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¡Un crack! 10 rolas que demuestran la genialidad de Ringo Starr en la batería

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4 años ago

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¡Un crack! 10 rolas que demuestran la genialidad de Ringo Starr en la batería

Sin duda, The Beatles es la banda más famosa de todos los tiempos. Lo que hicieron durante casi diez años juntos simplemente cambió la historia de la música popular y aunque han pasado más de cinco décadas desde que se separaron, el mundo sigue y seguirá apreciando sus canciones. Por supuesto que muchos reconocen lo que hicieron John Lennon y Paul McCartney en la agrupación, en segundo plano el trabajo de George Harrison y hasta el final los aportes de Ringo Starr.

Durante años se ha hablando de todo lo que el baterista le dio al sonido de los Fab Four. Si bien, Ringo no era el bataco más virtuoso o que destacara por hacer solos, tenía un montón de virtudes que hicieron que las rolas de la banda sobresalieran y sobre todo, hizo muchas cosas detrás del bombo que a simple escucha podrían pasar desapercibidas, pero innovaron por completo este instrumento.

10 rolas que demuestran la genialidad de Ringo Starr en la batería
Foto: Getty Images

También puedes leer: Ringo Starr nos cuenta sobre su nuevo EP y el mejor recuerdo de Charlie Watts

Ringo Starr es un genio de la batería y estas rolas lo demuestran

Más allá de componer temas para The Beatles (que sí escribió algunas), Ringo Starr estaba ahí para aterrizar y hacer realidad las locas ideas que tenían John, Paul y George. Tal como lo describió el mismísimo George Martin, el productor considerado como el quinto Beatle, él “entendía a la perfección el sentimiento que merecía cada canción y siempre nos ayudó a alcanzar el tempo correcto (…) era muy sólido”. Y es que era su acople a las melodías, sus arreglos esenciales y su control perfecto de los tiempos, lo que lo hace un crack de la batería.

Muchos expertos y grandes batacos como Stewart Copeland, Dave Grohl, Taylor Hawkins, Chad Smith, Tré Cool, Questlove y más, coinciden en que fue una verdadera inspiración, un músico que influyó a todas las generaciones y que creó un estilo que muchas veces tienen qué intentar imitar para completar una canción. Pero si ustedes son de los que todavía no creen en su genialidad, acá les contaremos sobre 10 rolas que demuestran que Ringo era necesario dentro de los Fab Four.

“She Loves You”

Lanzada en agosto de 1963 y en pleno ascenso de la Beatlemanía, “She Loves You” de The Beatles llegó para romperla en las listas británicas. Y es que se entiende por qué alcanzó el primer lugar, pues su sonido es sumamente contagioso y la letra (con esos “yeah yeah yeah”) se te queda de inmediato en la cabeza.

Pero detrás de las guitarras y bajo, Ringo Starr creó una base rítmica única, pues a diferencia de todas las canciones de la época, la rola inicia con un redoble de toms que más tarde se convierte en un ritmo constante y bien marcado durante el verso y el coro. Aunque aquí también podemos escuchar algo que Ringo hacía mucho, tocar los contratiempos entreabiertos, una técnica que se convirtió en su sello en los primeros años de la banda.

“I Feel Fine”

Por si no fuera suficiente la innovación que hizo John Lennon en “I Feel Fine”, con esa retroalimentación de sonido que se escucha en el intro y que accidentalmente generó cuando se acercó con su guitarra al amplificador, Ringo Starr agregó un sonido hipnótico a esta rola que nunca antes había sonado en los sencillos de The Beatles.

Aunque Paul McCartney ha dicho que se inspiraron en la batería de “What’d I Say” de Ray Charles, la cual está influenciada en el R&B, Ringo tocó una base inspirada en los ritmos latinos donde predominan los golpes de platillo, el tom de aire y la caja de la tarola, un recurso que no utilizaban otros artistas de pop o rock, y que hizo que atrapara a quienes la escuchaban. Una prueba más de que era un verdadero genio y sabía lo que necesitaba la canción.

