Desde que Tangerine (2015) le diera reconocimiento internacional, el cineasta estadunidense Sean Baker ha forjado una carrera que ha sabido surcar las aguas de Hollywood sin sumergirse del todo en las mismas y sin comprometer un sentido estético y narrativo; a pesar de que las ofertas para hacerlo no han faltado desde que ganara mayor proyección con El proyecto Florida (2017), estelarizada por Willem Dafoe y que fue presentada en la Quincena de Realizadores. Después vendría Red Rocket (2021), también presentada en la competencia oficial, que contó con una vibrante participación del actor Simon Rex, una estrella de clase B, quien, como suele suceder cuando recibe papeles como este, se comprometió de una manera en la  que ningún “estelar” se atrevería.

Navegar en los márgenes implica siempre un esfuerzo constante por mantenerse a flote y Baker lo sabe perfectamente. Esa resistencia le ha otorgado una fuerza única como cineasta, que rebosa vitalidad e ingenio en Anora, su más reciente película, estelarizada por otra miembro del Rancho Spahn de Once Upon a Time in Hollywood (Tarantino, 2019): Mikey Madison. Después de ser destrozada por Brad Pitt en aquella película, aquí la actriz se convierte en Annie –Anora–, una escort y bailarina que se enreda con Vanya (Mark Eidelstein), el joven hijo de un mega millonario ruso que está viviendo en Estados Unidos y que se enamora perdidamente de ella. Tras una semana de intenso amorío, el joven adinerado decide casarse con Annie en Las Vegas, lo que provoca un desastroso problema para los guardianes de Vanya, quienes deben corregir la situación lo antes posible sin tomar en cuenta la ferocidad de la protagonista.

Ya habiendo explorado odiseas urbanas similares tanto en Tangerine como en Red Rocket, en esta ocasión Baker se acerca más a los terrenos de la screwball comedy, género clásico del cine estadounidense de los años 30 y 40, teniendo como referentes precisos a cineastas con la energía y vigor de Howard Hawks y George Cukor. El cineasta entrega una película que junto a What’s up Doc? (Bogdanovich, 1972), Damsels in Distress (Stillman, 2010) o Mistress America (Baumbach, 2015) revitaliza el género con códigos contemporáneos, sin dejar de lado lo que hace tan efectivo a dicho género, que es el contacto entre personas que quizá en otras circunstancias no podrían conocerse, escucharse o ni siquiera mirarse. 

Lo que comienza como un idilio lleno de sexo, dinero, fiestas y lujos se transforma con la misma celeridad en una búsqueda frenética, en la que Annie y los guardianes de Vanya deben buscarlo después de que éste escapa al enterarse que sus padres se dirigen a Estados Unidos con la intención de llevárselo y anular el matrimonio.

Es a partir de ahí que la película toma un ritmo frenético que Baker sabe mantener, principalmente porque, como en sus trabajos anteriores, conoce y siente un profundo afecto por cada uno de sus personajes, incluso cuando son ridiculizados, llevados al punto de desesperación o histeria. Tal como sucede en El proyecto Florida, existe un sentido de comunidad que parece espontáneo y que es increíblemente fácil de compartir como espectadores. 

La generosidad y bonhomía de un cineasta como Baker iguala su energía e ingenio y las hace extensivas, en mayor o menor medida, en cada una de sus películas. Así como Vanya, el carismático e inútil millonario ruso, trata con gentileza y cariño a Annie, así Baker trata a sus espectadores, devolviéndonos a nuestras respectivas realidades con el grato recuerdo de un momento de ensueño.

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Después de ser ungido con numerosas nominaciones a premios y recibir, literalmente, aceptación universal, el cineasta griego Yorgos Lanthimos parece haberse convencido de que era momento de regresar a la provocación misantrópica –que realmente nunca se fue del todo– y que animó sus primeras películas, solo que en esta ocasión, subsidiado por la casa Disney a través de los estudios Searchlight (anteriormente Fox Searchlight). Más allá de esta ironía, el éxito y la aceptación no han convencido a Lanthimos de la existencia de cualquier valor humano y en su película Kinds of Kindness está decidido a mostrar que el ser humano es tan cruel y oscuro como su visión del mismo.

