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“Queríamos tocarlo en vivo, con sentimiento y con errores”: Una entrevista con Parcels

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Cada día que pasa, es un día que Parcels reclama a un melómano como su fanático más grande. Cada minuto es uno en que alguien allá afuera declara a la banda australiana como su nueva favorita. En parte lo hace gracias a su brillante álbum debut homónimo de 2018 y a los sencillos que lanzarían unos años antes como “Hideout” y Gamesofluck”.

Sin embargo, el lugar que pone a Parcels por encima de muchas otras bandas, es el escenario. Todos los que han tenido la fortuna de verlos en vivo lo pueden confirmar, y si no, un video en YouTube es más que suficiente para entenderlo. No todos los días te encuentras con una banda que es mejor tocando en vivo que su material de estudio. Y hay una razón atrás de eso: talento pletórico.

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Parcels es una banda que tiene tanto talento que es comparada con ella misma. Hay quienes piensan que es mejor su material de estudio, hay otros que afirman que sus cosas en vivo son sublimes. Ambos tienen razón. Pero qué tal si Parcels decidiera acabar la discusión de una buena vez al juntar lo mejor de estos dos mundos… Esto es exactamente lo que hicieron en su nuevo disco Live Vol. 1.

Live Vol. 1 es una sencilla, cruda y espectacular representación de lo que es Parcels como banda. Por un lado, tiene el sonido que esperas escuchar en cualquier gran disco de estudio. Justo como lo hicieron en Parcels. Por otro lado, entregan el misticismo que logran cuando tocan en vivo. Entregan el set con las transiciones que hacen que recorrer su discografía sea un viaje con un principio y un final conectados.

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Tiempo antes de que empezaran a hacer su álbum debut, Parcels ya tenía consigo la idea de hacer un disco en vivo. Una idea que tal vez se las contagió Daft Punk cuando trabajaron juntos en su sencillo “Overnight”.

Hablando con Patrick Hetherington, el bailarín, la sonrisa, y el tecladista de la banda, profundizamos en los orígenes de hacer este disco, sus impulsos y el mítico Hansa Studio Berlin, su lugar de grabación. Así como el tratamiento visual del disco, su colaboración con los robots, y la idea principal de juntar el mundo del estudio con el de tocar en vivo.

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Entrevista con Parcels – Live Vol. 1


“¡Claro! Sí… No lo sé. Siento que siempre hemos hecho todo en vivo… Buena pregunta. ¿De dónde viene la idea de hacer este disco? Creo que siempre hemos tenido una separación ahí. Siempre lo hemos hecho diferente en vivo que en el estudio. Y en algún punto nos dimos cuenta que salía verdadera magia de nuestros conciertos. En los arreglos que aún no habíamos creado en el estudio. Y era algo que queríamos grabar. Esto es tal vez una transición. De un lado a otro. Queríamos probar algo en medio: estudio y en vivo. La idea de mezclar esos mundos”.

Escuchando el EP IknowhowIfeel, que sirvió de antesala para lo que escucharíamos en su nuevo disco, fue evidente que Parcels logró su objetivo. De alguna manera encontraron la forma de unificar lo mejor de sus mundos.

Desde sus inicios en 2014, Parcels siempre ha sido una banda con un ímpetu para explorar sus límites creativos. Ha trabajado en proyectos visuales importantes como las sesiones Live at Funkhaus Berlin o su video para “Withorwithout” con Milla Jovovich. Musicalmente ya había hecho Lives para Spotify Londres. Pero Live Vol. 1 debería ser el proyecto más emblemático de la banda hasta el día de hoy. ¿Cierto?

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“Hmm, ok… Es algo difícil de decir. Creo que lo es. Posiblemente sí, porque es lo más que nos hemos expuesto como banda. Me refiero a que sentimos que un álbum de estudio es una gran representación de nosotros, por las canciones que tenemos, por el trabajo de producción. Pero esto (Live Vol. 1) está dando ambos lados. Lo que hacemos en estudio y lo que hacemos en vivo. Sí, diría que sí”.

