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Los mejores actos que pudimos ver en el Festival d’été de Québec 2022
Incluyendo a Rage Against The Machine, obviamente… Estos días han sido un verdadero deleite, pues nos lanzamos a la ciudad de Quebec, en Canadá, para asistir al Festival d’été de Québec 2022, uno de los mayores eventos de música en el país norteamericano.
Durante nuestra estancia no sólo pudimos presenciar el regreso de Zach de la Rocha y compañía sobre el escenario luego de una década (acá les contamos cómo se puso ese show), sino que también vimos otras propuestas musicales y artistas en este festival que dura 12 días y el cual tiene artistas de todo tipo de géneros.
Los mejores actos que cachamos en el Festival d’été de Québec 2022
Nosotros no nos aventamos toda la jornada, peeero durante los días que tuvimos la oportunidad de asistir a este festival nos topamos con varias propuestas musicales conocidas y otras que valió la pena conocer. Acá las enlistamos como lo mejor que nos regaló el Festival d’été de Québec 2022:
1.- Rage Against The Machine
La espera de dos años valió la pena para la gente de Quebec, pues Zach de la Rocha se anunció como uno de los headliners del festival para su edición del 2020 que tuvo que retrasarse debido a la pandemia de COVID-19 que comenzó formalmente ese año.
Moshpits, mensajes políticos, grandes éxitos y hasta una ovación al ritmo del conocido “oe oe oe oe”, fueron algunas de las cosas que pudimos ver durante el show que Rage Against The Machine dio como parte de su gira de reunión, una que esperamos llegue a México este 2022.
Aunque el buen Zach se la pasó sentado debido a su lesión en el pie, nada impidió que el cuarteto estadounidense pusiera el ambiente durante la noche del 16 de julio en un show que seguramente quedará en la memoria de la mayoría en el festival.
2.- Marshmello
El DJ estadounidense fue uno de los actos principales del festival durante la jornada del pasado miércoles 13 de julio y debemos decir que nos sorprende las fiestas que Marshmello arma cuando de presentarse en festivales se trata, pues entre visuales y unos mash-ups que incluyeron hasta rolas como “One More Time” de Daft Punk, puso a bailar a todos durante su set en Quebec.
3.- Becky G
Quebec es una ciudad de Canadá donde la mayoría de la gente habla francés ya que ese es su idioma oficial. Debemos decir que de primera instancia se siente un poco raro llegar a un lugar donde entiendes poco o nada de lo que escuchas/lees, por lo que tener a Becky G sobre el escenario fue un poco como sentirse en casa.
La cantante de origen estadounidense -pero de padres mexicanos– le puso el ritmo latino al festival, donde nos sorprendió la energía que derrochó sobre el escenario y la cantidad de personas que bailaban al ritmo de canciones como “Dollar”, “Sin Pijama” y otras más que en México son bastante conocidas.
4.- Sum 41
Con toda seguridad podemos decir que Sum 41 fue de los mejores actos que presenciamos en el Festival d’été de Québec 2022. Y es que quizá les jugó a favor el factor de que tocaron en su país (donde la neta sí se ve que los estiman demasiado), pero el show de la banda de pop punk fue una reverenda locura.
Se veía venir cuando la noche del 15 de julio el escenario Loto-Québec estaba a reventar, tanto en la sección general como en el VIP del festival, pero nos sorprendimos cuando la agrupación comandada por Deryck Whibley salió al escenario y desató la alegría de todos y todas en el lugar.
5.- Yung M.A.
En este festival de música en Quebec hubo de todo y para todos los gustos. En el caso de los amantes del hip-hop, fue la rapera estadounidense Yung M.A quien salió al escenario para recordarnos que si bien la industria musical de dicho género está dominada por hombres, hay mujeres que también dejan la barra demasiado alta.
