Cine y Tv
Películas más importantes del cine soviético
El cine hollywoodense convirtió a la URSS en eterna amenaza y, como tal, en continua rival a vencer. Basta con un vistazo a la larga y compleja industria de la región para conocer una cara más certera de la sociedad euroasiática. Historias de distintos géneros, algunas de las cuales son dominadas por el nacionalismo, pero también por sensaciones e inquietudes bien conocidas en todo el mundo. El resultado es una filmografía tan fascinante como hipnótica y que sigue siendo motivo de estudio y admiración a casi 30 años de la caída del bloque. Desde clásicos del cine silente hasta las obras maestras de directores de talla mundial y con divertidas escalas por la comedia, repasamos las películas esenciales del cine soviético.
10. The Irony of Fate, or Enjoy Your Bath! (Dir. Eldar Ryazanov, 1976)
La ficción convirtió a los soviéticos en una sociedad fría y trágica en el imaginario colectivo occidental, al grado de que resulta difícil imaginar una comedia al interior de su industria. The Irony of Fate, or Enjoy Your Bath! no sólo es una de las más exitosas, sino también una de las más queridas entre las audiencias rusas al tratarse de todo un clásico de la temporada navideña. Una comedia romántica sobre un hombre que planea pasar el Año Nuevo con su prometida en Moscú, pero una tarde previa de alcohol con sus amigos le deja en un vuelo rumbo a Leningrado y en una serie de divertidas confusiones. A pesar de su naturaleza ligera, la cinta no ha estado exenta de debate en territorio occidental, pues mientras algunos la consideran un mero equivalente de ¡Qué bello es vivir! (1946), hay quienes la ven como una crítica velada a la uniformidad soviética. Más allá de la polémica, su popularidad resultó en una secuela estrenada a 30 años de distancia. No ha podido igualar el estatus de la original, pero el público la recibió con entusiasmo y la convirtió en una de las películas más taquilleras en la historia del cine soviético.
9. Bim, mi mejor amigo (Dir. Stanislav Rostovsky, 1977)
Un título obligado para quienes disfrutaron –y lloraron– con filmes como Marley y yo (2008) y Siempre a tu lado (2009). La cinta explora el afecto entre un hombre mayor y su perro Bim, el cual se caracteriza por una coloración impropia de su raza: cuerpo blanco y una oreja negra. El drama inicia cuando el hombre es hospitalizado y el desesperado can parte en búsqueda de su mejor amigo, en un viaje que le permitirá conocer en carne propia las dos caras de la naturaleza humana. La profundidad de su mensaje en una trama de bases sencillas le valió la nominación al Premio de la Academia en la categoría de Mejor película extranjera. No ganó, pero su presencia en la terna representó un impulso importante que le permitió convertirse en una de las películas más representativas del cine soviético.
8. The Diamond Arm (Dir. Leonid Gaidai, 1969)
Leonid Gaidai es uno de los grandes exponentes de la comedia soviética, siendo The Diamond Arm su título más representativo. Como es una tradición en su filmografía, la película combina humor y criminalidad, en este caso para presentarnos a un hombre cualquiera que se ve involucrado accidentalmente en una operación de tráfico de joyas a gran escala. Como muchos de los principales exponentes del género en toda la historia del cine, la película tuvo un gran impacto sociopolítico al incluir elementos sumamente polémicos para su contexto, como alusiones a la prostitución o el alcoholismo. No menos sonada fue la incorporación de vehículos estadounidenses que estaban prohibidos en el país, lo que fue visto como un desafío directo a las autoridades estatales. Estos elementos, aunados a una memorable banda sonora y la hilarante actuación estelar de Yuriy Nikulin le convirtieron en una de las cintas más populares de la región, así como en uno de los grandes clásicos de la comedia a nivel mundial.
