Cine y Tv
Cine fuera de la CDMX: Festivales, estrenos y muchos perritos

En la entrega pasada mencionaba las pocas veces que he podido dar un eje temático a esta sección y, por fortuna, esta ocasión es una de ellas, gracias a la coincidencia de varios proyectos con, y sobre, animales. Primates, perritos y osos perezosos protagonizan la mayoría de los proyectos cinematográficos que destacan en la cartelera de cine para la primera quincena de junio: El Pet Film Festival, el estreno de Dogman, el Festival de Cine Europeo y el Festival Internacional de la Imagen.
Pero que nuestra fascinación por los animalitos no relegue a los otros proyectos de esta edición: FICTU Studio, el Centro de Apoyo a la Postproducción, el Festival Internacional de Cine de Apatzingán y cintas de las que hemos hablado en entregas pasadas también presentan excelentes propuestas sin fauna (aunque si estiramos un poco la liga, la imagen del FICA es una ardilla…). En su conjunto, visitaremos Quintana Roo, Chiapas, Morelos, Michoacán y hasta Colombia con estas recomendaciones que, ya viene siendo costumbre, nacen en ciudades definidas pero a las que en casi todos los casos podemos acceder desde todo el país.
¿QUÉ VER?
MODO PRESENCIAL.
4° Pet Film Festival en Tepoztlán (Morelos)
El Pet Film Festival es un festival único en México pues, como indica su nombre, es el único en el país dedicado al cine sobre animales. Del 10 al 13 de junio se llevará a cabo su cuarta edición, esta vez dedicada a los primates como eje principal, pero con largos y cortometrajes protagonizados también por perritos, gatos, insectos, conejos y varias formas de vida salvaje en trabajos de ficción, documental, animación y hasta cine experimental.
Este año se realizará de manera híbrida, así que desde todo el país podremos ver gratis los 33 títulos de su selección oficial en la plataforma Filmocracy y algunos conversatorios en sus redes, pero en especial vale la pena apuntarse a las proyecciones que se realizarán exclusivamente en Tepoztlán: la función inaugural con Dogsville (dir. Rosvita Dransfel), el documental Monkey kingdom, la película invitada ¿Qué les pasó a las abejas?, de Adriana Otero y Robin Canul (que también se está exhibiendo en espacios de todo el país; consulta sus redes), o su función de clausura con la conocida Isla de perros de Wes Anderson.
Además, contarán con actividades y charlas presenciales con cineastas y especialistas en vida animal (además de las dedicadas al animal de esta edición, habrá temas tan variados como bioculturalidad, tráfico de fauna silvestre, cómo denunciar maltrato animal…) y actividades como pasarelas de adopción, campañas de esterilización para mascotas, un taller infantil de máscaras y hasta una ceremonia inspirada en el Kukur Tihar – la tradición hindú donde se adorna a los perritos con flores–. Todas las proyecciones y actividades serán gratuitas, aunque se recibirán donativos en especie, como croquetas y correas, para ayudar a refugios de animales en la región. Puedes consultar las redes de Pet Film Festival Tepoztlán para más detalles.

Dogman
En Quintana Roo, Chihuahua, Morelos, Jalisco, Guanajuato, Yucatán, Nuevo León, Michoacán, Oaxaca, Puebla, Querétaro, Coahuila, San Luis Potosí, Tamaulipas, Baja California, Estado de México y Veracruz
En un registro muy distinto, el pasado fin de semana se estrenó el drama italiano Dogman en varias salas del país. Ganadora del premio al mejor actor en el festival de Cannes (no pun intended), Dogman se sitúa en la Roma de los años 80 para adaptar libremente un infame crimen de la época. Un modesto peluquero de perros (Marcello Fonte) tiene una sumisa “amistad” y negocios esporádicos con un traficante local, quien lo somete a cada vez más abusos hasta que se implica como su cómplice en un crimen y empieza su lenta rebelión.