La película se estructura en tres episodios en los que el mismo grupo de actores toma roles diferentes. Jesse Plemons y Emma Stone son los protagonistas, apoyados por Willem Dafoe, Hong Chau, Margaret Qualley, Mamoudou Athie y Joe Alwyn. Cada uno de esos episodios explora temas como los límites a los que somos capaces de llegar para obtener aprobación y validación, la enorme desconfianza que el afecto genera y la naturaleza violenta del ceder el deseo propio para satisfacer el ajeno. Para ello, Lanthimos retoma su colaboración con el escritor Efthymis Filippou, con quien escribió Canino (Kynodontas, 2009), Alpeis (2011), La langosta (2014) y El sacrificio de un ciervo sagrado (2017).

Más que una continuación de la línea temática y estilística trazada por la colaboración entre Lanthimos y Filippou, Kinds of Kindness representa una concentración de los mismos. Si bien el tono oscuro y absurdista estaba presente en La favorita (2018) y en Pobres criaturas (2023), ambas escritas por Tony McNamara, es cierto que éste se había menguado considerablemente, particularmente porque se evadía cierta opacidad narrativa que está presente en los guiones de Filippou. Donde los guiones de McNamara, particularmente el de Pobres criaturas, se apoyan en un tono abiertamente didáctico y de estructura clásica, los de Filippou comparten esa naturaleza didáctica que básicamente se resume a la idea “el ser humano es malo, muy malo”, pero desde un lugar más punzante e incómodo, que la mayoría de las veces encuentra su catarsis en risas ahogadas.

En el primer episodio de la película, Jesse Plemons interpreta a un empleado que cumple a totalidad cualquier tarea impuesta por su jefe (Willem Dafoe), no importando lo absurda o peligrosa que dicha tarea pueda ser, incluyendo hacer regímenes alimenticios para ganar peso, leer Anna Karenina de Tolstoi,  inducirle abortos a su esposa (Hong Chau) y provocar accidentes automovilísticos, tareas que son premiadas con artículos como una raqueta destrozada por el tenista John McEnroe o un casco dañado utilizado por el corredor Ayrton Senna. 

Cuando el personaje de Plemons decide que el homicidio involuntario es demasiado, renuncia al amor de su jefe y comienza una odisea por recuperar esa aprobación. La presencia de Plemons hace que lo patético de su personaje mantenga cierto sentido de dignidad que la película constantemente le niega. Asimismo, Plemons, a diferencia de otros intérpretes, como Colin Farrell o la misma Emma Stone, marca una distancia en el estilo seco y distante que los intérpretes de Lanthimos usualmente tienen. En ese sentido, la presencia de este actor en los tres episodios se convierte en un eje sólido para evitar que la película caiga completamente en la redundancia de su odio hacia sí misma.

Por otro lado, Emma Stone continúa su frenética búsqueda por distanciarse lo más posible de cierta etapa de su carrera, entrando en una era de roles más “demandantes” y “oscuros” –el que hizo en la serie de The Curse junto a Nathan Fielder es el más estimulante de esta época–. Stone tiene un rol predominante en el tercer episodio de la película, en el que junto a Plemons interpretan a dos miembros de un extraño culto liderado por Willem Dafoe y Hong Chau, quienes vierten sus lágrimas en un pozo del cual los miembros de su secta beben de manera religiosa. Después de un encuentro sexual con su marido (Joe Alwyn), el personaje de Stone es expulsado de la secta por estar “contaminada” y ahora debe buscar su reingreso localizando a una mujer que supuestamente es capaz de revivir a los muertos.

En el capítulo central, Plemons interpreta a un policía cuya esposa (Stone) ha desaparecido misteriosamente. Después de varios días, ella es rescatada de una isla desierta, pero el policía comienza a sospechar que ella no es su esposa en realidad y que ha sido cambiada por otra persona, lo cual lleva a someterla a duras pruebas –como cortarse un dedo y cocinarlo con verduras– para superar sus dudas. 

En este episodio, quizá el más violento de los tres, Lanthimos muestra que en ningún momento es un cineasta que entienda de gentileza, sino únicamente de vileza. Este aspecto es retratado plásticamente de la mano del cinefotógrafo Robbie Ryan, con una mano fría y quirúrgica –aunque no tan clínica como la mirada de El sacrificio de un ciervo sagrado–, que después de haber capturado la atención de la gran industria, demanda, despóticamente, devoción total. Ya será tarea del espectador decidir si se somete al culto del cineasta griego.

