Connect with us

Musica

“La música es el trabajo de mis sueños”: Una entrevista con The Rasmus

Published

on

El 2021 no ha sido el año de todos, pero afortunadamente la música no nos ha faltado. A lo largo de todos estos meses, muchas bandas han anunciado su regreso triunfal con conciertos programados para el futuro y sobre todo con planes de lanzar nuevos álbumes. Sin embargo, hay quienes sorprendieron revelando que vuelven luego de un buen rato sin soltar rolas recién salidas del horno, como el caso de The Rasmus.

Como recordarán, en 2017 la banda finlandesa estreno su noveno material discográfico, Dark Matters. Con este disco salieron de gira por gran parte del mundo e incluso visitaron nuestro país un año más tarde dando shows en Monterrey, Guadalajara y la Ciudad de México. Pero desde entonces, su futuro –al memos en cuanto a un siguiente álbum– estaba en suspenso, pues no daban señales de vida y mucho menos que estuvieran en el estudio.

"La música es el trabajo de mis sueños": Una entrevista con The Rasmus

Foto: Getty Images

The Rasmus regresan con una nueva rola

Para sorpresa de todos el pasado 14 de mayo, The Rasmus nos dejó con el ojo cuadrado estrenando una canción llamada “Bones”. Con este tema, un tanto oscuro y acorde a los tiempos que vivimos desde el 2020, marcaron su regreso triunfal, pero aún así el futuro del grupo y todo lo que harán se mantuvo en suspenso durante un buen rato. Pero no se preocupen, que nosotros nos encargamos de despejar muchas de sus dudas.

Es por eso que aprovechando el lanzamiento de su nuevo sencillo, tuvimos chance de platicar con el vocalista y frontman de la banda finlandesa, Lauri Ylönen, quien nos contó cómo fue volver al estudio para grabar una rola, los planes que tienen para este año para lanzar un nuevo disco, la última presentación que dieron antes de la pandemia en el Vive Latino 2020 y en general, un balance a lo largo de su enorme carrera de más de 20 años.

"La música es el trabajo de mis sueños": Una entrevista con The Rasmus

Foto: Getty Images

El camino hacia componer música nueva

Como ya lo mencionábamos antes, han pasado casi cuatro años desde que The Rasmus nos presentaron su sexto material discográfico, Dark Matters, y desde entonces sus fans han estado esperando que lancen nueva música. Luego de mucha incertidumbre por fin se cumplió lo que pedían pero, de entrada no fue un proceso fácil para la banda pues tuvieron que pasar por un montón de cosas para volver a componer juntos. 

“Tuvimos un tour muy largo, tocamos muchas veces justo antes y después de lanzar un nuevo álbum, le damos la vuelta al mundo y a veces hasta en un par de ocasiones. Así que terminamos la gira en marzo, que de hecho fue en el concierto de la Ciudad de México y fue un gran festival, por cierto. Tuvimos mucho tiempo y normalmente cuando acabamos un tour o mientras estamos en él comenzamos a componer nuevas canciones y en esta ocasión no fue la excepción, escribí un montón de canciones desde hace tres años para este álbum”. 

“Siempre intentamos hacer álbumes con canciones que creemos que son buenas, no somos una banda que dice ‘ok, tenemos una canción cool’ pero en el fondo lo juntan con pura basura y la lanzan. Pasamos mucho tiempo escribiendo lo mejor posible. Creo que es importante si llevas una carrera muy larga y para una banda como nosotros, trabajar un poco a la antigua, me refiero a la manera de hacer discos y crear estos conceptos. Es importante que los fans tengan un gran álbum, la música es lo más importante y no debes apresurarla”. 

