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Lo que el viento se llevó: revalorizando su legado en el siglo XXI

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Hubo una época en que Lo que el viento se llevó fue considerada la mejor película de todos los tiempos, así como una de las mayores proezas del cine. Su realización implicó adaptar la titánica novela homónima de Margaret Mitchell, atravesar por un triple cambio en la dirección durante su proceso de producción y requerir elaborados acuerdos para unir los talentos de Vivien Leigh y Clark Gable. Esto le llevó a ser reconocida con 13 nominaciones al Premio de la Academia, de las que cosechó ocho estatuillas incluyendo Mejor película por encima de La diligencia y El mago de Oz, para posicionarse como la gran vencedora de un 1939 que sigue siendo considerado por muchos como el año más brillante de la industria norteamericana. Estos esfuerzos le convirtieron en el filme más taquillero de su época, una marca que sigue ostentando hasta la fecha si consideramos que los ajustes de inflación le dan una recaudación superior a los $7,400 mdd. Un clásico en toda la extensión de la palabra.

Estas glorias no pudieron evitar que el filme perdiera cada vez más terreno en el gusto del público y la crítica, que cada vez cuestionan más su posición entre lo mejor de la historia: BBC le dio el lugar 97 en su conteo de cine norteamericano; Sight & Sound la excluyó de su top histórico; los lectores de Empire hicieron lo propio en una encuesta realizada por el medio británico. Hay quienes atribuyen esta dramática baja de popularidad al paso del tiempo y su duración de casi cuatro horas, pero lo cierto es que su posición es mucho más compleja, pues a diferencia de otros filmes de su misma época, hay repasos que incluso dudan de su grandeza y su legado.

¿Cómo fue que la que alguna vez fue vista como la mayor proeza del celuloide ha sido relegada por el público y condenada al olvido?

Lo que el viento se llevó Gone with the Wind

La esclavitud sureña

La construcción de un clásico cinematográfico no es tarea fácil, pues requiere valores narrativos y simbólicos suficientemente poderosos para resistir los embates del tiempo. El caso de Lo que el viento se llevó es sumamente complejo, pues su trama ubicada en la Atlanta de la Guerra Civil, su filmación en una unión americana con severos problemas raciales y su estreno en un mundo fragmentado por la intolerancia generó un ambiente de nerviosismo ante la que parecía ser una cinta dirigida contra la gente de color. Estas preocupaciones desencadenaron una intensa campaña de la prensa negra “para descubrir si algunos de los que se oponen a Hitler a una distancia segura tienen el coraje necesario para oponerse a los prejuicios raciales cuando estos pueden afectar sus carreras y bolsillos” [vía]. El resultado fue la supresión de la palabra nigger en los diálogos de los actores caucásicos y un Oscar histórico que convirtió a Hattie McDaniel en la primera persona afroamericana galardonada con la codiciada estatuilla. Grandes victorias en la lucha por la igualdad racial, las cuales dieron la sensación de que el filme, lejos de exaltar las diferencias raciales, era una mera exploración del conflicto secesionista desde la perspectiva sureña.

Estas ideas cambiaron con la llegada del siglo XXI, con repasos que criticaron al equipo creativo por mantener el término despectivo entre los actores de color para garantizar visiones estereotípicas, así como la utilización de la palabra darkies (oscuritos) para mostrar el aparente cariño de los blancos por sus esclavos. No menos debatible fue el reconocimiento a la actriz que diera vida a Mammy, quien fuera relegada a una mesa aislada para ella, su acompañante y su agente ante las políticas segregacionistas del hotel en que se realizaron los Premios de la Academia.

Esto, aunado a la fidelidad de un material fuente que presuntamente idealiza la esclavitud al mostrar cómo no padecen ningún tipo de maltrato y cuya situación se debe a su propia renuencia a la libertad, así como al enorme aprecio que sienten por sus amos, ha provocado que las audiencias actuales le posicionen entre las cintas más racistas de la historia. ¿Una acusación justa o demasiado extrema para una película realizada en la primera mitad del siglo XX?

Estas visiones descontextualizadas han provocado que el filme sea equiparado con El nacimiento de una nación (1915), señalada por su exaltación a los orígenes del Ku Klux Klan. Una comparación delicada, pero  sellada para siempre con las propiedades metanarrativas del cine y la ingeniosa visión de Spike Lee, quien inició su propia exploración del grupo extremista en El infiltrado del KkKlan (2018) con la imagen de una Scarlett O’Hara incrédula ante la derrota sureña en batalla de Atlanta. 

