Cine y Tv
Las noticias de cine más importantes de 2020
¡Vaya año el que hemos tenido! Ni siquiera las mentes más creativas al interior de la industria habrían imaginado que el mayor protagonista del 2020 sería un virus que ha puesto en jaque a la humanidad y todas sus industrias, incluyendo el cine. No sorprende que muchos consideren que, si los últimos doce meses pudieran clasificarse en un género, sería el terror. Sí, el 2020 siempre será recordado por la pandemia, pero esto no significa que el coronavirus fuera el único suceso importante del año. Como prueba nuestro tradicional recuento de las noticias de cine más importantes de 2020: unas buenas y otras malas, pero todas determinantes para el futuro del cine.
12. Parásitos rompe la barrera del Óscar
El 2020 inició con buenas noticias para el cine. Después de todo, puede que el Óscar sea el máximo galardón de la industria, pero ni siquiera esta etiqueta le ha salvado de las críticas a su eterno proteccionismo al cine angloparlante, principalmente de los Estados Unidos. Hasta la 91ª edición, sólo una decena de películas de habla no inglesa habían sido nominadas a Mejor película, pero ninguna pudo hacerse con el galardón. La barrera que parecía irrompible se vino abajo en 2020 cuando Parásitos concretó la hazaña con una brillante crítica social a cargo de de Bong Joon-ho y que superó a grandes contendientes como 1917 de Sam Mendes, El irlandés de Martin Scorsese y Había una vez… en Hollywood de Quentin Tarantino. Un paso trascendental en la historia de la Academia, aunque falta mucho para saber si es decisivo. Después de todo, hay quienes piensan que esta victoria resultará en una ceremonia más equitativa para los títulos de todo el mundo, pero también hay quienes la vieron como una excepción que difícilmente se repetirá en muchos años más.
11. El reencuentro de Friends
Habían pasado más de 15 años del desenlace de Friends, pero los aficionados seguían soñando con un reencuentro en una era dominada por la nostalgia y la popularidad televisiva. La premisa finalmente se cumplió este 2020, cuando Jennifer Aniston aprovechó su casi recién estrenado Instagram para anunciar el evento con una imagen de la mítica sesión de fotos realizada por Rolling Stone en 1995 y acompañada de la leyenda “it’s happening (está pasando)”. El proyecto no ha estado exento de polémica, pues HBO Max, que servirá como sede para la reunión, confirmó en un comunicado que “para evitar malentendidos sobre qué es este especial, queremos dejar muy claro que este no es un episodio nuevo y original de la serie. Los actores aparecerán como ellos mismos, no como sus queridos personajes «. La filmación estaba programada para finales de marzo con miras a estrenar en mayo, pero la pandemia cambió los planes y ahora se espera que el rodaje pueda llevarse a cabo en marzo de 2021.
10. El salto al multiverso
Han pasado siete años desde que Steven Spielberg augurara una implosión para el cine de superhéroes y aunque la idea ha inspirado toda clase de debates, lo cierto es que estas películas han descifrado la manera de mantenerse frescas en el gusto del público. El 2020 representó un nuevo y muy claro paso en la evolución de estos proyectos con la concepción del multiverso. Este elemento, que ya fue empleado por el Arrowverse y referido en Spider-Man: Lejos de casa (2019), promete alcanzar su punto más alto con la incorporación absoluta en el DCEU y el MCU. El primero lo hará con una franquicia individual que girará en torno al hombre murciélago encarnado por Robert Pattinson y que nada tendrá que ver con el universo cinematográfico construido hasta ahora y cuya adaptación de The Flash contará con la doble batipresencia de Ben Affleck y Michael Keaton. La Casa de las Ideas hará lo propio con Sam Raimi al frente de la previamente anunciada Doctor Strange and the Multiverse of Madness, así como con un Spiderverse impulsado por los regresos de Alfred Molina y Jamie Foxx como Octopus y Electro respectivamente, y más importante aún, por Tobey Maguire y Andrew Garfield de vuelta con sus respectivas arañas. Una alianza de ensueño que con un poco de suerte cerrará dos franquicias arácnidas que terminaron demasiado abruptamente.
9. Títulos del pasado son recontextualizados para no ignorar sus prejuicios
La señalización de prejuicios y recontextualización de la mirada implícita en películas del pasado alcanzó uno de sus puntos climáticos en 2020 con la presencia de Lo que el viento se llevó (1939) en HBO Max, plataforma de WarnerMedia inaugurada el 27 de mayo de 2020. Bastó un día para que el servicio fuera señalado por el guionista de 12 años esclavo (2013), John Ridley, quien publicó una columna en Los Angeles Times para acusar al clásico de glorificar la esclavitud porque «ignora sus horrores y perpetúa los estereotipos más dolorosos para las personas de color». Al día siguiente, el sistema retiró la película de su catálogo para tratar de reducir los daños, lo que desató la inconformidad de los múltiples amantes de la cinta. Al final se optó por rescatar el título con una leyenda previa en la que se explica que «Lo que el viento se llevó es un producto de su tiempo y reproduce algunos prejuicios étnicos y raciales que, por desgracia, han sido comunes en la sociedad estadounidense». Se aclara también que el filme es presentado de manera íntegra y sin ningún corte censor porque “lo contrario sería afirmar que esos prejuicios nunca existieron». Se piensa que esta controversia influyó de manera importante en Disney, que en junio anunció que las Splash Mountains –atracciones inspiradas en Canción del sur (1946) que aborda el pensamiento afroamericano en las plantaciones sureñas tras la Guerra de Secesión– ubicadas en los parques temáticos de Anaheim y Orlando serían rediseñadas al estilo de La princesa y el sapo (2009). Podría ser la estocada final para un título cuyo propio estudio se ha empeñado en borrar de la historia.
