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Lo que el viento se llevó: revalorizando su legado en el siglo XXI

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Hubo una época en que Lo que el viento se llevó fue considerada la mejor película de todos los tiempos, así como una de las mayores proezas del cine. Su realización implicó adaptar la titánica novela homónima de Margaret Mitchell, atravesar por un triple cambio en la dirección durante su proceso de producción y requerir elaborados acuerdos para unir los talentos de Vivien Leigh y Clark Gable. Esto le llevó a ser reconocida con 13 nominaciones al Premio de la Academia, de las que cosechó ocho estatuillas incluyendo Mejor película por encima de La diligencia y El mago de Oz, para posicionarse como la gran vencedora de un 1939 que sigue siendo considerado por muchos como el año más brillante de la industria norteamericana. Estos esfuerzos le convirtieron en el filme más taquillero de su época, una marca que sigue ostentando hasta la fecha si consideramos que los ajustes de inflación le dan una recaudación superior a los $7,400 mdd. Un clásico en toda la extensión de la palabra.

Estas glorias no pudieron evitar que el filme perdiera cada vez más terreno en el gusto del público y la crítica, que cada vez cuestionan más su posición entre lo mejor de la historia: BBC le dio el lugar 97 en su conteo de cine norteamericano; Sight & Sound la excluyó de su top histórico; los lectores de Empire hicieron lo propio en una encuesta realizada por el medio británico. Hay quienes atribuyen esta dramática baja de popularidad al paso del tiempo y su duración de casi cuatro horas, pero lo cierto es que su posición es mucho más compleja, pues a diferencia de otros filmes de su misma época, hay repasos que incluso dudan de su grandeza y su legado.

¿Cómo fue que la que alguna vez fue vista como la mayor proeza del celuloide ha sido relegada por el público y condenada al olvido?

Lo que el viento se llevó Gone with the Wind

La esclavitud sureña

La construcción de un clásico cinematográfico no es tarea fácil, pues requiere valores narrativos y simbólicos suficientemente poderosos para resistir los embates del tiempo. El caso de Lo que el viento se llevó es sumamente complejo, pues su trama ubicada en la Atlanta de la Guerra Civil, su filmación en una unión americana con severos problemas raciales y su estreno en un mundo fragmentado por la intolerancia generó un ambiente de nerviosismo ante la que parecía ser una cinta dirigida contra la gente de color. Estas preocupaciones desencadenaron una intensa campaña de la prensa negra “para descubrir si algunos de los que se oponen a Hitler a una distancia segura tienen el coraje necesario para oponerse a los prejuicios raciales cuando estos pueden afectar sus carreras y bolsillos” [vía]. El resultado fue la supresión de la palabra nigger en los diálogos de los actores caucásicos y un Oscar histórico que convirtió a Hattie McDaniel en la primera persona afroamericana galardonada con la codiciada estatuilla. Grandes victorias en la lucha por la igualdad racial, las cuales dieron la sensación de que el filme, lejos de exaltar las diferencias raciales, era una mera exploración del conflicto secesionista desde la perspectiva sureña.

Estas ideas cambiaron con la llegada del siglo XXI, con repasos que criticaron al equipo creativo por mantener el término despectivo entre los actores de color para garantizar visiones estereotípicas, así como la utilización de la palabra darkies (oscuritos) para mostrar el aparente cariño de los blancos por sus esclavos. No menos debatible fue el reconocimiento a la actriz que diera vida a Mammy, quien fuera relegada a una mesa aislada para ella, su acompañante y su agente ante las políticas segregacionistas del hotel en que se realizaron los Premios de la Academia.

Esto, aunado a la fidelidad de un material fuente que presuntamente idealiza la esclavitud al mostrar cómo no padecen ningún tipo de maltrato y cuya situación se debe a su propia renuencia a la libertad, así como al enorme aprecio que sienten por sus amos, ha provocado que las audiencias actuales le posicionen entre las cintas más racistas de la historia. ¿Una acusación justa o demasiado extrema para una película realizada en la primera mitad del siglo XX?

