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Influencias del rap y su conexión con México: La historia detrás de “R U Mine?” de Arctic Monkeys
Sin duda, Arctic Monkeys es una de las bandas más importantes de los últimos tiempos. Lo que hicieron con su disco debut a mediados de los 2000 –para algunos especialistas– fue lo mismo que sucedió con el Is This It de The Strokes a inicios del siglo–, reinventaron el rock británico e iniciaron la etapa de promoción musical a través de redes sociales. Sin embargo, con el paso del tiempo, Alex Turner, Matt Helders, Jamie Cook y Nick O’Malley han cambiado su sonido y no se estancan en el pasado.
Más tarde vinieron grandes álbumes como Favourite Worst Nightmare y Humbug, que los colocaron como una de las agrupaciones que se convirtieron en abanderadas de un nuevo movimiento en el Reino Unido. Sin embargo, hay canciones dentro de su catálogo que marcaron un antes y después en su carrera, temas que iniciaron una nueva etapa de evolución y entre ellas podemos nombrar a “R U Mine?”.
Arctic Monkeys inauguró una nueva etapa con “R U Mine?”
Fue en 2012 cuando después del lanzamiento de su cuarto material discográfico, Suck It And See, los Arctic Monkeys decidieron lanzar una rola completamente nueva. La canción elegida fue “R U Mine?”, que a decir verdad se encontraba en un limbo sonoro bastante interesante, entre su álbum previo y lo que escucharíamos en AM. Así que como verán, resultó ser el primer sencillo del disco más exitoso de la banda a nivel comercial.
Desde que estrenaron este tema el 27 de febrero de aquel año, nos voló la cabeza porque tenía esa crudeza y sencillez a nivel estructura, pero que manejaba riffs influenciados por el stoner (obviamente gracias a Josh Homme) y una base de batería bastante relajada por parte de Matt Helders, aunque de repente nos sorprendía con arreglos alucinantes. Pa’ pronto, era una gran muestra de lo que escucharíamos en el futuro.
Sobre esta canción, el frontman de los Arctic Monkeys recordó que la compusieron justo cuando estaban de gira con The Black Keys en 2012:
“Habíamos agotado ‘Suck It And See’ , entonces pensamos que deberíamos hacer una nueva canción. Esa gira nos hizo subir la vara como un acto en vivo: estás tocando mientras todos entran y compran sus hot-dogs, tienes que atraerlos de alguna manera. ‘R U Mine?’ fue un momento de rayo de luz, descubrimos algo a través de la grabación de esa canción que pensamos que valía la pena explorar”.
Declaró Alex Turner al respecto.
Alex Turner se inspiró en el rap para componer la letra
Sin embargo, a pesar de que en “R U Mine?” había elementos familiares dentro del trabajo de Arctic Monkeys, también teníamos cosas completamente nuevas. Una de ellas fue la forma en que Alex Turner cantó la letra –la cual se refiere a una pregunta bastante obvia que el protagonista le hace a su pareja–, ya que para esta rola en particular, decidió tomar distintas inspiraciones a la hora de cantar.
El propio Turner lo explicó en entrevista con la revista Mojo: “Lo que más me entusiasmó fue la producción vocal, era algo que no habíamos explorado hasta ese punto antes. Quería hacer estas melodías serpenteantes que no se repiten, como en ell R&B contemporáneo”. Sin embargo, el frontman también confesó que lo influenció mucho el trabajo de varios raperos como Lil Wayne y Drake… sí, no es broma.
“Hemos estado escuchando mucho de su material recientemente (hablando de Drake y Lil Wayne). Me gusta esa cosa que hacen cuando hablan de algo al revés, entonces hablan de eso pero luego dicen lo que realmente es en la siguiente línea. Es difícil para explicar, pero supongo que es un pequeño guiño a esa idea. Entonces digo, ‘I’m a puppet on a string’, justo antes de mencionar Tracy Island. De eso se trata: incertidumbre”, confesó Alex Turner sobre su forma de cantar en “R U Mine?”.