8. Harvey Weinstein es sentenciado a prisión
Octubre de 2017 siempre será recordado por las primeras acusaciones al interior de la industria en contra de Harvey Weinstein y que fueron determinantes para el ascenso de movimientos como #MeToo y Time’s Up. Tras poco más de dos años de investigaciones, deliberaciones y una serie de retrasos por problemas de salud del acusado, el exmagnate fue declarado culpable por las autoridades neoyorquinas y sentenciado a 23 años de prisión por agresión sexual y violación. El jurado lo declaró inocente por agresión sexual depredadora, cargo que pudo darle la cadena perpetua. Los abogados del exproductor han hablado continuamente sobre sus problemas de salud en busca de una condena reducida o suavizada, pero todo apunta a que ésta sólo aumentará tras un juicio pendiente en California que debió realizarse en los primeros meses del año y que fue pospuesto por la pandemia.
7. Disney Plus a la conquista del mundo
Disney Plus inició operaciones en noviembre de 2019, pero en menos de una decena de países del mundo. Bajo esta premisa, bien puede decirse que la consolidación de la plataforma comenzó en 2020 con su lanzamiento en territorio europeo, asiático y latinoamericano. La pandemia hizo que el proceso fuera más turbulento de lo que se contempló en un inicio, al grado que algunos rumores señalaban que su debut europeo programado para marzo se postergaría y que el latinoamericano contemplado para noviembre se adelantaría. Salvo Francia, que retrasó el estreno un mes para evitar una posible sobresaturación en su red que entorpeciera las comunicaciones de servicios médicos en uno de los puntos más altos de la crisis sanitaria, la apertura global se llevó de manera regular y con un enorme éxito. Hoy, los registros indican que Disney Plus cuenta con poco menos de 87 millones de suscriptores en el mundo y varios analistas aseguran que estas cifras no sólo seguirán creciendo, sino que permitirán que el ratón supere a Netflix entre 2024 y 2025 para convertirse en punta de lanza del streaming. Aunque claro, de seguir por este ritmo, no descartemos que el estudio logre la misión en un tiempo considerablemente menor.
6. La lucha por FIDECINE
Creado en 2001, el Fondo de Inversión y Estímulos al Cine, mejor conocido como FIDECINE, “es un fideicomiso federal para la producción, posproducción, distribución y exhibición de largometrajes (de 75 minutos o más) de ficción y/o animación mediante la inversión de capital de riesgo y/o la prestación de créditos”. No sólo ha servido de apoyo para la realización de numerosas películas, sino que ha sido clave para algunos de los títulos mexicanos más importantes de los últimos años como Temporada de patos (2004), Matando cabos (2004), Arráncame la vida (2008), Miss Bala (2011), Las oscuras primaveras (2014), La delgada línea amarilla (2015) o Museo (2018), por nombrar algunas. Esto no impidió que Morena presentara una iniciativa para su extinción en mayo alegando que la pandemia obligaba a la implementación de “diversas acciones congruentes con una política de austeridad que permita eliminar los gastos innecesarios, eliminar la opacidad en su administración y generar ahorros para que el país asigne eficazmente, recursos públicos a las acciones y programas prioritarios del Plan Nacional de Desarrollo 2019-2024”. La decisión fue debatida por la comunidad cinematográfica nacional encabezada por Guillermo del Toro, Alejandro González Iñárritu y Alfonso Cuarón, quienes parecían llegar a un acuerdo con las autoridades para salvar al fondo. Al menos hasta septiembre cuando Morena aprobó su desaparición junto con la de otros 109 fideicomisos destinados a la ciencia, la tecnología y el deporte. El IMCINE y la Secretaría de Cultura presentaron un comunicado en el que aseguran que “se dará continuidad a los apoyos al cine mexicano de forma directa a través del IMCINE. Se trata de un programa presupuestario de subsidios sujeto a reglas de operación y será a través de consejos ciudadanos que se evaluarán todos los proyectos en todas las convocatorias”, lo que no ha impedido la preocupación del sector cultural del país y parte del público mexicano.
5. La derrota de Donald Trump
Podría pensarse que la derrota de Donald Trump en las elecciones de noviembre 2020 es una de esas noticias que nada tienen que ver con el cine o la televisión, cuando lo cierto que la industria del entretenimiento ha jugado un papel clave en su caída. Después de todo, fueron muchos los actores, directores, guionistas y más que se manifestaron abiertamente contra el político desde la campaña inicial que le llevó a la presidencia, y más importante aún, que siguieron ejerciendo presión durante todo su mandato. No conforme con ello, numerosas películas y series realizaron duras críticas sociopolíticas que pudieron influir en mayor o menor medida en las decisiones del electorado, pero que de cualquier modo pasarán a la historia como un cruento recordatorio de uno de los gobiernos más controvertidos en toda la existencia de la unión americana.