Estas visiones descontextualizadas han provocado que el filme sea equiparado con El nacimiento de una nación (1915), señalada por su exaltación a los orígenes del Ku Klux Klan. Una comparación delicada, pero  sellada para siempre con las propiedades metanarrativas del cine y la ingeniosa visión de Spike Lee, quien inició su propia exploración del grupo extremista en El infiltrado del KkKlan (2018) con la imagen de una Scarlett O’Hara incrédula ante la derrota sureña en batalla de Atlanta. 

Todos estos elementos han provocado que algunos sectores de la audiencia teman que Lo que el viento se llevó no sea una simple película, sino un reflejo de la añoranza que muchos norteamericanos sienten por la cada vez más lejana supremacía blanca. Un símbolo cultural que debe ser erradicado, al igual que los viejos monumentos confederados que permanecen de pie hasta nuestros días y cuyas posibles retiradas han inspirado fuertes discusiones en los últimos años, incluyendo la infame marcha que numerosos grupos de ultraderecha protagonizaron en Charlottesville en 2017. La primera reacción llegó del Orpheum Theatre de Memphis, que en 2018 canceló un screening del filme al considerarlo “insensible para un largo segmento de la población local”.

Lo que el viento se llevó Gone with the Wind

Scarlett O’Hara como símbolo

El cine siempre ha batallado por capturar la fuerza femenina, con personajes primordialmente débiles, sumidos en roles secundarios y dependientes del hombre para realizarse como personas. No fue el caso de Scarlett O’Hara, cuya evolución de una chica mimada cuyo único objetivo es contraer nupcias con un joven que le obsesiona a una mujer autosuficiente que termina convirtiéndose en el pilar fundamental de su familia y sus personas más cercanas, le llevó a ser considerada la primera heroína del celuloide y una auténtica pionera de la simbología feminista.

La imagen del personaje interpretado por Vivien Leigh se deterioró con el paso del tiempo. Nadie duda de su poderío, pero sus métodos son cada vez más cuestionados, pues recurre al engaño para alcanzar sus objetivos, lo que resulta en numerosos atentados contra su propio género y en la seducción de los hombres para garantizar su bienestar. Esta oscuridad incrementa cuando el personaje es comparado con Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), quien preserva la inocencia sin importar los pesares suscitados tras el conflicto bélico.

Más polémica aún es la mítica escena de la escalera, cuando un Rhett Butler alcoholizado y desesperado por los desplantes de Scarlett, toma a su esposa en brazos para recordarle que “no somos caballeros y no tenemos honor, ¿verdad? No es tan fácil, Scarlett. Me rechazaste mientras perseguías a Ashley Wilkes, mientras soñabas con Ashley Wilkes. Esta es una noche que no me rechazarás”. En su momento se le consideró el momento cumbre del mayor romance del celuloide, con la pasión salvaje como el único medio para alivianar las tensiones entre los amantes, lo que resultó en una fémina radiante a la mañana siguiente. 

El concepto cambió hacia finales de los 80 cuando la filósofa feminista Marilyn Friedman [vía] concluyó que la secuencia se apoya en la ambigüedad para mostrar lo que realmente era una violación marital. “Retratan al violador como un hombre guapo cuya dominación es placentera en la cama”, determinó la teórica, “y ​​retratan a las mujeres como felices de tener sus propias elecciones sexuales y rechazos aplastados por tales hombres”. Aunque el feminismo no ha determinado una postura concreta, el momento sigue generando acaloradas discusiones hasta nuestros días, con una buena parte de la audiencia satanizando al filme por su aparente idealización de la masculinidad tóxica. Pero, ¿es realmente una cinta misógina o un reflejo de la violencia que padecieron tantas mujeres en la época en que se desarrolla la trama?

Lo que el viento se llevó Gone with the Wind

La grandeza de Lo que el viento llevó

Si Lo que el viento se llevó ha perdido el aura de perfección que una vez le caracterizó no es por la reducción de su calidad narrativa, técnica o histriónica, sino porque al igual que muchas otras películas, las nuevas audiencias han tenido cada vez más dificultades para verla dentro del contexto histórico en que fue realizada o en el que se desarrolla su trama. Una vez logrado el objetivo, es difícil cuestionar su posición entre las mayores joyas cinematográficas de todos los tiempos.

