‘The Bends’ de Radiohead

The Bends de Radiohead llegó en 1995, tras la caída del grunge y en el apogeo del britpop. Y aunque algunos intentaron encasillarlo dentro de esta última etiqueta, el tiempo ha sacado de ahí a este disco. Porque al final, qué pereza estar metiendo todo en una misma bolsa.

En medio de todo eso, este llegó como un verdadero material de rock alternativo ajeno a las estructuras pop que las bandas contemporáneas que dominaban el panorama británico utilizaban. Era distorsionado y disonante, absolutamente melancólico, pesimista, distópico y oscuro… Pero también había ‘ternura triste’ en temas como “High and Dry” o “Fake Plastic Trees”.

Este álbum era ajeno a todo lo que Radiohead detestó luego de que alcanzaron el éxito con “Creep”… Y para muchos, The Bends fue el reinicio de la banda tras un disco debut como Pablo Honey que pasó mayormente desapercibido, de no ser por su hit más conocido.

‘Mellon Collie and The Infinite Sadness’ de Smashing Pumpkins

“I’m in love with my sadness” dice un verso de la canción “Zero”. Resulta curiosamente contradictorio decir que estamos enamorados de nuestra tristeza, pero esa frase en ese track es la esencia total de Mellon Collie and The Infinite Sadness de Smashing Pumpkins.

Si tuviéramos que definirlo, sería como una exploración de la tristeza, de la melancolía, de ‘bajoneo’ como un elemento natural de la condición humana. Y lo genial es que la banda nos explica todo ello a través de una versatilidad musical impresionante.

Hay canciones agresivas y siniestras como la propia “Zero”, Jellybelly” o “Bullet with Butterfly Wings”… Pero igual, hay otras más suaves y extrañamente inspiradoras como “Tonight, Tonight” o “1979”. Porque al final, también hay matices distintos en sentirse triste.

Si bien Billy Corgan dijo alguna vez que su objetivo era capturar el espíritu de la época y que es un disco imperfecto, la realidad es que es el trabajo más ambicioso que Samshing Pumpkins hayan trabajado la banda jamás.

Empezando porque luego de dos discos producidos con Butch Vig, en Mellon Collie decidieron probar nuevas técnicas de producción junto a Alan Moulder (Ride, My Bloody Valentine, Nine Inch Nails) y Flood (Nick Cave, New Order, Depeche Mode).

Además, este material tiene más de dos horas de duración, haciéndolo una experiencia maratónica pero increíble, todo en un disco que no podemos creer que cumplirá 30 años en este 2025.

‘Post’ de Björk’

El art-pop moderno y la música bailable experimental con letra, le deben mucho a Björk en su etapa del disco Post, un material que llevó al siguiente nivel lo que la islandesa venía haciendo desde su primer álbum.

Bien se sabe que luego de alcanzar un éxito mediano con The Sugarcubes, Björk sintió la necesidad de experimentar en algo que no fuera completamente rock. De hecho, si era posible, habría que deshacerse de todos esos estereotipos de la música de guitarra como la única que tiene un valor importante.

Así que, después de unos pocos años de vivir en Londres, se fascinó con la electrónica y sus estilos diversos. Pero no la música de club genérica para bailar mientras a lo ‘punchis punchis’ ni el dance pop madonnesco… Sino aquello más experimental, menos tradicional.

El trip-hop, la electrónica industrial, la música jungle… La escena electrónica underground de Londres se convirtió en la influencia definitiva para Björk. Y para poder concretar todo lo que necesitaba, se rodeó de grandes productores y compositores como Nelle Hopper de The Wild Bunch (el proyecto que luego se convertiría en Massive Attack) Tricky de Massive Attack y Graham Massey de 808 State, entre otros.

Por supuesto, no se deshizo por completo de los arreglos y composiciones orgánicas. Y eso es uno de los valores más grandes de Post: la perfecta combinación entre la música electrónica y aquella hecha con instrumentos orgánicos.

Todo lo que es este disco en concepto, se mantiene en Björk a día de hoy. Porque ella sigue haciendo música experimental, poco convencional, acompañada de artistas distintos en estilo (un día colaboras con Thom Yorke y otro con Arca o Rosalía) sin importar nada.