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Seguramente, en más de una ocasión, se han cuestionado el significado de un sueño. No importa qué o quién aparezca mientras dormimos, la duda por saber qué lo llevó ahí es una que ha inspirado todo tipo de teorías. La nueva película de Nicolas Cage, El hombre de los sueños, se suma a estas dudas con una premisa interesante, pero también pretende hacer una crítica de temas más actuales tomando como pretexto el mundo onírico de sus personajes. El resultado es, cuando menos, fascinante.

Paul Matthews es un profesor bastante común que, por alguna razón, comienza a aparecer en los sueños de las personas. Al principio, todo parece una coincidencia y muchos lo toman como algo gracioso. Pero la situación se torna complicada cuando la fama lo acecha y también sus consecuencias. Antes, no muchos notaban su existencia, y ahora todos lo aman. Cuando la aparición de Paul en los sueños comienza a provocar daños, éste tendrá que poner todo a flote para saber qué ocurre.

Explotar esa longeva curiosidad por los sueños, y más con una figura como Nicolas Cage, sin duda es algo que podría llevar a muchos a las salas. Afortunadamente, la película no tarda mucho en introducirnos el conflicto, y lo hace poco a poco. Esto da tiempo para entender la dinámica de Paul junto a su esposa e hijas. La trama se complica minuto a minuto, pues cada vez más personas ven a Paul cuando cierran los ojos. Eso da pie a momentos que juegan tanto con el drama como con una comedia surrealista.

Nicolas Cage vuelve a esos roles sumamente creativos a los que tanto provecho les saca, y a pesar de que Paul es un hombre verdaderamente aburrido, lo hace empático. El personaje es un reflejo de esas figuras que dominan las redes sociales con una fama efímera. Todos lo veneran, los medios quieren entrevistarlo, e incluso llega a “perder el piso” con tremenda facilidad. Quizá su historia les recuerde a muchos “famosos” de los últimos tiempos, y es justo ahí donde la cinta encuentra su punto más fuerte.

Con una mezcla adecuada de drama y comedia, El hombre de los sueños explora otro fenómeno relacionado con las celebridades (sin importar su trayectoria): la cultura de la cancelación. Podrán opinar lo que sea del tema, pero esta película lo retrata de forma digerible e incluso hilarante. Conforme pasan los minutos, el patetismo de Paul llega cada vez más lejos. Mucho nos recuerda a aquellos que hacen todo por estar vigente en las redes sin importar que sea a costa de su dignidad o reputación. Aunque el tema puede recordarnos a títulos como De Roma con amor (el segmento protagonizado por Roberto Benigni), o incluso Cayó de la gloria el diablo (con Ignacio López Tarso), la forma de abordarlo resulta dolorosamente actual.

En cuanto a las secuencias que abordan los sueños, estas cuentan con una realización destacada. El hombre de los sueños no es un título que recaiga en una saturación de efectos visuales. Sin embargo, aquellos que sí se hacen presentes son competentes. Los planos y ángulos de cámara, la música y la fotografía se mezclan correctamente para exaltar esa rareza que predomina en los sueños. La puesta en escena de Kristoffer Borgli, quien sorprendió en 2023 con la retorcida Enferma de mí, es al mismo tiempo simple, atrapante y con personalidad.

Aun cuando los dos primeros tercios de la cinta son muy sólidos, es en el tercer acto donde la cinta presenta atisbos de ser lo que crítica. Así como los sueños de los personajes no tienen mucho sentido, la película se desmorona y aleja de los temas que atraen. El drama gana más peso, y no es que eso sea malo. Simplemente, la película no tiene la inteligencia necesaria para cerrar sus tramas de forma coherente o provocar un final abierto intrigante.

De nada sirve tener un planteamiento y desarrollo potentes, o una propuesta visual atractiva, si la forma de concluirlo todo resulta tan triste como la vida de su protagonista. Aun con todo eso, Nicolas Cage sale bien librado y demuestra que, cuando se lo propone (o le dan un guion medianamente solvente), puede mostrar todas las virtudes con la que se dio a conocer.

Aunque El hombre de los sueños tiene un inicio prometedor y un desarrollo atractivo, nunca termina por explotar el potencial de su trama. De pronto, se siente como si el director y guionista hubiera olvidado lo que verdaderamente quería decir con la cinta. Todo se torna un tanto confuso. No es, bajo ninguna circunstancia, una mala película, pero tiene más de un momento donde se evidencia que pudo ser mejor. Irónicamente, cuando empiezan los créditos surge la sensación de haber tenido uno de esos grandes sueños interrumpidos, y que jamás se pueden retomar.

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