Si la historia ha trascendido por generaciones no es por sus estereotipos, sus subtramas del Klan, ni la controversia alrededor de su pareja protagonista, sino por la manera en que rompió los moldes preestablecidos para construir el mayor drama romántico que se haya visto en pantalla. Una Scarlett O’Hara que resquebraje la idea de inocencia y debilidad femenina para garantizar la supervivencia durante el mayor conflicto bélico en suelo norteamericano y así cumplir la vieja promesa hecha a sí misma: “con Dios como testigo […], nunca más volveré a pasar hambre”. No es una heroína, pero tampoco una villana, sino una mujer imperfecta que hace lo necesario por salir avante. Recurre al engaño y la seducción, pero también al sacrificio para trabajar al lado de los que alguna vez fueran sus esclavos. Nunca lo ve como una humillación, sino como una prueba para demostrar a la sociedad, pero sobre todo a sí misma, que no era el sexo débil, sino una persona que puede superar cualquier obstáculo. 

Rhett Butler también forma una parte fundamental en su ascenso. No como el típico enamorado que manifiesta su amor con palabras huecas, sino alentando la rebeldía de la joven al considerarla capaz de realizar todo lo que se proponga siempre que sea capaz de romper las cadenas que la atan a un viejo sistema opresor plasmado en un frágil Ashley Wilkes. Nadie cuestiona su agresividad, pero poco se ha hablado de su sensibilidad al ser él quien añoraba el romance imposible así como la búsqueda de una hija cuya pérdida conduce al fatídico rompimiento. Una reversión simbólica para exhibir el lado femenino del hombre.

A esto sumemos su carácter épico logrado con la perspectiva confederada, no como un símbolo de añoranza esclavista, sino de una lucha desigual entre hermanos y por causas que nunca han sido bien esclarecidas. La historia de los vencedores habla de una batalla por la libertad, mientras que la escrita por los perdedores alude a una heroica, pero inútil lucha contra las imposiciones de un norte opresor que aprovechó sus avances para imponer su ideología en el joven país, pero nunca en defensa de una esclavitud que desde entonces parecía condenada a la desaparición. Un mito americano que se ha difuminado con el tiempo y que apenas es recordado bajo el nombre de la Causa Perdida.

Finalmente, también es un recordatorio de tiempos imperfectos que se han ido para no volver, pero de los que se puede aprender para evitar los errores del pasado. Un sistema económico caracterizado por la crueldad, una Guerra Civil que dejó cerca de 620,000 bajas para posicionarse como el conflicto bélico más sangriento de los Estados Unidos y una sociedad eminentemente machista donde la mujer vivía para servir los deseos del hombre. No menos dura fua la época de su estreno en un país caracterizado por las desigualdades raciales y de género, con los afroamericanos segregados en beneficio de los blancos y las mujeres batallando por alcanzar la igualdad tras la Gran Depresión. Conflictos lejanos, pero que se mantienen latentes no sólo en una unión americana contemporánea sino en una sociedad mundial dominada por el odio, el racismo, la misoginia y la xenofobia, y que convierten las críticas contra Lo que el viento se llevó en un desprecio, no contra la película en sí, sino contra una humanidad cimentada sobre la violencia e incapaz de cambiar.

Quizá sea tiempo de dejar atrás las polémicas arrastradas por Lo que el viento se llevó y aprovechar sus lecciones para, al igual que Scarlett O’Hara, evolucionar con la esperanza de un mundo mejor bajo la eterna premisa de que mañana será otro día.

Lo que el viento se llevó Gone with the Wind

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Guía Ambulante 2024: Fechas, horarios, tips y ruta de películas para disfrutar de la gran fiesta del documental

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Ambulante-2024

La edición 2024 de Ambulante Gira de Documentales, la fiesta por excelencia del documental en México, llega nuevamente con una gira itinerante que llevará más de 90 títulos a cuatro estados de la República. Su selección está compuesta por producciones de 23 países distintos, que incluyen largometrajes, cortometrajes, animaciones, estrenos nacionales y un estreno mundial. Además de las proyecciones, también se realizarán eventos como clases magistrales, jornadas infantiles, conversatorios con creadores, instalaciones artísticas, talleres, funciones de teatro documental, entre otras actividades dedicadas a abrir la conversación alrededor de los documentales y llevarlos a territorios de impacto. La gran mayoría de los eventos serán gratuitos.

