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Star Wars: ¿el ocaso de una galaxia?
ADVERTENCIA: El siguiente artículo incluye SPOILERS
Star Wars parecía tener elementos para expandirse por siempre. No sólo al futuro, sino también al pasado, e incluso con historias paralelas a la trama central. El sueño nunca había estado tan cerca de cumplirse como cuando Disney adquirió la franquicia para aprovechar todo su potencial.
Pero la que alguna vez fue la franquicia más querida de la historia hoy parece perder impulso. La primera alerta llegó con Los últimos Jedi (The Last Jedi) y su incapacidad para convencer a los aficionados. Más preocupante es el caso de Han Solo: Una historia de Star Wars (Solo: A Star Wars Story), primer spin-off centrado en un personaje clásico y que pretendía recaudar más de $300 MDD domésticos en su fin de semana de estreno. Al final, tuvo que conformarse con menos de $85 mdd que iniciaron el mayor tropiezo en toda la historia de la galaxia lejana.
El camino de El ascenso de Skywalker (The Rise of Skywalker) no ha sido menos complicado tras ser considerada un final indigno para la saga cinematográfica más importante de todos los tiempos. ¿Significa que la Fuerza se ha debilitado? Y más importante aún, ¿hay esperanza para la franquicia?
Sobrecarga galáctica
Las entregas de la trilogía original y las precuelas fueron estrenadas con una diferencia de al menos tres años. Tiempo suficiente para generar expectativa alrededor de cada proyecto y reforzarlo con su respectivo merchandising. Disney ha tomado una ruta muy diferente desde que la franquicia está en sus manos, con entregas anuales e intercaladas según se trate de episodios o spin-offs. El caso de Solo fue el más extremo hasta ahora, liberado apenas unos meses después de su antecesora en un esfuerzo por coincidir con el 41º aniversario del filme original.
El objetivo era apelar a la nostalgia, pero la decisión resultó contraproducente. Lucasfilm siempre había esperado el estreno casero de sus títulos antes de arrancar la promoción de sus siguientes proyectos, pero el ciclo se rompió con Solo, cuyo teaser trailer debutó el 5 de febrero. El resultado fue una campaña inferior a los cuatro meses, mientras que los blockbusters contemporáneos suelen tener un mínimo de siete. A esto sumemos que el BD y DVD de Los últimos Jedi llegó el 27 de marzo, lo que obligó a una promoción simultánea de casi dos meses.
La buena noticia para Lucasfilm fue que esto le dio 13 meses para promocionar el Episodio IX e intentar reconquistar al público tras sus recientes controversias. A pesar de ello, los excesos de la saga prometen mantenerse durante varios años.
El estudio ya trabaja en una nueva trilogía fuera del dominio Skywalker. A esto sumemos las dos potenciales secuelas de Solo, así como las series de Obi-Wan Kenobi y Cassian Andor de Disney+.
“Diría que deben aligerar el ritmo porque no quieres sobrecargarla”, declaró Mark Hamill hace apenas unos meses [vía]. “Le dije a Disney, ‘¿En serio? ¿Cinco meses después de nosotros sale [Solo]? ¿No puedes esperar al menos hasta Navidad?’ Pero tienen sus proyectos agendados – están haciendo Marvel y sus películas, pero eso está fuera de mi alcance”.
Una nueva industria
Star Wars nunca ha sido ajena a la competencia de otras franquicias, pues desde sus primeros años se enfrentó con títulos como James Bond, Superman o Tiburón (Jaws). La diferencia radica en que cada uno de estos títulos iba dirigido a públicos muy diferentes, mientras que sus estrenos estaban separados por varios meses. A pesar de ello, la creciente popularidad de la saga y su dominio en la taquilla anual le valió un estatus de invencibilidad que hoy parece tambalearse ante la competencia.
El calendario está cada vez más atestado de franquicias que se disputan las fechas de estreno, lo que ha obligado a una expansión de las mejores temporadas cinematográficas. El verano 2018 comenzó en marzo con títulos como Ready Player One, Titanes del Pacífico: La insurrección (Pacific Rim: Uprising) y Tomb Raider: Las aventuras de Lara Croft (Tomb Raider), pero se piensa que los buenos números cosechados por Black Panther –fecha explorada por Deadpool en 2016– pronto lo llevarán hasta febrero. El invierno, que alguna vez estuviera limitado a diciembre, se adueña cada vez más de noviembre tras los buenos números de Harry Potter desde 2001.
Irónicamente, Disney ha jugado una parte muy importante en esto. El estudio que antes se concentraba en el cine animado hoy es dueño de Pixar, Marvel y Lucasfilm, y sus propiedades podrían incrementar todavía más ante las negociaciones por Fox. A ello sumemos sus recientes esfuerzos por trasladar sus clásicos animados al live-action.