7. La guerra y la paz (Dir. Sergey Bondarchuk, 1966)
La primera adaptación del clásico literario de León Tolstói fue realizada en Rusia en 1915, pero la primera en obtener fama mundial fue la dirigida por King Vidor y protagonizada por Audrey Hepburn y Henry Fonda. Ambas fueron relegadas a segundo término por la versión soviética de Sergey Bondarchuk y que fragmentada en cuatro partes –dura más de siete horas–, facilitó la traslación cinematográfica de la que es considerada una de las obras cumbre de la literatura rusa. Una historia que muestra las distintas caras de las élites euroasiáticas ante la inminente guerra con Napoleón: los adultos se preparan para una invasión que podría resultar catastrófica; los jóvenes habitan en un mundo de ensoñaciones que les priva de toda preocupación. Todo esto resulta en un estupendo recuento histórico del conflicto y en una brillante exploración social de una sociedad que se ha ido para siempre. Su grandeza le convirtió en la primera del cine soviético en ser reconocida con el Óscar a Mejor película extranjera.
6. Moscú no cree en las lágrimas (Dir. Vladimir Menshov, 1980)
Aunque nunca ha gozado de la aceptación total del público y la crítica de cine por la naturaleza de su mensaje central, la película sí que ha sido ovacionada por su fiel reflejo del pensamiento soviético en una época de franca reestructuración social a escala global. La historia inicia en 1958 con la llegada de una joven a Moscú quien es embarazada y abandonada por un joven de la ciudad, para luego trasladarnos a 1979 y mostrar cómo el ser una madre soltera no le impidió cosechar una carrera exitosa, pero que complicó su búsqueda de felicidad al condenarla a una complicada vida sentimental. Fue la tercera y última película de la URSS en hacerse con el Óscar a Mejor película extranjera, pero más destacado aún fue que Ronald Reagan la empleó como franco objeto de estudio al verla al menos ocho veces para entender la mentalidad de los euroasiáticos previo a sus encuentros diplomáticos con Mikhail Gorbachev. Esta situación no pasó desapercibida en Hollywood que consideró la realización de un remake estadounidense que nunca se concretó porque el guionista Valentin Chernykh consideraba que la esencia de la trama nunca podría ser replicada fuera de la unión.
5. Pasaron las grullas (Dir. Mikhail Kalatozov, 1957)
Las películas del cine soviético siempre mostraron un enorme interés por los distintos conflictos bélicos de la región. No sólo para explorar su heroísmo en el campo de batalla, sino también los sacrificios propios de la pérdida y la separación. Pocas lograron el cometido con la destreza de Pasaron las grullas, sobre un romance interrumpido cuando el joven es reclutado para pelear en el frente durante la II Guerra Mundial. Sus bases le permitieron explorar los pesares vividos por los rusos durante los ataques germánicos, destacando además que esto fue hecho desde una inusual perspectiva femenina con una brillante Tatiana Samoilova en el rol estelar. Su estreno cuatro años después de la muerte de Stalin fue clave para el resurgimiento de la industria local, así como para elevar la moral de un país en una dura transición política. Fue la primera y única película de la URSS en ser reconocida con la Palma de Oro, mientras que la historia le considera una pieza fundamental rumbo a la segunda era dorada del cine soviético.
4. El hombre de la cámara (Dir. Dziga Vertov, 1929)
El documental experimental concebido por Dziga Vertov fue visto con recelo en sus primeros años. Mientras el cineasta deseaba demostrar el poder narrativo y omnipresente de la cámara, las autoridades soviéticas consideraron que las imágenes capturadas sólo confirmaban los peligros de un cine que mal ejecutado podía ser un temible distractor de masas. El tiempo demostró su valía al elevarle entre las películas más trascendentes no sólo del cine soviético, sino de toda la historia del celuloide gracias a una amplia gama de técnicas experimentales que fueron decisivas para la evolución del arte cinematográfico. Esto incluye el slow motion, el primer plano extremo, la animación en stop motion y el metraje invertido, por nombrar algunas. El Festival Internacional de Cine de Toronto le ubicó entre las cien películas esenciales que todo cinéfilo debe ver, mientras que una encuesta de la revista Sight & Sound a cargo del British Film Institute la nombró la octava mejor película de todos los tiempos. El cine contemporáneo no sería el mismo sin ella.