Desde su primera edición en 2006, Ambulante ha sido un catalizador en la formación de públicos para el género documental. Ha fungido como umbral, como puerta, como bienvenida. Es uno de los festivales ideales para empezar a empaparnos de las historias que capturan nuestra realidad, pero también para reflexionar sobre las formas en que podemos contarnos a nosotros mismos, nuestras memorias y la de nuestras comunidades.

La 19 edición nos presenta una nueva oportunidad para dejarnos llevar por el cine documental. Aquí te decimos todo lo que debes saber para sacarle el máximo provecho.

¿Cuándo y dónde?

Primero lo primero. Antes de hacer tu itinerario asegúrate de conocer los días que la gira estará en tu estado. Ambulante 2024 visitará Ciudad de México, Veracruz, Michoacán y Querétaro, entre el 10 de abril y el 26 de mayo. Estas son las fechas de cada parada.

  • Ciudad de México– del 10  al 21 de abril
  • Veracruz- del 2 al 12 de mayo
  • Michoacán- del 8 al 19 de mayo
  • Querétaro- del 15 al 26 de mayo

¿Hay forma de disfrutar de Ambulante si la gira no pasará por mi estado o localidad?

La buena noticia es que parte de la programación estará disponible de manera gratuita en el sitio nuestrocine.mx, durante los siguientes días de mayo: del 2 al 5, del 9 al 12 y del 16 al 19.

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¿Qué ver en Ambulante 2024?

Una vez que has tomado en cuenta las fechas de la gira, recomendamos hacer un itinerario de las películas que te gustaría ver, aunque sabemos que al principio no es tan fácil. Cuando nos enfrentamos a la programación de un festival de cine es difícil no abrumarse con los listados de proyecciones, sedes y horarios. Sobre todo cuando se trata de nuestra primera vez y la mayoría de los títulos y nombres nos son en su mayoría desconocidos (pues no cuentan con los mismos niveles de notoriedad o marketing que las grandes producciones que nos llegan de Hollywood). 

Afortunadamente, existen estrategias sencillas que nos ayudan a orientarnos. Una de ellas es revisar los caminos que el mismo festival propone a sus espectadores.

Históricamente, Ambulante ha dividido su selección de películas en nueve secciones: Pulsos, que son documentales mexicanos; Intersecciones, que agrupa documentales internacionales; Resistencias, que presenta documentales enfocados en la justicia y la defensa de los derechos humanos; Retrovisor, películas que le dan vida al archivo cinematográfico; Sonidero, películas que homenajean lo sonoro y unen música y cine; Ambulantito, una sección dirigida a las infancias; Invocaciones, que cada año presenta retrospectivas de creadores; Injerto, que presenta cine de vanguardia, y Coordenadas, una sección formada por películas realizadas en cada región que visita el festival (veracruzanas para Veracruz, michoacanas para Michoacán, etc).

Las secciones, además de categorizar, nos proponen rutas cinematográficas, de modo que si lo que te interesa son los documentales mexicanos puedes seguir las proyecciones y los horarios de la sección Pulsos, o si estás más interesado en aquellos trabajos sobre protagonistas que resisten al statu quo, puedes seguir la sección Resistencias. Y así con cada una.

Otra forma eficaz de orientarte es poner atención a las recomendaciones de tu crítico, medio o analista de cine favorito. A continuación te presentamos una ruta curada, que puedes seguir o tomar como referencia.

Ruta Cine PREMIERE- Ciudad de México

Ambulante ya cuenta en su página con un programa de mano completo para sus actividades y proyecciones en Ciudad de México. La siguiente propuesta de ruta retoma las actividades ahí mencionadas y toma en cuenta horarios y distancias entre cada sede para que puedas sacarle el mayor provecho a la programación de cada día, mientras cumples con tus jornadas laborales y demás compromisos diarios.

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Miércoles 10 de abril- función inaugural

Tres promesas (Dir. Yousef Srouji)

¿Por qué verlo? Una madre palestina filma en videos caseros la vida cotidiana de su familia, mientras el ejército israelí emprende una ofensiva contra la Segunda Intifada a principios del año 2000. Años después, su hijo retoma el pietaje para construir un documental que ofrece un vistazo distinto al conflicto israelí-palestino, y que nos ayuda a entender las dinámicas de ocupación de la región.