4. El adiós de nuevas y viejas leyendas
El 2020 representó el adiós de numerosas leyendas del cine, cada una de las cuales pasó a la historia de distintas maneras. Max von Sydow (08/03), elemento recurrente en la obra de Ingmar Bergman y cuyo talento le llevó a desafiar a la muerte en El séptimo sello (1957) y al demonio en El exorcista (1973). Ian Holm (19/06) quien fuera pieza clave en clásicos como Alien (1979), Carros de fuego (1981) y El Señor de los anillos (2001). Joel Schumacher (22/06) responsable de títulos de culto como Los muchachos perdidos (1987) y Línea mortal (1990), así como de los infames e inolvidables batipezones de Batman y Robin (1997). Carl Reiner (29/06) que siempre figurará entre los grandes de la comedia. Ennio Morricone (06/07) que bien podría ser considerado el mejor compositor de la historia al lado de John Williams. Olivia de Havilland (26/07) que por años figuró como la última sobreviviente del elenco principal de Lo que el viento se llevó (1939) y con ello de un Hollywood que se ha ido para nunca volver. Alan Parker (31/07) cuya labor en títulos como Expreso de medianoche (1978) y Misisipi en llamas (1988) le posicionó entre los grandes directores de todos los tiempos. Margaret Nolan (05/10) quien cautivó al mundo bajo la pintura dorada de Goldfinger (1964). Sean Connery (31/10) cuyo talento, personalidad y e inconfundible voz resultaron clave para la concepción de personajes inolvidables. David Prowse (28/11) que se hizo uno con la fuerza bajo el mítico casco de Darth Vader en la Trilogía Original de Star Wars, mientras que Jeremy Bulloch (17/12) cargó con el futuro de la franquicia sobre sus hombros con el de Boba Fett. Hugh Keays-Byrne (01/12) que alcanzó la inmortalidad en la franquicia Mad Max. Mención aparte para Chadwick Boseman (28/08) cuya juventud resultó en el deceso más sorpresivo del año, pero que sobrevivirá gracias al talento exhibido en cada una de sus películas, así como a la nobleza de sus acciones fuera de la pantalla.
3. China rebasa a Estados Unidos como el mayor mercado global
El ascenso de China como el mercado más importante del mundo sólo parecía cuestión de tiempo y aun así los analistas eran incapaces de pronosticar una fecha concreta ante los buenos números de la taquilla estadounidense. En su momento se habló de 2018 y 2019, pero los estupendos resultados de títulos como Black Panther, Avengers: Infinity War y Avengers: Endgame hicieron que la predicción se trasladara al 2023. Al final, la historia se concretó el 18 de octubre de 2020, cuando el gigante asiático alcanzó los $1,988 mdd que rebasaron los $1,937 mdd del titán norteamericano, en una diferencia que siguió avanzando con el paso de los días. La pandemia fue determinante para este suceso pues, aunque China fue el primer país golpeado por el coronavirus, sus medidas de seguridad facilitaron la reapertura de salas y el ascenso de las asiáticas The Eight Hundred y My People, My Homeland como las películas más taquilleras del año a nivel mundial, con Bad Boys for Life relegada hasta el tercer lugar. La incógnita ahora es si los orientales podrán mantener el título por mucho tiempo o si este regresará a los estadounidenses una vez que la crisis sanitaria llegue a su fin y los principales estudios definan su accionar en la nueva industria post-COVID.
2. Mulan, Tenet y el surgimiento de una nueva industria
La ventana de distribución parecía resquebrajarse con la popularización del streaming y las condiciones de algunas plataformas para exhibir sus principales películas en pantalla grande. El rompimiento se acentuó con la pandemia y los distintos estudios explorando todo tipo de estrategias para minimizar los daños. Aunque Universal fue pionera tras mandar Trolls 2 al VOD, el porvenir de la industria pareció disputarse con lo hecho entre Mulán y Tenet. La primera fue enviada a Disney Plus ante el malestar de los exhibidores del mundo entero; la segunda abrió con la firme intención de rescatar las salas. El ratón se mostró satisfecho con los resultados; Warner no tanto, lo que provocó que el estudio pasara Mujer Maravilla 1984 y todos sus estrenos de 2021 a un modelo híbrido que implica debutar simultáneamente en cines y HBO Max en los lugares donde está disponible. La medida ha sido vista como un nuevo y duro golpe a los exhibidores, y como una traición por cineastas como Christopher Nolan, quien externara su enorme molestia declarando que “algunos cineastas y actores se fueron a la cama pensando que trabajaban para el mejor estudio de cine y se despertaron descubriendo que lo hacían para la peor plataforma” [vía]. En medio de las cada vez más disputadas Streaming Wars, no es descabellado pensar que otros estudios apliquen medidas similares para potenciar sus respectivas plataformas y así minimizar los daños provocados por la pandemia.
