si somos justos, la actitud más frenética y alocada venía del lado británico, con la banda de Pete Doherty y Carl Barat recuperando la esencia del rockstar de antaño desfachatado y desvergonzado. Y todo eso, se dejaba escuchar en el fabuloso Up The Bracket. Qué discazo.
Yoshimi Battles The Pink Robots – The Flaming Lips
Lanzamiento: 16 de julio
The Flaming Lips venían de un periodo noventero de carrera muy ajetreado, complicado y hasta tóxico. Pero cuando entraron al nuevo milenio, decidieron canalizar todo eso en un disco que resultó una joya contemporánea de la neo-psicodelia:Yoshimi Battles The Pink Robots. Y es que este disco tiene de todo, hasta esa increíble canción llena de emotividad llamada “Do You Realize?” de la cuál te contamos la historia detrás POR ACÁ.
Audioslave – Audioslave
Lanzamiento: 18 de noviembre
No lo vamos a negar: Audioslave de verdad fue una grata sorpresa para la escena del rock cuando aparecieron con su disco debut homónimo. Y bueno, no es como que no esperáramos un gran material pues tener a Chris Cornell y el ensamble musical de Rage Against The Machine juntos sonaba a garantía… pero fue más de lo que seguro tenían en mente los fans. Este disco es la combinación perfecta de rock alternativo y hard rock, con temazos al por mayor del calibre de “Cochise”, “Show Me How To Live”, “Like A Stone”, “Be Yourself”, “I Am The Highway” y más. Pfff, puro track poderoso.
La entrada Nostalgia pura: 15 discos que cumplen 20 años en el 2022 (parte 1) se publicó primero en Sopitas.com.
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Confirmado: Harry Styles, Billie Eilish, Kanye West y la Banda MS en el cartel de Coachella 2022
Luego de varias semanas llenas de rumores, este 12 de enero se dio a conocer que Billie Eilish, Harry Styles, Swedish House Mafia y Kanye West (YE), serán los headliners para la edición 2022 de Coachella, festival que se realizará en los fines de semana del 15 al 17 y del 22 al 24 de abril. ¡Wow!
Fue a través de sus redes sociales donde el evento de música, el cual se realiza en Indio, California, dio a conocer la lista de bandas y artistas que se presentarán en sus escenarios este año, uno que supone el regreso de Coachella al mundo de los festivales masivos post-pandemia, pues desde 2019 nomás’ no ha podido realizar otra edición.
Foto: Getty Images
La Banda MS se presentará en Coachella 2022
Hablando del cartel, Billie Eilish y Harry Styles no son los únicos que llaman la atención o nos sorprende ver. De hecho hay nombres como el de la Banda MS –que también se presentará en el Vive Latino de este año– y otros como Dany Elfman, Doja Cat, Run The Jewels, Lana del Rey, Arlo Parks, entre otros más que podrían bajar a nuestros país por esas fechas.
Como recordarán, en 2020 y 2021 Coachella tuvo que posponerse por culpa de la emergencia sanitaria y las variantes de COVID-19 que aparecieron en todo el mundo. Si bien aún no se sabe qué pasará este año con la ya conocida variante ómicron, aparentemente los planes de realizar este festivalazo siguen en pie hasta nuevo aviso.
Foto: Coachella.
Billie Eilish, Harry Styles y Kanye West llegan al rescate después de la baja de Travis Scott
Por otro lado, los cambios en el cartel llegaron después de que hace unas semanas la organización del festival decidiera bajar del lineup a Travis Scott, esto luego de la tragedia ocurrida en el festival Astroworld, evento organizado por el rapero en donde 10 personas perdieron la vida y otras 300 personas –aproximadamente– resultaron heridas.
A pesar de que Travis incluso se ofreció a cantar gratis en Coachella, la presión social fue tan grande que Coachella decidió apostar por poner otros grandes nombres en su cartel para este 2022. Uno que esperamos no vuelva a sufrir las consecuencias de la pandemia.
Foto: Getty Images
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