A pesar de las impresionantes ganancias que representa, el ratón enfrenta un continuo dilema para agendar su calendario de estrenos sin afectarse a sí mismo. Era cuestión de tiempo para que algún filme se viera seriamente perjudicado, siendo Solo el primer condenado. El spin-off galáctico estrenó menos de un mes después de Avengers: Infinity War, lo que desfavoreció su taquilla y el impulso del crossover marvelita. No conforme con ello, estrenó sólo una semana después de Deadpool 2, cuya frescura le ha convertido en una de las franquicias más rentables de los últimos tiempos.
Por un tiempo se rumoró que el contrabandista repetiría la fórmula de sus recientes antecesoras y cambiaría su estreno al invierno. Para su mala fortuna, el lote estaba ocupado por filmes como Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald (Fantastic Beasts: The Crimes of Grindelwald) y Aquaman, así como Ralph el Demoledor 2 (Ralph Breaks the Internet: Wreck-It Ralph 2) y Mary Poppins Returns, estas últimas del propio Disney.
Y claro, un cambio de fecha habría intensificado el nerviosismo del público alrededor de un proyecto que siempre estuvo marcado por el escándalo.
Problemas de una galaxia lejana
En el papel, un spin-off de Han Solo lucía como una apuesta segura. Después de todo, las encuestas suelen ubicarle como el segundo personaje favorito de la franquicia sólo detrás del mítico Darth Vader. El estudio parecía tan ansioso por explorar el pasado del héroe, que tal vez se olvidó de un aspecto fundamental: ¿quién podría igualar lo hecho por Harrison Ford?
La interrogante generó un aura de nerviosismo que se intensificaba ante el recuerdo de Hayden Christensen como Anakin Skywalker. La elección de Alden Ehrenreich fue debatida por meses, pero lo cierto es que cualquier actor habría suscitado la misma controversia entre las audiencias. La verdadera preocupación llegó cuando Lucasfilm contrató un coach de actuación, no al inicio del rodaje y en preparación del personaje, sino a la mitad del mismo.
El joven actor no fue el único señalado, pues el proyecto atravesó por toda clase de complicaciones durante su producción: diferencias entre los guionistas Lawrence y Jonathan Kasdan con los directores Phil Lord y Christopher Miller, el despido de estos últimos y la incorporación emergente de Ron Howard que al final rodó más del 70% del filme. Aunque nunca en estas magnitudes, no es la primera vez que Star Wars atraviesa este tipo de problemas.
Gareth Edwards suscitó toda clase de rumores tras una Rogue One que atravesó por un 40% de reshoots; a Josh Trank lo contrataron para una segunda antología pero fue retirado tras sus problemas con Los 4 Fantásticos (Fantastic Four); Colin Trevorrow fue despedido del Episodio IX tras los pobres resultados de The Book of Henry. Más allá de sus respectivas diferencias con el estudio, todos estos cineastas se han caracterizado por tener visiones únicas que les ubicaron entre las grandes promesas de la industria. ¿Por qué no aprovecharlas en beneficio de Star Wars?
Una historia de diferencias creativas
George Lucas siempre imaginó que Star Wars trascendería más allá de su persona y que sus posibilidades se expandirán con el apoyo de diferentes realizadores. La premisa se cumplió con la trilogía original, o al menos eso parecía. Irvin Kershner siempre contó con el apoyo del cineasta durante la producción de El Imperio contraataca (The Empire Strikes Back); no fue el caso de Richard Marquand con El regreso del Jedi (Return of the Jedi), cuyas ideas fueron continuamente desechadas por un creativo receloso de su historia. El resultado fue la entrega más floja de la Trilogía Original.
A pesar de los esfuerzos de Kathleen Kennedy por preservar el legado del creativo bajo la supervisión de Disney, la ejecutiva ha batallado por descifrar cuál sería su mejor tratamiento. La seguridad de JJ Abrams con El despertar de la Fuerza (The Force Awakens) garantizó el éxito taquillero, pero corre el riesgo de tornarse reiterativa con el paso del tiempo; los riesgos de Rian Johnson con Los últimos Jedi generaron una división sin precedentes.
En el caso de Solo, Ron Howard exploró los acontecimientos más populares en el pasado del héroe –su amistad con Chewbacca y la obtención del Millennium Falcon, por nombrar algunos– y los fusionó con giros extraídos del nuevo canon. El resultado se tornó confuso para el público general, mientras que el grueso de los warsies lo consideró poco novedoso.