"La música es el trabajo de mis sueños": Una entrevista con The Rasmus

Foto: Getty Images

The Rasmus y la curiosa historia de los virus que han vivido en México

El último show que The Rasmus dio cuando el coronavirus se convirtiera en pandemia fue en la Ciudad de México, como parte del lineup del Vive Latino 2020. En aquel momento no entendían muy bien lo que estaba sucediendo y decidieron continuar con su presentación, pero lo más curioso es que no es la primera vez que un virus los agarra en nuestro país. Llámenlo coincidencia o no, pero les ha tocado pasar por momentos difíciles por acá.

“Ese golpe fue raro, porque la pandemia todavía no había empezado como tal. En Europa muchos artistas estaban parando y diciendo ‘ok, quizá esta no sea la mejor idea’. De hecho en el Vive Latino estábamos en el backstage compartiendo camerino con The Cardigans y hablando nos contaron que se suponía que debían volver a casa el siguiente día, pero ellos decían ‘no sabemos si podremos volar o si cerraron las fronteras’. El sentimiento era triste y fue un momento aterrador porque el COVID comenzó a ser un tema serio y estuvimos a punto de cancelar porque habían incrementado los casos en México”.

“Pero cuando nos subimos al escenario se nos olvidó todo, fueron un gran público y una excelente noche para nosotros, lo disfrutamos mucho. Una cosa similar nos pasó años antes. Tocamos en el Auditorio Nacional teníamos un show programado y dos horas antes, ya habíamos hecho el soundcheck y recibimos la noticia de que había un maldito virus en las calles (refiriéndose al AH1N1 en 2009) y todo se canceló. No sé por qué siempre nos pasa eso en México, quizá seamos nosotros”. 

Una entrevista con The Rasmus

The Rasmus tocando en el Vive Latino 2020/Foto: Getty Images

Volver con una canción oscura pero esperanzadora

Después de terminar su gira bruscamente en México, The Rasmus se tomó todo el tiempo posible para componer nuevas canciones. Y el adelanto de todo el trabajo que estuvieron haciendo estos meses fue “Bones”, una rola con una vibra oscura y que al ponerle atención a la letra y la música nos damos cuenta de que parece perfecta para todo lo que hemos pasado en el último año. Esto fue lo que nos contó Lauri al respecto.

“Está inspirada en esta situación (la pandemia) de una manera en que, no se enfoca tanto en el coronavirus pero cuando todo comenzó a cerrar y todos estaban encerrados en su casa, yo pasé mucho tiempo con mis propios pensamientos. Repasé toda mi vida y me di cuenta de que a veces he nadado en un mar de incertidumbre y pensando en cosas como el destino, el karma, todo lo que he hecho en esta vida y el efecto que ha tenido en muchas personas”. 

“Creo en el karma. Todo lo que hago ha influenciado en otros y para mí es muy interesante pensar en esa clase de cosas. Eso se convirtió en la idea principal de la canción, empecé a imaginarme el karma en diferentes situaciones. No es solo una historia, son como diferentes perspectivas de mi vida que quizá me sucedieron a mí o a personas cercanas a mi círculo. Es importante reconocer que lo que haces tiene un efecto en el mundo y tenerlo en mente”.  

¿Qué opina la banda de la música que tenemos hoy en día?

The Rasmus es una de las pocas bandas que pueden decir que siguen vivas luego de tantos años en la industria musical. A pesar de que gracias a “In The Shadows” lograron la fama a nivel mundial, con el paso del tiempo y de los discos demostraron ser más que un grupo one hit wonder. Les ha tocado ver toda clase de cambios, desde la forma en que consumimos la música hasta los géneros que se escuchan ahora pero, ¿qué opina Lauri del rock actual? 

“Creo que se presta a muchas interpretaciones. Cuando empezamos el mundo era un poco diferente, sabía diferente, el rock era diferente e incluso el pop era completamente distinto. Todo está en constante cambio y creo que es parte de la vida, es importante analizar diferentes tipos de música porque además del rock escucho cosas de electrónica hasta indie y pop. Es interesante que las nuevas generaciones tienen nuevas ideas que quizá combinan con otras cosas más allá de la música y es exactamente como debería ser”. 