La cinta es un relato clásico, que explora la dualidad humana y la violencia, en el estilo de realismo crudo que su director, Mateo Garrone (Gomorra), ha dominado en la mayoría de sus obras. Aquí, la presencia de los caninos sirve a su vez como metáfora de la relación de dominación entre los dos hombres y del salvajismo latente que subyace en Marcello. Dogman está exhibiéndose en salas de Cinépolis y Cinemex (que ya volvió a las andadas), así como en cines independientes y salas alternativas, en los 18 estados mencionados arriba. Una muy buena cantidad de opciones, que esperemos se amplíen en las próximas semanas. Consulta la cartelera de tu cine local o las redes de Cinépolis Distribución para saber más.

La paloma y el lobo
Hace poco más de un mes hablamos del estreno de la ópera prima de Carlos Lenin; esta semana, llegó a salas de Aguascalientes (Cinema Nubo), Estado de México (Boom Cinemas Temascalcingo) y Morelia (Jeudi 27). Consulta las redes de cada espacio o de la película para más información.

Ciclo Segundas Vueltas
En nuestra pasada edición hablamos de este ciclo de reestrenos de varios documentales mexicanos en salas alternativas. Esta quincena podremos encontrar Rush hour en Morelos, gracias a Cineclub Las Escaleras, Cineclub Acatlipa y Cuartel de Zapata; Witkin & Witkin en Veracruz (Cinema 21), Puebla (Cinemateca Luis Buñuel) y Morelia (Jeudi 27); Torre x torre en Morelos (Cineclub Tlacopan), Chiapas (Kinoki San Cristobal), Estado de México (Cineteca Mexiquense), y en Morelia y Puebla dentro de los espacios ya mencionados; así como Ya me voy, en el Centro Cultural Aldea Quetzalcóatl (Morelos). ¡Checa sus redes!
CINE EN LÍNEA
Jacob, Mimi y los perros del barrio
En el Festival de Cine Europeo en México.
El Festival de Cine Europeo nació el año pasado como una propuesta en línea para acercar distintas propuestas fílmicas de la Unión Europea a varios países, México entre ellos. Este año ha vuelto con 14 largometrajes de diferentes países, que podremos ver a través de la plataforma Festival Scope hasta el próximo 22 de junio. Todas las películas son gratuitas, pero tienen visionados limitados… Eso sí, debido al éxito que están teniendo, han estado ampliando el límite de algunas películas conforme se agotan, pero no se confíen. La oferta es muy variada y va desde documental (la rumana Acasa), comedias (Campeones, de Javier Freser), dramas (O que arde, de Olivier Laxe, o San Jorge, del portugués Marco Martins), hasta la animación familiar.
Este último es el caso de Jacob, Mimi y los perros del barrio, una cinta producida por Polonia y Letonia y dirigida por Edmunds Jansons. En ella, un niño que sueña con ser arquitecto debe pasar unos días viviendo con su prima en un pueblo llamado Maskachka, donde por alguna razón inexplicable, todos los perros pueden hablar. Pronto, Jacob y Mimi se unen a la jauría para salvar el parque local que una inmobiliaria quiere destruir. Con una hermosa animación otoñal, que recuerda a los cuentos ilustrados para infancias, la película cuenta una historia que ya conocemos, pero con mucho ingenio, buen humor, personajes bien desarrollados y planteando ideas muy valiosas para discutir con niños y niñas, como el problema de la gentrificación. Puede verse, junto al resto del Festival de Cine Europeo, aquí.

Todo es culpa de la sal
En el 20° Festival Internacional de la imagen (Colombia)
Originario de Colombia, el Festival Internacional de la Imagen es un espacio para reflexionar la relación entre la ciencia, el arte y las tecnologías para la realización de imágenes en un mundo digital. Este año, su edición está dedicada al tema Inter/Especies, problematizando aspectos medioambientales y sociales. Si bien la mayoría de sus actividades se realizaron durante mayo, hasta el 14 de junio podremos ver 26 películas del Festival desde toda Latinoamérica, a través de la plataforma gratuita Retina Latina. Las cintas proponen diversas experimentaciones fílmicas desde diferentes géneros e, incluso, hay una pieza de documental interactivo (20/20, de Juan Cañola). Los cuatro ejes que agrupan los cortos y largometrajes giran alrededor de las fantasías de la modernidad (Neus Lakraviadus), la memoria (La noche desbarata mis sombras), los espacios vistos desde la lejanía (La siesta del carnero) o la identidad virtual (Ħ❦Ш †⚈ ₡ђ@ηğe̟ ⶖ☻ЏƦ スクリーンセーバ… sí, así se llama y es un corto buenísimo).