A qué hora y dónde- 19:30 hrs, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris

Para tomar en cuenta: La entrada es gratuita, por lo que te recomendamos llegar con tiempo de anticipación. La taquilla abrirá desde las 4:00 pm.

Ambulante 2024

Jueves 11 de abril- Elige entre una película o una masterclass

Función: Soundtrack para un golpe de estado (Dir. Johan Grimonprez)

¿Por qué verlo? Es un documental innovador, que yuxtapone la música jazz con la historia del asesinato del líder africano Patrice Lumumba y la forma en que un golpe de estado acabó con un sueño y permitió que los poderes colonialistas siguieran explotando la región. Es una lección de historia, pero de esas que no te dejan despegar los ojos de la pantalla.

Habrá una sesión de preguntas y respuestas después de la función.

A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Le Cinema IFAL

Ambulante 2024

Masterclass: Cine y poesía con Lynne Sachs

A partir de fragmentos de sus propias películas, la realizadora experimental Lynne Sachs  compartirá reflexiones sobre cómo trenzar cine y poesía: la visualización de textos poéticos, el ensayo cinematográfico, y cómo usar la imagen para expandir la realidad a partir de lo poético.

A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cineteca Nacional

Viernes 12 de abril- disfruta de una función doble

1. El Eco (Dir.ª Tatiana Huezo )

¿Por qué verlo? Documental ganador en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia, en él la realizadora mexicana Tatiana Huezo explora la fragilidad del campo y de la niñez a partir de la vida cotidiana del pueblo El Eco, en donde el viento transporta murmullos y las infancias aprenden a coexistir con el mudo natural.

Habrá sesión de preguntas y respuestas.

A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cinépolis Universidad

2. Favoriten (Dir.ª Ruth Beckermann)

¿Por qué verlo? Este documental sigue las aventuras, los triunfos y las fascinantes personalidades de un grupo de niños, hijos de migrantes, que asisten a una escuela primaria de alto riesgo en un barrio marginal de Viena. El salón de clase es una comunidad, un retrato de la sociedad europea actual a pequeña escala, que nos enternece, nos divierte, y nos sorprende con la lucidez y magnetismo de sus pequeños protagonistas.

A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Cinépolis Universidad

Sábado 13 de abril- Choose your own adventure

Opción 1- Para los cinéfilos y amantes de las imágenes:

Y el rey dijo: Qué máquina tan fantástica (Dirs. Axel Danielson y Maximilien Van Aertryck)

¿Por qué verlo? Este documental nos sumerge en la historia de las imágenes y reflexiona sobre la relación que las personas hemos construido con la cámara a lo largo de la historia: ¿para qué la hemos usado? ¿cómo nos hemos retratado a nosotros mismos? ¿y cómo ha cambiado nuestra relación con las imágenes y la cámara a lo largo del tiempo y de cara a los avances tecnológicos?

Habrá un conversatorio al finalizar la función, con los creadores de contenido: Sofía Poiré, Kristian Gabriel, Rodrigo Vázquez Venegas y Marbella Figueroa.

A qué hora y dónde- 16:30 hrs, Le Cinema IFAL

Ambulante 2024

Opción 2- Para quienes disfrutan de trabajos que unen cine y gastronomía:

El menú de los placeres: La familia Troisgros (Dir. Frederick Wiseman)

¿Por qué verlo? Esta película nos da la oportunidad de asistir a una experiencia inmersiva, en donde un grupo de talentosos artistas culinarios hacen magia: después de todo, preparar platillos de gran calidad es un asunto de disciplina, creatividad e imaginación.

A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cine Tonalá

Ambulante 2024

Domingo 14 de abril- otra función doble

1. Queendom (Dir.ª Agniia Galdanova)

¿Por qué verlo? Este es el retrato de Gena Marvin, una activista queer temeraria, que protesta contra el gobierno ruso de formas que retan y absorben nuestros sentidos. Sus performances son extensiones de su mundo interno: resistencias contra la guerra en Ucrania que visten zapatos de plataforma y pintura en el cuerpo. Nos recuerda que la valentía puede adoptar muchas apariencias.

A qué hora y dónde- 17:00 hrs, Cinepolis Universidad

2. Malqueridas (Dir.ª Tana Gilbert)

¿Por qué verlo? Este trabajo de la directora chilena Tana Gilbert muestra la vida de madres que cumplen sentencias en las cárceles, a través de las grabaciones de sus propios teléfonos móviles. Es un vistazo a la maternidad desde el encierro, que despierta reflexiones sobre las condiciones a las que se enfrentan estas mujeres.

