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¡Los 15 discos que más se repiten en los rankings de lo mejor de la década!

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La segunda década del segundo milenio se nos escapó como agua entre los dedos. Solo es cuestión de echar un vistazo a lo que estábamos haciendo hace diez años para que nos caiga el 20 de todo el tiempo que se nos fue. Lo bueno es que al llegar estas fechas, empiezan los conteos y las listas que nos hacen recordar los mejores momentos que nos han dejado todos estos años. Esta vez, les vamos a dejar la lista de los 15 discos que más se repiten en los rankings de lo mejor de la década.

Esta lista pretende quitarle la subjetividad a las preferencias o tendencias de los medios en cuanto a sus listados de los mejores discos de la década. ¿Cómo hicimos esto? Tomamos los mejores 20 discos de 7 medios internacionales diferentes especializados en música, y contamos el número de veces que un disco se encontraba en los listados. Habiendo hecho esto, nos armamos una lista de los 15 mejores discos de la década o por lo menos en los que la mayoría están de acuerdo que deben ser mencionados.

 


Los 15 discos que más se repiten en los rankings de lo mejor de la década

15.- Tame Impala- Lonerism

Fue con Innerspeaker que llegó el debut de Tame Impala. Este disco vio por primera vez a Kevin Parker emerger como una de las nuevas estrellas del rock-psicodélico, pero fue Lonerism el disco que lo convirtió en uno de los músicos más queridos e imitados de la década gracias a su talento. Aunque tiene ahí un par de rolas que destacan como “Feels Like We Only Go Backwards” y “Elephant”, todo el álbum es una verdadera joya.

14.- Rihanna- Anti

Todo buen fanático de Rihanna te puede decir que Anti es una de sus obras maestras. Y si estamos hablando de una obra maestra de Rihanna, debe de estar entre las mejores de la década. Con este disco se arriesgó y se liberó de las expectativas populares de lo que es el pop, consolidándose como una artista arriesgada y visionaria. Su octavo álbum pasa del rock discordante al dancehall para después convertirse en un R&B bastante bueno.

13.- Drake- Take Care

Drake tomó el micrófono en su aventura de 19-pistas, para contar docenas de historias que van desde el amor hasta cuentos de corazón dolorido. Con Take Care, Drake llegó a la cima del rap con su trabajo más completo hasta el día de hoy. Drake usó gran parte de los 80 minutos que dura su disco para explorar las relaciones, la vulnerabilidad y las trampas de la fama, todo mientras encontraba mucho tiempo para presumir su vida. Fue una fórmula atractiva que generó recompensas para su carrera. Un enfoque que replicaría con éxito en muchos de sus lanzamientos posteriores.

12.- Taylor Swift- 1989

Con 1989, Taylor Swift se entregó por completo al pop y fue grande. Probablemente la mejor decisión de toda su carrera. Anteriormente ya había coqueteado con este sonido en Red, pero con 1989 encontró su lugar, su sonido y la comodidad que la hizo sobresalir en el nivel más alto. Su experimento resultó en un disco que entregaría de los éxitos pop más grandes de la década y a ella su segundo Grammy por el mejor álbum del año.

Probablemente lo mejor que dejó este disco, fue ver a una Taylor Swift renovada, madura y capaz. Aprendió a abrazar a sus detractores con canciones como “Shake It Off”, algo que seguiría usando con frecuencia en su siguiente disco Reputation. Y qué podemos decir de “Blank Space”, donde criticó a su público y los volteó de cabeza, construyendo una versión psicótica de sí misma en una de sus mejores canciones. Con este disco, Swift se presentó como una nueva artista que llegaba para conquistar al mundo del pop.

11.- Adele- 21

Hablar sobre el amor y el dolor que conlleva su pérdida  no es para nada una rareza. Es probablemente el tema más utilizado en la historia del arte para buscar inspiración, pero el segundo álbum de Adele, 21, realmente dio nueva vida a la categoría como hace mucho nadie lo hacía. Con 21, Adele nos recordó del necesario dolor del proceso del duelo que deja un corazón roto antes, durante y después de la ruptura oficial.

A lo largo de cada una de las 11 rolas del álbum, Adele nos aseguró a todos que está bien sentirse triste, vacío, confundido y atrapado cuando las cosas no salen como esperas con esa persona. A través de su crudeza lírica y una voz inigualable que provoca un eco en los corazones de sus oyentes, Adele se armó un disco que ha logrado trascender el tiempo.