“Me siento contento de ser parte de este viaje, ¿sabes? Disfrutar todos estos cambios en lugar de estar asustado por ellos. De hecho, en Finlandia tenemos este concurso de Eurovision y hubo una banda finalista llamada Blind Channel que lo hicieron muy bien durante la competencia, y me hicieron sentir tan jodidamente orgulloso de Finlandia de nuevo, porque tenemos estas nuevas bandas cool en nuestro país y de alguna manera están redefiniendo la escena del rock a nivel mundial”. 

Tengo un canal en YouTube que se llama ‘Bedroom Sessions’ donde hago covers de canciones que me han influenciado o han sido importantes en mi vida y de hecho hace dos horas subí un video tocando una canción de Blind Channel, y tuve a los chicos tocando conmigo. Quería mostrar mi respeto a ellos como banda porque llevan un buen rato tocando, así que no es un éxito inmediato, nada viene gratis. Estoy orgulloso de mis chicos”

La mayor satisfacción de estar en The Rasmus

Han sido cuatro años intensos donde The Rasmus no ha parado de tocar en todo el mundo y de componer cada vez que tienen la oportunidad. Por supuesto que no son las mismas personas y músicos que eran cuando iniciaron en este negocio. Es por eso que el frontman de la banda finlandesa reflexionó un poco sobre todo lo que ha aprendido a lo largo de los años y esto fue lo que respondió al respecto.

“Lo veo como un todo, no es solo los shows que hemos tocado o el viaje que emprendimos y tampoco la parte creativa, todo está englobado, incluso las entrevistas; debo confesarte que no me gustan mucho, lo siento. Pero a pesar de eso creo que conversar contigo y otras personas ordena mis ideas y mi mente, no soy una persona a la que le guste mucho platicar como lo estamos haciendo en este momento, aunque tener este contacto me hace bien porque me siento conectado y consciente”. 

“Me siento agradecido por vivir esta clase de vida, que de alguna manera rebelde pude abandonar la escuela y solamente decidí tocar en una banda. Tomé ese riesgo y lo pagué, pero como decía antes, nada viene de a gratis. Han sido tiempos muy complicados, hemos ganado y perdido juntos como banda, pero ambos momentos son importantes y parte del viaje. Lo veo como el trabajo de mis sueños o como quieras llamarlo, espero seguir en esto por muchos años más. No me quiero rendir”. 

La entrada “La música es el trabajo de mis sueños”: Una entrevista con The Rasmus se publicó primero en Sopitas.com.

ues de anuncios individuales.

Musica

Drake Bell canta intro de ‘Drake y Josh’ a ritmo de regional mexicano (VIDEO)

Published

on



Drake Bell fue el protagonista de una de las series que marcaron a los jóvenes mexicanos durante mediados de los años 2000 e inicios de los 2010, “Drake y Josh“. Un grupo de músicos lo animaron a cantar la intro de la serie, el tema “Found a Way” al ritmo del regional mexicano en Chihuahua.

Drake, quien pasa temporadas en México, aparece sonriente y animado cantando el clásico tema que para los fans fue un momento conmovedor.

Esto es lo más random que nunca imaginamos los que veíamos drake y Josh en nuestra adolescencia“. “Oye, tranquilo pariente”. “La seriedad y respeto que le puso Drake amé”. “Quién no puede amar a Drake Bell es bello y es muy humano y humilde“, opinaron algunos cibernautas sobre el momento que ya se volvió viral en las redes sociales.

LEE: Nodal desata polémica al reactivar foto con dedicatoria a Cazzu

Varios cibernautas tomaron como una “señal” lo sucedido con Drake y su reciente interpretación de “Found a Way”: “¿quién pidió esta señal?”.

La relación entre Drake Bell y Josh Peck, protagonistas de la serie, ha sido compleja y ha pasado por altibajos a lo largo de los años. Drake y Josh se conocieron mientras trabajaban en la serie de Nickelodeon, donde desarrollaron una fuerte amistad durante su tiempo juntos en el programa.