Para hacer Live Vol. 1, Parcels eligió el icónico Hansa Studio Berlin, mejor conocido como “Hansa Studio by the Wall” como su sede. Ahí se han grabado trabajos legendarios de artistas como David Bowie, Iggy Pop, Depeche Mode, Nick Cave and The Bad Seeds, Pixies, U2 y R.E.M, entre otros. Hoy se une uno más a la lista. Pero además de lo obvio, ¿por qué elegir a “Hansa by the Wall” como el lugar para hacer este disco? ¿Qué los impulsó?

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“Queríamos… Bueno, la razón por la que lo hicimos en el Hasa Studio Berlin es porque el equipo y las capacidades técnicas de ese lugar son increíbles. Es un estudio muy hermoso. Es realmente legendario como podrás saber. Ahí se han grabado tantos discos legendarios. Realmente queríamos crear un sonido en vivo. No queríamos que nada fuera producido, no queríamos editar casi nada, no queríamos mezclar mucho tampoco”.

“Queríamos un cuarto que sonara bien y queríamos una cinta para poder grabar todo nuestro equipo análogo. Que sonara perfecto era lo más importante. Tocarlo en vivo, con sentimiento y con errores. Eso fue lo que nos impulsó y es lo mejor de este disco. No querer arreglar nada después. Dárselo crudo a la gente”.

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La disputa sobre si parcels es una mejor banda en vivo que de estudio es una real. Una que ellos mismos conocen y de cierta forma han integrado a su identidad. Lo saben porque su trabajo en ambos lugares es diferente. Cada lugar guarda su toque especial y sirve su propósito. Muchos de sus fans ya tomaron la decisión y se inclinan hacia uno en particular. ¿Parcels también cree que son una mejor live band que de estudio?

“Creo que hemos llegado a aceptar eso de cierta forma. Que nuestro… Que hay una diferencia. Y que hay gente en los dos lados de eso. Pero realmente queremos juntar estos mundos en algunos niveles. Y estamos realmente interesados en trabajos de estudio y música electrónica. Pero pienso que una parte de nosotros siempre va a querer experimentar más y más tocar en vivo en el estudio”.

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“Muchos de los discos que amamos de los 60 y 70 solo están grabados en vivo en el estudio. Y amamos escuchar eso. Básicamente estamos tratando de juntar ambos mundos”.

Dentro del sonido de Parcels existe una simpleza en su sonido difícil de explicar. Una simpleza que precisamente realza la complejidad que hay atrás de su música. Una sencillez que también lograron captar en el aspecto visual de Live Vol. 1. Se siente orgánico se siente sencillo y se siente honesto al sonido de de la banda. ¿Esto fue algo a lo que apuntaron o todo fue idea de la directora Carmen Crommelins?

“Todo lo que dices es correcto. Todo fue parte del concepto que teníamos. Cuando nos propusimos hacer esto, después de que surgió la idea de hacer un disco en vivo y cómo sería su aspecto visual, paramos y pensamos que lo que realmente nos emocionaba era hacer algo realmente sencillo. Y es tan tan bueno”.

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“Porque todo lo que habíamos hecho hasta entonces. Ya sea videos musicales o casi cualquier otra cosa, nos requería demasiado esfuerzo en demasiadas posiciones y esta es la primera vez que dijimos: ‘hagamos que todo se trate de la música’. Hay que hacer que suene bien, no montemos ningún tipo de espectáculo. Hay que divertirnos, hay que hacer que suene perfecto, y realmente se sintió increíble hacer eso para variar”.

Como lo escuchamos en IknowhowIfeel hay un par de transiciones llamadas “Redline” (que le da la entrada más suave y sublime a “IknowhowIfeel”) y “Elude”, que agregan tanto volumen como para convertir a una canción en un EP muy sólido. ¿Este proceso de crear las transiciones las componen desde el principio, o salen después para incorporarlas a su acto en vivo?