El video de este sencillo también llamó la atención
Otro punto importante fue el videoclip con el que los Arctic Monkeys promocionaron la rola. Este visual contó con la dirección de Aaron Brown y Ben Chappell del colectivo Focus Creeps (quienes estuvieron a cargo de los clips de “Suck It And See” y “Black Treacle”) e inicia con el exintegrante de Sex Pistols y presentador, Steve Jones, estrenando la canción en su programa de radio.
Más adelante aparecen Alex Turner y Matt Helders encima de una camioneta cantando “R U Mine?” y grabándose con una cámara dañada. Casi hasta el final, aparece una chica misteriosa usando un sombrero de vaquero que llega hasta donde está la banda tocando la rola –y por fin se les une Nick O’Malley–.
Un video que en esencia es bastante sencillo, pero que en el fondo le costó mucho tiempo de esfuerzo a los integrantes de la banda y sobre todo, llamó la atención por la estética visual que mostraron y que meses después formarían parte de todo lo que tuvo qué ver con AM. Tal cual, esto fue lo que contó sobre la grabación el baterista de los Arctic Monkeys:
“Lo hicimos sin planearlo,, cuando Jamie (Cook) ni siquiera estaba allí. No estaba planeado en absoluto. Estábamos en Los Ángeles, justo antes de la gira de apoyo de The Black Keys (…) Practicamos durante toda la semana, Alex y yo, solo sin tocar la parte final. Hicimos todas las partes, solo sentados. en el coche toda la semana haciendo gestos con las manos una y otra vez y siendo bastante raros en general”.
La curiosa conexión de “R U Mine? con México
Después de su lanzamiento el 27 de febrero de 2012 en plataformas digitales, “R U Mine?” comenzó a sonar por todos lados y se convirtió en una de las favoritas de los fans de los Arctic Monkeys. Y eso se pudo notar casi un mes después –el 28 de marzo de ese mismo año–, cuando la banda visitó México por segunda ocasión y dio un conciertazo memorable en el Palacio de los Deportes de la CDMX.
En aquella ocasión, Alex Turner, Matt Helders, Jamie Cook y Nick O’Malley presentaron Suck It And See ante sus fans mexas, pero también dieron un recorrido por sus tres discos anteriores. Sin embargo, uno de los momentos más espectaculares de este show fue cuando tocaron “R U Mine?”, porque tal como lo anunciaron, grabarían un videoclip en vivo de esta rola desde la capital chilanga.
En este videoclip se puede ver brevemente a los Arctic Monkeys durante el único encore que hubo en ese concierto. Después de relajarse unos minutos, regresan al escenario del Palacio de los Deportes para tocar la canción y se puede sentir la vibra de todos los fans mexicanos, que estaban vueltos locos y que quedó como un documento para la posteridad que solo algunos pueden presumir.
Todo termina con una imagen del micrófono de Alex Turner, el cual tenía colgando un par de sostenes, jiar jiar. Desde entonces, cada que los de Sheffield han vuelto a nuestro país, esta rola es infaltable en su setlist –con ella cerraron su show en el Foro Sol– y sin duda, demuestra que a pesar de los años y de alguna extraña manera, siempre relacionarán “R U Mine?” con el momento que estaban pasando en 2012 y sobre todo, con México.
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Drake Bell canta intro de ‘Drake y Josh’ a ritmo de regional mexicano (VIDEO)
Drake Bell fue el protagonista de una de las series que marcaron a los jóvenes mexicanos durante mediados de los años 2000 e inicios de los 2010, “Drake y Josh“. Un grupo de músicos lo animaron a cantar la intro de la serie, el tema “Found a Way” al ritmo del regional mexicano en Chihuahua.
Drake, quien pasa temporadas en México, aparece sonriente y animado cantando el clásico tema que para los fans fue un momento conmovedor.