LEE: Ángela Aguilar estaría en elenco de Las Mañanitas a la Virgen

Tras la finalización de la serie en 2007, su relación comenzó a enfriarse. Aunque compartieron momentos juntos en eventos como los MTV Video Music Awards, no mantuvieron una comunicación constante.

En 2017, Josh Peck se casó con Paige O’Brien y no invitó a Drake Bell a su boda. Esto provocó una reacción negativa de Bell, quien expresó su decepción públicamente a través de Twitter, aunque luego borró el mensaje.

Con información de SUN

MBV

Temas

Lee También

ues de anuncios individuales.

Source link

Continue Reading

Musica

Estos son 10 de los discos más caros que se han grabado (hasta la fecha)

Published

on


Lo que necesitas saber:

Muchas bandas y artistas han gastado una lanota para crear sus álbumes. Y aquí les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado.

En la actualidad, gracias a la tecnología, cualquier artista o banda puede grabar música en una computadora, sin la necesidad como tal de entrar a un estudio de grabación profesional y cubrir los gastos que eso implica. Sin embargo, a lo largo de la historia aparecieron discos que fueron tan caros que con eso se pudieron comprar varios supers.

Hace muchos años, era normal que un cantante o un grupo tuviera a su disposición una buena cantidad de dinero para producir y grabar sus proyectos. Aunque desde entonces, ya habían materiales discográficos cuyos presupuestos rayaban en la locura, pues nadie podía creer que gastaran tanto en crear un álbum de estudio.

¿Quiénes son las personas que aparecen en las portadas de algunos discos famosos?¿Quiénes son las personas que aparecen en las portadas de algunos discos famosos?
Imagen ilustrativa/Foto: Getty Images

Y para que chequen que hay artistas y bandas que eran capaces de poner una verdadera millonada con tal de crear las canciones y conceptos que tenían en la mente, a continuación les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado en la historia de la música (con todo y cifras actualizadas con el precio del dólar en 2024).

Estos son 10 de los discos más caros de grabar de la historia

Fleetwood Mac – ‘Tusk

Arrancamos esta lista con una banda que tiene una historia complicada. Así es, nos referimos a Fleetwood Mac, que aparece en el conteo de los discos más caros de todos los tiempos con Tusk, su doceavo álbum de estudio cuya grabación salió en la asombrosa cantidad de casi 6 millones de dólares de la actualidad.

Luego del éxito del icónico Rumours, la banda –a petición de Lindsey Buckingham– empezó a trabajar en un álbum más experimental y conceptual, donde jugaron con sonidos del punk rock y del new wave. El resultado fue un disco que tuvo una alta producción en las canciones en las que incluso contaron con la participación del exguitarrista del grupo, Peter Green.

A pesar de lo arriesgado que era buscar salirse de su zona de control para explorar otros géneros, Tusk se consideró como un fracaso comercial por su sello discográfico, vendiendo cuatro millones de copias en todo el mundo. De cualquier manera, se ganó buenas críticas y sobre todo, el gusto de su público, que lo convirtió en un clásico de culto.

Pero hablando de números, se estimó que los costos de producción del álbum inicialmente estaban en alrededor de 1 millón de dólares de la época, pero muchos años después se reveló que eran de aproximadamente 1.4 millones (equivalente a $ 5.88 millones de 2024), lo que lo convierte en uno de los discos de rock más caros de grabar hasta la fecha.

Billy Idol – ‘Charmed Life

Billy Idol es toda una leyenda de la música y por supuesto que se puede dar el lujo de desembolsar una lanita para grabar sus discos. Sin embargo, llevó todo al límite con Charmed Life, su cuarto material discográfico, pues para pagar todo este proyecto se gastó la nada despreciable cantidad de 3 millones y medio de dólares.