‘Exit Planet Dust’ de The Chemical Brothers

En un gran artículo de Stereogum para celebrar el disco, el periodista Tom Breihan describe a la perfección Exit Planet Dust de The Chemical Brothers como uno de los discos de los 90 que allanó el camino para que el público más a fin al rock, pudiera escuchar electrónica sin sentirse culpables (o algo así).

¿De dónde viene esa descripción? Bueno, Breihan menciona que este es una especie de disco de rock psicodélico compuesto como un rave instrumental. A algunos les puede parecer una locura, pero una vez que lo escuchas de nuevo, de inicio a fin, te das cuenta de que es así.

Exit Planet Dust, aunque es su disco debut, provocó que The Chemical Brothers se cambiaran el nombre (antes eran Dust Brothers y su antiguo nombre es referenciado en el título del álbum). Y si Björk había logrado combinar la electrónica underground con composiciones instrumentales, Ed Simmons y Tom Rowlands lograron algo similar, pero con música rock más en forma de la mano de llamado big beat y un techno más ‘fiestero’.

Además, los ChemBros demostraron con maestría lo que es utilizar samples en canciones de forma sutil sin abusar de la composición de donde se toman esas muestras. En este discazo, hay samples de Kraftwerk, Beastie Boys, Dead Can Dance y más… qué combinación, eh.

El disco homónimo de Garbage

El disco debut de Garbage llegó casi de la nada. Y es que solo hay que recordar que la banda, aún sin el nombre que les conocemos. y sin Shirley Manson como vocalista, se tardó en asentar debido a los diferentes compromisos de Butch Vig y compañía como productores.

Luego, la llegada de Shirley se dio también casi de forma fortuita ya que ella, antes de 1995, estuvo haciendo lo suyo en bandas como Goodbye Mr Mackenzie y Angelfish que nunca cosecharon un éxito demoledor ni mucho menos.

Y todo se dio medio trompicado. Steve Marker, guitarrista de Garbage, vio en la televisión una tocada de Angelfish y de inmediato la banda pidió que localizaran a la vocalista. Shirley, que no creía que el productor de Nevermind de Nirvana (Butch Vig) la estuviera buscando, al final accedió a asistir a una audición, la cual fue todo menos buena.

Es decir, Garbage no podía avanzar ni nada por el estilo, esto mientras Shirley continuaba con su gira por Estados Unidos a lado de Angelfish. Pero esta banda se disolvió una vez que terminaron ese tour y ahí fue cuando a Shirley se le ocurrió pedir una segunda audición ya que, a pesar de no haber logrado entrar en la primera, había hecho buena amistad con Marker Vig.

Al final, Manson entró y de inmediato empezaron a componer lo que sería el disco debut homónimo de Garbage, uno que surgió para revitalizar el rock alternativo estadounidense tras la caída del grunge.

Un par de joyas latinas en los discos que cumplen 30 años

‘Sueño Stereo’ de Soda Stereo

El último disco de estudio de Soda Stereo y es también la prueba de que uno puede decir adiós en lo más alto… Y claro, es otro ejemplo de esta capacidad enorme que tenía la banda para reinventarse constantemente.

Sueño Stereo estaba pensado como un álbum doble, lo que hubiera sido una maravilla en su momento, pero pues por cosas de las disqueras no se hizo así. Y aún con eso, hay mucha maestría en este material que brilló no solo por el obvio genio de los integrantes, sino de su producción trabajada a detalle.

La experimentación con arreglos electrónicos, referencias que recuerdan a The Beatles (según la visión de Cerati) y la maravillosa producción en la que igual participó Clive Goddard (ingeniero que mezcló álbumes de Paul McCartney, INXS y Happy Mondays), son solo algunos de los detalles que hacen de este disco único.

Resulta curioso cómo Sueño Stereo es comúnmente designado como uno de los mejores discos del rock latino de todos los tiempos. Porque, la verdad, escoger un disco de Soda Stereo para ello es una tarea casi imposible.