3. Stalker (Dir. Andrei Tarkovsky, 1979)
Ninguna lista con las mejores películas del cine soviético estaría completa sin la presencia de Andrei Tarkovsky. El director responsable de clásicos como La infancia de Iván (1962), Solaris (1972) y El espejo (1975) alcanzó su punto más alto con la adaptación de la novela Roadside Picnic escrita por los hermanos Strugatsky. Una historia de ciencia ficción sobre tres hombres que emprenden un viaje hacia una zona misteriosa bajo la promesa de que la travesía concederá el mayor deseo de cada uno, pero que en manos del cineasta se convierte en una profunda reflexión sobre la naturaleza humana. Los méritos del proyecto incrementan cuando recordamos que, no conforme con los retos propios de una cinta tan compleja en sus aspectos narrativos y simbólicos, la realización se complicó aún más por problemas técnicos con el revelado de la cinta. Esto obligó a un reshoot prácticamente completo que, según muchos de los involucrados en la producción, dejó una película muy distinta a la contemplada originalmente. Nunca sabremos cuáles eran los primeros planes de Tarkovski para esta historia, pero nos queda el consuelo de que el resultado que todos conocemos fue memorable.
2. Ven y mira (Dir. Elem Klimov, 1985)
La que suele ser considerada como la mejor y más cruenta película de la Segunda Guerra Mundial no fue realizada en Estados Unidos, Alemania o Japón, sino en la Unión Soviética. Aun así, son pocos los que siquiera saben de su existencia, ya que sus orígenes limitaron su distribución a nivel internacional. El guionista Ales Adamovich aprovechó su propia experiencia para abordar la historia de un chico bielorruso cuya búsqueda de un rifle perdido que le permita unirse a la resistencia resulta en la brutal aniquilación de su pueblo y en su inmersión en un conflicto plagado de horrores que nunca imaginó. Ha sobresalido por su hiperrealismo extremo, lo que incluyó el uso de uniformes originales y armas reales que ayudaron a construir una atmósfera dominada por el miedo, la incertidumbre y la desolación. No menos significativa es su parte simbólica encabezada por un rifle que representa el paso a una madurez en un mundo dominado por la violencia y de la que no hay vuelta atrás. Finalmente sobresalen los inusuales métodos empleados por el director Elem Klimov, quien intentó hipnotizar a su joven protagonista para evitar que el rodaje le dejara secuelas psicológicas. Aunque no fue susceptible al tratamiento, su profesionalismo y fuerza emocional le permitieron soportar la carga sin mayores complicaciones.
1. El acorazado Potemkin (Dir. Sergei Eisenstein, 1925)
Historia pura del cine. No hay mejor manera de referirse a la dramatización realizada por Sergei Eisenstein sobre el motín ocurrido en 1905 y en el que los elementos del acorazado ruso Potemkin se levantaron contra sus oficiales. El cineasta plasmó un suceso determinante para el país euroasiático y que terminaría convirtiéndose en uno de los primeros pasos hacia la revolución rusa de 1917. Más importante aún fue el modo en que lo hizo, con el primer gran montaje realizado por el cine. El resultado es un título de primer nivel, nombrado la mejor película de todos los tiempos en la Feria Mundial de Bruselas de 1958 y la undécima mejor de todos los tiempos por el British Film Institute, y cuyas bases técnicas y narrativas le han convertido en objeto de estudio por generaciones.