6.- Garbage
Garbage se presentó en el Festival d’été de Québec 2022 durante la jornada del 15 de julio y podemos decir que también fueron de los actos que no sólo reunieron a personas de todas las edades, sino que además lograron conectar con ellas.
Y es que Shirley Manson salió al escenario y, luego de pronunciar algunas palabras en francés, nos deleitó con rolas como “Stupid Girl”, “The Men Who Rule the World”, “Wolves”, “Push It” y otras más con la que la cantante de origen irlandés nos recordó el porqué es una de las mujeres más admiradas en la industria musical de los últimos años.
7.- Vulgaires Machins
Otra de las bandas locales que más nos llamaron la atención en vivo fue Vulgaires Machins, una banda de punk rock oriunda de Quebec cuyo estilo nos recuerda a agrupaciones como NOFX. Aunque claro, una gran diferencia la hacen las letras que son en francés.
Durante su show, el cual fue uno de los que se encargaron de levantar los ánimos antes del de Rage Against The Machine, fue uno de los más enérgicos que vimos en el festival. Podemos decir que incluso para la propia banda, quienes se veían bastante incrédulos por la cantidad de gente que los veía en ese momento.
8.- The Beaches
Hace poco les hablamos de The Beaches, una banda oriunda de Toronto, Canadá, que en el país con la bandera de la hoja de maple ya son bastante conocidas por su estilo musical. De hecho, ya hasta le han abierto conciertos a bandas como los Rolling Stones.
Pero bueno, bastó con ver a este cuarteto de chicas sobre el escenario para comprobar que su fama no ha llegado nomas’ porque sí, ya que derrocharon tanto talento y energía en el festival que horas más tarde fueron alabadas por la mismísima Shirley Manson, de Garbage.
9.- Alanis Morissette
Se sabe que en la actualidad no hay un buen festival de música que no tenga artistas que apelen a la nostalgia y en el caso del Festival d’été de Québec 2022, podemos decir que ese fue el papel que jugó Alanis Morissette, quien fue una de las artistas más aplaudidas durante la jornada del pasado 15 de julio.
La compositora canadiense regresó después de más de dos décadas a la ciudad de Quebec, donde muchos y muchas corearon rolas como “Hand In My Pocket”, “Perfect”, “Ironic” y otras más que desde hace años influyeron en una generación de músicos de finales de los años 90 y principios de los 2000.
No nos quedó duda de que Alanis Morissette dio un show esperado y memorable para el público canadiense, quienes finalmente celebraron junto con la cantante el 25 aniversario del exitoso y conocido Jagged Little Pill, cuyo tour de celebración se pospuso por la pandemia.
10.- Alexisonfire
Miles de personas unidas por la música rock convirtieron el show de esta agrupación canadiense en algo memorable durante el Festival d’été de Québec. No lo decimos nosotros, de hecho esas fueron las palabras del líder de la agrupación, George Pettit, quien afirmó que en su país no hay un evento que se le compare.
Dicho esto y sorprendidos por la cantidad de personas que esperaban para verlos, Alexisonfire fue otra de las agrupaciones que nos dio gusto descubrir en este viaje, pues su estilo musical tiene un tinte parecido al de otras como A Day To Remember o los mismos Sum 41, por lo que uno puede apreciar shows igual de prendidos que el de dichas bandas.
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Drake Bell canta intro de ‘Drake y Josh’ a ritmo de regional mexicano (VIDEO)
Drake Bell fue el protagonista de una de las series que marcaron a los jóvenes mexicanos durante mediados de los años 2000 e inicios de los 2010, “Drake y Josh“. Un grupo de músicos lo animaron a cantar la intro de la serie, el tema “Found a Way” al ritmo del regional mexicano en Chihuahua.
Drake, quien pasa temporadas en México, aparece sonriente y animado cantando el clásico tema que para los fans fue un momento conmovedor.