El final de una era
Tras un par de años turbulentos, JJ Abrams regresó para la dirección de la nueva entrega galáctica, una misión sumamente desafiante al ser el filme que marcaría el cierre de la trilogía y de toda la saga Skywalker. Para ello, el filme retomó la figura de Lord Palpatine, villano principal de la franquicia, interesado en el dominio de la muerte desde antes de la caída de la República y cuyo enorme poderío casi provoca la aniquilación de la Orden Jedi. La decisión resultó incomprensible para un público que no tardó en señalar El ascenso de Skywalker como un filme sin riesgos y que parecía ansioso por suprimir lo visto en Los últimos Jedi.
Nada más alejado de la realidad, pues el propio cineasta explicó que lo hecho por Johnson le dio una enorme confianza, pues “me ayudó a recordar la razón por la cual estamos en estas películas: no sólo para hacer lo que hemos visto antes. No diré que me sentí limitado en 7, pero me sentía con ganas de hacer algo más consistente con la Trilogía Original. En la 9, me sentí deseoso de ir un poco más allá” [vía].
Esto resultó en un filme cuyos riesgos radican en la fusión de toda clase de elementos concebidos durante más de 40 años de historia galáctica en busca de un cierre definitivo. Para ello recurrió a los Episodios VII y VIII como punto de partida con Rey, Finn y Poe en su primera misión conjunta, para luego apoyarse en la Trilogía Original y las precuelas, pero también en los spinoffs con la incursión de un planeta Sith que funge como contraparte de Jedha e incluso el Universo Expandido al referirse a la clonación del Emperador referida en la serie impresa Dark Empire, que formó parte del canon por años hasta que Disney lo suprimió en beneficio de Legends.
Esto no significa que la película no cometiera errores, siendo las relaciones familiares de Rey un hueco enorme en la historia. Sin embargo, dista mucho de ser la primera vez que esto pasa siendo los midiclorianos, el exilio injustificado de Yoda, el desafío en la cueva de Dagobah o el hecho que Luke preservara su apellido a pesar de los riesgos que esto implicaba algunas de las grandes preguntas que nunca han obtenido una respuesta. ¿Cómo explicar la molestia actual?
¿Una nueva esperanza?
En su momento, George Lucas [vía] aseguró que Star Wars es sobre asuntos de padres, hijos y abuelos. No es sobre naves espaciales, todo es sobre problemas familiares”. La tercera trilogía desafió abiertamente esta premisa, primero con El despertar de la Fuerza que introdujo a Rey como una joven presuntamente ordinaria dotada de grandes habilidades; Los últimos Jedi mostró a un pequeño usando la Fuerza para atraer una escoba; ahora con El ascenso de Skywalker con Finn y sus continuas corazonadas. Al respecto, JJ Abrams ha confirmado la sensibilidad del personaje, y que era esto y no una declaración de amor sobre lo que necesitaba hablar con Rey.
Qui-Gon Jinn ya aludió a la enorme cantidad de sujetos sensibles a la Fuerza cuyos talentos se pierden en la inmensidad de la galaxia cuando revela que si Anakin “hubiera nacido en la República lo habríamos identificado antes”. Esto no ha impedido que el público se muestre renuente a soltar a los atormentados Skywalker al considerarlo una traición a la franquicia, aun cuando la propia trama se ha referido a la necesidad del cambio en incontables ocasiones.
Shmi Skywalker aseguraba que “no puedes impedir el cambio más de lo que puedes impedir la puesta de los soles”; Yoda invitó a “entrenar para dejar ir todo lo que temes perder”; Obi-Wan Kenobi consideró que “muchas de las verdades a las que nos aferramos dependen en gran medida de nuestro punto de vista”.
Tras más de 40 años, es tiempo de dejar ir a los Skywalker. Un momento duro para todos aquellos que han crecido con estos personajes, pero necesario para garantizar la mayor expansión de la galaxia y la supervivencia de la franquicia para futuras generaciones. Una labor que requiera mirar atrás para redescubrir la auténtica esencia de la saga. Después de todo, Star Wars es más que entretenimiento, es esperanza. Ya sea de granjeros espaciales que sueñan con derrotar imperios, contrabandistas que recorren la galaxia en busca de una familia o chatarreras que avanzan al horizonte tras completar su círculo.
La nueva trilogía bajo las órdenes de Disney no fue perfecta, pero tampoco lo fueron las anteriores. Aun así, el público las abrazó, no por su narrativa que fusionó toda clase de historias y mitos, sino por las emociones generadas. Los años pasan y muchos se empeñan en revivir estas sensaciones como la primera vez, algo imposible hasta que el público desaprenda todo lo aprendido en beneficio de esa inocencia que una vez le permitió soñar con caballeros espaciales peleando por el bien de la galaxia.
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Aunque parezca una frase rebuscada, es cierto que la música nos conecta, incluso más allá de lo que creemos. Pero detrás de cada melodía y letra hay una historia humana fascinante, y a veces más interesante que la imaginada (o recordada) en nuestra mente. Gracias a increíbles biopics, numerosos directores nos han permitido conocer el proceso creativo, o incluso las experiencias de vida que dieron paso a temas inolvidables. A continuación, te presentamos las biopics musicales que más han sido celebradas por críticos y fans de diversos artistas.