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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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En conferencia de prensa, esta mañana del 15 de febrero 2026, el Gobierno de México anunció una política integral de fortalecimiento para el sector cinematográfico y audiovisual, centrada en la implementación de un nuevo estímulo fiscal y una reforma a la Ley de Cine. El objetivo central de estos nuevos incentivos para la industria del cine es consolidar a México como un nodo competitivo a nivel internacional, evitar la fuga de producciones nacionales hacia otros países con mejores condiciones fiscales y democratizar el acceso a los apoyos gubernamentales.
Los pilares de esta iniciativa de nuevos incentivos para la industria del cine incluyen un crédito fiscal de hasta el 30% sobre gastos realizados en territorio nacional, la obligatoriedad del 10% de tiempo de exhibición para el cine nacional en salas comerciales, y una expansión masiva de la educación técnica gratuita a través del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Se proyecta que estos incentivos generen un efecto multiplicador económico de entre tres y nueve unidades por cada unidad de apoyo invertida, además de fortalecer la soberanía cultural y la narrativa auténtica del país.
Presente en el evento de presentación de la nueva ley de cine e incentivos, estuvo Salma Hayek, quien, relató las dificultades históricas para filmar en México debido a la falta de incentivos, señalando que proyectos concebidos como «cartas de amor a México» terminaban filmándose en otros países. Destacó que el apoyo gubernamental actual permitirá aprovechar la «ventaja competitiva» inigualable de México en cuanto a diversidad de locaciones y talento técnico. Por su lado, la productora Inna Payán subrayó que este mecanismo promueve un «reequilibrio estructural» en la industria, protegiendo la soberanía cultural y permitiendo que la inversión privada, tanto nacional como extranjera, tenga un cauce sólido dentro del país.
El nuevo marco de incentivos fiscales para la industria del cine
El mecanismo central de esta política es un incentivo diseñado en coordinación con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, enfocado en atraer inversiones y retener el talento nacional.
Detalles técnicos del estímulo
- Naturaleza: Crédito fiscal contra el Impuesto sobre la Renta (ISR).
- Monto: Equivalente a hasta un 30% del gasto realizado en territorio nacional.
- Tope máximo: 40 millones de pesos por proyecto.
- Requisito de proveeduría: Para acceder al beneficio, se debe acreditar que el 70% de la proveeduría sea nacional, asegurando que la derrama económica beneficie a las empresas y trabajadores locales.
Formatos elegibles:
- Largometrajes y series de ficción.
- Largometrajes y series de animación.
- Largometrajes y series documentales.
- Procesos específicos de postproducción, efectos especiales y animación.
Objetivos de los nuevos incentivos para la industria de cine
- Competitividad internacional: Equiparar a México con países como Colombia, República Dominicana o Australia, que han captado proyectos mexicanos debido a sus estructuras de incentivos.
- Fomento a la producción independiente: Facilitar que creadores nacionales cuenten con recursos para desarrollar sus visiones sin depender exclusivamente de capital extranjero.
- Efecto Multiplicador: Según datos de la industria, cada unidad de apoyo genera un impacto de 3 a 9 unidades de actividad económica agregada.
Reforma legislativa: la nueva ley de cine y el audiovisual
Se ha presentado una actualización del marco normativo que busca modernizar la industria frente a las nuevas tecnologías y garantizar derechos culturales.
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Descripción y alcance
- Certeza jurídica: se otorga permanencia normativa al FOSCINE, dándole estabilidad presupuestaria y convirtiendo el fomento al cine en una política de Estado integral.
- Cuota de exhibición: se regula un 10% obligatorio de exhibición de cine nacional en salas cinematográficas, con supervisión semestral y horarios equitativos.
- Preservación: se reconoce al cine como memoria cultural. La Cineteca Nacional resguardará un archivo de toda la producción nacional para proteger el patrimonio.
- Derechos del público: se actualiza la ley en función de los derechos de las audiencias y el acceso a la diversidad de visiones.
Infraestructura y formación profesional
La estrategia gubernamental de incentivos para la industria de cine enfatiza que el cine es un ecosistema que requiere desde formación técnica hasta espacios de exhibición de vanguardia.