Todos estos elementos han provocado que algunos sectores de la audiencia teman que Lo que el viento se llevó no sea una simple película, sino un reflejo de la añoranza que muchos norteamericanos sienten por la cada vez más lejana supremacía blanca. Un símbolo cultural que debe ser erradicado, al igual que los viejos monumentos confederados que permanecen de pie hasta nuestros días y cuyas posibles retiradas han inspirado fuertes discusiones en los últimos años, incluyendo la infame marcha que numerosos grupos de ultraderecha protagonizaron en Charlottesville en 2017. La primera reacción llegó del Orpheum Theatre de Memphis, que en 2018 canceló un screening del filme al considerarlo “insensible para un largo segmento de la población local”.

Lo que el viento se llevó Gone with the Wind

Scarlett O’Hara como símbolo

El cine siempre ha batallado por capturar la fuerza femenina, con personajes primordialmente débiles, sumidos en roles secundarios y dependientes del hombre para realizarse como personas. No fue el caso de Scarlett O’Hara, cuya evolución de una chica mimada cuyo único objetivo es contraer nupcias con un joven que le obsesiona a una mujer autosuficiente que termina convirtiéndose en el pilar fundamental de su familia y sus personas más cercanas, le llevó a ser considerada la primera heroína del celuloide y una auténtica pionera de la simbología feminista.

La imagen del personaje interpretado por Vivien Leigh se deterioró con el paso del tiempo. Nadie duda de su poderío, pero sus métodos son cada vez más cuestionados, pues recurre al engaño para alcanzar sus objetivos, lo que resulta en numerosos atentados contra su propio género y en la seducción de los hombres para garantizar su bienestar. Esta oscuridad incrementa cuando el personaje es comparado con Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), quien preserva la inocencia sin importar los pesares suscitados tras el conflicto bélico.

Más polémica aún es la mítica escena de la escalera, cuando un Rhett Butler alcoholizado y desesperado por los desplantes de Scarlett, toma a su esposa en brazos para recordarle que “no somos caballeros y no tenemos honor, ¿verdad? No es tan fácil, Scarlett. Me rechazaste mientras perseguías a Ashley Wilkes, mientras soñabas con Ashley Wilkes. Esta es una noche que no me rechazarás”. En su momento se le consideró el momento cumbre del mayor romance del celuloide, con la pasión salvaje como el único medio para alivianar las tensiones entre los amantes, lo que resultó en una fémina radiante a la mañana siguiente. 

El concepto cambió hacia finales de los 80 cuando la filósofa feminista Marilyn Friedman [vía] concluyó que la secuencia se apoya en la ambigüedad para mostrar lo que realmente era una violación marital. “Retratan al violador como un hombre guapo cuya dominación es placentera en la cama”, determinó la teórica, “y ​​retratan a las mujeres como felices de tener sus propias elecciones sexuales y rechazos aplastados por tales hombres”. Aunque el feminismo no ha determinado una postura concreta, el momento sigue generando acaloradas discusiones hasta nuestros días, con una buena parte de la audiencia satanizando al filme por su aparente idealización de la masculinidad tóxica. Pero, ¿es realmente una cinta misógina o un reflejo de la violencia que padecieron tantas mujeres en la época en que se desarrolla la trama?

Lo que el viento se llevó Gone with the Wind

La grandeza de Lo que el viento llevó

Si Lo que el viento se llevó ha perdido el aura de perfección que una vez le caracterizó no es por la reducción de su calidad narrativa, técnica o histriónica, sino porque al igual que muchas otras películas, las nuevas audiencias han tenido cada vez más dificultades para verla dentro del contexto histórico en que fue realizada o en el que se desarrolla su trama. Una vez logrado el objetivo, es difícil cuestionar su posición entre las mayores joyas cinematográficas de todos los tiempos.