1. La pandemia del 2020
En un mundo dominado por toda clase de avances científicos y tecnológicos, las pandemias parecían relegadas al cine. Pero la premisa dicta que la realidad siempre supera a la ficción y el 2020 lo dejó muy claro cuando el coronavirus nos alcanzó. Las principales industrias del mundo fueron duramente golpeadas por el suceso y el entretenimiento no fue la excepción. Los principales estudios del mundo tuvieron que maniobrar con sus calendarios de estrenos al tiempo que perdían millones de dólares con cada retraso. Esto les obligó a buscar toda clase de soluciones, siendo el streaming y el video-on-demand las más empleadas, pero también las más polémicas por el impacto en las salas. Los exhibidores independientes han batallado por mantenerse a flote y muchos han cerrado sus puertas ante la falta de ingresos. Las grandes cadenas tampoco han estado exentas del problema y aunque han cumplido con todas las medidas de seguridad exigidas por las autoridades, los confinamientos y el nerviosismo del público han provocado dudas en torno a su subsistencia. En el caso del entretenimiento casero, los estrenos de algunos títulos internacionales batallaron con la posproducción o el subtitulado, lo que no impidió que las series de televisión y streaming arrojaran estupendos números tras convertirse en la principal fuente de diversión en un mundo cuyos habitantes debían quedarse en casa. La industria tampoco se salvó del contagio, siendo Tom Hanks la primera celebridad infectada, en una lista creciente que ha incluido nombres como Ellen DeGeneres, Hugh Grant, Madonna, Robert Pattinson, Olga Kurylenko, Antonio Banderas y Mel Gibson por nombrar algunos. Tristemente, algunos no han podido superar el padecimiento, como fue el caso del director Kim Ki-duk. Aunque se espera que la pandemia termine dentro de unos meses con la vacuna y con ella una serie de malas noticias, el cine y la televisión que conocimos hasta 2020 nunca volverá a ser la misma.
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Aunque parezca una frase rebuscada, es cierto que la música nos conecta, incluso más allá de lo que creemos. Pero detrás de cada melodía y letra hay una historia humana fascinante, y a veces más interesante que la imaginada (o recordada) en nuestra mente. Gracias a increíbles biopics, numerosos directores nos han permitido conocer el proceso creativo, o incluso las experiencias de vida que dieron paso a temas inolvidables. A continuación, te presentamos las biopics musicales que más han sido celebradas por críticos y fans de diversos artistas.
NOTA: Las películas se presentan por orden cronológico de estreno.
Amadeus (Dir. Miloš Forman, 1984)
Ganadora de 8 Premios Óscar (incluyendo Mejor película) y considerada una de las mejores biopics musicales en la historia. Aunque basada en hechos históricos, la película se toma libertades creativas para explorar la supuesta rivalidad entre Mozart y Salieri, quien cuenta la historia desde su perspectiva. Si bien, no es un precisa en cuanto a hechos históricos se refiere, construye una narrativa de enemistad muy interesante. Es protagonizada por F. Murray Abraham y Tom Hulce; el primero encarna la envidia y la frustración de un hombre que ve su talento eclipsado, mientras que el segundo tiene la energía y encarna la genialidad que caracterizó a Mozart. Los momentos musicales, acompañados de un maravilloso diseño de producción, son el escenario perfecto para hacer preguntas sobre el éxito y las envidias que provoca.
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Selena (Dir. Gregory Nava, 1997)
Esta película fue una manera de honrar la vida y el legado de Selena Quintanilla, quien fue trágicamente asesinada en la cima del éxito. Jennifer Lopez entregó una actuación tan enérgica y precisa que prácticamente se convirtió en Selena. No sólo replicó su comportamiento y forma de hablar, sino también sus icónicos movimientos en el escenario. Si bien, la película celebró su música y carrera, también habló de una mujer latina que logró alcanzar el éxito en la industria musical y se convirtió en ídolo de muchos. La carrera de su protagonista, que fue nominada al Globo de Oro como Mejor actriz en una película de comedia o musical nunca volvió a ser la misma.
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8 Mile: Calle de las ilusiones (Dir. Curtis Hanson, 2002)
Si algo tienen en común varias de las biopics aquí mencionadas, es que no sólo se dedican a reflejar la vida de sus protagonistas; también tienen algo importante por decir y que conecta con la audiencia. 8 Mile, ganadora del Óscar a Mejor canción original, retrató los barrios marginados de Detroit, un entorno que fue crucial en el crecimiento de Eminem. Con batallas de rap, conflictos personales y relaciones familiares con las que muchos se pueden identificar, se convirtió en todo un éxito de crítica y taquilla. Se alabó la actuación de Eminem, pero también el reflejo de los desafíos y aspiraciones de todos aquellos que buscan salir adelante en entornos hostiles, y que ven en la música su gran liberación.