“Esto es lo más random que nunca imaginamos los que veíamos drake y Josh en nuestra adolescencia“. “Oye, tranquilo pariente”. “La seriedad y respeto que le puso Drake amé”. “Quién no puede amar a Drake Bell es bello y es muy humano y humilde“, opinaron algunos cibernautas sobre el momento que ya se volvió viral en las redes sociales.
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Varios cibernautas tomaron como una “señal” lo sucedido con Drake y su reciente interpretación de “Found a Way”: “¿quién pidió esta señal?”.
La relación entre Drake Bell y Josh Peck, protagonistas de la serie, ha sido compleja y ha pasado por altibajos a lo largo de los años. Drake y Josh se conocieron mientras trabajaban en la serie de Nickelodeon, donde desarrollaron una fuerte amistad durante su tiempo juntos en el programa.
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Tras la finalización de la serie en 2007, su relación comenzó a enfriarse. Aunque compartieron momentos juntos en eventos como los MTV Video Music Awards, no mantuvieron una comunicación constante.
En 2017, Josh Peck se casó con Paige O’Brien y no invitó a Drake Bell a su boda. Esto provocó una reacción negativa de Bell, quien expresó su decepción públicamente a través de Twitter, aunque luego borró el mensaje.
Con información de SUN
MBV
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Estos son 10 de los discos más caros que se han grabado (hasta la fecha)
Lo que necesitas saber:
Muchas bandas y artistas han gastado una lanota para crear sus álbumes. Y aquí les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado.
En la actualidad, gracias a la tecnología, cualquier artista o banda puede grabar música en una computadora, sin la necesidad como tal de entrar a un estudio de grabación profesional y cubrir los gastos que eso implica. Sin embargo, a lo largo de la historia aparecieron discos que fueron tan caros que con eso se pudieron comprar varios supers.
Hace muchos años, era normal que un cantante o un grupo tuviera a su disposición una buena cantidad de dinero para producir y grabar sus proyectos. Aunque desde entonces, ya habían materiales discográficos cuyos presupuestos rayaban en la locura, pues nadie podía creer que gastaran tanto en crear un álbum de estudio.
Y para que chequen que hay artistas y bandas que eran capaces de poner una verdadera millonada con tal de crear las canciones y conceptos que tenían en la mente, a continuación les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado en la historia de la música (con todo y cifras actualizadas con el precio del dólar en 2024).
Estos son 10 de los discos más caros de grabar de la historia
Fleetwood Mac – ‘Tusk‘
Arrancamos esta lista con una banda que tiene una historia complicada. Así es, nos referimos a Fleetwood Mac, que aparece en el conteo de los discos más caros de todos los tiempos con Tusk, su doceavo álbum de estudio cuya grabación salió en la asombrosa cantidad de casi 6 millones de dólares de la actualidad.
Luego del éxito del icónico Rumours, la banda –a petición de Lindsey Buckingham– empezó a trabajar en un álbum más experimental y conceptual, donde jugaron con sonidos del punk rock y del new wave. El resultado fue un disco que tuvo una alta producción en las canciones en las que incluso contaron con la participación del exguitarrista del grupo, Peter Green.
A pesar de lo arriesgado que era buscar salirse de su zona de control para explorar otros géneros, Tusk se consideró como un fracaso comercial por su sello discográfico, vendiendo cuatro millones de copias en todo el mundo. De cualquier manera, se ganó buenas críticas y sobre todo, el gusto de su público, que lo convirtió en un clásico de culto.
Pero hablando de números, se estimó que los costos de producción del álbum inicialmente estaban en alrededor de 1 millón de dólares de la época, pero muchos años después se reveló que eran de aproximadamente 1.4 millones (equivalente a $ 5.88 millones de 2024), lo que lo convierte en uno de los discos de rock más caros de grabar hasta la fecha.