“Esto es lo más random que nunca imaginamos los que veíamos drake y Josh en nuestra adolescencia“. “Oye, tranquilo pariente”. “La seriedad y respeto que le puso Drake amé”. “Quién no puede amar a Drake Bell es bello y es muy humano y humilde“, opinaron algunos cibernautas sobre el momento que ya se volvió viral en las redes sociales.
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Varios cibernautas tomaron como una “señal” lo sucedido con Drake y su reciente interpretación de “Found a Way”: “¿quién pidió esta señal?”.
La relación entre Drake Bell y Josh Peck, protagonistas de la serie, ha sido compleja y ha pasado por altibajos a lo largo de los años. Drake y Josh se conocieron mientras trabajaban en la serie de Nickelodeon, donde desarrollaron una fuerte amistad durante su tiempo juntos en el programa.
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Tras la finalización de la serie en 2007, su relación comenzó a enfriarse. Aunque compartieron momentos juntos en eventos como los MTV Video Music Awards, no mantuvieron una comunicación constante.
En 2017, Josh Peck se casó con Paige O’Brien y no invitó a Drake Bell a su boda. Esto provocó una reacción negativa de Bell, quien expresó su decepción públicamente a través de Twitter, aunque luego borró el mensaje.
Con información de SUN
MBV
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Estos son 10 de los discos más caros que se han grabado (hasta la fecha)
Lo que necesitas saber:
Muchas bandas y artistas han gastado una lanota para crear sus álbumes. Y aquí les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado.
En la actualidad, gracias a la tecnología, cualquier artista o banda puede grabar música en una computadora, sin la necesidad como tal de entrar a un estudio de grabación profesional y cubrir los gastos que eso implica. Sin embargo, a lo largo de la historia aparecieron discos que fueron tan caros que con eso se pudieron comprar varios supers.
Hace muchos años, era normal que un cantante o un grupo tuviera a su disposición una buena cantidad de dinero para producir y grabar sus proyectos. Aunque desde entonces, ya habían materiales discográficos cuyos presupuestos rayaban en la locura, pues nadie podía creer que gastaran tanto en crear un álbum de estudio.
Y para que chequen que hay artistas y bandas que eran capaces de poner una verdadera millonada con tal de crear las canciones y conceptos que tenían en la mente, a continuación les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado en la historia de la música (con todo y cifras actualizadas con el precio del dólar en 2024).
Estos son 10 de los discos más caros de grabar de la historia
Fleetwood Mac – ‘Tusk‘
Arrancamos esta lista con una banda que tiene una historia complicada. Así es, nos referimos a Fleetwood Mac, que aparece en el conteo de los discos más caros de todos los tiempos con Tusk, su doceavo álbum de estudio cuya grabación salió en la asombrosa cantidad de casi 6 millones de dólares de la actualidad.
Luego del éxito del icónico Rumours, la banda –a petición de Lindsey Buckingham– empezó a trabajar en un álbum más experimental y conceptual, donde jugaron con sonidos del punk rock y del new wave. El resultado fue un disco que tuvo una alta producción en las canciones en las que incluso contaron con la participación del exguitarrista del grupo, Peter Green.
A pesar de lo arriesgado que era buscar salirse de su zona de control para explorar otros géneros, Tusk se consideró como un fracaso comercial por su sello discográfico, vendiendo cuatro millones de copias en todo el mundo. De cualquier manera, se ganó buenas críticas y sobre todo, el gusto de su público, que lo convirtió en un clásico de culto.
Pero hablando de números, se estimó que los costos de producción del álbum inicialmente estaban en alrededor de 1 millón de dólares de la época, pero muchos años después se reveló que eran de aproximadamente 1.4 millones (equivalente a $ 5.88 millones de 2024), lo que lo convierte en uno de los discos de rock más caros de grabar hasta la fecha.