10.- Kanye West- Yeezus

Yeezus llegó en el momento perfecto de su carrera. Justo en ese instante que no era claro si el Kanye famoso se iba a sobreponer al Kanye músico. Pero cualquier tipo de duda se esfumó con la llegada de su sexto álbum. Y es que no debe ser nada fácil dar el siguiente paso después de hacer el mejor (discutible) álbum de la década con My Beautiful Dark Twisted Fantasy. Sin embargo, Kanye logró hacer un disco intenso que clava sus garras en todo, desde pop y hip-hop hasta acid house, trap y drill.

“Yeezus fue mi comienzo como un nuevo tipo de artista. Dando un paso adelante con lo que sé sobre arquitectura, sobre clasicismo, sobre sociedad, sobre textura, sobre sinestesia y la forma en que todo es todo y todas estas cosas se combinan, y luego comienzan de cero…” – Kanye West

9.- Frank Ocean- Channel Orange

Channel Orange es una obra maestra del soul, el pop, la música electrónica y el hip-hop que solo podría haber sido hecha por el tipo de cantante y compositor que podría afirmar ser el nuevo artista más creativo de la década. Hay una sensación en todo Channel Orange de un artista que encontró algo especial que lo distingue y que además lo sabe y lo usa en cada nota, en cada narrativa y en cada tiempo. Su música tiene una magia particular que no se encuentra muy seguido en la industria. Sin duda es la primera obra maestra de Frank Ocean y una que siempre lo distinguirá de cualquier otro músico de esta década.

8.- Kendrick Lamar- good kid, m.A.A.d city

Good kid m.A.A.d. city es probablemente uno de los discos autobiográficos de rap más elegantes que jamás se hayan hecho. En su debut en el sello principal, Kendrick Lamar rapeó como si hubiera estado conteniendo la respiración toda su vida, y cuando exhaló, todo salió. Todo. Su problemática relación con las pandillas de rap de la costa oeste; su madre, su padre y su tío al que vio recibir un balazo y los horrores de su adolescencia. A pesar de que todas estas vivencias desgarradoras están en el disco, Lamar consiguió de alguna forma que pudieras poner good kid m.A.A.d. city sin problemas en una fiesta. De alguna forma logró que la gente pudiera disfrutar su desgracia tal vez para aliviarla con cada movimiento.

7.- Frank Ocean- Blonde

Una vez más encontramos a Frank Ocean en esta lista y la verdad no debe de sorprender ya que faltaba mencionar (discutiblemente) su mejor obra. Blonde es un disco que se siente personal pero sin embargo no revela la vida de Ocean a cada paso. Blonde es un álbum sobre el envejecimiento, sobre el deseo de estar mal y estar solo y sobre cómo conocerte a ti mismo y tu pasado mientras te preguntas sobre el futuro que te depara la vida. Es una autobiografía que se mece en una niebla extraña pero aún legible sobre la fuerza y ​​la confianza. Con este disco Ocean muestra como una autobiografía no tiene que ser narrada como una historia de diario son un sello temporal para sentirse verdadera. Realmente solo necesita pertenecer a una conciencia que apunta a una misma dirección.

6.- David Bowie- Blackstar

Incuestionablemente David Bowie es uno de los más grandes músicos que han existido. Y así como la obra de arte que fue su vida, su último proyecto grabado en la sobra de sus días contados por un cáncer terminal, su muerte también lo fue gracias a Blackstar. En su 69 cumpleaños, dos días antes de su muerte, Bowie lanzaría lo que sería el testimonio de un genio que sabe que no tiene tiempo que perder. Como dijo su productor Tony Visconti: “Él hizo Blackstar para nosotros, su regalo de despedida”.

5.- Fiona Apple: The Idler Wheel…

The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do es el nombre completo del disco, y así como lo leen, cada palabra parece perfectamente pensada como las que contiene cada canción del disco. Fiona Apple siempre se ha tomado mucho tiempo entre álbumes, pero eso solo parece ser una señal más de su intencionalidad y perfeccionismo que cualquier otra cosa. Hubo una brecha de siete años entre Extraordinary Machines de 2005 y The Idler Wheel como se conoce comúnmente de 2012. Siete años en los que se tomó el tiempo de desarrollar una obra maestra con las canciones más incisivas, claras y ambiciosamente escasas hasta la fecha.