A finales de los 80, Billy andaba buscando nuevos aires. Es por eso que decidió que en esta ocasión no trabajaría con el guitarrista Steve Stevens (como en sus tres discos anteriores) para colaborar con Mark Younger-Smith, quien en palabras de Idol le “dio un eje, alguien con quien podía trabajar para formar un sonido y una idea para este álbum”.

Billy Idol terminó las sesiones para el álbum el 5 de febrero de 1990 y después de recoger las mezclas finales de Charmed Life resultó gravemente herido en un accidente de motocicleta. El 30 de abril de 1990 vio la luz este material discográfico y no le fue nada mal, pues recibió certificación platino por sus ventas.

Este disco incluye temazos, como “Cradle of Love” y el cover a “L.A. Woman” de The Doors. Pero si esto no fuera suficiente, los videoclips de los primeros dos sencillos del álbum contaron con la dirección del mismísimo David Fincher. Así que probablemente en eso se fue gran parte del presupuesto para este proyecto.

Aerosmith – ‘Rock in a Hard Place

Se sabe que en los 70 y 80, Aerosmith era una de las bandas más importantes del planeta y gastaban dinero a lo loco en excesos. Sin embargo, esa lana también la ponían para sus discos, tal es el caso de Rock in a Hard Place, su séptimo álbum de estudio, el cual les salió en poco más de 4 millones de dólares de estos tiempos.

Durante esa época, la banda estaba pasando por un momento complicado, tras la salida de Joe Perry y Brad Whitford. De cualquier manera, Steven Tyler (quien andaba lidiando con el abuso de drogas) y compañía buscaron reemplazos para grabar este material discográfico. Es por eso que durante dos años trabajaron en el disco sin conseguir el sonido y concepto que andaban buscando.

El 27 de agosto de 1982, Aerosmith lanzó Rock in a Hard Place y definitivamente, no tuvo el recibimiento que ellos esperaban. La crítica lo destrozó, pues a pesar de señalar que se atrevieron a experimentar con riffs más pesados, perdieron por completo la esencia que tenían con ese sonido blusero que tanto los caracterizaba.

Tras este descalabro en su carrera, las cosas cambieron dentro de la agrupación. Perry regresó y retomaron el camino musical por el que se hicieron famosos. Pero de todos modos, no podemos dejar de lado el hecho de que Steven Styler y los demás miembros probablemente se pudieron ahorrar unos dólares si no grababan este disco.

Wu-Tang Clan – ‘Once Upon a Time in Shaolin

La historia del Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan es fascinante por sí sola. No lo decimos únicamente porque grabarlo costó más de 3 millones de dólares de estos tiempos, también lo mencionamos porque solo existe una única copia de este álbum y no está disponible para descargar ni mucho menos para escucha en plataformas de streaming.

El colectivo de rap trabajó en secreto en este disco durante seis años, desde 2007 hasta 2013, del cual como ya lo mencionamos, solo hicieron una copia de dos CD’s en 2014 y estuvo guardado en una bóveda segura. Un año después, a través de una casa de subastas, el álbum se vendió a un comprador llamado Martin Shkreli, el director ejecutivo de Turing Pharmaceuticals, que pagó unos 2 millones de dólares por él y firmó un acuerdo legal donde se comprometía a no explotarlo comercialmente hasta 2103.

En marzo de 2018, Shkreli fue condenado por fraude de valores. Es por eso que un tribunal federal confiscó los activos que le pertenecían, incluido Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan. En julio de 2021, el Departamento de Justicia de Estados Unidos lo vendió a un grupo de coleccionistas de NFT’s por 4 millones de dólares para cubrir las deudas de Martin.

Aunque no se puede publicar el disco con fines comerciales, el acuerdo que firmó Martin Shkreli le daba chance de ponerlo en fiestas de escucha. Es por eso que en 2024 se reprodujo el álbum por primera vez en el Museo de Arte Antiguo y Nuevo de Hobart, Tasmania. Por si esto no fuera suficiente, los dueños del material comenzaron a vender fragmentos como NFT. No cabe duda que este disco tiene una historia loquísima.