Educación y capacitación
- Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): Se eliminaron las cuotas de inscripción en la licenciatura para garantizar la gratuidad. Se proyecta que para 2026 la matrícula crezca cinco veces, certificando a 2,000 estudiantes a través de la SEP.
- Enfoque en oficios: Se inauguró el CCC de Chapultepec, orientado a formación técnica especializada en guion, postproducción y animación, reconociendo que la industria depende de una base técnica sólida más allá de la dirección y actuación.
- Inversión en escuelas: Se reportó una inversión de aproximadamente 1,600 millones de pesos para la remodelación y equipamiento de escuelas vinculadas a la Secretaría de Cultura, el INBAL y el INAH.
Infraestructura
- Cineteca Chapultepec: un nuevo polo de exhibición con ocho salas de última generación y foros al aire libre, conectada mediante el Cablebús.
- Estudios Churubusco: se encuentran en un proceso de remodelación y reequipamiento para ofrecer servicios de filmación de alta calidad técnica.
- Proyecto Chapultepec Naturaleza y Cultura: incluye el Archivo Nacional de Arte y espacios gratuitos de trabajo y encuentro para creadores.
Impacto social, económico y narrativo
El fomento a la industria cinematográfica a través de estos incentivos para la industria de cine se presenta no solo como una estrategia cultural, sino como un motor de desarrollo regional y soberanía nacional.
- Desarrollo regional y turismo: La industria cinematográfica actúa como una «campaña publicitaria» para el país. Las filmaciones en estados como Veracruz y Quintana Roo han impulsado la creación de infraestructura local (como carreteras) y han dinamizado la economía de los ejidos y comunidades locales.
- Soberanía cultural: se enfatiza la importancia de que México tome el control de su propia narrativa frente a representaciones erróneas del extranjero. El objetivo es proyectar una «narrativa auténtica» que refleje la diversidad ecológica y cultural del país.
- Perspectiva de género: se destacó el papel de las mujeres en la toma de decisiones dentro de la actual administración y la industria, promoviendo una visión de inclusión y acompañamiento profesional.
El Gobierno de México ha incrementado el presupuesto del IMCINE en un 25% para este año, con el fin de asegurar que los apoyos lleguen a más territorios y pluralidad de voces. La publicación del decreto con los nuevos incentivos fiscales para la industria de cine en el Diario Oficial de la Federación se programó para dar inicio inmediato a esta nueva fase de fomento industrial, orientada a convertir a la cultura en un derecho accesible y en un pilar de cohesión social.
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Después de haber recibido el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes y reconocimientos y alabanzas que fueron coronadas con múltiples candidaturas al Premio de la Academia, la película Valor sentimental se coloca como favorita en al menos dos categorías: Mejor película internacional y Mejor actor de reparto para Stellan Skarsgård, quien interpreta al frío y distante cineasta Gustav Borg.
Durante la pasada edición del Festival de Cine de Cannes, Cine PREMIERE tuvo la oportunidad de entrevistar al actor sueco sobre su relación con su personaje, los cineastas como maniáticos peculiares y hasta el estado del cine contemporáneo.
Cine Premiere: Sabemos que tuviste un derrame cerebral alrededor de la época en la que estabas haciendo la segunda temporada de Andor y de lo difícil que fue volver a la actuación. ¿Qué tanto batallaste para hallarte a ti mismo delante de la cámara para Valor sentimental?
Stellan Skarsgård: No me gusta la idea de enfatizar que sobreviví o que estoy luchando con las secuelas de un derrame… En aquella época también estaba haciendo Duna 2 y en ocasiones tenía problemas para recordar mis líneas y para ello usaba apoyos visuales, como el prompter o un apoyo auditivo. También lo hice en ésta película. Quizá por ello me volví mejor actor, porque ¡los tres proyectos que hice después de ese ataque se convirtieron en grandes éxitos! (risas) Pero realmente no creo que eso me haya hecho mejor, no me gusta el efecto que tuvo en mí.