Si la historia ha trascendido por generaciones no es por sus estereotipos, sus subtramas del Klan, ni la controversia alrededor de su pareja protagonista, sino por la manera en que rompió los moldes preestablecidos para construir el mayor drama romántico que se haya visto en pantalla. Una Scarlett O’Hara que resquebraje la idea de inocencia y debilidad femenina para garantizar la supervivencia durante el mayor conflicto bélico en suelo norteamericano y así cumplir la vieja promesa hecha a sí misma: “con Dios como testigo […], nunca más volveré a pasar hambre”. No es una heroína, pero tampoco una villana, sino una mujer imperfecta que hace lo necesario por salir avante. Recurre al engaño y la seducción, pero también al sacrificio para trabajar al lado de los que alguna vez fueran sus esclavos. Nunca lo ve como una humillación, sino como una prueba para demostrar a la sociedad, pero sobre todo a sí misma, que no era el sexo débil, sino una persona que puede superar cualquier obstáculo. 

Rhett Butler también forma una parte fundamental en su ascenso. No como el típico enamorado que manifiesta su amor con palabras huecas, sino alentando la rebeldía de la joven al considerarla capaz de realizar todo lo que se proponga siempre que sea capaz de romper las cadenas que la atan a un viejo sistema opresor plasmado en un frágil Ashley Wilkes. Nadie cuestiona su agresividad, pero poco se ha hablado de su sensibilidad al ser él quien añoraba el romance imposible así como la búsqueda de una hija cuya pérdida conduce al fatídico rompimiento. Una reversión simbólica para exhibir el lado femenino del hombre.

A esto sumemos su carácter épico logrado con la perspectiva confederada, no como un símbolo de añoranza esclavista, sino de una lucha desigual entre hermanos y por causas que nunca han sido bien esclarecidas. La historia de los vencedores habla de una batalla por la libertad, mientras que la escrita por los perdedores alude a una heroica, pero inútil lucha contra las imposiciones de un norte opresor que aprovechó sus avances para imponer su ideología en el joven país, pero nunca en defensa de una esclavitud que desde entonces parecía condenada a la desaparición. Un mito americano que se ha difuminado con el tiempo y que apenas es recordado bajo el nombre de la Causa Perdida.

Finalmente, también es un recordatorio de tiempos imperfectos que se han ido para no volver, pero de los que se puede aprender para evitar los errores del pasado. Un sistema económico caracterizado por la crueldad, una Guerra Civil que dejó cerca de 620,000 bajas para posicionarse como el conflicto bélico más sangriento de los Estados Unidos y una sociedad eminentemente machista donde la mujer vivía para servir los deseos del hombre. No menos dura fua la época de su estreno en un país caracterizado por las desigualdades raciales y de género, con los afroamericanos segregados en beneficio de los blancos y las mujeres batallando por alcanzar la igualdad tras la Gran Depresión. Conflictos lejanos, pero que se mantienen latentes no sólo en una unión americana contemporánea sino en una sociedad mundial dominada por el odio, el racismo, la misoginia y la xenofobia, y que convierten las críticas contra Lo que el viento se llevó en un desprecio, no contra la película en sí, sino contra una humanidad cimentada sobre la violencia e incapaz de cambiar.

Quizá sea tiempo de dejar atrás las polémicas arrastradas por Lo que el viento se llevó y aprovechar sus lecciones para, al igual que Scarlett O’Hara, evolucionar con la esperanza de un mundo mejor bajo la eterna premisa de que mañana será otro día.

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Armie Hammer rompe el silencio en primera entrevista tras acusaciones de abuso sexual

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A dos años de que estallarán las polémicas en su contra, Armie Hammer ha ofrecido su primera entrevista a Air Mail en torno a las acusaciones por abuso sexual y canibalismo.

“Estoy aquí para reconocer mis errores, asumir la responsabilidad por el hecho de que fui un imbécil, que fui egoísta, que usé a las personas para sentirme mejor y, cuando terminaba, seguía adelante. Y traté a las personas peor de lo que deberían haber sido tratadas”, dijo la ex estrella hollywoodense.

En 2021, la carrera de la estrella de El llanero solitario (2013), El agente de C.I.P.O.L. (2015) y Llámame por tu nombre (2017) se fue en picada cuando se hicieron públicos mensajes que había enviado a otras mujeres sobre sus prácticas BDSM y fetiches de canibalismo. A partir de ese momento comenzaron a llover acusaciones en su contra por violencia, manipulación y abuso sexual a sus ex parejas.

Armie Hammer relató al medio que fue víctima de abuso sexual por parte de un pastor cuando tenía 13 años. Esto, asegura, estableció un “precedente peligroso” en su vida.