“Ticket to Ride”

Para 1965, el mundo conocía a la perfección el nombre de The Beatles y en aquel año lanzaron uno de sus discos más famosos, Help!. Dentro del tracklist del álbum vienen temas que se convirtieron en clásicos, como la rola homónima, “Yesterday” y “I’ve Just Seen a Face”, pero hubo una en particular que llamó la atención por completo y que sobresalió del resto: “Ticket to Ride”.

Puede que esta canción suene bastante sencilla, pues durante gran parte de los más de tres minutos que dura esta rola, Ringo Starr simplemente toca un patrón inusual de batería donde golpea ligeramente los toms y la tarola (y solamente cambia de manera sutil en un par de momentos). Pero esta es otra prueba de que en la música como en otros aspectos, menos es más. Ringo le puso el ritmo que era necesario y listo, no había que llenar esta canción de adornos para convertirla en un hitazo.

“Rain”

Ahora es momento de hablar de “Rain”, un lado B un tanto infravalorado, como el trabajo de Ringo Starr. En 1966, The Beatles lanzan esta rola dentro del sencillo de “Paperback Writter” y sin duda destacó por completo, quizá aún más que la canción principal. Y es que todo alrededor de esta rola es sumamente inusual, no suena a nada de lo que había presentado previamente The Beatles y uno de sus elementos más fascinantes es la bataca, que innovó por completo en cuanto a técnica.

A pesar de que para muchos, tiene un ritmo muy similar a “She Said She Said”, que meses más tarde aparecería en Revolver, en esta rareza de los Fab Four podemos apreciar en su máxima expresión la destreza del buen Ringo. No exageramos cuando decimos que en la canción toca prácticamente todas las partes de su batería, moviéndose de un lado a otro a su propio ritmo. Esta es una de las interpretaciones que muchos –incluido el propio Starr– consideran como la mejor de su carrera con la banda de Liverpool, y la verdad es que se entiende por qué. Simplemente escúchenla y lo comprobarán.

“Tomorrow Never Knows”

Por supuesto que una de las canciones más experimentales en la historia de The Beatles tenía qué contar con un ritmo de batería un tanto essstraño. El Revolver cierra con “Tomorrow Never Knows”, un collage musical ideado por John Lennon donde simplemente incluyó todo lo que se le venía a la cabeza, como guitarras tocadas a la inversa, efectos vocales e instrumentos musicales orientales como el sitar (que como dato curioso, fue la primera canción en la historia en incluir loops de sonido).

En esta caótica rola donde suenan un montón de cosas alrededor, Ringo Starr toca una base rítmica donde suena constantemente un platillo acompañado del bombo y unos cuantos golpes de tom y tarola. Este ritmo hipnótico le dio ese toque que necesitaba el tema (que ahora conocemos como psicodelia) y que aportó algo que jamás se había escuchado antes en cualquier canción de música popular o en general.

“A Day in the Life”

En 1967, The Beatles lanzó el disco que para la gran mayoría es su obra maestra, Sgt. Pepper’s Lonely Heat’s Club Band. Aunque el álbum terminaba con la rola homónima tocada más rápido, decidieron darle un cierre épico a esta placa con un tema que dejó a muchos con la boca abierta: “A Day in the Life”. Esta fue una canción en donde John Lennon y Paul McCartney mezclaron un par de rolas que no habían terminado, pero la tarea de juntarlas no era sencilla, pues estaban en tonalidades y tempos distintos. Y fue ahí donde entró Ringo Starr a salvar el día.

Gracias a al gran manejo de Ringo en los tiempos (pues muchos lo consideraban un metrónomo humano), las figuras que creó con el tom (sencillas pero muy creativas e inesperadas) y la orquesta hicieron que ambas partes que parecían no tener relación, se combinaran para regalarnos no solo una de las mejores canciones de los Fab Four, sino de la historia de la música.