CP: Has trabajado con varios cineastas a lo largo de tu carrera, me preguntaba si basaste tu interpretación o tomaste algún gesto de alguno de ellos para tu papel en Valor sentimental…
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SS: No para ésta película. El problema es que si quieres hacer algo “basado” en alguien más, se tiende más bien a hacer una parodia de la persona y no quería hacer eso. Quería que mi personaje se sintiera como un ser humano auténtico. Lo interpreté como si fuese un panadero, plomero o cualquier otra profesión u oficio. Pero lo específico de su labor tiene que ver con la relación que tiene con sus hijas, porque está obsesionado como cualquier otro director.
No hay directores “normales”… Todos son maniáticos de alguna manera, pero yo soy actor y me encanta estar en el set con otras personas. Esa pasión, esa adicción es muy difícil de vivir cuando tienes una familia. Yo tengo 8 hijos y solo trabajo 4 meses al año y Gustav (mi personaje) no tiene los problemas que yo tengo, yo soy más moderno que él. Gustav está peleando con roles tradicionales masculinos. Tiene esa creencia arraigada de que el padre es mejor, que sabe más, pero realmente eso no es necesariamente cierto.
CP: Uno de los detalles más llamativos de tu personaje es su incapacidad para lidiar con aspectos de la vida cotidiana muy simples. Como aquella escena con la toalla de la cocina o cuando no sabe dónde colgar la ropa…
SS: Sí, esos detalles estaban en el guión. Joachim no deja escapar nada…
CP: Decías anteriormente que los cineastas son “maniáticos”, en ese sentido, ¿qué tipo de maniático es Joachim Trier?
SS: Es el maniático más dulce y encantador. Es muy rígido en algunos aspectos de su película pero no permite que eso destruya su relación con las personas. El otro Trier (Lars Von Trier) es un tipo de maniático diferente, pero ambos son personas sumamente gentiles en el set. Es maravilloso trabajar con ellos porque la atmósfera incita a la creatividad y hay confianza suficiente para poder proponer cosas. En el set de Joachim no hay por ejemplo jerarquías por que somos un equipo relativamente pequeño…algo muy escandinavo (risas)…¡que se jodan las jerarquías!
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CP: ¿Qué tan fácil fue para ti establecer un buen rapport con Elle Fanning o Renate Reisnve, considerando que son mucho más jóvenes y cercanas en edad a tus hijos?
SS: Diría que fue tan simple como lo es con cualquier actor, realmente. Se construye una relación cercana en solo segundos. Desde luego que tienes que confiar en ellos y viceversa, ¡pero yo confío en todos! (risas) Y esas chicas me conocen bien, no me tienen miedo (risas)
CP: En la película se hace burla de los junkets, de Netflix, incluso del cine mismo. ¿Cuál es tu postura personal sobre el estado del cine actual?
SS: La industria siempre ha dependido del dinero, dado que es muy caro hacer películas. Ahora las decisiones están basadas en ganancias, pero no hay una conexión real entre lo que haces y el mundo financiero y eso es atemorizante. Aquello que no encaja en moldes preconcebidos desaparece y cuando se trata de arte, se vuelve peligroso…
CP: Uno de los chistes más celebrados del festival fue cuando le regalas en la película a un niño DVDs de La maestra de piano de Michael Haneke e Irreversible de Gaspar Noé. ¿Tú hubieras metido alguna película en la que hayas trabajado?
SS: ¡Desde luego! Y aunque es un gran chiste, creo que revela algo importante sobre mi personaje. No sigue las reglas de la sociedad, no las reconoce. Pero yo pienso igual, puedo enseñarle a mis hijos una película pornográfica sin problema. Las convenciones sociales dirían que estoy loco. Hace un par de años en Nueva York me tocó presenciar un debate en el que se discutía a qué edad se debería decir a los niños ¡que las hamburguesas están hechas de vacas! Totalmente demencial…
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