Billy Idol – ‘Charmed Life‘
Billy Idol es toda una leyenda de la música y por supuesto que se puede dar el lujo de desembolsar una lanita para grabar sus discos. Sin embargo, llevó todo al límite con Charmed Life, su cuarto material discográfico, pues para pagar todo este proyecto se gastó la nada despreciable cantidad de 3 millones y medio de dólares.
A finales de los 80, Billy andaba buscando nuevos aires. Es por eso que decidió que en esta ocasión no trabajaría con el guitarrista Steve Stevens (como en sus tres discos anteriores) para colaborar con Mark Younger-Smith, quien en palabras de Idol le “dio un eje, alguien con quien podía trabajar para formar un sonido y una idea para este álbum”.
Billy Idol terminó las sesiones para el álbum el 5 de febrero de 1990 y después de recoger las mezclas finales de Charmed Life resultó gravemente herido en un accidente de motocicleta. El 30 de abril de 1990 vio la luz este material discográfico y no le fue nada mal, pues recibió certificación platino por sus ventas.
Este disco incluye temazos, como “Cradle of Love” y el cover a “L.A. Woman” de The Doors. Pero si esto no fuera suficiente, los videoclips de los primeros dos sencillos del álbum contaron con la dirección del mismísimo David Fincher. Así que probablemente en eso se fue gran parte del presupuesto para este proyecto.
Aerosmith – ‘Rock in a Hard Place‘
Se sabe que en los 70 y 80, Aerosmith era una de las bandas más importantes del planeta y gastaban dinero a lo loco en excesos. Sin embargo, esa lana también la ponían para sus discos, tal es el caso de Rock in a Hard Place, su séptimo álbum de estudio, el cual les salió en poco más de 4 millones de dólares de estos tiempos.
Durante esa época, la banda estaba pasando por un momento complicado, tras la salida de Joe Perry y Brad Whitford. De cualquier manera, Steven Tyler (quien andaba lidiando con el abuso de drogas) y compañía buscaron reemplazos para grabar este material discográfico. Es por eso que durante dos años trabajaron en el disco sin conseguir el sonido y concepto que andaban buscando.
El 27 de agosto de 1982, Aerosmith lanzó Rock in a Hard Place y definitivamente, no tuvo el recibimiento que ellos esperaban. La crítica lo destrozó, pues a pesar de señalar que se atrevieron a experimentar con riffs más pesados, perdieron por completo la esencia que tenían con ese sonido blusero que tanto los caracterizaba.
Tras este descalabro en su carrera, las cosas cambieron dentro de la agrupación. Perry regresó y retomaron el camino musical por el que se hicieron famosos. Pero de todos modos, no podemos dejar de lado el hecho de que Steven Styler y los demás miembros probablemente se pudieron ahorrar unos dólares si no grababan este disco.
Wu-Tang Clan – ‘Once Upon a Time in Shaolin‘
La historia del Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan es fascinante por sí sola. No lo decimos únicamente porque grabarlo costó más de 3 millones de dólares de estos tiempos, también lo mencionamos porque solo existe una única copia de este álbum y no está disponible para descargar ni mucho menos para escucha en plataformas de streaming.
El colectivo de rap trabajó en secreto en este disco durante seis años, desde 2007 hasta 2013, del cual como ya lo mencionamos, solo hicieron una copia de dos CD’s en 2014 y estuvo guardado en una bóveda segura. Un año después, a través de una casa de subastas, el álbum se vendió a un comprador llamado Martin Shkreli, el director ejecutivo de Turing Pharmaceuticals, que pagó unos 2 millones de dólares por él y firmó un acuerdo legal donde se comprometía a no explotarlo comercialmente hasta 2103.
En marzo de 2018, Shkreli fue condenado por fraude de valores. Es por eso que un tribunal federal confiscó los activos que le pertenecían, incluido Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan. En julio de 2021, el Departamento de Justicia de Estados Unidos lo vendió a un grupo de coleccionistas de NFT’s por 4 millones de dólares para cubrir las deudas de Martin.