Kanye West – ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy

Otro caso de un rapero que despilfarró una marmaja jugosa para crear un disco. Así es, nos referimos a ni más ni menos que Kanye West, quien para grabar y producir su exitoso quinto material discográfico, My Beautiful Dark Twisted Fantasy, se gastó la enorme cantidad de 4 millones de dólares. Aunque quizá, ese gasto se puede justificar.

Después de una interrupción en su carrera, West trabajó en el álbum entre el 2009 y 2010. En este disco, siguió la idea de trabajar con muchos letristas, músicos y productores, entre ellos Jay-Z, Kid Cudi, John Legend, Pusha T, Bon Iver, Q-Tip, RZA, Pete Rock, Mike Dean, No I.D. y Jeff Bhasker. El resultado fue una colección de canciones que posicionó a Kanye como una de las mentes creativas más importantes de su generación.

El 22 de noviembre de 2010 salió a la venta My Beautiful Dark Twisted Fantasy y fue un golazo en la trayectoria de Kanye West, pues este disco incluyó temazos como “Power”, “Runaway”, “Monster” y “All of the Lights” que le valieron elogios tanto de la crítica especializada como de sus fans de hueso colorado.

No por nada, es considerado uno de los mejores álbumes de rap de la historia, así como uno de los mejores discos del siglo XXI e incluso de todos los tiempos. Es por eso que decimos que se puede justificar la lanota que Kanye invirtió en grabar y producir este impresionante material discográfico.

Korn – ‘Untouchables’

Aunque no lo crean, Korn se pasó con el presupuesto y ocupó una buena lana para la producción de Untouchables, su quinto material discográfico. Para que chequen el dato, se dice que gastaron poco más de 6 millones de dólares de la actualidad. Y en palabras de la agrupación, se debió al mantenimiento de su equipo de 15 personas durante los casi dos años que necesitaron para terminarlo.

A principios de 2001 comenzaron a crecer las tensiones entre los miembros de la banda, sobre todo por el abuso de drogas del bajista Reginald ‘Fieldy’ Arvizu. Finalmente, lograron escribir el álbum y lo grabaron, pero tardaron un buen rato en publicarlo, lo cual provocó que no existiera mucho interés tanto de la crítica como de los fans.

El 11 de junio de 2002, Korn lanzó oficialmente Untouchables y, a pesar de las buenas críticas y los intentos de su sello discográfico por armar ​estrategias de ventas (ya saben, sacando una edición limitada con bonus tracks, ilustraciones, DVD y toda la cosa), este disco tan costoso fue un fracaso comercial para la banda.

El grupo culpó a la piratería por la caída de sus ventas en comparación con sus discos anteriores, pues una versión del álbum sin terminar se filtró en internet tres meses antes de su lanzamiento oficial. De cualquier manera, este material discográfico es considerado como uno de los mejores trabajos de Jonathan Davis y compañía.

Garth Brooks – ‘Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines’

En la lista tenemos que mencionar a un artista que quizá no hubieran imaginado que verían dentro de los discos más costosos de todos los tiempos. Se trata de Garth Brooks, quien en 1999 lanzó Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, un álbum que en precios actuales, costó unos 9 millones de dólares… no es broma.

En esa época, el artista de country estaba pasando por un momento importante de popularidad, así que se le ocurrió una gran idea para su siguiente álbum: hacer un disco conceptual en el que Brooks toma la personalidad y el alter ego de Chris Gaines, un cantante de rock australiano. Sin embargo, sus planes eran más ambiciosos.

Resulta que la música de este disco originalmente estaba planeado que fuera la banda sonora de una película llamada The Lamb, en la que Garth Brooks interpretaría Chris Gaines y recorrería los diferentes períodos de su vida. El álbum se lanzó un año antes de la fecha de estreno programada para la cinta para despertar el interés en que el cantante formaría parte del proyecto.