Billy Idol – ‘Charmed Life‘
Billy Idol es toda una leyenda de la música y por supuesto que se puede dar el lujo de desembolsar una lanita para grabar sus discos. Sin embargo, llevó todo al límite con Charmed Life, su cuarto material discográfico, pues para pagar todo este proyecto se gastó la nada despreciable cantidad de 3 millones y medio de dólares.
A finales de los 80, Billy andaba buscando nuevos aires. Es por eso que decidió que en esta ocasión no trabajaría con el guitarrista Steve Stevens (como en sus tres discos anteriores) para colaborar con Mark Younger-Smith, quien en palabras de Idol le “dio un eje, alguien con quien podía trabajar para formar un sonido y una idea para este álbum”.
Billy Idol terminó las sesiones para el álbum el 5 de febrero de 1990 y después de recoger las mezclas finales de Charmed Life resultó gravemente herido en un accidente de motocicleta. El 30 de abril de 1990 vio la luz este material discográfico y no le fue nada mal, pues recibió certificación platino por sus ventas.
Este disco incluye temazos, como “Cradle of Love” y el cover a “L.A. Woman” de The Doors. Pero si esto no fuera suficiente, los videoclips de los primeros dos sencillos del álbum contaron con la dirección del mismísimo David Fincher. Así que probablemente en eso se fue gran parte del presupuesto para este proyecto.
Aerosmith – ‘Rock in a Hard Place‘
Se sabe que en los 70 y 80, Aerosmith era una de las bandas más importantes del planeta y gastaban dinero a lo loco en excesos. Sin embargo, esa lana también la ponían para sus discos, tal es el caso de Rock in a Hard Place, su séptimo álbum de estudio, el cual les salió en poco más de 4 millones de dólares de estos tiempos.
Durante esa época, la banda estaba pasando por un momento complicado, tras la salida de Joe Perry y Brad Whitford. De cualquier manera, Steven Tyler (quien andaba lidiando con el abuso de drogas) y compañía buscaron reemplazos para grabar este material discográfico. Es por eso que durante dos años trabajaron en el disco sin conseguir el sonido y concepto que andaban buscando.
El 27 de agosto de 1982, Aerosmith lanzó Rock in a Hard Place y definitivamente, no tuvo el recibimiento que ellos esperaban. La crítica lo destrozó, pues a pesar de señalar que se atrevieron a experimentar con riffs más pesados, perdieron por completo la esencia que tenían con ese sonido blusero que tanto los caracterizaba.
Tras este descalabro en su carrera, las cosas cambieron dentro de la agrupación. Perry regresó y retomaron el camino musical por el que se hicieron famosos. Pero de todos modos, no podemos dejar de lado el hecho de que Steven Styler y los demás miembros probablemente se pudieron ahorrar unos dólares si no grababan este disco.
Wu-Tang Clan – ‘Once Upon a Time in Shaolin‘
La historia del Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan es fascinante por sí sola. No lo decimos únicamente porque grabarlo costó más de 3 millones de dólares de estos tiempos, también lo mencionamos porque solo existe una única copia de este álbum y no está disponible para descargar ni mucho menos para escucha en plataformas de streaming.
El colectivo de rap trabajó en secreto en este disco durante seis años, desde 2007 hasta 2013, del cual como ya lo mencionamos, solo hicieron una copia de dos CD’s en 2014 y estuvo guardado en una bóveda segura. Un año después, a través de una casa de subastas, el álbum se vendió a un comprador llamado Martin Shkreli, el director ejecutivo de Turing Pharmaceuticals, que pagó unos 2 millones de dólares por él y firmó un acuerdo legal donde se comprometía a no explotarlo comercialmente hasta 2103.
En marzo de 2018, Shkreli fue condenado por fraude de valores. Es por eso que un tribunal federal confiscó los activos que le pertenecían, incluido Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan. En julio de 2021, el Departamento de Justicia de Estados Unidos lo vendió a un grupo de coleccionistas de NFT’s por 4 millones de dólares para cubrir las deudas de Martin.