“Hello, Goodbye”

Vamos con otro clásico de The Beatles, ni más ni menos que “Hello, Goodbye“, sencillo que incluyeron en Magical Mystery Tour. Este rolón representa el lado pop de la psicodelia que John, Paul, George y Ringo representaban en 1967, y por supuesto que es característica de esta etapa de la banda. Una letra ambigua llena de contradicciones, guitarras juguetonas, una sección de violas y una línea de bajo exquisita dan como resulta esta gran canción, pero la batería tampoco se quedó atrás.

Para este tema, Ringo Starr aporta una base sumamente colorida que va avanzando constantemente y en la que sobresalen los arreglos que metió justo en los descansos de las violas, pues son excepcionales. Realmente lo que hizo detrás del bombo le da vida a esta melodía y una muestra de lo importante que era que él en específico tocara la bataca.

“Come Together”

El último álbum grabado por The Beatles, Abbey Road, tiene algunos de los mejores momentos de Ringo Starr en la batería. Este discazo abre con ni más ni menos que “Come Together”, y en primera instancia escuchamos esa peculiar figura de bombo, contatiempos y toms, que suena durante gran parte de la canción ,y acompaña a la perfección la oscura y misteriosa línea de bajo de Paul McCartney.

Aquí no hay mucho qué decir, Ringo demostró una vez más lo innovador que es y que con arreglos sencillos combinados con elegancia y a la perfección, se puede crear una base alucinante. Además, como diría Dave Grohl: “si eres baterista, puedes tocar esto (refiriéndose al tom de piso) y hacer que la gente baile, eres imprsionante”, y eso es justo lo que representa Starr para muchos en la bataca.

“Something”

Justo después de “Come Together”, viene una de las canciones más emblemáticas de George Harrison, claro que hablamos de “Something”. Este sin duda es uno de los mejores temas de amor de la historia, pues todo suena como cuando estás enamorado y ves las cosas de color rosa. Sin embargo, detrás de ese dulce sonido, se encuentra una de las interpretaciones de batería más increíbles por parte de Ringo Starr.

A primera escucha podría parecer muy simple lo que toca, pero si ponemos atención justo cuando entra el puente, Ringo aumenta el nivel de la rola con una. figura que pone a prueba las habilidades de cualquiera y si quieren apreciarla como se debe, les recomendamos darle play a la pista aislada de la batería, que es una verdadera delicia y con la que confirmarán que Starr se rifa como los grandes en este rolón.

“The End”

Por último pero no menos importante, teníamos que poner la canción que cierra el maravilloso Abbey Road y en general, la última rola que grabó The Beatles como banda. “The End” es el final del medley iniciado con “Golden Slumbers” y “Carry That Weight”, y vaya que termina en lo más alto, con tres solos de guitarra épicos tocados por Paul McCartney, George Harrison y John Lennon respectivamente, así como con una de las frases más bellas en toda la discografía de los Fab Four: “And in the end, the love you take is equal to the love you make”.

Sin embargo, ellos no fueron los únicos que brillaron por su cuenta. A Ringo Starr no le gustaban los solos de batería (y la verdad es que no necesitaba tocarlos), pero luego de que sus compañeros insistieran, improvisó el único solo de su carrera con la agrupación de Liverpool y vaya que se lució, porque fiel a su estilo, hizo algo sutil pero sumamente fino y poderoso. Esta es una parte donde podemos escuchar en todo su esplendor a uno de los mejores bateristas de todos los tiempos, de los más innovadores, carismáticos y creativos que se hayan visto.

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Music Vibe redibuja el mapa de los conciertos con nuevos recintos y una cartelera diversa

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2 horas ago

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julio 10, 2026

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Guadalajara dejó de ser una ciudad donde las giras internacionales hacían una escala ocasional. Para José Luis Alva Briseño, director general de Music Vibe, el comportamiento del público durante los últimos años modificó la manera en que las promotoras planean sus calendarios y abrió la puerta a una programación que reúne artistas de perfiles muy distintos, desde el rock clásico hasta el pop latino, la bachata o los corridos.