NOTA: Las películas se presentan por orden cronológico de estreno.
Amadeus (Dir. Miloš Forman, 1984)
Ganadora de 8 Premios Óscar (incluyendo Mejor película) y considerada una de las mejores biopics musicales en la historia. Aunque basada en hechos históricos, la película se toma libertades creativas para explorar la supuesta rivalidad entre Mozart y Salieri, quien cuenta la historia desde su perspectiva. Si bien, no es un precisa en cuanto a hechos históricos se refiere, construye una narrativa de enemistad muy interesante. Es protagonizada por F. Murray Abraham y Tom Hulce; el primero encarna la envidia y la frustración de un hombre que ve su talento eclipsado, mientras que el segundo tiene la energía y encarna la genialidad que caracterizó a Mozart. Los momentos musicales, acompañados de un maravilloso diseño de producción, son el escenario perfecto para hacer preguntas sobre el éxito y las envidias que provoca.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV.
Selena (Dir. Gregory Nava, 1997)
Esta película fue una manera de honrar la vida y el legado de Selena Quintanilla, quien fue trágicamente asesinada en la cima del éxito. Jennifer Lopez entregó una actuación tan enérgica y precisa que prácticamente se convirtió en Selena. No sólo replicó su comportamiento y forma de hablar, sino también sus icónicos movimientos en el escenario. Si bien, la película celebró su música y carrera, también habló de una mujer latina que logró alcanzar el éxito en la industria musical y se convirtió en ídolo de muchos. La carrera de su protagonista, que fue nominada al Globo de Oro como Mejor actriz en una película de comedia o musical nunca volvió a ser la misma.
¿Dónde ver? Max.
8 Mile: Calle de las ilusiones (Dir. Curtis Hanson, 2002)
Si algo tienen en común varias de las biopics aquí mencionadas, es que no sólo se dedican a reflejar la vida de sus protagonistas; también tienen algo importante por decir y que conecta con la audiencia. 8 Mile, ganadora del Óscar a Mejor canción original, retrató los barrios marginados de Detroit, un entorno que fue crucial en el crecimiento de Eminem. Con batallas de rap, conflictos personales y relaciones familiares con las que muchos se pueden identificar, se convirtió en todo un éxito de crítica y taquilla. Se alabó la actuación de Eminem, pero también el reflejo de los desafíos y aspiraciones de todos aquellos que buscan salir adelante en entornos hostiles, y que ven en la música su gran liberación.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Ray (Dir. Taylor Hackford, 2004)
Interpretar a Ray Charles, uno de los cantantes más influyentes de las últimas décadas, hizo que Jamie Foxx se ganara el Óscar a Mejor actor. Hubo una ligera transformación física, pero sobre todo, un gran trabajo actoral para ir más allá de los éxitos de Charles y ahondar en sus luchas personales contra la ceguera y las drogas. En su banda sonora se incluyeron las canciones más famosas de Charles, lo cual fue bien recibido por los espectadores. Este murió sólo unos meses antes de que la película estrenara, por lo que ver su vida en pantalla fue especial. Recaudó $124 millones de dólares y recibió elogios de numerosos críticos musicales. Uno de ellos, Robert Christgau, señaló que Foxx logró “lo imposible” al conseguir casi el mismo carisma de Charles.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Johnny y June: Pasión y locura (Dir. James Mangold, 2005)
Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon se convirtieron en Johnny Cash y June Warter Cash. Su trabajo los hizo acreedores de múltiples nominaciones, e incluso ella ganó el Óscar a Mejor actriz. La película se basa en un par de autobiografías de Cash y retrata su ascenso a la fama, sus luchas personales con las adicciones, la relación que mantuvo con June Carter y su transformación espiritual. Recibió buenas críticas por su apartado musical, pero también por el trabajo de sus protagonistas y la forma en que construyen una pareja encantadora. James Mangold también fue objeto de buenas críticas por su dirección, que equilibró la carrera de Cash, el contexto social de la época y la ya mencionada historia de amor.
¿Dónde ver? Disney Plus.
La vida en rosa (Dir. Olivier Dehan, 2007)
A través de una estructura no lineal, esta producción francesa nos sumerge en la vida turbulenta y apasionante de Édith Piaf, desde su infancia (viendo cómo su abuela comandaba un burdel) hasta su ascenso a la fama mundial. Si por algo sobresalió, fue por no sólo presentar la imagen idealizada de Piaf; habló de la vulnerabilidad que la caracterizó, y los demonios internos que se hicieron presentes en varias de sus letras. Marion Cotillard realizó una interpretación tan conmovedora y precisa de Édith Piaf que prácticamente se transformó en la icónica cantante. Su voz, gestos y presencia la convirtieron en ganadora del Óscar a la Mejor actriz. En términos cinematográficos, gracias a la recreación de la época, también resulta una delicia.