En el programa “Materializar lo interno” encontraremos cinco títulos que hacen exploraciones íntimas a través del juego con la materialidad del cine. Es el caso de Todo es culpa de la sal, de María Pérez González, una animación donde la directora imagina el archivo audiovisual de una familia de osos perezosos. Casi como si fuera un documental autobiográfico, la osita menor reconstruye una memoria familiar urbana, atravesada por la modernidad y por la gradual caída del padre en su naturaleza salvaje. Se trata de un trabajo muy original y propositivo para reimaginar modos de relacionarnos con distintos géneros cinematográficos, y una gran introducción al tipo de cine que se puede ver en este festival. Puede verse, junto al resto de las películas, en este enlace.

EXPERIENCIAS
Taller en línea de carpeta de producción para cine documental con Anaïs Vignal, en el CAPP (Chiapas)
El Centro de Apoyo a la Postproducción (CAPP) es un proyecto del IMCINE que se ubica en Chiapas y tiene la misión de descentralizar la formación y producción audiovisual a través de talleres y cursos presenciales y en línea, a los cuales podemos acceder de manera gratuita desde todo México.
Como parte de la oferta de este semestre, del 21 al 30 de junio se ofrecerá un taller de carpeta de producción para cine documental, con la productora Anaïs Vignal (que ha producido, entre otros, El remolino, Ausencias y El cuarto de los huesos). La carpeta de producción es una herramienta clave para emprender un proyecto cinematográfico, que permite la adecuada gestión de los recursos durante cada etapa de la película, además de ser un requisito indispensable para aplicar a varios estímulos de financiamiento, por lo que es esencial aprender sobre su realización.
El taller no tiene costo, pero su cupo está limitado a 30 participantes, por lo que hay que enviar una carta de motivos, así como nombre, edad y lugar de residencia, al correo vinculacion@imcine.gob.mx. El registro cierra el 12 de junio y posteriormente se notificará a las y los seleccionados. Puedes consultar las redes del IMCINE y su sitio web para más informes y conocer el resto de la oferta educativa del CAPP.
CONVOCATORIAS
3° Apatzingán Festival Internacional de Cine (Michoacán)
El FICA anunció su próxima edición para realizarse durante noviembre en Apatzingán, Michoacán. Hasta el 30 de junio puedes inscribir tu película para ser parte de la competencia oficial 2021, donde además de reconocer a las mejores películas se reconocerán a las mejores actuaciones. Asimismo, por primera vez se entregará el Galardón Punto de Giro a los mejores guiones de ficción.
Pueden inscribirse cortometrajes (de uno a cuarenta minutos de duración) o largometrajes (90 minutos o superior) en categorías de ficción y documental, nacional e internacional. En todos los casos, se recibirán también películas para infancias, pues en esta edición el FICA contará también con competencia infantil. Consulta la convocatoria completa e inscribe tu trabajo en su perfil de Festhome.

FICTU STUDIO (Quintana Roo)
El Festival Internacional de Cine Tulum presentó FICTU STUDIO, un taller con profesionales de la industria para aprender a pitchear, es decir, a presentar proyectos de cine para conseguir inversión, así como hacer una carpeta para convocatorias de fondos de financiamiento.
Se llevará a cabo en el marco del FICTU, del 2 al 6 de agosto, pero la convocatoria para inscripción estará abierta hasta el 14 de junio. Es necesario enviar currículum, una descripción breve del proyecto a presentar y responder un formulario de registro. Se seleccionarán 14 participantes: siete de Quintana Roo y el resto de cualquier otra parte del país, con viaje y hospedaje incluidos. Puedes leer la convocatoria a detalle en el sitio del FICTU.