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“Con el tiempo entendimos que Guadalajara se comporta como una especie de Ciudad de México en pequeño: aquí existen públicos y mercados para prácticamente todos los géneros musicales. Por eso este año me entusiasma presentar una cartelera independiente con cerca de ocho eventos dirigidos a públicos de distintas edades, gustos y preferencias, en diferentes recintos”, explicó en entrevista con EL INFORMADOR. “Nuestro objetivo es democratizar la música, llevar propuestas diversas a distintos espacios y ofrecer espectáculos para todo tipo de audiencias”.

La empresa, fundada hace seis años, considera a Jalisco como uno de sus mercados estratégicos. En ese periodo ha promovido más de medio centenar de conciertos con artistas como Luis Miguel, Don Omar, Ana Gabriel y Ricardo Arjona, experiencia que, de acuerdo con Alva Briseño, permitió comprender mejor el comportamiento del público local y diversificar la oferta más allá de los nombres de convocatoria masiva.

Esa visión también quedó reflejada durante la presentación de la cartelera para el segundo semestre del año, donde la empresa anunció conciertos de Romeo Santos, Ricardo Arjona, Tini, Alan Parsons Live Project, Deep Purple y Junior H, entre otros proyectos. Para el promotor, el reto consiste en construir una programación donde convivan figuras consolidadas con artistas dirigidos a públicos específicos. 

“Nos interesa que exista una programación amplia: conciertos para jóvenes, para quienes disfrutan de la música colombiana, para adultos, para adultos mayores y para distintos géneros musicales. Ese es el compromiso que tenemos como empresa”, señaló durante la rueda de prensa.

El Estadio Panamericano busca convertirse en una nueva sede para las grandes giras

El crecimiento de la cartelera también responde a la incorporación de nuevos espacios para espectáculos. Music Vibe considera que el Estadio Panamericano puede convertirse en una alternativa para producciones de gran formato en una ciudad donde la disponibilidad de fechas en otros recintos resulta cada vez más limitada.

“El Estadio Panamericano representa una apuesta muy importante para nosotros. No solamente queremos utilizarlo como un recinto más, sino convertirlo en una de las principales sedes para Music Vibe y también para otros promotores independientes”, asegura. “Los estadios de futbol tienen calendarios muy complicados y encontrar fechas disponibles resulta cada vez más difícil. Por eso creemos que el Estadio Panamericano puede convertirse en una alternativa muy importante para Guadalajara”.

La empresa reconoce que el primer concierto realizado en ese espacio dejó áreas de oportunidad, particularmente tras la presentación de Ricky Martin. Sin embargo, sostiene que esa experiencia permitió replantear la operación del recinto. “Cuando cometemos errores, nuestra obligación es aprender de ellos. Eso ocurrió con el concierto de Ricky Martin. Analizamos todo lo que sucedió y trabajamos para mejorar la operación del Estadio Panamericano. Y cuando las cosas salen bien tampoco debemos conformarnos. Siempre buscamos mejorar”, afirmó.

Para Alva Briseño, el crecimiento de Guadalajara como mercado de espectáculos también implica asumir riesgos con artistas que no siempre pertenecen al circuito comercial dominante. Uno de esos casos es Alan Parsons Live Project, cuyo concierto llegará el 23 de octubre a la Arena Guadalajara. “Somos una de las pocas promotoras independientes mexicanas que sigue apostando por el rock, el metal y el rock pop“, explica. 

“En la Ciudad de México presentamos este tipo de conciertos con frecuencia, pero llevarlos a otras ciudades resulta mucho más complicado. Son géneros que la gente escucha y aprecia, pero no siempre se traducen en venta de boletos. Nosotros queremos romper con esa idea. Ya trajimos a Tool, Slipknot, ahora viene Alan Parsons, después llegará Deep Purple y queremos seguir construyendo esa línea de programación”, comentó.

Para el empresario, la permanencia de ese tipo de propuestas dependerá también de la respuesta del público. “Es muy importante que quienes disfrutan esta música apoyen estos conciertos. Si el público responde, podremos continuar trayendo artistas de este nivel.”