¿Dónde ver? Disponible en DVD en Amazon.
Mi historia sin mí (Dir. Todd Haynes, 2007)
Sin duda, una de las biopics más particulares que se han realizado. En lugar de presentar un relato lineal de Bob Dylan, el guion lo fragmenta en seis personajes distintos, cada uno interpretado por un actor diferente (Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Marcus Carl Franklin y Ben Whishaw). Aunque arriesgada, la idea funciona y deja que cada uno de ellos construya su faceta de Dylan. Más allá de abordar los hechos biográficos “tradicionales” en este tipo de cintas, Haynes enfocó en el proceso creativo y la influencia de la música creada por Dylan. Sí, fue un fracas de taquilla, pero los críticos y el público la recibieron de major manera. Cate Blanchett fue nominada al Óscar como Mejor actriz de reparto.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Mi nombre es John Lennon (Dir. Sam Taylor-Johnson, 2010)
Aquí nos adentramos en los años de John Lennon como estudiante, un período crucial para crear una de las leyendas musicales más grandes en las últimas décadas. Taylor-Johnson muestra a Lennon como un joven rebelde, lleno de dudas y pasiones, que busca su lugar en el mundo. También nos deja conocer las canciones que inspiraron su obra, y a millones de fans en todo el mundo. La relación con su madre, la crianza de su túa Mimi, y los primeros acercamientos con la música también forman parte de este relato. Fue una plataforma para que Aaron Taylor-Johnson se diera a conocer, pues aun cuando no obtuvo grandes nominaciones o premios, los críticos reconocieron su labor.
¿Dónde ver? ViX y Pluto TV.
James Brown: El rey del soul (Dir. Tate Taylor, 2014)
Similar a lo visto en La vida en rosa, esta producción nos cuenta la historia de James Brown, pero no cronológicamente. La actuación de Chadwick Boseman fue uno de los puntos más destacados; su caracterización y voz lograron que muchos voltearan a verlo y elogiaran su preparación. Hay recreaciones de algunos espectáculos donde Brown participó, pero también se habla de cuán ambicioso fue, cómo lidió con su ego, y la relación compleja que vivió entre fama y éxito. No fue un éxito de taquilla, pero puso aún más en el radar a su protagonista y se le consideró un interesante homenaje.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Letras explícitas (Dir. F. Gary Gray, 2015)
Captar la esencia y el impacto de N.W.A., uno de los grupos de rap más influyentes de la historia, no era tarea fácil. Y menos si se quería hacer de una forma respetuosa. Por suerte, todo se conjuntó de la manera adecuada y tanto críticos como fans resultaron satisfechos. N.W.A. fue un grupo que utilizó su música como una plataforma para denunciar las injusticias sociales y la brutalidad policial. En la película, más de una escena sirvió para demostrar cómo sus temas se convirtieron en la voz de toda una generación. Fue bien recibida por su fiel representación de la realidad en Compton, California, durante los 80 y 90. O´Shea Jackson Jr. (también conocido como Ice Cube) y Dr. Dre, que formaron parte de N.W.A., estuvieron involucrados en la producción. Se convirtió en un gran éxito de taquilla.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury (Dir. Bryan Singer, 2018)
Este exitoso largometraje es, ante todo, una celebración a la música creada por una de las bandas más exitosas en la historia. La recreación de sus espectáculos y la dinámica de Queen fue algo que, de inmediato, llamó la atención. Rami Malek se metió de lleno en la piel de Freddie Mercury, ofreciendo una interpretación llena de energía, gestos y movimientos que sorprendieron a los más fans del cantante. Alternando entre el desarrollo de la banda y la vida personal de Mercury, entendemos las luchas internas de este útlimo, y cómo llevó su orientación sexual ante los ojos del mundo. Aunque se tomó algunas libertades creativas, conectó con un gran sector de la audiencia. Como muestra están sus inesperados $900 millones de dólares en la taquilla mundial.