Aunque no se puede publicar el disco con fines comerciales, el acuerdo que firmó Martin Shkreli le daba chance de ponerlo en fiestas de escucha. Es por eso que en 2024 se reprodujo el álbum por primera vez en el Museo de Arte Antiguo y Nuevo de Hobart, Tasmania. Por si esto no fuera suficiente, los dueños del material comenzaron a vender fragmentos como NFT. No cabe duda que este disco tiene una historia loquísima.
Kanye West – ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy‘
Otro caso de un rapero que despilfarró una marmaja jugosa para crear un disco. Así es, nos referimos a ni más ni menos que Kanye West, quien para grabar y producir su exitoso quinto material discográfico, My Beautiful Dark Twisted Fantasy, se gastó la enorme cantidad de 4 millones de dólares. Aunque quizá, ese gasto se puede justificar.
Después de una interrupción en su carrera, West trabajó en el álbum entre el 2009 y 2010. En este disco, siguió la idea de trabajar con muchos letristas, músicos y productores, entre ellos Jay-Z, Kid Cudi, John Legend, Pusha T, Bon Iver, Q-Tip, RZA, Pete Rock, Mike Dean, No I.D. y Jeff Bhasker. El resultado fue una colección de canciones que posicionó a Kanye como una de las mentes creativas más importantes de su generación.
El 22 de noviembre de 2010 salió a la venta My Beautiful Dark Twisted Fantasy y fue un golazo en la trayectoria de Kanye West, pues este disco incluyó temazos como “Power”, “Runaway”, “Monster” y “All of the Lights” que le valieron elogios tanto de la crítica especializada como de sus fans de hueso colorado.
No por nada, es considerado uno de los mejores álbumes de rap de la historia, así como uno de los mejores discos del siglo XXI e incluso de todos los tiempos. Es por eso que decimos que se puede justificar la lanota que Kanye invirtió en grabar y producir este impresionante material discográfico.
Korn – ‘Untouchables’
Aunque no lo crean, Korn se pasó con el presupuesto y ocupó una buena lana para la producción de Untouchables, su quinto material discográfico. Para que chequen el dato, se dice que gastaron poco más de 6 millones de dólares de la actualidad. Y en palabras de la agrupación, se debió al mantenimiento de su equipo de 15 personas durante los casi dos años que necesitaron para terminarlo.
A principios de 2001 comenzaron a crecer las tensiones entre los miembros de la banda, sobre todo por el abuso de drogas del bajista Reginald ‘Fieldy’ Arvizu. Finalmente, lograron escribir el álbum y lo grabaron, pero tardaron un buen rato en publicarlo, lo cual provocó que no existiera mucho interés tanto de la crítica como de los fans.
El 11 de junio de 2002, Korn lanzó oficialmente Untouchables y, a pesar de las buenas críticas y los intentos de su sello discográfico por armar estrategias de ventas (ya saben, sacando una edición limitada con bonus tracks, ilustraciones, DVD y toda la cosa), este disco tan costoso fue un fracaso comercial para la banda.
El grupo culpó a la piratería por la caída de sus ventas en comparación con sus discos anteriores, pues una versión del álbum sin terminar se filtró en internet tres meses antes de su lanzamiento oficial. De cualquier manera, este material discográfico es considerado como uno de los mejores trabajos de Jonathan Davis y compañía.
Garth Brooks – ‘Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines’
En la lista tenemos que mencionar a un artista que quizá no hubieran imaginado que verían dentro de los discos más costosos de todos los tiempos. Se trata de Garth Brooks, quien en 1999 lanzó Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, un álbum que en precios actuales, costó unos 9 millones de dólares… no es broma.
En esa época, el artista de country estaba pasando por un momento importante de popularidad, así que se le ocurrió una gran idea para su siguiente álbum: hacer un disco conceptual en el que Brooks toma la personalidad y el alter ego de Chris Gaines, un cantante de rock australiano. Sin embargo, sus planes eran más ambiciosos.