Una cartelera construida para públicos distintos

La diversidad de la programación también responde a una manera distinta de leer el comportamiento del público. Mientras algunos artistas mantienen una convocatoria masiva casi automática, otros requieren una apuesta basada más en la intuición que en los indicadores tradicionales de la industria. Alva Briseño explica que la empresa combina herramientas de análisis digital con años de experiencia como promotora para decidir qué proyectos llegan a Guadalajara. También entra en la fórmula algo mucho más importante, pero también más imprevisible: el instinto.

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“Trabajamos con dos elementos. El primero son los datos. Hoy existen muchas herramientas para medir cuántas personas escuchan a un artista en Spotify, YouTube y distintas plataformas digitales. Eso nos ayuda mucho cuando hablamos de figuras actuales. Sin embargo, con artistas históricos como Deep Purple o Alan Parsons esa información ya no resulta suficiente. Sus canciones forman parte de la memoria colectiva, pero no necesariamente aparecen todos los días en las plataformas. Ahí entra un segundo elemento: el instinto. Hay una parte importante que depende del tacto, de conocer al público, entender las características de cada ciudad y asumir ciertos riesgos. Gracias a Dios, esas apuestas nos han dado más alegrías que tropiezos”, comparte.

En el otro extremo aparece Tini, una de las principales figuras del pop latino de la nueva generación, cuya producción obligó a adaptar la operación de la Arena Guadalajara. “Tini es una estrella global. Para mí representa una nueva generación de grandes figuras del pop latino. Algo que admiro mucho de ella es el enorme respeto que tiene por su público. Entendió perfectamente el fenómeno que vivió desde Disney y decidió responder con una producción de primer nivel. Mover esa producción fue un reto importante para nosotros. En Sudamérica se presenta ante cincuenta o sesenta mil personas en estadios, y ahora podremos verla en la Arena Guadalajara con un formato mucho más cercano.”

El mismo criterio se aplica a dos artistas que Music Vibe conoce bien: Ricardo Arjona y Romeo Santos. La empresa ha trabajado anteriormente con ambos, experiencia que, de acuerdo con Alva Briseño, permitió replantear el tipo de recinto que mejor responde a las características de cada espectáculo. “A Romeo Santos ya lo presentamos en 2022 en el Estadio Jalisco y posteriormente en el Estadio Akron. A Ricardo Arjona lo trajimos hace cuatro años al Auditorio Telmex, donde ofreció cuatro conciertos con localidades agotadas. Ese aprendizaje nos permite tomar mejores decisiones. Con Arjona entendimos que, por su agenda, ya no resulta viable pensar en cuatro conciertos consecutivos como ocurrió anteriormente. Hoy la apuesta consiste en ofrecer una única presentación en un recinto con mayor capacidad.”

En el caso del cantautor guatemalteco, la expectativa también gira en torno al crecimiento de la producción escénica. “Quienes asistieron a la gira Blanco y Negro recordarán una producción extraordinaria. Ahora encontrarán un espectáculo todavía más grande. Ricardo Arjona posee una capacidad muy particular para conectar con el público. Muchos asistentes dicen, incluso en tono de broma, que compran un boleto para ir a llorar, y eso habla del nivel de identificación que consigue generar con sus canciones.”

Romeo Santos, por su parte, llegará con un planteamiento diferente al de sus presentaciones anteriores en Guadalajara. “Queremos ofrecer una experiencia más cercana. La intención es reducir el aforo para que el público viva un concierto mucho más íntimo. Queremos que quienes realmente son seguidores de Romeo Santos puedan sentir una conexión distinta con el escenario y que todo el espectáculo se convierta en una experiencia completamente sensorial”, explica.

La estrategia también contempla formatos alejados del concierto tradicional. Entre ellos figura la experiencia inmersiva inspirada en Minecraft, actualmente instalada en la Ciudad de México y cuya llegada a Guadalajara permanece en análisis. “Nos interesa mucho traerla, pero primero debemos asegurarnos de que existan las condiciones logísticas y económicas para desarrollar una experiencia de esa magnitud.”