Pero debido al fracaso comercial de Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, problemas financiero y que nadie entendió lo que estaba haciendo, la película nunca se filmó. Así que definitivamente, no valió la pena los millones de dólares que se invirtieron para la grabación de este material discográfico.

Def Leppard – ‘Hysteria’

Entrando a los puestos de honor, tenemos uno de los discos más importantes en la carrera de Def Leppard y de la década de los 80. Así es, hablamos de Hysteria, el cuarto material discográfico de la banda británica que, ajustado a los precios de la actualidad y aunque no lo crean, salió en unos 12 y 13 millones de dólares.

Durante el proceso de grabación, la agrupación de hard rock pasó por momentos complicados y una serie de inconvenientes que atrasaron más de lo debido la producción de este álbum, por alrededor de casi cuatro años. Entre ellos el accidente donde Rick Allen perdió el brazo izquierdo, así como una serie de cambios de productor.

Después de mucha espera, el 3 de agosto de 1987 salió oficialmente Hysteria y fue todo un trancazo, pues es el disco más exitoso de la banda hasta la fecha con alrededor de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo. Eso sin contar que incluyó rolones como la canción homónima, “Women”, “Animal”, “Pour Some Sugar on Me”, “Love Bites”, “Armaggedon It” y “Rocket”.

Al parecer, el gasto que se hizo en la grabación de este álbum fue justificado, pues más allá de las certificaciones y las ventas, se convirtió en uno de los materiales más influyentes no solo del hard rock, sino de toda la década de los 80. Tanto así que Rolling Stone y Q lo incluyeron en sus listas de los mejores álbumes de todos los tiempos.

Guns N’ Roses – ‘Chinese Democracy’

Por supuesto que en esta lista no podía faltar uno de los discos más controversiales y costos de la historia: el famoso Chinese Democracy de Guns N’ Roses, un álbum que actualmente podemos decir que representó un gasto de cerca de 20 millones de dólares y que tardó más de una década en ver la luz.

A mediados de la década de 1990, tras el éxito que tuvieron con proyectos como Use Your Illusion y The Spaghetti Incident?, la banda empezó a tener diferencias creativas y personales. En este lapso, Slash, Gilby Clarke, Duff McKagan y Matt Sorum renunciaron o fueron despedidos. Solo quedaron Axl Rose y el tecladista Dizzy Reed, y con un nuevo equipo de músicos comenzaron a trabajar en su siguiente álbum.

Se dice que la disquera de Guns N’ Roses le ofreció un millón de dólares de la época a Axl si terminaba el disco en 1999 y agregaría otro millón si el álbum estaba listo para antes del 1 de marzo de ese mismo año. Sin embargo, eso nunca pasó, pues Rose pasó por problemas legales, personales y encima, no estaba contento con lo que había grabado.

Fue hasta el 23 de noviembre de 2008 cuando Chinese Democracy llegó a las tiendas y para muchos, fue una enorme decepción, pues no estuvo a la altura de lo que esperaban los fans. Al menos, pudieron recuperar una lana de lo que invirtieron para la grabación, pues lograron vender más de 8 millones de copias en todo el mundo (un verdadero logro ya que poca gente seguía comprando discos físicos en esa época y encima, tenían el problema de la piratería).

Michael Jackson – ‘Invincible’

Fácilmente en los primeros puestos entrarían varios discos de Michael Jackson, como HIStory: Past, Present and Future, Book I y Dangerous (que costaron entre 20 y 22 millones de dólares respectivamente). Pero en el lugar de honor tenemos a Invicible, el décimo y último álbum del ‘Rey del Pop’ que ajustado a la actualidad, salió en unos 50 y 60 millones de dólares… así como lo leen.