“Lo que eso hizo fue que introdujo la sexualidad en mi vida de una manera que estaba completamente fuera de mi control”, explicó Hammer. “Estaba impotente en esa situación. No tenía agencia en la situación. La sexualidad me fue presentada de una manera aterradora en donde no tenía control. Entonces, mis intereses fueron: quiero tener el control de la situación, sexualmente”.

También te podría interesar: Estas son las revelaciones más inquietantes del documental sobre Armie Hammer.

Hammer admitió que abusó emocionalmente de sus ex parejas. Reconoce también que su estatus y poder económico le permitían seducirlas y terminar su relación con ellas con la misma rapidez. “Dijeron que sí a cosas a las que tal vez no habrían accedido por su cuenta. Había un desequilibrio de poder en esa situación”, comentó. Sin embargo, sostiene que nunca cometió ningún delito.

“Cada [acto sexual] se discutió de antemano. Nunca he empujado a alguien a esto de forma inesperada. Nunca”, afirmó el ex actor.

En otro punto de la entrevista, Armie Hammer reveló que contempló quitarse la vida cuando se surgieron las primeras acusaciones. Nadó mar adentro cerca de su residencia en las Islas Caimán, antes de dar marcha atrás al pensar en sus hijos.

“Simplemente salí al océano y nadé lo más lejos que pude con la esperanza de ahogarme, o de ser golpeado por un bote, o devorado por un tiburón. Entonces, me di cuenta de que mis hijos todavía estaban en tierra y que no podía hacerles eso”.

A raíz de las acusaciones, Armie fue botado por su agencia WME y despedido de todos los roles en Hollywood que tenía por delante, incluyendo Bodas de plomo, La oferta y Gaslit. Poco después, ingresó en rehabilitación por abuso de drogas y alcohol. Hammer confirmó que Robert Downey Jr. le ha apoyado en el proceso, pagando por su tratamiento y brindándole asistencia financiera y hospedaje.

“Hay ejemplos en todas partes, Robert [Downey Jr.] es uno de ellos. Personas que pasaron por esas cosas y encontraron la redención a través de un nuevo camino. Y eso, creo, es lo que falta en esta era de la cultura de la cancelación y la mafia woke”, dice Hammer. “En el momento en que alguien hace algo malo, se les desecha. No hay posibilidad de rehabilitación”.

Actualmente, Hammer se dice sobrio y pasa su tiempo como apoyo de otra persona que acaba de salir de rehabilitación. No obstante, admite que las posibilidades de resucitar su carrera actoral son escasas.

“Nadie me va a contratar. Nadie me asegurará. No puedo vincularme a ningún proyecto. Y nadie me va a tocar porque si me contratan, entonces son de las personas que apoyan a los abusadores”.

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¿Cómo el Edward vs Jacob afectó la amistad entre Robert Pattinson y Taylor Lautner?

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Uno de los debates más intensos, desarrollado a partir de una película, es sin duda el de Team Edward vs Team Jacob. La saga Crepúsculo erigió un triángulo amoroso que puso de cabeza a todos sus fanáticos y a la cultura popular. Pero desde luego aquel también tuvo un cierto impacto en el elenco. Especialmente en las dos caras de los equipos: Robert Pattinson y Taylor Lautner. 

Así lo reveló el segundo durante una charla sostenida en el podcast The Toast, en donde se le preguntó si la eterna lucha entre los personajes alguna vez afectó sus relaciones personales. El actor admitió que, a pesar de que nunca llegó a mayores, definitivamente hubo un cierto impacto. La rivalidad entre ambos histriones solo era alimentada por las reacciones de los fanáticos alrededor del mundo. Especialmente cuando se encontraban con el público cara a cara.

«Siento que estaría mintiendo si dijera que no. Yo era tan joven. Tenía 16 años cuando salió Crepúsculo, 17 para Luna Nueva y Eclipse. Terminé la franquicia cuando tenía 19 años”.

Robert Pattinson Taylor Lautner

En la saga de películas los dos personajes competían por los afectos de la joven Bella Swan, interpretada por Kristen Stewart. Edward era un vampiro de poco más de 90 años de edad con la apariencia de un adolescente de preparatoria. Aunque el amor entre los dos era poderoso, su romance constantemente debió enfrentarse a varios obstáculos. Uno de ellos era la amistad de la chica con Jacob (Taylor Lautner), quien era un hombre lobo. 