“Usualmente vienen después. Cuando… Realmente amamos escribir nuevas transiciones. Básicamente mezclar nuestras canciones para nuestro acto en vivo. Cuando componemos un set, queremos que sea una pieza completa. Queremos que sea como un viaje. Y naturalmente, cuando estamos en el estudio de ensayos, preparándonos para una gira, simplemente nos juntamos y empezamos a jammear y así es como salen las cosas”.

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“Luego sale algo y pensamos como: ‘esto podría ir por allá’. Dejamos que todo salga naturalmente. Así es como más nos divertimos. Solo adentrándonos en tocar cosas y así es como también salen nuestras canciones. Hay canciones en el disco que salieron de solo ponernos a jammear para sacar transiciones para otras canciones, ¿sabes?”.

Como fanáticos y simples mortales, admiramos todo lo que Parcels tiene que ofrecer. Pero un par de robots quedaron igual de impresionados que todos sus fans. Ante el asombro de su combinación de sonidos y su presencia  groovy en el escenario, leyendas Thomas Bangalter y a Guy-Manuel de Homem-Christo los invitaron a su estudio en Los Ángeles para grabar en conjunto “Overnight”.¿Qué fue lo que Daft Punk vio en su música?

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“A ellos realmente les llamó la atención… Digo, ellos nos vieron en un concierto. Nos vieron tocar en vivo y nos dijeron que realmente les gustó nuestra energía y nuestro groove. Simplemente. Creo que compartimos influencias en términos de groove y el sentimiento de la música especialmente. Y les encantaron nuestras armonías también. Nuestras armonías vocales. Nos dijeron que realmente querían tocar con nosotros ese tipo de sonido”.

“Entonces nos metimos en el estudio con ellos. Se siente como si fuera hace tanto tiempo, pero esto en realidad nos afectó. Aprendimos tanto en ese proceso. Se sintió como el comienzo de una nueva era creativa para Parcels y aún tenemos todo eso con nosotros”.

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Con Live Vol. 1 parece que los australianos se palomearon un proyecto de su lista de deseos. Uno que les venía dando vueltas en la cabeza durante años y que para fortuna de sus fanáticos, ya es una realidad. ¿Ahora, hacia dónde se dirige Parcels? ¿Tienen cosas en mente que quieren hacer?

“¡Sí! Tenemos muchísimas cosas en mente. Estamos muy emocionados de… Estamos muy inspirados (risas). ¡Hay mucha música! Creo que vamos a salir… Estamos en un momento muy creativo en estos momentos. Cuando salgamos vamos a tener mucho que compartir y mucho que decir”.

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¿HAY OTRO NUEVO DISCO A LA VISTA?

“(Risas) La única promesa que les puedo hacer ahorita es que habrá nueva música. No puedo decir mucho más en este momento (risas). Por cierto, no podemos esperar por regresar a México. ¡Eso sería lo mejor! Disfrutamos mucho estar por allá y realmente queremos regresar”.

¡Disfruten de Live Vol. 1!

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Belinda reaparece en colaboración con Natanael Cano

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Belinda había pausado su trabajo por motivos médicos, reapareciendo junto al cantante de corridos tumbados

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girl in red sale triunfalmente renovada de una decepción amorosa en ‘I’M DOING IT AGAIN BABY’

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girl in red es el proyecto de la prodigiosa guitarrista noruega Marie Ulven Ringheim, quien después de fascinarnos con su debut if i could make it go quiet (2021) regresa en I’M DOING IT AGAIN BABY, ahora con un giro de denuncia ante el desamor. Esto trae que la artista suba el tempo y gire hacia el empoderamiento y la autoestima, lo que nos encanta en rolas como “Too Much” y “You Need Me Now”.