Todas las actividades y convocatorias están sujetas a cambios por parte de sus organizadoras.
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Cinemex reabre su complejo Reforma 222 renovado, con nueva propuesta gastronómica y tecnología láser
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Cinemex reabrió las puertas de su complejo ubicado en Reforma 222, en la Ciudad de México, tras una renovación que actualizó tanto su infraestructura tecnológica como su oferta de alimentos y el diseño de sus instalaciones.
El complejo se integra ahora al formato «Market» de la cadena, un modelo que combina la proyección de películas con una zona de restaurantes y snacks de distintas marcas. Con esta incorporación, Cinemex suma nueve complejos bajo ese esquema en todo el país.
En materia gastronómica, el lugar alberga opciones como Mini Moshi, La Crepe Parisienne, Cielito Querido Café, Red Kitchen, Lucky Bones y Burk’s. Uno de los espacios que más destaca es el PopCorn Lab, una barra de palomitas con más de diez sabores que van desde opciones clásicas como mantequilla y caramelo hasta variantes como Oreo, chile limón y tamarindo.
En cuanto a tecnología, las salas incorporan proyección láser en formatos 2K y 4K, que permite mayor brillo y definición de imagen, acompañada de sistemas de sonido envolvente. El diseño interior fue reformado con butacas ergonómicas, mayor distancia entre filas e iluminación contemporánea.
La reapertura de Reforma 222 forma parte de un plan de modernización más amplio que la empresa inició en 2025. En el transcurso de este año, la compañía también prevé renovar los complejos de Patriotismo, Lindavista, Lomas Verdes, Fashion Drive y Paseo San Pedro, estos últimos en Monterrey.
Cinemex emplea actualmente a más de 7 mil personas de forma directa en el país.
Staff Cine PREMIERE Este texto fue ideado, creado y desarrollado al mismo tiempo por un equipo de expertos trabajando en armonía. Todos juntos. Una letra cada uno.
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Cine y Tv
Poncho Pineda: quiero que mis obras sean personales
Poncho Pineda, mexicano en nacionalidad y esencia, es el director de cine y televisión más visto en la historia de ViX. Sus proyectos (Es por su bien (2024), Profe infiltrado (2024), entre otras), han recibido buena apreciación en aquella plataforma. Desde su primer largometraje Amor, dolor y viceversa(2008) ha ido abriéndose camino a nivel internacional. Un hombre de cuarenta y siete años que remonta su trayectoria a los once, cuando se descubrió inventando historias que le permitían comprender las situaciones que iba atravesando. Sin embargo, no fue hasta que la afición se enfrentó con la técnica cuando Poncho encontró su pasión: uno de esos azares del destino que conducen a uno al resto de su vida. En su caso, una electiva de fotografía; la asignatura escolar que resultó determinante para la carrera del cineasta, que le brindó las herramientas para (re)presentar sus vivencias y su entorno.
“Terminé enamorado de la imagen, de lo que se podía hacer con una (imagen), de lo que representaba emocional o simbólicamente”.
La fotografía como elemento narrativo, que sugiere, que se arriesga y que intriga fue lo que despertó en Poncho una fascinación que le sirvió como motor para emprender el camino de la cinematografía y, que eventualmente, influyó en su propia manera de ver y de dirigir. Para él, el amor por esta profesión y la inspiración no surgieron en la academia, pues a pesar de haber realizado estudios en literatura, cine, dirección, guionismo y producción, su pasión tiene origen en su infancia: en el amor que sus padres tenían por el cine en blanco y negro y por las películas de Alfred Hitchcock.

Con el tiempo, este cariño lo hizo propio y Poncho terminó por encontrar a sus propios ídolos: grandes cineastas de distintas partes del mundo que lo inspiraron durante todo el proceso de creación de su primera cinta. “Yo realmente estuve muy inspirado por Quentin Tarantino, Paul Fitzgerald, David Fincher, Michael Haneke. Luego, cuando fui creciendo, Amores Perros (Iñárritu, 2000) me encantaba, la foto y lo visceral. Me encantaba lo que lograban comunicar con la cámara”. Fue todo el misterio que suscita la fotografía de esta icónica cinta mexicana en el espectador lo que, comparte Poncho, impulsó su primera película.