Aunque no se puede publicar el disco con fines comerciales, el acuerdo que firmó Martin Shkreli le daba chance de ponerlo en fiestas de escucha. Es por eso que en 2024 se reprodujo el álbum por primera vez en el Museo de Arte Antiguo y Nuevo de Hobart, Tasmania. Por si esto no fuera suficiente, los dueños del material comenzaron a vender fragmentos como NFT. No cabe duda que este disco tiene una historia loquísima.
Kanye West – ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy‘
Otro caso de un rapero que despilfarró una marmaja jugosa para crear un disco. Así es, nos referimos a ni más ni menos que Kanye West, quien para grabar y producir su exitoso quinto material discográfico, My Beautiful Dark Twisted Fantasy, se gastó la enorme cantidad de 4 millones de dólares. Aunque quizá, ese gasto se puede justificar.
Después de una interrupción en su carrera, West trabajó en el álbum entre el 2009 y 2010. En este disco, siguió la idea de trabajar con muchos letristas, músicos y productores, entre ellos Jay-Z, Kid Cudi, John Legend, Pusha T, Bon Iver, Q-Tip, RZA, Pete Rock, Mike Dean, No I.D. y Jeff Bhasker. El resultado fue una colección de canciones que posicionó a Kanye como una de las mentes creativas más importantes de su generación.
El 22 de noviembre de 2010 salió a la venta My Beautiful Dark Twisted Fantasy y fue un golazo en la trayectoria de Kanye West, pues este disco incluyó temazos como “Power”, “Runaway”, “Monster” y “All of the Lights” que le valieron elogios tanto de la crítica especializada como de sus fans de hueso colorado.
No por nada, es considerado uno de los mejores álbumes de rap de la historia, así como uno de los mejores discos del siglo XXI e incluso de todos los tiempos. Es por eso que decimos que se puede justificar la lanota que Kanye invirtió en grabar y producir este impresionante material discográfico.
Korn – ‘Untouchables’
Aunque no lo crean, Korn se pasó con el presupuesto y ocupó una buena lana para la producción de Untouchables, su quinto material discográfico. Para que chequen el dato, se dice que gastaron poco más de 6 millones de dólares de la actualidad. Y en palabras de la agrupación, se debió al mantenimiento de su equipo de 15 personas durante los casi dos años que necesitaron para terminarlo.
A principios de 2001 comenzaron a crecer las tensiones entre los miembros de la banda, sobre todo por el abuso de drogas del bajista Reginald ‘Fieldy’ Arvizu. Finalmente, lograron escribir el álbum y lo grabaron, pero tardaron un buen rato en publicarlo, lo cual provocó que no existiera mucho interés tanto de la crítica como de los fans.
El 11 de junio de 2002, Korn lanzó oficialmente Untouchables y, a pesar de las buenas críticas y los intentos de su sello discográfico por armar estrategias de ventas (ya saben, sacando una edición limitada con bonus tracks, ilustraciones, DVD y toda la cosa), este disco tan costoso fue un fracaso comercial para la banda.
El grupo culpó a la piratería por la caída de sus ventas en comparación con sus discos anteriores, pues una versión del álbum sin terminar se filtró en internet tres meses antes de su lanzamiento oficial. De cualquier manera, este material discográfico es considerado como uno de los mejores trabajos de Jonathan Davis y compañía.
Garth Brooks – ‘Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines’
En la lista tenemos que mencionar a un artista que quizá no hubieran imaginado que verían dentro de los discos más costosos de todos los tiempos. Se trata de Garth Brooks, quien en 1999 lanzó Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, un álbum que en precios actuales, costó unos 9 millones de dólares… no es broma.
En esa época, el artista de country estaba pasando por un momento importante de popularidad, así que se le ocurrió una gran idea para su siguiente álbum: hacer un disco conceptual en el que Brooks toma la personalidad y el alter ego de Chris Gaines, un cantante de rock australiano. Sin embargo, sus planes eran más ambiciosos.