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Ray (Dir. Taylor Hackford, 2004)
Interpretar a Ray Charles, uno de los cantantes más influyentes de las últimas décadas, hizo que Jamie Foxx se ganara el Óscar a Mejor actor. Hubo una ligera transformación física, pero sobre todo, un gran trabajo actoral para ir más allá de los éxitos de Charles y ahondar en sus luchas personales contra la ceguera y las drogas. En su banda sonora se incluyeron las canciones más famosas de Charles, lo cual fue bien recibido por los espectadores. Este murió sólo unos meses antes de que la película estrenara, por lo que ver su vida en pantalla fue especial. Recaudó $124 millones de dólares y recibió elogios de numerosos críticos musicales. Uno de ellos, Robert Christgau, señaló que Foxx logró “lo imposible” al conseguir casi el mismo carisma de Charles.
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Johnny y June: Pasión y locura (Dir. James Mangold, 2005)
Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon se convirtieron en Johnny Cash y June Warter Cash. Su trabajo los hizo acreedores de múltiples nominaciones, e incluso ella ganó el Óscar a Mejor actriz. La película se basa en un par de autobiografías de Cash y retrata su ascenso a la fama, sus luchas personales con las adicciones, la relación que mantuvo con June Carter y su transformación espiritual. Recibió buenas críticas por su apartado musical, pero también por el trabajo de sus protagonistas y la forma en que construyen una pareja encantadora. James Mangold también fue objeto de buenas críticas por su dirección, que equilibró la carrera de Cash, el contexto social de la época y la ya mencionada historia de amor.
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La vida en rosa (Dir. Olivier Dehan, 2007)
A través de una estructura no lineal, esta producción francesa nos sumerge en la vida turbulenta y apasionante de Édith Piaf, desde su infancia (viendo cómo su abuela comandaba un burdel) hasta su ascenso a la fama mundial. Si por algo sobresalió, fue por no sólo presentar la imagen idealizada de Piaf; habló de la vulnerabilidad que la caracterizó, y los demonios internos que se hicieron presentes en varias de sus letras. Marion Cotillard realizó una interpretación tan conmovedora y precisa de Édith Piaf que prácticamente se transformó en la icónica cantante. Su voz, gestos y presencia la convirtieron en ganadora del Óscar a la Mejor actriz. En términos cinematográficos, gracias a la recreación de la época, también resulta una delicia.
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Mi historia sin mí (Dir. Todd Haynes, 2007)
Sin duda, una de las biopics más particulares que se han realizado. En lugar de presentar un relato lineal de Bob Dylan, el guion lo fragmenta en seis personajes distintos, cada uno interpretado por un actor diferente (Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Marcus Carl Franklin y Ben Whishaw). Aunque arriesgada, la idea funciona y deja que cada uno de ellos construya su faceta de Dylan. Más allá de abordar los hechos biográficos “tradicionales” en este tipo de cintas, Haynes enfocó en el proceso creativo y la influencia de la música creada por Dylan. Sí, fue un fracas de taquilla, pero los críticos y el público la recibieron de major manera. Cate Blanchett fue nominada al Óscar como Mejor actriz de reparto.
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Mi nombre es John Lennon (Dir. Sam Taylor-Johnson, 2010)
Aquí nos adentramos en los años de John Lennon como estudiante, un período crucial para crear una de las leyendas musicales más grandes en las últimas décadas. Taylor-Johnson muestra a Lennon como un joven rebelde, lleno de dudas y pasiones, que busca su lugar en el mundo. También nos deja conocer las canciones que inspiraron su obra, y a millones de fans en todo el mundo. La relación con su madre, la crianza de su túa Mimi, y los primeros acercamientos con la música también forman parte de este relato. Fue una plataforma para que Aaron Taylor-Johnson se diera a conocer, pues aun cuando no obtuvo grandes nominaciones o premios, los críticos reconocieron su labor.
¿Dónde ver? ViX y Pluto TV.
James Brown: El rey del soul (Dir. Tate Taylor, 2014)
Similar a lo visto en La vida en rosa, esta producción nos cuenta la historia de James Brown, pero no cronológicamente. La actuación de Chadwick Boseman fue uno de los puntos más destacados; su caracterización y voz lograron que muchos voltearan a verlo y elogiaran su preparación. Hay recreaciones de algunos espectáculos donde Brown participó, pero también se habla de cuán ambicioso fue, cómo lidió con su ego, y la relación compleja que vivió entre fama y éxito. No fue un éxito de taquilla, pero puso aún más en el radar a su protagonista y se le consideró un interesante homenaje.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Letras explícitas (Dir. F. Gary Gray, 2015)
Captar la esencia y el impacto de N.W.A., uno de los grupos de rap más influyentes de la historia, no era tarea fácil. Y menos si se quería hacer de una forma respetuosa. Por suerte, todo se conjuntó de la manera adecuada y tanto críticos como fans resultaron satisfechos. N.W.A. fue un grupo que utilizó su música como una plataforma para denunciar las injusticias sociales y la brutalidad policial. En la película, más de una escena sirvió para demostrar cómo sus temas se convirtieron en la voz de toda una generación. Fue bien recibida por su fiel representación de la realidad en Compton, California, durante los 80 y 90. O´Shea Jackson Jr. (también conocido como Ice Cube) y Dr. Dre, que formaron parte de N.W.A., estuvieron involucrados en la producción. Se convirtió en un gran éxito de taquilla.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury (Dir. Bryan Singer, 2018)
Este exitoso largometraje es, ante todo, una celebración a la música creada por una de las bandas más exitosas en la historia. La recreación de sus espectáculos y la dinámica de Queen fue algo que, de inmediato, llamó la atención. Rami Malek se metió de lleno en la piel de Freddie Mercury, ofreciendo una interpretación llena de energía, gestos y movimientos que sorprendieron a los más fans del cantante. Alternando entre el desarrollo de la banda y la vida personal de Mercury, entendemos las luchas internas de este útlimo, y cómo llevó su orientación sexual ante los ojos del mundo. Aunque se tomó algunas libertades creativas, conectó con un gran sector de la audiencia. Como muestra están sus inesperados $900 millones de dólares en la taquilla mundial.