4.- Lorde- Melodrama

Después de su album debut Pure Heroine que la vio convertirse en una super estrella a sus 16 años, Lorde se tomó un tiempo para hacer uno de los mejores discos de toda la década. En este tiempo, se mudó a Nueva York, se metió al estudio con Jack Antonoff y grabó lo que es hasta la fecha, la mayor exploración de este siglo de la desordenada transición de la juventud a la edad adulta. Capturando lo mejor y lo más trágico del amor, el hedonismo y lo que viene con la fama a una corta edad.

3.- Kendrick Lamar- To Pimp a Butterfly

To pimp a Butterfly es un disco que evoca la inquietud de ser negro en Estados Unidos como ningún otro álbum lo ha hecho. El concepto sobre la América negra que Lamar imprimió en su álbum es uno lleno de simbolismos que van desde el dolor a la desigualdad, desde la esclavitud hasta la hipersexualidad de la raza negra. Con sonidos que van y vienen desde rap, funk y jazz, te hace querer encontrar el ritmo en medio de las reflexiones que presenta el rapero.

Este disco, además de tener un nivel musical altísimo, es un homenaje a su gente y una denuncia y señalamiento a su país y gobierno por acorralar y señalar a la gente negra. Este disco es una protesta completamente poética.

2.- Beyoncé- Lemonade

Con Lemonade, Beyonce no se guardó absolutamente nada. Si disco fue descaradamente dirigido a la infidelidad de Jay Z, así como abordó otros temas de mucha importancia como la raza y el feminismo. Es un disco increíblemente honesto y personal. Musicalmente es variado gracias a las colaboraciones de Kendrick Lamar, James Blake y Jack White. Con este álbum, Beyoncé afirmo y confirmo que es la Reina, y que no hay ni habrá nadie con un talento igual.

Un claro ejemplo de la grandeza de este disco es el impacto que ha tenido en los trabajos de artistas como Taylor Swift, Snoop Dogg y The-Dream, quienes han dicho que los inspiró profundamente. Además de lo musical, el tratamiento de su álbum visual trazara el camino para que artistas como Frank Ocean encontraran una nueva forma de hacer videos.

1.- Kanye West- My Beautiful Dark Twisted Fantasy

Indiscutiblemente el mejor disco de la década de acuerdo a los medios especializados lo hizo Kanye West con My Beautiful Dark Twisted Fantasy. Todos y cada uno de los medios lo tienen en su lista. Con tres primeros lugares, un segundo, un tercero, un doceavo y un veinteavo, es el disco que se llevó todos y cada uno de los elogios. Incluyendo a personalidades como Kid Cudi, Jay Z, Nicki Minaj, Rick Ross y Justin Vernon, es un álbum que empuja a todos los involucrados a lugares inesperados y transformadores.

No hace falta ser un experto en música para darse cuenta al instante que My Beautiful Dark Twisted Fantasy es un disco que llegó para cambiar el juego. El salto artístico que que Kanye realizó con su quinto LP fue uno que desafió la forma de hacer y grabar música. falta de voluntad para moderarse fue la razón por la que pudo hacer un álbum como este. West se sumergió en la conceptualidad de la riqueza y la raza en los Estados Unidos, a menudo en un mundo surrealista, así como en las turbulentas relaciones de West con la fama, las mujeres y, por supuesto, su propio ego.

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La OSEM celebrará su legado con recital para los tapatíos

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Que siempre no: Simon Gallup sigue siendo integrante de The Cure

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El 2021 nos ha traído grandes noticias a nivel musical. Para empezar, el regreso de los festivales y conciertos en gran parte del mundo nos tiene muy emocionados, además también volvieron un montón de artistas y bandas luego de un buen rato en silencio. Aunque no todo ha sido maravilloso, porque también nos enteramos de cosas que nos dieron para abajo y que de plano no veíamos venir, como la salida de Simon Gallup de The Cure.

Fue en agosto de este mismo año cuando el bajista de la banda británica anunció que luego de tantos años tocando con Robert Smith y compañía, dejaría al grupo (ACÁ lo pueden checar). Por supuesto que nos agüitamos, porque junto al vocalista y frontman, era el miembro más antiguo. Sin embargo, no perdíamos la esperanza de que en una de esas, Simon recapacitara y decidiera regresar como ya lo ha hecho en el pasado, pues entre 1982 a 1984 se tomó un descanso.