No obstante, es bien sabido que tras las inspiraciones llega uno mismo, que después de observar e intentar, uno encuentra su versión más auténtica, con su propio lenguaje y su propia esencia. Hoy, no cabe duda de que Poncho se encuentra en este lugar, en el punto de su carrera en el que sus seguidores son capaces de reconocer sus obras, de identificar las marcas personales del cineasta; por ejemplo, el constante retorno a las dinámicas familiares. Este director es consciente de que, como mexicanos, la familia es nuestro núcleo más importante a nivel social– algo que él mismo comparte– por lo que decide jugar con este elemento y presentar escenas y narrativas que toquen fibras en más de una persona.
No es casualidad de que, sin importar el género con el que Poncho esté trabajando, la dirección de sus películas esté enfocada en resaltar dichas nociones y conductas (familiares), pues él se mantiene firme en la idea de que la familia puede ser constructora, pero también limitante para el futuro y el avenir de cada individuo; un algo que trasciende lo comprensible: “dicen que antes de nacer hacemos un trato para ver a qué clan nos unimos”.
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Soltar. Entender. Resignificar.
Poncho sabe que su profesión abarca más allá de los límites del entretenimiento. Tiene presente que detrás de cada cortometraje o largometraje hay una anécdota, una profundidad y un contexto, que hay un alguien; una persona que fue protagonista de la misma historia que pretende ser contada. Ecos que vuelven de cada cinta una obra cargada de sentido y significado. Por eso, bajo esta perspectiva el cineasta mexicano no sólo tiene como objetivo ser consumido, sino ser escuchado y, en el proceso, entenderse a sí mismo.
En su estreno más reciente, Familia a la deriva (2026), Poncho hace esto mismo: a través de risas y buen humor, pretende provocar en la audiencia empatía hacia aquellas figuras que, aunque no son ausentes, tampoco desempeñan el papel que uno espera. Con esto, él comparte un poco de su historia a un público y una sociedad que sabe que no es ajena a este sentimiento, volviendo su profesión en un elemento transformador. “Logro resignificar esto, de decir “entiendo, pero yo no quiero esto”. Digo, es a nivel muy personal”.
El cine, su trabajo y su pasión se vuelven catárticos. Trascienden lo profesional para convertirse en duelo, para dar sentido a circunstancias que atraviesa y, que incluso a determinada edad, siguen causando incertidumbre. Poncho encuentra en la dirección una manera de jugar con fantasmas del pasado; del mismo modo que, experimentando con distintos géneros, una forma de interactuar con los fantasmas del presente. Este director nos comparte que su transición del thriller a la comedia surge de una situación familiar que azotó inesperadamente y que terminó por redirigirlo a un nuevo género en su trabajo, que le permitiera no sólo dar forma al dolor, sino a reconectar y externar.
“Todas esas cosas que uno empieza a vivir, de repente dices pues no soy el único que las está viviendo. Estoy en un lugar privilegiado para poder contar la historia y que uno diga, no pues yo estoy pasando por lo mismo”.

El avenir
Aunque este malabarismo entre thriller y comedia no es fácil de explicar al público, Poncho decide que no está dispuesto a sacrificar ningún género. Encontró en ellos pasión, significado, retos y emoción; nuevos proyectos que llegan a su mesa y ya están en la mira de ejecución. Sin embargo, a pesar de que la comedia es algo que quiere seguir llevando de la mano, nos comparte que para el futuro cercano se están contemplando principalmente dos o tres thrillers y horrores.
Finalmente, Poncho responde a la pregunta sobre cómo definiría su trayectoria actual como director:
“Sé el camino y voy con un paso lento para poder llegar, sabiendo que voy a llegar y poder contar lo que me inquieta el alma”.