Rocketman (Dir. Dexter Fletcher, 2019)
La vida de Elton John no podía ser contada de forma convencional, y vaya que Dexter Fletcher, en conjunto con el guionista Lee Hall, entendió la misión. A diferencia de otras biopics que tienden a suavizar los aspectos más controvertidos de la vida de sus protagonistas, Rocketman aborda de frente las adicciones, las inseguridades y los desafíos que Elton John enfrentó a lo largo de su carrera. Es, en esencia, la historia de un hombre que intentó todo sólo para conseguir el amor y aprobación de su madre. El talento de Taron Egerton ayudó a las escenas musicales, con coreografías, movimientos de cámaras y voces espectaculares. Una oda a la música de su protagonista, que durante años buscó su lugar en medio de extravagancias, desamores y hasta traiciones.
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Judy (Dir. Rupert Goold, 2019)
En este largometraje, que convirtió a Renée Zellweger en ganadora del Óscar a la Mejor actriz, vemos los últimos años de vida de Judy Garland mientras se encontraba en una gira por Londres. Vemos a la estrella, sí, pero mejor aún, conocemos a una mujer luchando contra sus demonios personales, la adicción y la presión de seguir siendo la estrella que el público espera. Esta cinta va más allá de las leyendas en decadencia y nos enseña cómo la salud mental juega un papel importante en ellas. Sin duda, lo más destacado de la película es la actuación de Zellweger. Su transformación física y vocal, así como la forma de evocar la nostalgia en algunas escenas, es digna de mención.
¿Dónde ver? Prime Video.
Elvis (Dir. Baz Luhrmann, 2022)
Austin Butler, quien interpreta a Elvis Presley, fue ampliamente elogiado por su actuación. No sólo se refugió en el maquillaje y peinado para llevar su personaje a buen término, sino que también estudió al llamado “Rey del Rock”, e incluso vivió (y habló) como él durante un largo tiempo. El estilo de su director está presente en todas las escenas, y ofrece una experiencia llena de color, música y edición desenfrenada. Elvis profundiza un poco más en la relación del cantante con su representante, el coronel Tom Parker, y gracias a ello tenemos otra visión sobre su carrera. El trabajo de Austin Butler a la hora de reinterpretar algunas canciones es más que sorprendente.
¿Dónde ver? Max.
Weird: La historia de Al Yankovic (Dir. Eric Appel, 2022)
Como en el caso de Elton John, no había otra forma de contar la vida de “Weird Al Yankovic” que con una comedia fuera de serie. El cantante, músico y humorista estadounidense es famoso por sus parodias musicales, en las cuales satiriza la cultura pop, a sí mismo, o incluso a los artistas originales. Con esta personalidad como base, la película decide parodiar los clichés y tropos comunes de las biopics musicales. Daniel Radcliffe celebra la excentricidad de “Weird Al” con una interpretación muy divertida, y en la que desaparece por completo. Además de homenajear a Yankovic y su obra, esta película celebra la locura, la creatividad en cada uno de nosotros, y lo bien que se siente reír de uno mismo.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Pharrell Williams: Pieza por pieza (Dir. Morgan Neville, 2024)
Si de propuestas originales hablamos, no podemos dejar de lado esta interpretación de la vida de Pharrell Williams, pero utilizando piezas de Lego. La decisión no sólo permite un aspecto visual único, sino también hacer una referencia a la creatividad e imaginación que han caracterizado a Williams. Hay algunos elementos de documental en varias escenas, como entrevistas que mezclan el live-action con la animación, pero también canciones icónicas que sirven para revivir la carrera del protagonista. Lejos de la fama, también se habla sobre la vida personal de Williams, qué o quiénes lo han influenciado, y hasta sus reflexiones sobre el estatus actual de la industria musical.
¿Dónde ver? Próximamente disponible en plataformas digitales.