‘Rey azúcar’ de Los Fabulosos Cadillacs

Hubo un momento en el que el rock latinoamericano (y en especial el rollo del alterlatino) empezó a hacer gran ruido en el ámbito internacional, al menos para leyendas de la música anglo. Eso pasó a mediados de los 90 con discos como Rey azúcar de Los Fabulosos Cadillacs.

Y es que no todos tienen la fortuna de que Chris Frantz y Tina Weymouth de Talking Heads te produzcan un disco. Y después, que Mick Jones de The Clash (una banda que influenció enormemente a LFB) o Debbie Harry de Blondie colaboren en canciones como “Mal bicho” o el cover a “Strawberry Fields Forever” de The Beatles.

Según cuenta Chris en una entrevista con Revista Factum, todo se dio gracias que Thomas Cookman, manager de Los Fabulosos, lo llamó con la propuesta de producir el álbum. El ex Talking Heads no estaba seguro porque, de inicio, él y Tina no hablaban español… pero Cookman insistió en que vieran a la banda en un concierto en Puerto Rico.

Frantz voló, vio a la banda y no la pensó dos veces para aceptar la propuesta de producir el disco que, eventualmente, también sería uno de los discos con mayor carga política del legendario grupo liderado por Vicentico. ¿Pueden creer que este disco cumple 30 años en 2025?

Menciones honoríficas de discos que cumplen 30 años en 2025

Adrenaline de Deftones

Tragic Kingdom de No Doubt

To Bring You My Love de PJ Harvey

El disco debut homónimo de Foo Fighters

A Northern Soul de The Verve

I Should Coco de Supergrass

El disco debut homónimo de Elastica

Amor chiquito de Fobia

La espada y la pared de Los Tres

El dorado de Aterciopelados

A Typical and Autoctonal Venezuelan Dance Band de Los Amigos Invisibles

Jagged Little Pill de Alanis Morissette

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En pocas palabras, Lambrini Girls le tiran parejo a todo a través de letras que, si bien, tienen un tono divertido y sarcástico, nos invitan a reflexionar sobre lo que están diciendo en cada canción. A esto le suman melodías potentes y distorsionadas que sin lugar a dudas, amplifican por completo lo que tratan de comunicar.

Lambrini Girls fomentan un espacio seguro para las chicas y la comunidad queer

Otra de las cosas que hacen de Lambrini Girls un proyecto único es la responsabilidad que tienen con sus fans. Más allá de usar la música como una plataforma para hablar a favor de las mujeres y la comunidad queer, están comprometidas en que estos sectores se sientan seguras y representadas en sus conciertos.

Para que se den una idea de cómo está el asunto, Phoebe Lunny declaró a NME que durante un concierto en Brighton, mientras estaba en el escenario, una chica se le acercó para decirle que un sujeto entre el público la había agredido. Sin embargo, la vocalista de la agrupación no se quedó con las manos cruzadas y tomó cartas en el asunto, pidiendo que sacaran al agresor de su show.

“Esta chica se me acercó justo antes de que la gente estuviera a punto de hacer un mosh y me susurró al oído que un tipo le había agarrado el trasero. Yo les dije: ‘¡Que todo el mundo se detenga!’. Y llamé a un guardia de seguridad y le dije: ‘¡Él, fuera, ahora!’. Y él simplemente sacó a rastras a este tipo. Fue una locura”.

“Queremos que las personas sepan que, si su abusador entra, literalmente las agarraremos por la nuca y las sacaremos. Ese fue el principal incentivo para crear la banda”.

Look Up es un disco de un género puro, que no pretende ampliar los horizontes musicales o desafiar las convenciones, y ese es su gran acierto. Estamos ante un “Cowboy Ringo” que reclutó a un equipo excepcional, y por eso el disco suena de manera impecable.

Al concentrarse en el country, Ringo y T Bone se apegan a las reglas del género y las ejecutan a la perfección. Está todo el cliché del country representado, con violines campiranos, armónicas y guitarras limpias de efectos.

A sus 84 años, Ringo se aventó un disco country que dialoga con las invitadas cantando, sobre amor y en menor medida sobre el término de alguna relación. Lucen muchísimo las guitarras en rolas como “Can You Hear Me Call” y “Breathless”, una de las colaboraciones de Billy Strings en el disco.