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Cine y Tv
Yrsa Roca Fannberg, sobre su documental La tierra bajo nuestros pies
Tras su paso por la gira de documentales Ambulante en la Ciudad de México, nos sentamos a platicar con la directora Yrsa Roca Fannberg sobre La tierra bajo nuestros pies, un íntimo retrato documental que nos invita a reflexionar sobre el final de la vida, el cuidado en las residencias de adultos mayores y el valor de acompañar con empatía los últimos días.
Cine PREMIERE: En tu película planteas un acercamiento a la muerte muy particular. ¿Qué significa para ti el final de la vida y cómo quisiste abordarlo?
Yrsa Roca Fannberg: Algún día nos vamos. Para mí, es muy importante poder compartir el momento, dar valor al tiempo que tenemos juntos y a la existencia del otro. Es algo muy bonito en la vida, especialmente cuando ya no queda mucho tiempo, porque luego se van y ya no los podemos retomar. La muerte es un momento muy final. A veces me gusta que los personajes queden callados, que sus frases queden inacabadas, porque en el silencio hay una enseñanza; si nos paramos a escuchar y a compartir su vida, no solamente dándoles los buenos días, se vuelve un acto de sentir y ver. El documental se trata mucho de escuchar, de la quietud.
CP: Al respecto, grabaste en formato analógico de 16 milímetros. En una época donde lo digital domina, ¿cómo fue este proceso y qué le aportó a tu obra?
YRF: Creo que filmar en celuloide es el momento de elegir. Si tuviera una cámara digital, tal vez me perdería grabando cosas innecesarias; pero con el 16 mm la focalización de encontrar momentos se vuelve algo casi mágico. Ahora estamos aquí filmando y es un proceso cotidiano, casi celebratorio. Cuando intentamos capturarlo todo, perdemos muchas cosas. Este formato me dio la belleza de esperar y de dar importancia a la filmación, sabiendo que ya no sabes de dónde viene el momento exacto que vas a registrar.

CP: Uno pensaría que el rol de dirección es solo dirigir, pero se nota que aquí fuiste muy partícipe. ¿Cómo lograste ese vínculo desde adentro con las y los residentes?
YRF: La primera escena de la que participé era para mostrar que somos un equipo que viene de adentro y no de fuera. Para mí, en esta residencia de 160 personas, fue importante tener una relación real. Había un trabajo previo de confianza y respeto con las personas. Yo no hago películas tanto para los espectadores como para quienes están ahí. Queríamos mostrar este vínculo real y no limitarnos a observar; el diseñador de sonido incluso puso un micrófono en el estetoscopio para escuchar el corazón, involucrándonos en algo muy íntimo. Conocer a las personas —yo sabía cómo le gusta hacer la cama a una de ellas— nos permitió compartir sin dirigir, sino creando circunstancias donde ellas pudieran ser.
CP: ¿Cómo surgió tu interés por retratar este ambiente y documentarlo en tu película?
YRF: Al principio quería hacer un documental sobre mi abuela en otra residencia, pero no se dio. Escribí esta película en un momento de maduración, de entender que la vida se va disminuyendo poco a poco. Empecé haciendo retratos fotográficos y conversando con la gente. Era importante mostrar esta etapa de la vida en una película que me parecía que debía ser un proceso lento para revelar que son obras de arte vivas.
CP: La película también evidencia el contraste entre la soledad de la vejez y la juventud del personal médico y de cuidados. ¿Cómo integraste este contraste?
YRF: Era esencial quitarle el peso a las rutinas del personal y observar cómo estas personas mayores han construido su propia convivencia y amistad, donde a veces se tiene a un amigo de 95 años. Hay mucha gente joven trabajando ahí y el contraste es muy marcado. Depende de todo el personal que este no sea solo un lugar de asistencia, sino un hogar. Hay personas a las que no les importa nada, pero muchos traen muebles de sus casas, se llevan sus cosas y mantienen su individualidad. Es crucial ser escuchado, incluso si solo es por una persona. A veces, me pregunto por qué la gente se emociona tanto y creo que es porque esta experiencia nos toca de manera muy personal, desde la identificación y no desde la lástima.
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