Que siempre no: Simon Gallup sigue siendo miembro de The Cure

Foto: Getty Images

Simon Gallup sigue siendo miembro de The Cure

Por supuesto que luego de esta noticia, los fans de The Cure andaban tristes, ya que las líneas de bajo de Simon Gallup terminaron por consolidar el sonido clásico de la banda. Pero tranquilos, parece que no todo está perdido, pues todo indica que después de declarar que abandonaría a sus compañeros y al menos para el bajista, aún es integrante del legendario grupo… si así como lo leen, no estamos inventando nada y mucho menos nos lo sacamos de la manga.

De acuerdo con Stereogum, hace unos días el nuevo proyecto de Gallup, Alice Blue Gown, publicó una foto del músico en su cuenta de Facebook. En las respuestas, un fan preguntó: “¿Simon sigue siendo miembro de The Cure?, a lo que el propio bajista respondió: “Sí, lo soy”. Como era de esperarse, esta breve declaración le voló la cabeza a los fanáticos de la banda y muchos comenzaron a especular que regresará pronto con Robert Smith y compañía.

Simon Gallup sigue siendo miembro de The Cure... ¿regresará?

Foto vía Twitter: @ThatCarlTapia

A pesar de que lo que dijo Simon Gallup es importante, cabe aclarar que hasta el momento de redactar esta nota, tanto él como The Cure no han confirmado absolutamente nada sobre su regreso a la banda. Eso sí, podría ser que con sus palabras nos esté dando una pista de que pronto volverá, ¿no creen? Pero mientras esperamos a que nos aclaren cómo está eso de que aún es miembro del grupo, escuchemos una de sus mejores líneas de bajo.

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‘Music Of The Spheres’: Coldplay se pone intergaláctico para su disco más pop a la fecha

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El noveno disco de estudio de Coldplay tiene un giro aún más pop de lo que le conocemos a la banda desde su concepción, ya que Max Martin entra como jefe de producción del disco, y quien es conocido por haber hecho éxitos como “Baby One More Time”, “I Want It That Way” e “It’s Gonna Be Me”, que si de Britney Spears, Backstreet Boys, y *NSYNC

En éxitos más recientes, conocemos al sueco por “Blinding Lights” de The Weeknd o “We Are Never Ever Getting Back Together” de Taylor Swift. Todo un experto en superpop entra al equipo del cuarteto londinense con Chris Martin y compañía.

Un disco conceptual e intergaláctico

Para ésta entrega, los ingleses crearon conceptualmente doce esferas en las que la música está prohibida, hasta que una DJ extraterrestre se atreve a transmitir en una Radio Alienígena, bajo el mensaje de que todos somos uno en el universo.

El tema espacial ha sido una constante en Coldplay desde “Yellow” pero quizás nunca había acaparado por completo un disco. Con guiños desde el ‘X&Y’, y bastante presencia en ‘Mylo Xyloto’ y ‘Everyday Life’, por fin el cuarteto de Londres se lanza completamente a un viaje intergaláctico y de un superpop que busca sonar en todos lados.

 

Bastantes canciones pudieron haber funcionado mejor en una paleta de sonidos clásica de los londinenses, sin embargo, optaron por considerar beats y sintetizadores, como muestra, “Let Somebody Go” una balada sobre beats prácticamente finalizada por Chris Martin, en la que dialoga con Selena Gómez sobre un amor que se acaba.

Parece la muestra más clara de la decisión de Coldplay por ir hacia el pop muuuy pop, en un tema que fácilmente se hubiera quedado en una versión sencilla y propia de haber sido elaborada durante sus primeros discos, ahora se va hacia la producción sofisticada y enorme.

La exploración de sintetizadores e interludios

Entre canciones tituladas como emojis (que por cierto… ¿cómo se les llamará para referirse a estas rolas?), sintetizadores intensos y fantasías explorando los sonidos digitales, identificamos a Coldplay por la voz de Chris Martin al frente y algunos motivos en los coros, pero se logra ubicar por completo a ésta banda que dejó a un lado los instrumentos como guitarras y bajo para mudarse a nuevos géneros poco orgánicos.

La canción que abre el disco seguramente abrirá los shows de ésta gira, en palabras de la banda, y nos muestra la elección de sonidos muy particulares para denotar o dar una pista de los tracks que siguen. Posteriormente, encontramos “Humankind” la celebración de la unión con Max Martin, quien no solo produjo, sino que se unió como un invitado a tocar en éste disco. Un elemento persistente son las progresiones en sintetizadores a la “Baba O’Riley” de The Who.

