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Neal Scanlan y Kevin Jenkins comparan el trabajo de Rian Johnson y J.J. Abrams

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Neal Scanlan y Kevin Jenkins son dos de las personas encargadas del look & feel de la nueva trilogía de Star Wars. Scanlan es el supervisor creativo de criaturas y efectos especiales de maquillaje. Él supervisó la creación de todos los droides y criaturas que vemos realizados de manera práctica, desde BB-8 hasta Babu Frik.

Jenkins, por su parte, fue director de arte de The Force Awakens y The Last Jedi, y en The Rise of Skywalker participó por primera vez como codiseñador de producción. Hablamos con ellos sobre su trabajo en la franquicia ahora que la saga Skywalker llegó a su fin con The Rise of Skywalker, específicamente sobre cómo comparan los estilos de Rian Johnson y J.J. Abrams.

Neal, ¿qué tan diferente fue trabajar en The Rise of Skywalker comparado con The Force Awakens y The Last Jedi?

Neal Scanlan: Es esencialmente lo mismo cada vez, en el sentido de que el departamento de efectos de criaturas se encarga de partes específicas de la película. Pero siempre será diferente, porque diferentes directores siempre tendrán ideas nuevas o nuevas cosas que quieran intentar. Siempre hacen cada trabajo demandante y desafiante. Creo que J.J. [Abrams] esta vez, al haber trabajado cercanamente con el equipo en The Force Awakens, se acercó a la película con confianza, cómodo con la gente con la que estaba trabajando. Se enfrentó a muchos desafíos esta vez y se elevó a la altura de esos desafíos.

Kevin, ¿cómo comparas la estética de The Rise of Skywalker con la de The Last Jedi y The Force Awakens?

Kevin Jenkins: Diría que fue una evolución, porque trabajé en las tres secuelas. De cierta forma fue tomar y seguir con lo que hice en The Last Jedi, realmente fue el mismo proceso de pensamiento. Porque la trilogía de secuelas tiene el mismo look retro que empezamos en The Force Awakens y fue básicamente continuar eso. Al estar en las dos películas previas, fue sólo hacer más. Así que no fue una decisión consciente diseñar la estética de la película, ya estaba ahí, yo sólo la estaba continuando.

¿Cómo balancean la visión de los diferentes directores como Rian Johnson y J.J. Abrams para que se sienta coherente con el universo de Star Wars?

NS: Pienso que cada director trae un ángulo para la película. Una parte muy importante de mi trabajo en la producción y de los artistas conceptuales que trabajan conmigo es tratar de conocer a la persona creativa que es el director y la forma en la que ellos ven a Star Wars, porque al final eso es lo que nos va ayudar a crear su mundo. Y al mismo tiempo, estamos guiándolos con base en nuestra experiencia previa. La primera vez que trabajamos con J.J. todos estábamos aprendiendo mucho, todos estábamos tratando de encontrar el mundo de Star Wars. Luego vino Rogue One y obviamente el trabajo con Rian Johnson. Nos volvimos más competentes y confiados de que entendimos lo que Star Wars era, la Star Wars de George Lucas, y ya pudimos acomodar específicamente la ambición de cada director. La meta cada vez es ser responsables, dar al director lo más posible y hacer realidad su visión.

KJ: Es interesante, porque obviamente en The Force Awakens, J.J. fue fundamental para hacer el look de la trilogía de secuelas. Pero al trabajar con él en ese momento y luego en el Episodio IX, obviamente trabajé de cerca con J.J. en todos los diseños y la forma en la que se sienten los espacios, pero en cuanto a los detalles de lo que es Star Wars, esa es mi área de expertise y J.J. estuvo feliz de que yo lo desarrollara en los sets. Obviamente J.J. se involucraba e iba a los sets y veía los dibujos, pero en realidad mis discusiones conceptuales con J.J. eran sobre cómo queríamos que los lugares fueran para cada espacio, para que reflejaran el viaje de los personajes. Así que en lugar de que fuera algo específico de Star Wars, era más sobre cómo debería ser cada color específico, o el tema de cada habitación, espacio, edificio o nave.

Kevin, ¿qué fue diferente de trabajar con J.J. Abrams y con Rian Johnson? ¿Cómo comparas ambos estilos de dirigir?

KJ: Dos personas muy diferentes con dos estilos muy diferentes, pero ambos tienen exactamente la misma pasión. Ambos son fans enormes de Star Wars. Los amo a ambos por razones completamente diferentes. Dos de los cineastas más inteligentes y apasionados con los que he trabajado. Trabajaría de nuevo con cualquiera de los dos sin pensarlo. No puedo decir suficiente sobre su pasión por el cine y por Star Wars. Básicamente todas las personas trabajando en estas películas son fans de Star Wars, pero especialmente J.J. y especialmente Rian. Trabajar con J.J. es… de nuevo, hace que la producción sea un lugar brillante para trabajar. Es una de las personas más creativas que he conocido.

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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes

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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?

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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.

A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos

Casino Royale y el renacer del espía moderno

Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.

La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.

Rounders, el lado más humano del póker

Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.

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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.

Peaky Blinders y el negocio detrás del juego

Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.

Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.

El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo

Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.

Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.

Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.

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Un vínculo que sigue evolucionando

Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.

Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.

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