Resulta que la música de este disco originalmente estaba planeado que fuera la banda sonora de una película llamada The Lamb, en la que Garth Brooks interpretaría Chris Gaines y recorrería los diferentes períodos de su vida. El álbum se lanzó un año antes de la fecha de estreno programada para la cinta para despertar el interés en que el cantante formaría parte del proyecto.
Pero debido al fracaso comercial de Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, problemas financiero y que nadie entendió lo que estaba haciendo, la película nunca se filmó. Así que definitivamente, no valió la pena los millones de dólares que se invirtieron para la grabación de este material discográfico.
Def Leppard – ‘Hysteria’
Entrando a los puestos de honor, tenemos uno de los discos más importantes en la carrera de Def Leppard y de la década de los 80. Así es, hablamos de Hysteria, el cuarto material discográfico de la banda británica que, ajustado a los precios de la actualidad y aunque no lo crean, salió en unos 12 y 13 millones de dólares.
Durante el proceso de grabación, la agrupación de hard rock pasó por momentos complicados y una serie de inconvenientes que atrasaron más de lo debido la producción de este álbum, por alrededor de casi cuatro años. Entre ellos el accidente donde Rick Allen perdió el brazo izquierdo, así como una serie de cambios de productor.
Después de mucha espera, el 3 de agosto de 1987 salió oficialmente Hysteria y fue todo un trancazo, pues es el disco más exitoso de la banda hasta la fecha con alrededor de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo. Eso sin contar que incluyó rolones como la canción homónima, “Women”, “Animal”, “Pour Some Sugar on Me”, “Love Bites”, “Armaggedon It” y “Rocket”.
Al parecer, el gasto que se hizo en la grabación de este álbum fue justificado, pues más allá de las certificaciones y las ventas, se convirtió en uno de los materiales más influyentes no solo del hard rock, sino de toda la década de los 80. Tanto así que Rolling Stone y Q lo incluyeron en sus listas de los mejores álbumes de todos los tiempos.
Guns N’ Roses – ‘Chinese Democracy’
Por supuesto que en esta lista no podía faltar uno de los discos más controversiales y costos de la historia: el famoso Chinese Democracy de Guns N’ Roses, un álbum que actualmente podemos decir que representó un gasto de cerca de 20 millones de dólares y que tardó más de una década en ver la luz.
A mediados de la década de 1990, tras el éxito que tuvieron con proyectos como Use Your Illusion y The Spaghetti Incident?, la banda empezó a tener diferencias creativas y personales. En este lapso, Slash, Gilby Clarke, Duff McKagan y Matt Sorum renunciaron o fueron despedidos. Solo quedaron Axl Rose y el tecladista Dizzy Reed, y con un nuevo equipo de músicos comenzaron a trabajar en su siguiente álbum.
Se dice que la disquera de Guns N’ Roses le ofreció un millón de dólares de la época a Axl si terminaba el disco en 1999 y agregaría otro millón si el álbum estaba listo para antes del 1 de marzo de ese mismo año. Sin embargo, eso nunca pasó, pues Rose pasó por problemas legales, personales y encima, no estaba contento con lo que había grabado.
Fue hasta el 23 de noviembre de 2008 cuando Chinese Democracy llegó a las tiendas y para muchos, fue una enorme decepción, pues no estuvo a la altura de lo que esperaban los fans. Al menos, pudieron recuperar una lana de lo que invirtieron para la grabación, pues lograron vender más de 8 millones de copias en todo el mundo (un verdadero logro ya que poca gente seguía comprando discos físicos en esa época y encima, tenían el problema de la piratería).
Michael Jackson – ‘Invincible’
Fácilmente en los primeros puestos entrarían varios discos de Michael Jackson, como HIStory: Past, Present and Future, Book I y Dangerous (que costaron entre 20 y 22 millones de dólares respectivamente). Pero en el lugar de honor tenemos a Invicible, el décimo y último álbum del ‘Rey del Pop’ que ajustado a la actualidad, salió en unos 50 y 60 millones de dólares… así como lo leen.