A qué hora y dónde- 19:00 hrs, Cinepolis Universidad

Jueves 18 de abril

El guardián de las monarcas (Dir. Emiliano Ruprah de Fina)

¿Por qué verlo? Este documental investiga la muerte y desaparición del activista ambientalista Homero Gómez González, mientras expone los intereses criminales que amenazan el Santuario de la Mariposa Monarca en Michoacán.

A qué hora y dónde- 16:30 hrs, Centro Cultural José Martí

*Conforme se den a conocer las programaciones de los otros tres estados de la República, publicaremos las rutas para cada uno.

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¿Qué significa el color del sable de luz en Star Wars?

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¿Qué significa el color del sable de luz en Star Wars?

En el universo de Star Wars, el color del sable de luz es definido por el cristal Kyber, el cual refleja la personalidad y habilidades del portador. Recordemos que, como parte del entrenamiento, un Jedi debe fabricar su propio sable de luz y seleccionar el cristal que le dará vida. Estos cristales son sensibles a la Fuerza, por lo que su verdadero color es revelado al entrar en conexión con un Jedi o un Sith. 

¿Qué significa el color del sable de luz en Star Wars? Al inicio de la saga era más sencillo: rojo para los malos y verde o azul para los buenos. Sin embargo, con el paso del tiempo y la expansión del universo, conocimos nuevos colores y a cada uno se les dio un significado diferente. 

El canon actual no cuenta con significados especiales para estas armas, por lo cual nos basaremos en el significado de Legends y en algunos conceptos que nos ha dado el canon.

Azul

Este color es usado por los guardianes Jedi: se enfocan en el uso de la Fuerza de manera táctica y física. Por esa razón es que es el color más común.

Los portadores más conocidos: Anakin Skywalker, Obi-Wan y Leia Organa.

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¿Qué significan los colores de sables de luz en Star Wars?

Verde

Son utilizados por los Consul Jedi: pensadores que se dedican a estudiar los misterios de la Fuerza. Representan la sabiduría, la armonía y son utilizados por los Jedi más sabios y de mayor rango. 

Los portadores más conocidos: Yoda, Qui-Gon Jinn y Luke Skywalker. 

¿Qué significan los colores de sables de luz en Star Wars?

Rojo

Este color representa la ira, la maldad y el tormento. Después de ser corrompido por el lado oscuro, un Sith no establece conexión con el cristal Kyber, sino que lo doblega hasta hacerlo “sangrar”, de ahí el color rojo.

Los portadores más conocidos: Darth Vader, Darth Sidious, El gran inquisidor, Darth Maul y todo aquel usuario del lado oscuro.

¿Qué significan los colores de sables de luz en Star Wars?

Amarillo

En el universo Legends, son usados por los Centinela Jedi: miembros de la orden que se enfocan en los estudios de combate, medicina y tecnología. En la serie animada de Clone Wars los vemos empuñados por los guardianes del templo Jedi en Coruscant.

¿Qué significan los colores de sables de luz en Star Wars?

Naranja

Este color no ha sido utilizado por algún Jedi del canon actual. No obstante, en Legends es utilizado por los Jedi de gran fuerza física y de carácter oscuro.  

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Este color podía ser seleccionado por un jugador del videojuego Star Wars Jedi: Fallen Order si se reservaba en preventa.

Morado

Es un color usado por los Jedi que pueden balancearse entre el lado oscuro y de la luz sin llegar a ser corrompidos. El morado representa la ambigüedad moral del portador y es un color muy raro entre los miembros de la orden.

La historia original nace a partir de la petición de Samuel L. Jackson a George Lucas de que su personaje portara un sable de color morado, ya que es el color favorito de Samuel. 

El portador más conocido: Mace Windu.

¿Qué significan los colores de sables de luz en Star Wars?

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Dorado

Es portado por todo aquel Jedi entregado en su totalidad al lado luminoso, representa la compasión y la sabiduría.