Rocketman (Dir. Dexter Fletcher, 2019)
La vida de Elton John no podía ser contada de forma convencional, y vaya que Dexter Fletcher, en conjunto con el guionista Lee Hall, entendió la misión. A diferencia de otras biopics que tienden a suavizar los aspectos más controvertidos de la vida de sus protagonistas, Rocketman aborda de frente las adicciones, las inseguridades y los desafíos que Elton John enfrentó a lo largo de su carrera. Es, en esencia, la historia de un hombre que intentó todo sólo para conseguir el amor y aprobación de su madre. El talento de Taron Egerton ayudó a las escenas musicales, con coreografías, movimientos de cámaras y voces espectaculares. Una oda a la música de su protagonista, que durante años buscó su lugar en medio de extravagancias, desamores y hasta traiciones.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Judy (Dir. Rupert Goold, 2019)
En este largometraje, que convirtió a Renée Zellweger en ganadora del Óscar a la Mejor actriz, vemos los últimos años de vida de Judy Garland mientras se encontraba en una gira por Londres. Vemos a la estrella, sí, pero mejor aún, conocemos a una mujer luchando contra sus demonios personales, la adicción y la presión de seguir siendo la estrella que el público espera. Esta cinta va más allá de las leyendas en decadencia y nos enseña cómo la salud mental juega un papel importante en ellas. Sin duda, lo más destacado de la película es la actuación de Zellweger. Su transformación física y vocal, así como la forma de evocar la nostalgia en algunas escenas, es digna de mención.
¿Dónde ver? Prime Video.
Elvis (Dir. Baz Luhrmann, 2022)
Austin Butler, quien interpreta a Elvis Presley, fue ampliamente elogiado por su actuación. No sólo se refugió en el maquillaje y peinado para llevar su personaje a buen término, sino que también estudió al llamado “Rey del Rock”, e incluso vivió (y habló) como él durante un largo tiempo. El estilo de su director está presente en todas las escenas, y ofrece una experiencia llena de color, música y edición desenfrenada. Elvis profundiza un poco más en la relación del cantante con su representante, el coronel Tom Parker, y gracias a ello tenemos otra visión sobre su carrera. El trabajo de Austin Butler a la hora de reinterpretar algunas canciones es más que sorprendente.
¿Dónde ver? Max.
Weird: La historia de Al Yankovic (Dir. Eric Appel, 2022)
Como en el caso de Elton John, no había otra forma de contar la vida de “Weird Al Yankovic” que con una comedia fuera de serie. El cantante, músico y humorista estadounidense es famoso por sus parodias musicales, en las cuales satiriza la cultura pop, a sí mismo, o incluso a los artistas originales. Con esta personalidad como base, la película decide parodiar los clichés y tropos comunes de las biopics musicales. Daniel Radcliffe celebra la excentricidad de “Weird Al” con una interpretación muy divertida, y en la que desaparece por completo. Además de homenajear a Yankovic y su obra, esta película celebra la locura, la creatividad en cada uno de nosotros, y lo bien que se siente reír de uno mismo.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Pharrell Williams: Pieza por pieza (Dir. Morgan Neville, 2024)
Si de propuestas originales hablamos, no podemos dejar de lado esta interpretación de la vida de Pharrell Williams, pero utilizando piezas de Lego. La decisión no sólo permite un aspecto visual único, sino también hacer una referencia a la creatividad e imaginación que han caracterizado a Williams. Hay algunos elementos de documental en varias escenas, como entrevistas que mezclan el live-action con la animación, pero también canciones icónicas que sirven para revivir la carrera del protagonista. Lejos de la fama, también se habla sobre la vida personal de Williams, qué o quiénes lo han influenciado, y hasta sus reflexiones sobre el estatus actual de la industria musical.
¿Dónde ver? Próximamente disponible en plataformas digitales.
Un completo desconocido (Dir. James Mangold, 2025)
Ambientada en los años 60, refleja un período crucial en la carrera de Bob Dylan, cuando decidió electrificar su música y desafiar las convenciones del folk. La actuación de Timothée Chalamet como Dylan fue elogiada no sólo por el parecido físico, sino también por su habilidad para el canto. Técnicamente hay una sólida recreación de la época, y la narrativa aprovecha para hablar de importantes cambios sociales ocurridos al mismo tiempo que la fama de Bob Dylan. Además de Chalamet, vemos la a participación de actores como Monica Barbaro (interpretando a Joan Baez) , Elle Faning (dando vida a Sylvie Russo) Edward Norton (como Pete Seeger), quienes complementan un periodo decisivo para que Dylan se convirtiera en semejante leyenda. Consiguió 8 nominaciones a los Óscar de 2025.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
Maria Callas (Dir. Pablo Larraín, 2024)
Tras contar las vidas de Jackie Kennedy y la Princesa Diana, el realizador chileno cerró su trilogía de “mujeres poderosas” con este relato sobre Maria Callas, la exitosa cantante de ópera que se convirtió en todo un referente. Con Angelina Jolie como protagonista, el guion se se centra en los últimos años de vida de Callas en París, mientras lidia con enfermedades y se refugia en el cariño y respeto de quienes trabajan en su casa. Hay flashbacks a su infancia, los primeros amores, e incluso aquellos hombres que marcaron su vida. Se trata de una mirada íntima y conmovedora hacia una mujer que, incluso en sus últimos minutos, encontró la felicidad gracias al canto y la admiración que recibía por este. Uno de los trabajos más espectaculares en la carrera de Jolie.