Posiblemente sea la canción más apegada a lo clásico de Coldplay, considerando la presencia de guitarras acústicas y una letra más introspectiva que el resto del disco. Envuelta en una producción de superpop, ésta canción está pensada para ser tocada en estadios, lo que le emociona bastante a la banda. El coro llama a repetirse en tu cabeza y quedarse ahí un buen rato, muestra de la experiencia de los ingleses en el pop.

Inmediatamente después, el interludio de emoji de estrellas sirve para sacudirte un poco y esperar lo que viene. En vivo, posiblemente encontremos estos interludios como transiciones para cambiar instrumentos o presentar algún video en pantallas.

Colaboraciones nuevas y retomar viejas canciones

Además de Selena Gómez y BTS; se unen en éste trabajo las armonías vocales distintivas de Jacob Collier abriendo “♥”, con el apoyo de We Are KING, con quiénes Coldplay ya ha trabajado en vivo recientemente. Es, sin duda alguna, la canción más distinta al resto del disco, es un canto a manera de lamento gospel. Será muy interesante escuchar esto en vivo. Y claro que sí, acá se nota toooda la influencia de Jacob Collier, hasta parecería que le dieron plena libertad de proponer y probablemente dirigir las voces y armonías. Grande, Jacob.

Retoman “People of the Pride” de las sesiones de Viva la Vida, es el tema en el que la banda parece tomar de nuevo las guitarras, con un riff de glam rock que sigue sobre arreglos de beats y sintetizadores. Un llamado a la revolución con arreglos orquestales que sin duda se generó en el pasado, pero al que retocan con su nuevo concepto artístico.

Entre intento, prueba y errores

No todos los nuevos temas bajo la producción recién estrenada son gratos, ya que de plano “Biutyful” es una incursión sumamente ajena e incómoda con una voz procesada, supuestamente atribuible a un alien. Se generó para ‘Everyday Life’, sin embargo, no parece haber evolucionado a una versión final que llegara al nivel de los demás temas. O sea, el ritmo para este soft pop está curioso, pero… ¿era necesario? Sepa… pero eso sí, de que la letra es linda, es muy linda. Habla de amor a la vida, comprensión, y hasta un poco de empatía.

Llega una de las canciones más esperadas del disco: “My Universe” con BTS. Una colaboración un tanto polémica pero que ha sido muy bien recibida por el público, sobre todo por los fans del gigante del k-pop. Y es que sí, está muy para cantar y seguro en vivo sonará mega macizo. Un tema súper pop que hasta pone de buenas nomás de escucharlo. ¿Suena a Coldplay? Al que solíamos conocer hace una década, no en lo absoluto. ¿Suena interesante e innovador? Totalmente.

Un acierto en la exploración es “∞” la progresión de notas en sintetizadores y con beats no tendrá falla en vivo para bailar, y éste interludio es la explosión de todo lo anterior.

Que por cierto, no olviden que Coldplay anunció su gira mundial en el WTC, y como parte de dicha gira estarán visitando México en el 2022 para dar tres conciertos: en CDMX, GDL, y MTY. Acá puedes encontrar la info de precios de boletos y demás.

El cierre que vale la escucha del disco

Coloratura” cierra ésta entrega como la canción más larga que ha hecho Coldplay, inspirada en la vida después de la muerte. La canción es una pieza musical completa e intensa en sí misma, con una estructura que fue difícil de descifrar para la banda. Para el final del disco, la banda retomó instrumentos como el piano, las guitarras y el bajo.

El propio puente y transición son una unión positiva entre los inicios de Coldplay y la actual propuesta que tienen, inmersa en lo digital y pop. Es la canción con la que han cerrado los primeros shows promocionales del álbum, un acierto para no olvidar sus raíces.

Tracklist de ‘Music Of The Spheres’ de Coldplay

1.- ⦵ (Music of the Spheres)
2.- Higher Power
3.- Humankind
4.- *✧ (Alien Choir)
5.- Let Somebody Go (ft. Selena Gomez)
6.- ♡ (Human Heart) (ft. We Are King & Jacob Collier)
7.- People of the Pride
8.- Biutyful
9.- ❍ (Music of the Spheres II)
10.- My Universe (ft. BTS)
11.- ∞ (Infinity Sign)
12.- Coloratura

Music of the Spheres

Foto: Especial

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