Después del final del Episodio IX, quedó la duda de qué significado tendría este color de sable de luz dentro del canon, pues al final de la cinta Rey crea su propio sable dorado. Muchos fanáticos han llegado a la conclusión de que significa el balance entre el lado oscuro y de la luz, ya que Rey nace con la sangre de Palpatine, pero su entrenamiento corrió a cargo de un Skywalker. 

¿Qué significan los colores de sables de luz en Star Wars?

Blanco

Ahsoka Tano es la única portadora de este color en toda la franquicia. Sus sables de luz fueron creados a partir de su pelea con el sexto hermano inquisidor: Ahsoka tomó sus cristales y utilizó la fuerza para purificarlos. 

Negro

Es el color de un sable único creado por Tarre Vizsla, el primer Jedi mandaloriano. Después de la muerte de Tarre Vizla, el sable fue ocultado en el templo Jedi y robado por el Clan Vizsla. Su primer aparición fue en la serie de Clone Wars.

Su color representa el poder absoluto, supremacía y orgullo. Por lo tanto, se convirtió en un símbolo de liderazgo para los mandalorianos. Según sus costumbres, todo aquel que empuñe el sable negro obtendrá el titulo de Mand’alor, gobernante de Mandalore. La única forma de obtenerlo es derrotando al portador anterior en un combate a muerte.

El sable ha sido portado por Tarre Vizsla, Pre Vizsla, Bo-Katan entre otros. Din Djarin es el actual poseedor del sable negro.

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¿Qué hace Robert De Niro a sus 80 años? Su nuevo proyecto te sorprenderá

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Robert De Niro, leyenda viva del cine, se ha consolidado como uno de los actores más influyentes y respetados de su generación. Nacido el 17 de agosto de 1943 en Nueva York, De Niro ha dedicado su vida al arte de la actuación, convirtiéndose en un verdadero camaleón de la pantalla grande. Su capacidad para interpretar a los personajes, desde el más despiadado mafioso hasta el padre más comprensivo, ha dejado una gran huella en la historia del cine.

 

Una trayectoria de éxitos y personajes memorables

La carrera de Robert De Niro es un conjunto de actuaciones que han definido géneros y eras. Desde sus primeros días bajo la dirección de Martin Scorsese en Taxi Driver hasta su papel icónico como Vito Corleone en El Padrino II, De Niro ha demostrado una versatilidad asombrosa. Su colaboración con Scorsese, en particular, ha dado lugar a algunas de las películas más recordadas del cine, incluyendo Toro Salvaje y Goodfellas. Sin embargo, su capacidad para adaptarse no se limita a los dramas intensos; también ha brillado en comedias como Los padres de ella.

 

Además, otra de sus actuaciones más destacadas la encontramos en el papel que hizo en Casino, una película que introduce al espectador en el mundo de las apuestas, el poder y la codicia en Las Vegas. En este drama épico, De Niro interpreta a Sam «Ace» Rothstein, un profesional de las tragamonedas y juegos de azar que es llamado para dirigir uno de los casinos más importantes de la ciudad.

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Alto Knights, la nueva aventura de De Niro

Robert De Niro regresa al género que lo vio nacer como estrella con Alto Knights, una película que se espera que esté entre las destacadas de la larga lista de éxitos del actor en el cine de mafia. Dirigida por Barry Levinson, Alto Knights se sumerge en la historia de dos de los jefes de la mafia más notorios de Nueva York, Frank Costello y Vito Genovese, interpretados por De Niro, quien asume el reto de dar vida a ambos personajes.

 

La película, que inicialmente llevaba el título The Wise Guys, ha sido rebautizada como Alto Knights y está programada para estrenarse el 15 de noviembre de 2024. Este cambio de nombre y la postergación de la fecha de lanzamiento se debe a que los creadores quieren que salga todo perfecto con este proyecto. Aunque aún no se ha lanzado un tráiler, la anticipación crece día a día.

 

Por otro lado, el elenco de Alto Knights se complementa con talentos como Debra Messing y Kathrine Narducci, quienes, junto a De Niro, prometen llevar al público a un viaje inolvidable a través de las complejidades del poder y la traición en el mundo del crimen organizado. La dirección de Levinson, combinada con el guión de Nicholas Pileggi y la producción de Irwin Winkler y Jason Sosnoff, asegura que esta producción será una pieza imprescindible para los aficionados al género de la mafia y para aquellos que aprecian el cine de alta calidad.

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