¿Dónde ver? 20 de febrero de 2025 en cines de México.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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Estrreno, trailer y entrevista del coming-of-age con Isaac Cherem y Aksel Gomez| Cine PREMIERE
Déjame estar contigo es una producción mexicana en la que Bruno y Lucía, un par de adolescentes con toda la inexperiencia del mundo y nada de tiempo restante, deciden aventurarse en la mágica experiencia humana que es querer a alguien y dejarse querer por ese alguien.
¿De qué trata Déjame estar contigo?
Bruno es un joven de 18 años que es deportado de Estados Unidos a México sin conocer nada ni a nadie. Lucía es una universitaria de 19 años con una enfermedad incurable. Sus caminos se cruzan cuando Bruno, trabajando en un call-center, llama a Lucía, quien le pide ayuda con una situación urgente.
En esta llamada encontrarán empatía, esperanza y mariposas en el estómago provocadas por alguien a quien todavía no conocen. Cuando lo hacen, tendrán que decidir cómo enfrentar sus sentimientos por el otro.
¿Quiénes están detrás de Déjame estar contigo?
Esta montaña rusa de emociones está escrita por Fernanda Eguiarte (La flor más bella) y dirigida por Isaac Cherem (Leona), quien nos compartió en entrevista para Cine PREMIERE que ella “es una persona muy tierna, entonces siento que ella ve así las relaciones”, además de que la inspiración para tomar este proyecto fue “mi experiencia personal de transición a la adultez, que tengo muy presente, que fue muy importante, que fue muy intensa y que, además, fue mientras me mudaba la Ciudad de México. Entonces era como un poco lo que vive el personaje de Bruno”.
En las sillas de producción tenemos a José Nacif Gobera (La caída), Marco Polo Constandse (Casi el paraíso), Catalina Aguilar Mastretta (Cindy, la regia: la serie) y Mariana Rodríguez Cabarga (Temporada de huracanes) a través de Filmadora; mientras que Fernanda Eguiarte y Ramiro Ruiz (Somos oro) se enmarcan como productores ejecutivos. La cinta está distribuida por Videocine.
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El elenco detrás de Déjame estar contigo
Aksel Gómez hace su debut fílmico en esta cinta, quien también nos contó en entrevista que encontró muchas similitudes con su personaje, a tal punto que sentía que estaba predestinado. Como Bruno, él también ha vivido toda su vida en Estados Unidos, lo que ayuda muy poco en su habla del español, sin embargo, aunque al principio podemos detectar cierto acento que lo delata, para el final su pronunciación tiene una notoria mejoría.
Al respecto, dijo que todo fue cuestión de “práctica, también, hablando con Andrea y con el crew. Y también hice una playlist de canciones de puro español, y las cantaba en la mañana antes de ir al set para que se me aflojara la lengua”. En esta misma conversación, Isaac preguntó cómo se comunicaba con sus papás, a lo que Aksel respondió que utilizaba el inglés, el español y el spanglish: “Como mi papá no es de Estados Unidos, es de México también, con él hablo mucho español; y con mi mamá es mayormente en inglés, pero sí, a veces le hablo en español también”.
A su lado, también protagonizando, se encuentra Andrea Sutton (The Gigantes), uniéndoseles Silvia Navarro (Papá o mamá), Johanna Murillo (La liberación) y Regina Blandón (Firma aquí).
¿Cuándo estrena Déjame estar contigo?
Este coming of age llega a las salas de cine mexicanas a partir del 30 de enero de 2025.
Póster oficial
Trailer oficial de Déjame estar contigo
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Yessica R. Viais Vivo creyendo que no se trata de lo que ves en la pantalla, sino de lo que te hace sentir, y mí me gusta mucho sentir. I’m just a girl… jaja
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Como ha sucedido en los últimos años, la fuerza interpretativa de las mujeres ha dejado espectaculares resultados. Hace unos meses, dos leyendas de la industria (Angelina Jolie y Nicole Kidman) parecían inamovibles entre las nominadas al Óscar 2025 como Mejor actriz, pero las últimas semanas han dado un gran giro a la competencia. Contendientes internacionales, películas exitosas y otros premios han hecho que la categoría sea una de las más difíciles para predecir. Y no nos malentiendan, eso se agradece.
Considerando los resultados de la temporada de premios, la narrativa alrededor de esta, e incluso los discursos, a continuación te presentamos nuestra predicción de la actriz que se alzará con la estatuilla más codiciada de la industria cinematográfica.
Revisa aquí la lista completa de nominaciones y nuestro análisis (con predicciones) por categoría.