Más allá de la cartelera

Para José Luis Alva Briseño, el objetivo de Music Vibe no consiste únicamente en sumar nombres reconocidos a la agenda de espectáculos. La apuesta, afirma, pasa por ampliar las posibilidades de una ciudad que, desde su perspectiva, ha dejado de depender de las giras que antes concentraban sus esfuerzos en la capital del país.

“Queremos consolidarnos como uno de los dos o tres principales promotores de entretenimiento en Guadalajara. Nos hemos atrevido a desarrollar proyectos que quizá otros no habrían intentado. Traer a Deep Purple, Alan Parsons, Tini o llevar a Luis Miguel a un estadio cuando la tendencia era presentarlo únicamente en arenas son decisiones que implican asumir riesgos”, dice. 

“Nuestro objetivo no es convertirnos en la promotora más importante para los artistas o para las estadísticas. Lo verdaderamente importante es que el público de Jalisco nos considere una empresa que hace bien las cosas y que sigue elevando la calidad de la oferta de entretenimiento en la ciudad”, finalizó.

Una cartelera imperdible

  • 2 de septiembre de 2026
    Tini – Futttura World Tour
    Recinto: Arena Guadalajara
  • 16 de octubre de 2026
    La Reina del Flow Live
    Recinto: Arena Guadalajara
  • 23 de octubre de 2026
    Alan Parsons Live Project
    Recinto: Arena Guadalajara
  • 31 de octubre de 2026
    Romeo Santos – Más cerca de ti
    Recinto: Estadio Panamericano
  • 16 de noviembre de 2026
    Ricardo Arjona
    Recinto: Estadio Panamericano

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  • 16 de diciembre de 2026
    Deep Purple
    Recinto: Arena Guadalajara
  • 29 de enero de 2027
    Junior H
    Recinto: Estadio Jalisco

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Taylor Swift pagó esta elevada cifra por la seguridad de su boda; decenas de policías blindaron el recinto

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4 horas ago

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julio 10, 2026

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La cantante Taylor Swift pagó 160 mil dólares por los permisos policiales para proteger su boda con Travis Kelce, celebrada el pasado fin de semana en el estadio Madison Square Garden de Nueva York, según divulgó este viernes el alcalde de la ciudad, el demócrata Zohran Mamdani.

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¿Cuánto pagó Taylor Swift por su boda?

La estrella del pop “ha pagado ya el costo del permiso que fue presentado, que fue de unos 160 mil dólares para ese evento y para la respuesta a ese evento”, comentó Mamdani en una rueda de prensa no relacionada, sobre el despliegue de seguridad que implicó cortes de tráfico y numerosos policías.

Al alcalde se le preguntó si la artista pagó las horas extras trabajadas por los policías, pero este no respondió directamente y solo señaló que últimamente la ciudad acogió varios momentos “históricos”, incluyendo la victoria de los Knicks en la NBA.

La ceremonia se celebró en un ambiente privado 

La pareja organizó el viernes una cena para cien invitados y el sábado celebró la recepción y ceremonia nupcial ante un millar de celebridades. Ambos eventos estuvieron sumidos en la privacidad pese a tener lugar en el céntrico estadio de Manhattan antes del festivo del Día de la Independencia.

El perímetro de seguridad solicitado a las autoridades implicó que la zona fuera blindada al tráfico de vehículos y peatones, con decenas de policías apostados en los alrededores del Garden durante buena parte de esos dos días.

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Según ha trascendido en medios de la farándula, la pareja no escatimó en lujos en su boda, desde el traje y el vestido de alta costura de Dior que lucieron ambos hasta las decoraciones personalizadas, pasando por una rifa de regalos que contenía bolsos de diseñador y un Chevrolet Chevelle de 1970.