Un completo desconocido (Dir. James Mangold, 2025)
Ambientada en los años 60, refleja un período crucial en la carrera de Bob Dylan, cuando decidió electrificar su música y desafiar las convenciones del folk. La actuación de Timothée Chalamet como Dylan fue elogiada no sólo por el parecido físico, sino también por su habilidad para el canto. Técnicamente hay una sólida recreación de la época, y la narrativa aprovecha para hablar de importantes cambios sociales ocurridos al mismo tiempo que la fama de Bob Dylan. Además de Chalamet, vemos la a participación de actores como Monica Barbaro (interpretando a Joan Baez) , Elle Faning (dando vida a Sylvie Russo) Edward Norton (como Pete Seeger), quienes complementan un periodo decisivo para que Dylan se convirtiera en semejante leyenda. Consiguió 8 nominaciones a los Óscar de 2025.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
Maria Callas (Dir. Pablo Larraín, 2024)
Tras contar las vidas de Jackie Kennedy y la Princesa Diana, el realizador chileno cerró su trilogía de “mujeres poderosas” con este relato sobre Maria Callas, la exitosa cantante de ópera que se convirtió en todo un referente. Con Angelina Jolie como protagonista, el guion se se centra en los últimos años de vida de Callas en París, mientras lidia con enfermedades y se refugia en el cariño y respeto de quienes trabajan en su casa. Hay flashbacks a su infancia, los primeros amores, e incluso aquellos hombres que marcaron su vida. Se trata de una mirada íntima y conmovedora hacia una mujer que, incluso en sus últimos minutos, encontró la felicidad gracias al canto y la admiración que recibía por este. Uno de los trabajos más espectaculares en la carrera de Jolie.
¿Dónde ver? 20 de febrero de 2025 en cines de México.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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Estrreno, trailer y entrevista del coming-of-age con Isaac Cherem y Aksel Gomez| Cine PREMIERE
Déjame estar contigo es una producción mexicana en la que Bruno y Lucía, un par de adolescentes con toda la inexperiencia del mundo y nada de tiempo restante, deciden aventurarse en la mágica experiencia humana que es querer a alguien y dejarse querer por ese alguien.
¿De qué trata Déjame estar contigo?
Bruno es un joven de 18 años que es deportado de Estados Unidos a México sin conocer nada ni a nadie. Lucía es una universitaria de 19 años con una enfermedad incurable. Sus caminos se cruzan cuando Bruno, trabajando en un call-center, llama a Lucía, quien le pide ayuda con una situación urgente.
En esta llamada encontrarán empatía, esperanza y mariposas en el estómago provocadas por alguien a quien todavía no conocen. Cuando lo hacen, tendrán que decidir cómo enfrentar sus sentimientos por el otro.
¿Quiénes están detrás de Déjame estar contigo?
Esta montaña rusa de emociones está escrita por Fernanda Eguiarte (La flor más bella) y dirigida por Isaac Cherem (Leona), quien nos compartió en entrevista para Cine PREMIERE que ella “es una persona muy tierna, entonces siento que ella ve así las relaciones”, además de que la inspiración para tomar este proyecto fue “mi experiencia personal de transición a la adultez, que tengo muy presente, que fue muy importante, que fue muy intensa y que, además, fue mientras me mudaba la Ciudad de México. Entonces era como un poco lo que vive el personaje de Bruno”.
En las sillas de producción tenemos a José Nacif Gobera (La caída), Marco Polo Constandse (Casi el paraíso), Catalina Aguilar Mastretta (Cindy, la regia: la serie) y Mariana Rodríguez Cabarga (Temporada de huracanes) a través de Filmadora; mientras que Fernanda Eguiarte y Ramiro Ruiz (Somos oro) se enmarcan como productores ejecutivos. La cinta está distribuida por Videocine.
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El elenco detrás de Déjame estar contigo
Aksel Gómez hace su debut fílmico en esta cinta, quien también nos contó en entrevista que encontró muchas similitudes con su personaje, a tal punto que sentía que estaba predestinado. Como Bruno, él también ha vivido toda su vida en Estados Unidos, lo que ayuda muy poco en su habla del español, sin embargo, aunque al principio podemos detectar cierto acento que lo delata, para el final su pronunciación tiene una notoria mejoría.
Al respecto, dijo que todo fue cuestión de “práctica, también, hablando con Andrea y con el crew. Y también hice una playlist de canciones de puro español, y las cantaba en la mañana antes de ir al set para que se me aflojara la lengua”. En esta misma conversación, Isaac preguntó cómo se comunicaba con sus papás, a lo que Aksel respondió que utilizaba el inglés, el español y el spanglish: “Como mi papá no es de Estados Unidos, es de México también, con él hablo mucho español; y con mi mamá es mayormente en inglés, pero sí, a veces le hablo en español también”.
A su lado, también protagonizando, se encuentra Andrea Sutton (The Gigantes), uniéndoseles Silvia Navarro (Papá o mamá), Johanna Murillo (La liberación) y Regina Blandón (Firma aquí).
¿Cuándo estrena Déjame estar contigo?
Este coming of age llega a las salas de cine mexicanas a partir del 30 de enero de 2025.
Póster oficial
Trailer oficial de Déjame estar contigo
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Yessica R. Viais Vivo creyendo que no se trata de lo que ves en la pantalla, sino de lo que te hace sentir, y mí me gusta mucho sentir. I’m just a girl… jaja
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Como ha sucedido en los últimos años, la fuerza interpretativa de las mujeres ha dejado espectaculares resultados. Hace unos meses, dos leyendas de la industria (Angelina Jolie y Nicole Kidman) parecían inamovibles entre las nominadas al Óscar 2025 como Mejor actriz, pero las últimas semanas han dado un gran giro a la competencia. Contendientes internacionales, películas exitosas y otros premios han hecho que la categoría sea una de las más difíciles para predecir. Y no nos malentiendan, eso se agradece.