Repite en producción Matias Tellez (Young Dreams, Sondre Leche) en un trabajo mucho más ambicioso que el excelente disco debut de girl in red, con una combinación de elementos de diversos géneros. De manera sutil, ambos artistas noruegos incluyen sintetizadores, pianos y percusiones que le agregan bastante a esta nueva etapa de girl in red.

El reconocimiento a intentar creer de nuevo, con música enérgica y sin censura alguna

girl in red presenta un disco bastante acelerado y con frases que nos sacaron varias carcajadas

A diferencia de if i could make it go quiet, ahora girl in red nos regala un disco con más claroscuros. Nos relata que ya no cree de manera tan cursi en el amor, y nos encanta el humor con el que Marie abre desde “I’m Back”, con una sinceridad sobre sentirse mal, al darse cuenta que no hay que estar siempre al cien. A veces simplemente poderse levantar y balarse ya puede ser un triunfo enorme.

El sentimiento persistente de este álbum se refleja de la manera más clara en “You Need Me Now?”, una denuncia hacia alguien que decidió irse de una relación y regresar a pedir compañía.

La guitarra es super grunge, pero las bases le tiran al pop, con un coro pegajoso. La inclusión de Sabrina Carpenter es super cómica, y honestamente nos hizo reírnos por cómo se presenta.

El rock ligero sigue predominando en su sonido. Marie es una letrista muy inteligente que domina el equilibrio entre dar mensajes pesados pero con palabras accesibles. En “Phantom Pain” logra esto, y hasta se rifa en español un “mi amor, mi amor”, de manera burlona hacia la idealización del amor.

“Too Much” presume una producción que oscila entre un pop ligero y algunos sonidos distorsionados que la vuelven una canción muy dinámica y encantadora. Marie insiste en intentarlo en el amor, aún cuando haya fallado antes.

Clavándose en un pop más experimental, que juega con pianos de rhytm and blues, sin olvidar las guitarras distorsionadas, inclusive en “Ugly Side” se abre a dejar el rock ligero descansar un rato. Esto le da una buena dinámica a un disco que te divierte y pone a cantar a lo largo de menos de media hora.

Cambió bastante el deseo y la melancolía por un autoestima renovado

Habiéndose sacudido la tristeza, girl in red está lista para lo que venga en su vida amorosa, lo que expresa el título del disco. Nos deja ver cómo se logró la portada del disco en el video de “DOING IT AGAIN BABY”, que va sobre sentirse bien con ella misma e inclusive alimentar el grande y gordo ego. ¿Por qué no?

“Estoy amando este nuevo autoestima, como el que tuve a los 17”, es una de las muestras más claras de la idea tras el disco de Marie, y permea a lo largo de todo el álbum.

Ojo, que Marie también tiene un lado sensible como le hemos escuchado en el pasado, y se le ve triste en “Pick Me”, en la que intenta revertir la narrativa de que los perdedores nunca ganan. Ella da un último mensaje en la clásica balada de piano, que hace que su voz brille, y pensamos que en vivo funcionará muy bien el equilibrio entre tristeza por rechazo y empoderamiento por autoestima.

La única queja que tenemos con este disco es que no alcanza ni la media hora de duración. La espera de tres años con un proyecto tan emocionante como girl in red, nos hizo suponer que tendríamos un poquito más de música de esta excelente artista. Algunas canciones inclusive se sienten bastante cortas, debajo de los 2 o 3 minutos, por lo que esperamos que se extiendan un poco más en vivo.

La canción cerradora ejemplifica que girl in red está de plano experimentado con electrónica, pop brillante y beats pesados. Quizás un par de rolas aventuradas, en las que inclusive repita efectos sobre su voz, hubieran completado un disco que ya de por sí es fenomenal.

Marie se rifó con varias versiones físicas que pueden comprar por acá. girl in red se encuentra dando gira en Estados Unidos y hacia el otoño visitará Europa.

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Eladio Carrion anuncia fechas de tour en México

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En el mes patrio, el rapero estadounidense tendrá varios conciertos 

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