Resulta que la música de este disco originalmente estaba planeado que fuera la banda sonora de una película llamada The Lamb, en la que Garth Brooks interpretaría Chris Gaines y recorrería los diferentes períodos de su vida. El álbum se lanzó un año antes de la fecha de estreno programada para la cinta para despertar el interés en que el cantante formaría parte del proyecto.
Pero debido al fracaso comercial de Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, problemas financiero y que nadie entendió lo que estaba haciendo, la película nunca se filmó. Así que definitivamente, no valió la pena los millones de dólares que se invirtieron para la grabación de este material discográfico.
Def Leppard – ‘Hysteria’
Entrando a los puestos de honor, tenemos uno de los discos más importantes en la carrera de Def Leppard y de la década de los 80. Así es, hablamos de Hysteria, el cuarto material discográfico de la banda británica que, ajustado a los precios de la actualidad y aunque no lo crean, salió en unos 12 y 13 millones de dólares.
Durante el proceso de grabación, la agrupación de hard rock pasó por momentos complicados y una serie de inconvenientes que atrasaron más de lo debido la producción de este álbum, por alrededor de casi cuatro años. Entre ellos el accidente donde Rick Allen perdió el brazo izquierdo, así como una serie de cambios de productor.
Después de mucha espera, el 3 de agosto de 1987 salió oficialmente Hysteria y fue todo un trancazo, pues es el disco más exitoso de la banda hasta la fecha con alrededor de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo. Eso sin contar que incluyó rolones como la canción homónima, “Women”, “Animal”, “Pour Some Sugar on Me”, “Love Bites”, “Armaggedon It” y “Rocket”.
Al parecer, el gasto que se hizo en la grabación de este álbum fue justificado, pues más allá de las certificaciones y las ventas, se convirtió en uno de los materiales más influyentes no solo del hard rock, sino de toda la década de los 80. Tanto así que Rolling Stone y Q lo incluyeron en sus listas de los mejores álbumes de todos los tiempos.
Guns N’ Roses – ‘Chinese Democracy’
Por supuesto que en esta lista no podía faltar uno de los discos más controversiales y costos de la historia: el famoso Chinese Democracy de Guns N’ Roses, un álbum que actualmente podemos decir que representó un gasto de cerca de 20 millones de dólares y que tardó más de una década en ver la luz.
A mediados de la década de 1990, tras el éxito que tuvieron con proyectos como Use Your Illusion y The Spaghetti Incident?, la banda empezó a tener diferencias creativas y personales. En este lapso, Slash, Gilby Clarke, Duff McKagan y Matt Sorum renunciaron o fueron despedidos. Solo quedaron Axl Rose y el tecladista Dizzy Reed, y con un nuevo equipo de músicos comenzaron a trabajar en su siguiente álbum.
Se dice que la disquera de Guns N’ Roses le ofreció un millón de dólares de la época a Axl si terminaba el disco en 1999 y agregaría otro millón si el álbum estaba listo para antes del 1 de marzo de ese mismo año. Sin embargo, eso nunca pasó, pues Rose pasó por problemas legales, personales y encima, no estaba contento con lo que había grabado.
Fue hasta el 23 de noviembre de 2008 cuando Chinese Democracy llegó a las tiendas y para muchos, fue una enorme decepción, pues no estuvo a la altura de lo que esperaban los fans. Al menos, pudieron recuperar una lana de lo que invirtieron para la grabación, pues lograron vender más de 8 millones de copias en todo el mundo (un verdadero logro ya que poca gente seguía comprando discos físicos en esa época y encima, tenían el problema de la piratería).