Considerando los resultados de la temporada de premios, la narrativa alrededor de esta, e incluso los discursos, a continuación te presentamos nuestra predicción de la actriz que se alzará con la estatuilla más codiciada de la industria cinematográfica.
Revisa aquí la lista completa de nominaciones y nuestro análisis (con predicciones) por categoría.
Demi Moore – La sustancia (Predicción CP)
Tras años de ausencia, Demi Moore demostró que no sólo tiene el talento para protagonizar una cinta arriesgada, sino también las agallas para retarse a sí misma. Si los momentos más “extraños” en La sustancia funcionan (y vaya que hay muchos) es gracias a ella, que además ya tiene en la bolsa el Globo de Oro. Es díficil imaginar a otra actriz que pudiera interpretar a Elisabeth Sparkle con tanta dignidad y precisión.
A favor: Una poderosa narrativa muy similar a la que se ve en la película. Su discurso de agradecimiento en los Globos de Oro hizo que el mundo volteara a verla. Por otro lado, la Academia ama los regresos como este… y a los actores ocultos tras grandes capas de maquillaje.
En contra: El poco amor que los votantes han dado al terror / thriller, o a películas con una temática e imágenes igual de sangrientas. Mikey Madison también representa una gran amenaza.
Mikey Madison – Anora
La historia de una trabajadora sexual que sucumbe ante el amor hizo que esta joven actriz consiguiera el reconocimiento mundial. Los fans de Scream y Había una vez… en Hollywood ya la conocían, pero ahora fue el turno de la industria para ponerla en la cima. Como en el caso anterior, no habría una Anora tan aclamada de no ser por Madison.
A favor: Una película constante en nominaciones para otros premios. Madison ha conseguido todas las nominaciones de los premios precursores y carga, totalmente, con el peso de la cinta. Para quienes no la conocían, es toda una revelación.
En contra: El contenido sexual de la cinta podría alejar a algunos votantes. Se trata, también, de una actriz que “apenas” tiene 25 años. Muchos podrían considerar que, con su talento y edad, no batallará en conseguir otra nominaciones y galardones en el futuro.
Cynthia Erivo – Wicked
Después de una larga carrera en el teatro y algunos papeles en la pantalla grande (no todos igual de exitosos), la británica consiguió uno de los personajes más aclamados en 2024: Elphaba. La historia no contada de la bruja verde nos recordó su increíble talento vocal, pero también el rango que tiene para ir de la felicidad al coraje en sólo instantes.
A favor: Una película más que complaciente. La gran mayoría de los que ven Wicked resultan fascinados por su historia y mitología. Por otro lado, la cinta cierra con su interpretación de Defying Gravity, donde entrega todo de sí y crea momentos memorables. Tampoco se ha quedado fuera de las nominaciones más importantes.
En contra: Hay una competencia brutal por parte de Madison y Moore, y si hay una actuación de Wicked que será premiada por la Academia, esa pinta para ser la de Ariana Grande como Glinda. No todo está perdido, pues podría competir el próximo año gracias a Wicked: For Good, y a la canción que coescribió para la película.
Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez
Más de una década atrás disfrutamos de su talento en Nosotros los Nobles, e incluso hace un par de años participó en un programa de cocina mexicano. Hoy, Karla Sofía Gascón llega a la contienda con un premio de Cannes y múltiples marcas en otras ceremonias, pero sobre todo, con una seguridad impresionante. Hay muchas cosas cuestionables en la película donde participa, pero si alguien cumple con lo que se le pide, es ella.
A favor: Una película adorada por la crítica internacional. Si los votantes extranjeros apoyan una actuación, muy probablemente sea esta. Al ser la primera actriz trans nominada a un Óscar, también arrastra consigo una importante narrativa. Su triunfo, por muchas razones, sería un momento histórico.
En contra: Las dudas sobre su rol en la película. Esta lleva el nombre de su personaje como título, pero muchos la consideran una interpretación secundaria y ven a Zoe Saldaña como la verdadera protagonista y es ella quien ha recibido más elogios.
Fernanda Torres – I’m Still Here
Creció en un entorno marcado por el arte. Su madre, Fernanda Montenegro, es considerada una de las actrices brasileñas más importantes de la historia, y ahora es su turno para continuar con el legado. Las buenas críticas a su trabajo y el apoyo de fans y críticos internacionales parecen coincidir en una cosa: “lo que bien se aprende, nunca se olvida”. Es considerada una gran figura en el arte contemporáneo brasileño.
A favor: Una sorpresiva victoria en los Globos de Oro, donde venció a actrices con mayor renombre. Su película, desde entonces, ha debutado con éxito en otros países y ha generado más conversación a su alrededor. Es una carrera muy abierta, y si los votantes internacionales deciden apoyarla, podría repetir la sorpresa. Además, que su película contienda al premio máximo no se debe ignorar.
En contra: Prácticamente todos los premios precursores han ignorado su trabajo. No estuvo presente en los Critics Choice Awards, SAG o BAFTA, y por ello, se puede considerar que la nominación es su verdadero triunfo.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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