Por naturaleza entre lobos y vampiros existía un dejo de enemistad. Pero además el conflicto era potenciado por el triángulo amoroso. Dicho conflicto fue tomado a pecho por los fanáticos. Aunque en la saga literaria ya existía un ganador definitivo, los seguidores de ambos medios fueron apasionados al momento de asentar sus opiniones sobre con quién debería quedarse Bella Swan. 

Robert Pattinson Taylor Lautner

Por fortuna jamás hubo un conflicto real entre Robert Pattinson y Taylor Lautner. Al menos no fuera de la pantalla.

«Era muy joven y sí, siento que fue muy extraño viajar por el mundo y estar en diferentes ciudades y tener a miles de fans gritando de tu lado o del lado del otro», dijo Lautner. «Somos un equipo. Los dos intentamos hacer las mejores películas. La competitividad era un poco extraña. No había competitividad entre Rob y yo, pero tener ese recordatorio constante, definitivamente tuvo un impacto».

Crepúsculo, la primera película de la saga se estrenó en el año 2008. Potenciada por todos lo seguidores de la novela juvenil, su llegada a las salas fue sin duda exitosa. Rápidamente los planes se pusieron en marcha para la adaptación al cine de la saga completa. Luna nueva llegó en 2009; Eclipse en 2010; Amanecer Parte 1 y Parte 2 estrenaron en 2011 y 2012 respectivamente.

Todas ellas pueden verse actualmente a través de la plataforma Netflix. 

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Super Bowl LVII: ¿Dónde ver en televisión, streaming y cines?

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El fútbol americano es uno de los deportes con mayor audiencia en Estados Unidos. Pero cuando hablamos de la gran final del torneo, entonces se convierte en un evento de relevancia mundial. El Super Bowl 2023 verá enfrentarse en la cancha a los Kansas City Chiefs y a los Philadelphia Eagles, en la búsqueda del trofeo Vince Lombardi. 

Por si aquello fuera poco, se anticipa el Medio Tiempo como ningún otro. Después de cinco años de ausencia en los escenarios, y de siete desde su último lanzamiento discográfico, Rihanna volverá a la conversación. La cantante de Barbados subirá al escenario con una producción del rapero Jay-Z y su compañía Roc Nation. El patrocinio del evento no corre a cargo de Pepsi, como sucedió durante los últimos diez años. Rihanna armará su show gracias a la asociación de la NFL con Apple Music. 

Así, desde luego, el Super Bowl 2023 se erige como uno de los eventos más esperados. Por fortuna, las nuevas tecnologías para difusión de contenido y el mercado del streaming, cada vez ofrecen más posibilidades y opciones de poder disfrutar de la gran final. Sigue leyendo para conocer más detalles sobre los horarios de transmisión y en dónde poder verlo. 

Super Bowl 2023: ¿Dónde ver en televisión, streaming y cines?

¿A qué hora y en dónde será el Super Bowl 2023?

La 57ª edición de la final del fútbol americano se llevará a cabo en el Estadio de la Universidad de Phoenix el domingo 12 de febrero de 2023

La partida iniciará en punto de las 17:30 horas, justo después de la ceremonia de las Fuerzas Armadas y la entonación del himno de los Estados Unidos. En esta ocasión el interprete de country Chris Stapleton será el encargado de cantar el himno. 

¿En dónde ver el Super Bowl 2023?

El aficionado mexicano tendrá un gran abanico de posibilidades. En México habrá distintas formas de poder ver la gran final del fútbol americano. Desde la televisión abierta, algunas plataformas streaming e incluso las salas de cine. Conoce a continuación todas las opciones para ver el Super Tazón. 

Televisión abierta

  • Canal 5 (Televisa)
  • Azteca 7

Televisión por cable

  • ESPN
  • Fox Sports México

Streaming

  • Star Plus (Latinoamérica)

Salas de cine

  • Cinemex
Super Bowl 2023: ¿Dónde ver en televisión, streaming y cines?

Los canales oficiales en redes de la NFL también tendrán una cobertura muy completa. Podrás ver los datos curiosos, repeticiones y las mejores jugadas al momento, especialmente en su canal de YouTube.

Para los cinéfilos el Super Bowl también significa la revelación de muchos y emocionantes avances promocionales. ¿Qué películas y series revelarán nuevo material durante los anuncios del partido? Entérate aquí.

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