En 1997, Michael inició las grabaciones del álbum. Sin embargo, se dice que tardó tanto en terminar estas canciones porque se tomó el tiempo de acomodar tanto los instrumentos como los ritmos, mezclas e incluso frecuencias hasta que estuviera satisfecho con el trabajo final. De hecho, el propio cantante declaró que le puso tanto empeño al proyecto porque no estaba seguro si iba a continuar haciendo más discos.
Finalmente, el 30 de octubre de 2001 salió a la venta Invincible donde incluso hubo apariciones de Carlos Santana, Slash y el difunto The Notorious B.I.G. Y aunque no tuvo hits memorables, le fue muy bien en cuanto a críticas y ventas e incluso consiguió la certificación de doble platino, así que no estuvo nada mal para Michael Jackson.
Sin embargo, tras varias discusiones con su discográfica (porque Michael se negó a hacer una gira para promover el álbum y el sello detuvo la promoción de este material), Jackson no volvió a publicar música nueva en vida. De cualquier manera y aunque han pasado los años, sigue teniendo el récord por grabar el disco más costoso de todos los tiempos.
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Día del Músico 2024: ¿Por qué Santa Cecilia es considerada la patrona de los músicos?
El Día del Músico es una festividad que se celebra cada 22 de noviembre como una manera de reconocer el impacto y la relevancia de los músicos en nuestra sociedad.
Además, la fecha también se presenta como un espacio de reflexión para repensar los desafíos contemporáneos que enfrentan quienes ejercen esta profesión artística hoy en día.
En este sentido, la efeméride resalta lo importante que es la música como un medio para expresar, comunicar y sentir. Es imprescindible valorar el trabajo de quienes logran transmitir emociones y conectar a las personas a través de su talento y los sonidos.
A lo largo de la historia, la música ha jugado un papel significativo en diversas civilizaciones. En el antiguo Egipto, la música estaba asociada a prácticas religiosas, siendo utilizada en rituales sagrados y reservada para los sacerdotes. En la antigua Grecia, tenía un lugar central en su mitología, donde se le atribuía un poder divino.
Asimismo, durante la Edad Media, la música estuvo estrechamente vinculada a la Iglesia, convirtiéndose en una herramienta de culto y devoción. Con el Renacimiento, la música floreció, particularmente con el auge de la polifonía, que dio lugar a nuevas formas musicales y técnicas compositivas.
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En 1997, la UNESCO proclamó el Día Internacional del Músico, como un medio para reconocer la influencia de la música y su papel esencial en las culturas de todo el mundo.
Esta fecha también invita a reflexionar sobre los desafíos contemporáneos que enfrentan los músicos. A pesar de los avances tecnológicos que han transformado la industria musical, los artistas siguen enfrentando dificultades económicas, la competencia por la visibilidad en un mercado saturado y la constante necesidad de adaptarse a las nuevas plataformas digitales de distribución.
Un aspecto relevante de esta celebración es la relación entre el Día del Músico y Santa Cecilia, considerada la patrona de los músicos.
Según las tradiciones, Santa Cecilia fue una mujer de profunda fe cristiana que, mientras celebraba su matrimonio, escuchaba melodías instrumentales, pero en su interior cantaba a Dios en silencio. Este detalle la asoció con la música, considerando su canto una manifestación de devoción espiritual.
A pesar de ser perseguida por su fe, Santa Cecilia permaneció firme en sus creencias hasta su martirio, lo que le permitió convertirse en un símbolo de resistencia y fe.
En 1584, la Iglesia Católica la nombró oficialmente patrona de los músicos, y desde entonces, su figura ha estado ligada a la celebración del Día Internacional del Músico.
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CM
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