Demi Moore – La sustancia (Predicción CP)
Tras años de ausencia, Demi Moore demostró que no sólo tiene el talento para protagonizar una cinta arriesgada, sino también las agallas para retarse a sí misma. Si los momentos más “extraños” en La sustancia funcionan (y vaya que hay muchos) es gracias a ella, que además ya tiene en la bolsa el Globo de Oro. Es díficil imaginar a otra actriz que pudiera interpretar a Elisabeth Sparkle con tanta dignidad y precisión.
A favor: Una poderosa narrativa muy similar a la que se ve en la película. Su discurso de agradecimiento en los Globos de Oro hizo que el mundo volteara a verla. Por otro lado, la Academia ama los regresos como este… y a los actores ocultos tras grandes capas de maquillaje.
En contra: El poco amor que los votantes han dado al terror / thriller, o a películas con una temática e imágenes igual de sangrientas. Mikey Madison también representa una gran amenaza.
Mikey Madison – Anora
La historia de una trabajadora sexual que sucumbe ante el amor hizo que esta joven actriz consiguiera el reconocimiento mundial. Los fans de Scream y Había una vez… en Hollywood ya la conocían, pero ahora fue el turno de la industria para ponerla en la cima. Como en el caso anterior, no habría una Anora tan aclamada de no ser por Madison.
A favor: Una película constante en nominaciones para otros premios. Madison ha conseguido todas las nominaciones de los premios precursores y carga, totalmente, con el peso de la cinta. Para quienes no la conocían, es toda una revelación.
En contra: El contenido sexual de la cinta podría alejar a algunos votantes. Se trata, también, de una actriz que “apenas” tiene 25 años. Muchos podrían considerar que, con su talento y edad, no batallará en conseguir otra nominaciones y galardones en el futuro.
Cynthia Erivo – Wicked
Después de una larga carrera en el teatro y algunos papeles en la pantalla grande (no todos igual de exitosos), la británica consiguió uno de los personajes más aclamados en 2024: Elphaba. La historia no contada de la bruja verde nos recordó su increíble talento vocal, pero también el rango que tiene para ir de la felicidad al coraje en sólo instantes.
A favor: Una película más que complaciente. La gran mayoría de los que ven Wicked resultan fascinados por su historia y mitología. Por otro lado, la cinta cierra con su interpretación de Defying Gravity, donde entrega todo de sí y crea momentos memorables. Tampoco se ha quedado fuera de las nominaciones más importantes.
En contra: Hay una competencia brutal por parte de Madison y Moore, y si hay una actuación de Wicked que será premiada por la Academia, esa pinta para ser la de Ariana Grande como Glinda. No todo está perdido, pues podría competir el próximo año gracias a Wicked: For Good, y a la canción que coescribió para la película.
Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez
Más de una década atrás disfrutamos de su talento en Nosotros los Nobles, e incluso hace un par de años participó en un programa de cocina mexicano. Hoy, Karla Sofía Gascón llega a la contienda con un premio de Cannes y múltiples marcas en otras ceremonias, pero sobre todo, con una seguridad impresionante. Hay muchas cosas cuestionables en la película donde participa, pero si alguien cumple con lo que se le pide, es ella.
A favor: Una película adorada por la crítica internacional. Si los votantes extranjeros apoyan una actuación, muy probablemente sea esta. Al ser la primera actriz trans nominada a un Óscar, también arrastra consigo una importante narrativa. Su triunfo, por muchas razones, sería un momento histórico.
En contra: Las dudas sobre su rol en la película. Esta lleva el nombre de su personaje como título, pero muchos la consideran una interpretación secundaria y ven a Zoe Saldaña como la verdadera protagonista y es ella quien ha recibido más elogios.
Fernanda Torres – I’m Still Here
Creció en un entorno marcado por el arte. Su madre, Fernanda Montenegro, es considerada una de las actrices brasileñas más importantes de la historia, y ahora es su turno para continuar con el legado. Las buenas críticas a su trabajo y el apoyo de fans y críticos internacionales parecen coincidir en una cosa: “lo que bien se aprende, nunca se olvida”. Es considerada una gran figura en el arte contemporáneo brasileño.
A favor: Una sorpresiva victoria en los Globos de Oro, donde venció a actrices con mayor renombre. Su película, desde entonces, ha debutado con éxito en otros países y ha generado más conversación a su alrededor. Es una carrera muy abierta, y si los votantes internacionales deciden apoyarla, podría repetir la sorpresa. Además, que su película contienda al premio máximo no se debe ignorar.
En contra: Prácticamente todos los premios precursores han ignorado su trabajo. No estuvo presente en los Critics Choice Awards, SAG o BAFTA, y por ello, se puede considerar que la nominación es su verdadero triunfo.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
ues de anuncios individuales.
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