Michael Jackson – ‘Invincible’
Fácilmente en los primeros puestos entrarían varios discos de Michael Jackson, como HIStory: Past, Present and Future, Book I y Dangerous (que costaron entre 20 y 22 millones de dólares respectivamente). Pero en el lugar de honor tenemos a Invicible, el décimo y último álbum del ‘Rey del Pop’ que ajustado a la actualidad, salió en unos 50 y 60 millones de dólares… así como lo leen.
En 1997, Michael inició las grabaciones del álbum. Sin embargo, se dice que tardó tanto en terminar estas canciones porque se tomó el tiempo de acomodar tanto los instrumentos como los ritmos, mezclas e incluso frecuencias hasta que estuviera satisfecho con el trabajo final. De hecho, el propio cantante declaró que le puso tanto empeño al proyecto porque no estaba seguro si iba a continuar haciendo más discos.
Finalmente, el 30 de octubre de 2001 salió a la venta Invincible donde incluso hubo apariciones de Carlos Santana, Slash y el difunto The Notorious B.I.G. Y aunque no tuvo hits memorables, le fue muy bien en cuanto a críticas y ventas e incluso consiguió la certificación de doble platino, así que no estuvo nada mal para Michael Jackson.
Sin embargo, tras varias discusiones con su discográfica (porque Michael se negó a hacer una gira para promover el álbum y el sello detuvo la promoción de este material), Jackson no volvió a publicar música nueva en vida. De cualquier manera y aunque han pasado los años, sigue teniendo el récord por grabar el disco más costoso de todos los tiempos.
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Día del Músico 2024: ¿Por qué Santa Cecilia es considerada la patrona de los músicos?
El Día del Músico es una festividad que se celebra cada 22 de noviembre como una manera de reconocer el impacto y la relevancia de los músicos en nuestra sociedad.
Además, la fecha también se presenta como un espacio de reflexión para repensar los desafíos contemporáneos que enfrentan quienes ejercen esta profesión artística hoy en día.
En este sentido, la efeméride resalta lo importante que es la música como un medio para expresar, comunicar y sentir. Es imprescindible valorar el trabajo de quienes logran transmitir emociones y conectar a las personas a través de su talento y los sonidos.
A lo largo de la historia, la música ha jugado un papel significativo en diversas civilizaciones. En el antiguo Egipto, la música estaba asociada a prácticas religiosas, siendo utilizada en rituales sagrados y reservada para los sacerdotes. En la antigua Grecia, tenía un lugar central en su mitología, donde se le atribuía un poder divino.
Asimismo, durante la Edad Media, la música estuvo estrechamente vinculada a la Iglesia, convirtiéndose en una herramienta de culto y devoción. Con el Renacimiento, la música floreció, particularmente con el auge de la polifonía, que dio lugar a nuevas formas musicales y técnicas compositivas.
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En 1997, la UNESCO proclamó el Día Internacional del Músico, como un medio para reconocer la influencia de la música y su papel esencial en las culturas de todo el mundo.
Esta fecha también invita a reflexionar sobre los desafíos contemporáneos que enfrentan los músicos. A pesar de los avances tecnológicos que han transformado la industria musical, los artistas siguen enfrentando dificultades económicas, la competencia por la visibilidad en un mercado saturado y la constante necesidad de adaptarse a las nuevas plataformas digitales de distribución.
Un aspecto relevante de esta celebración es la relación entre el Día del Músico y Santa Cecilia, considerada la patrona de los músicos.
Según las tradiciones, Santa Cecilia fue una mujer de profunda fe cristiana que, mientras celebraba su matrimonio, escuchaba melodías instrumentales, pero en su interior cantaba a Dios en silencio. Este detalle la asoció con la música, considerando su canto una manifestación de devoción espiritual.
A pesar de ser perseguida por su fe, Santa Cecilia permaneció firme en sus creencias hasta su martirio, lo que le permitió convertirse en un símbolo de resistencia y fe.
En 1584, la Iglesia Católica la nombró oficialmente patrona de los músicos, y desde entonces, su figura ha estado ligada a la celebración del Día Internacional del Músico.
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CM
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