En 1997, Michael inició las grabaciones del álbum. Sin embargo, se dice que tardó tanto en terminar estas canciones porque se tomó el tiempo de acomodar tanto los instrumentos como los ritmos, mezclas e incluso frecuencias hasta que estuviera satisfecho con el trabajo final. De hecho, el propio cantante declaró que le puso tanto empeño al proyecto porque no estaba seguro si iba a continuar haciendo más discos.

Finalmente, el 30 de octubre de 2001 salió a la venta Invincible donde incluso hubo apariciones de Carlos Santana, Slash y el difunto The Notorious B.I.G. Y aunque no tuvo hits memorables, le fue muy bien en cuanto a críticas y ventas e incluso consiguió la certificación de doble platino, así que no estuvo nada mal para Michael Jackson.

Sin embargo, tras varias discusiones con su discográfica (porque Michael se negó a hacer una gira para promover el álbum y el sello detuvo la promoción de este material), Jackson no volvió a publicar música nueva en vida. De cualquier manera y aunque han pasado los años, sigue teniendo el récord por grabar el disco más costoso de todos los tiempos.

Todo lo que no sabías que necesitas saber lo encuentras en Sopitas.com



ues de anuncios individuales.

Source link

Continue Reading

Musica

Día del Músico 2024: ¿Por qué Santa Cecilia es considerada la patrona de los músicos?

Published

on



El Día del Músico es una festividad que se celebra cada 22 de noviembre como una manera de reconocer el impacto y la relevancia de los músicos en nuestra sociedad.

Además, la fecha también se presenta como un espacio de reflexión para repensar los desafíos contemporáneos que enfrentan quienes ejercen esta profesión artística hoy en día.

En este sentido, la efeméride resalta lo importante que es la música como un medio para expresar, comunicar y sentir. Es imprescindible valorar el trabajo de quienes logran transmitir emociones y conectar a las personas a través de su talento y los sonidos.

A lo largo de la historia, la música ha jugado un papel significativo en diversas civilizaciones. En el antiguo Egipto, la música estaba asociada a prácticas religiosas, siendo utilizada en rituales sagrados y reservada para los sacerdotes. En la antigua Grecia, tenía un lugar central en su mitología, donde se le atribuía un poder divino.

Asimismo, durante la Edad Media, la música estuvo estrechamente vinculada a la Iglesia, convirtiéndose en una herramienta de culto y devoción. Con el Renacimiento, la música floreció, particularmente con el auge de la polifonía, que dio lugar a nuevas formas musicales y técnicas compositivas.

Te recomendamos: Ellas fueron las mujeres que participaron en la Revolución Mexicana

En 1997, la UNESCO proclamó el Día Internacional del Músico, como un medio para reconocer la influencia de la música y su papel esencial en las culturas de todo el mundo.

Esta fecha también invita a reflexionar sobre los desafíos contemporáneos que enfrentan los músicos. A pesar de los avances tecnológicos que han transformado la industria musical, los artistas siguen enfrentando dificultades económicas, la competencia por la visibilidad en un mercado saturado y la constante necesidad de adaptarse a las nuevas plataformas digitales de distribución.

Un aspecto relevante de esta celebración es la relación entre el Día del Músico y Santa Cecilia, considerada la patrona de los músicos.

Según las tradiciones, Santa Cecilia fue una mujer de profunda fe cristiana que, mientras celebraba su matrimonio, escuchaba melodías instrumentales, pero en su interior cantaba a Dios en silencio. Este detalle la asoció con la música, considerando su canto una manifestación de devoción espiritual.

A pesar de ser perseguida por su fe, Santa Cecilia permaneció firme en sus creencias hasta su martirio, lo que le permitió convertirse en un símbolo de resistencia y fe.

En 1584, la Iglesia Católica la nombró oficialmente patrona de los músicos, y desde entonces, su figura ha estado ligada a la celebración del Día Internacional del Músico.

Te recomendamos: Asiste a la obra “Lo grabado en una superficie” en el MAZ

CM 
 

Temas

Lee También

ues de anuncios individuales.

Source link

Continue Reading

Trending