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‘Street of Dreams’, nueva canción de U2, tiene una estrecha relación con los salmos

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22 horas ago

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julio 9, 2026

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El universo del rock contemporáneo se ha visto conmocionado en este mes de julio de 2026 por el lanzamiento de una pieza musical cargada de simbolismo, lírica profunda y un misticismo que ha capturado la atención de las audiencias globales. La mítica agrupación irlandesa U2 ha vuelto a conmover a sus seguidores a través de una propuesta que entrelaza la música popular con la tradición religiosa milenaria.

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De acuerdo con expertos en religión, “Street of Dreams” no es un tema convencional. La composición destaca por incluir de forma directa un mensaje de fe explícito, arraigado en las escrituras que han acompañado la vida personal de los integrantes de la banda desde su juventud en Dublín.

El tema ha despertado el interés de teólogos, melómanos y críticos de la industria debido a la manera tan natural en que sus estrofas rescatan la poesía bíblica clásica. La pieza musical se erige como un testimonio contemporáneo donde la búsqueda de la paz interior y la justicia social se elevan como los motores conceptuales del proyecto sonoro.

 
 
 
 

El vínculo con las sagradas escrituras: la influencia de los salmos bíblicos

¿Qué relación exacta guarda esta nueva obra de arte con los textos antiguos y cómo se ve reflejada en la interpretación del vocalista? Los expertos musicales y religiosos coinciden en señalar que la estructura conceptual de “Street of Dreams” tiene una estrecha relación con los salmos, los poemas de alabanza y súplica que integran el Antiguo Testamento.

El líder y vocalista de la banda, Bono (cuyo nombre real es Paul David Hewson), ha manifestado abiertamente a lo largo de su carrera su profunda admiración por el rey David, a quien se le atribuye tradicionalmente la autoría de gran parte del cancionero bíblico. Para el cantante, estas antiguas plegarias representan una de las formas de expresión artística más honestas, brutales y transparentes de la historia de la humanidad.

La nueva canción arranca formalmente con una oración que evoca de manera directa el tono de los salmistas, donde conviven la duda humana, la desesperación ante la injusticia y la esperanza inquebrantable en un poder divino superior. Al igual que en las composiciones hebreas de la antigüedad, el tema transita desde la oscuridad de la confusión cotidiana hacia el consuelo de la fe y la redención del espíritu.

 
 
 
 

¿De qué verso hablamos y a qué salmo podría referirse?

Al inicio de la nueva canción de U2 lanzada apenas este 07 de julio del 2026, se pueden escuchar dos frases poderosas:

“God hear me shout,
Lend your ear to my prayer”.

Frases que podrían traducirse como:

“Dios, escucha mi clamor,
presta oído a mi oración”.

Analistas de espiritualidad sostienen que el arranque de esta pieza estaría relacionada directamente con el Salmo 61, que arranca de una forma muy similar:

“¡Dios mío, escucha mi clamor,
atiende a mi plegaria!”

Como ves, hay demasiada coincidencia entre estos inicios, lo que hace que cada vez más personas crean en la profunda conexión que hay entre “Street of Dreams” y el Salmo 61… ¿será?

 
 
 
 

Puntos clave para descifrar el mensaje oculto en la obra de U2

  • Escucha el preludio con atención: La oración con la que abre el tema establece la pauta espiritual de toda la melodía, funcionando como un puente directo hacia la introspección personal.
  • Explora el trasfondo literario: Si deseas comprender la profundidad de la letra de la canción, se recomienda revisar la estructura literaria de los salmos de lamentación y confianza en la Biblia.
  • Analiza el uso de las metáforas: Elementos cotidianos como las calles, la luz y los sueños son utilizados de forma constante por la banda como símbolos del caminar de la comunidad hacia la iluminación.
  • Revisa la discografía histórica: No es la primera vez que el grupo acude a la Biblia; temas clásicos como “40” (basado enteramente en el Salmo 40) demuestran que esta línea conceptual ha estado presente por décadas.
  • Comparte la experiencia estética: Disfrutar de la canción en un entorno libre de distracciones visuales o auditivas te ayudará a captar los sutiles matices sonoros y poéticos diseñados por los músicos.

JM

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