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¿Por qué debes escuchar a Lambrini Girls, la banda favorita de Iggy Pop?
Lo que necesitas saber:
Lambrini Girls es una banda que les volará la cabeza con sus letras directas y riffs pesados. Aquí les contamos por qué deben escucharlas.
El punk es un género que, por más que pasa el tiempo, no desaparece. En parte porque muchas bandas y artistas lo ven como una herramienta eficaz y directa para hablar de cosas incómodas y molestas tanto del mundo como la sociedad en general. Y vaya que en la actualidad tenemos representantes interesantes de dicho sonido e ideología, entre ellas Lambrini Girls.
Este dúo originario de Brighton, Reino Unido, conformado por Phoebe Lunny en la voz y guitarra, y Lilly Maceria en el bajo, nació como un proyecto en pandemia. Rápidamente se colocó como uno de los proyectos más interesantes de la escena independiente británica y no es para menos, si con un par de años lograron impactar a muchos con sus mensajes crudos, ácidos y honestos acompañados de buenos guitarrazos.
Lambrini Girls es una de las bandas más interesantes de la actualidad y acá les contamos por qué deben escucharlas
Con tan solo un EP y un álbum de estudio, Lambrini Girls han logrado presentarse en festivales importantes, como SXSW en Estados Unidos así como Glastonbury y Reading & Leeds en su país natal. Gracias a su energía sobre el escenario y sus canciones poderosas, se han ganado fans del tamaño de Iggy Pop e incluso han salido teloneras de bandas que nos encantan como IDLES.
Pero, ¿por qué trae tanto hype este proyecto? ¿Qué es lo que hace especiales o diferentes a las demás agrupaciones que también tocan punk en el Reino Unido? Bueno, pues no se preocupen que acá les contaremos por qué deben escuchar y la razón por la que han hecho tanto ruido en la escena británica.
Una banda que no tiene “pelos en la lengua”
De entrada, como ya lo mencionábamos antes, las integrantes de Lambrini Girls se han caracterizado por tomar el punk y el rock como armas para hablar de las cosas que les molestan y odian a su alrededor. Y vaya que han dejado claro que no tienen miedo de decir lo que sienten y piensan como va, sobre todo cuando se trata de señalar las cosas malas de la sociedad e incluso de la escena en la que se desarrollaron.
Ejemplos hay muchos, en su primer EP, You’re Welcome, vienen canciones como “Boys in the Band” (que habla sobre el comportamiento abusivo en los foros de conciertos), “Terf Wars” (donde critican al sector del feminismo radical que tiene actitudes de transfobia) o “White Van” (en la que se quejan del comportamiento machista de cierta parte de la población del Reino Unido).
Como verán, las integrantes de Lambrini Girls no tienen “pelos en la lengua” ni tampoco miedo de tocar temas que para algunos podrían resultar desagradables. Gracias a eso y la recomendación de “boca en boca” de quienes las veían en vivo, Phoebe y Lilly comenzaron a llamar la atención del público –sobre todo de las chicas que buscaban una banda punk que les hablara dentro de esta nueva ola británica–.
Sin embargo, en su álbum debut, Who Let The Dogs Out, llevaron su discurso al siguiente nivel. Lo decimos porque en este disco encontramos rolas que critican la corrupción y la brutalidad policial (“Bad Apple”), los trastornos alimenticios y los estándares de belleza (“Nothing Tastes as Good as It Feels”), la homofobia que sigue dentro de muchas personas (“No Homo”), el machismo tóxico (“Big Dick Energy”), la xenofobia radical (“You’re Not From Around Here”), el acoso laboral (“Company Culture”) e incluso la idea que tenemos del amor (“Love”).
En pocas palabras, Lambrini Girls le tiran parejo a todo a través de letras que, si bien, tienen un tono divertido y sarcástico, nos invitan a reflexionar sobre lo que están diciendo en cada canción. A esto le suman melodías potentes y distorsionadas que sin lugar a dudas, amplifican por completo lo que tratan de comunicar.
Lambrini Girls fomentan un espacio seguro para las chicas y la comunidad queer
Otra de las cosas que hacen de Lambrini Girls un proyecto único es la responsabilidad que tienen con sus fans. Más allá de usar la música como una plataforma para hablar a favor de las mujeres y la comunidad queer, están comprometidas en que estos sectores se sientan seguras y representadas en sus conciertos.
Para que se den una idea de cómo está el asunto, Phoebe Lunny declaró a NME que durante un concierto en Brighton, mientras estaba en el escenario, una chica se le acercó para decirle que un sujeto entre el público la había agredido. Sin embargo, la vocalista de la agrupación no se quedó con las manos cruzadas y tomó cartas en el asunto, pidiendo que sacaran al agresor de su show.
“Esta chica se me acercó justo antes de que la gente estuviera a punto de hacer un mosh y me susurró al oído que un tipo le había agarrado el trasero. Yo les dije: ‘¡Que todo el mundo se detenga!’. Y llamé a un guardia de seguridad y le dije: ‘¡Él, fuera, ahora!’. Y él simplemente sacó a rastras a este tipo. Fue una locura”.
“Queremos que las personas sepan que, si su abusador entra, literalmente las agarraremos por la nuca y las sacaremos. Ese fue el principal incentivo para crear la banda”.
A la vez, Lambrini Girls también han dejado claro su apoyo a la comunidad queer. Ya mencionamos rolas como “Terf Wars” o “No Homo”, en las que exponen el odio y los comentarios que lamentablemente enfrentar las personas LGBTQ+ a lo largo de su vida por el simple hecho de hacer públicas sus preferencias. Pero las propias integrantes han hablado sobre su experiencia e incluso una de ellas “salió del closet” con una rola.
Resulta que en una presentación en el Brighton Dome en 2020, antes de comenzar a tocar “Help Me I’m Gay“, Phoebe Lunny decidió confesarle a su madre –quien estaba en el público– que era gay, un tema del cual no había hablado con su familia. Y aunque su mamá reaccionó de la mejor manera (porque en palabras de la cantante, ella es una “persona normal”), dejaron claro que en sus shows, las personas queer son más que bienvenidas y tienen un espacio para expresarse y ser como son.
Así que si ustedes andaban buscando un proyecto que además de armar un buen moshpit y traer mensajes importantes, se preocupe por el bienestar de sus fans y darles voz en sus canciones, definitivamente deben entrarle a la propuesta de Lambrini Girls.
Siempre dan presentaciones únicas y poderosas
Dicen que una banda no es realmente buena si no tienen un gran show en vivo. Y si algo esta clarísimo es que uno de los fuertes de la propuesta que trae Lambrini Girls son sus conciertos, donde logran que quienes las ven sobre el escenario sientan toda la furia, irreverencia y vibra que transmiten en sus canciones.
Tanto Phoebe Lunny como Lilly Maceria son unas verdaderas rifadas cuando se trata de presentarse frente al público, pues además de prenderlos y electrizarlos con su actitud descarada y rolas poderosas, se ve que realmente están sintiendo lo que están gritando y tocando. De verdad, es uno de los actos que queremos ver pronto en México, porque se nota que ambas ofrecen una experiencia única.
Iggy Pop es el fan número 1 de Lambrini Girls
Si todo esto de plano no les ha convencido de escuchar a Lambrini Girls, entonces deberían hacerle caso a ni más ni menos que Iggy Pop. Y es que desde hace algunos años, en el programa que tiene en BBC 6 Music, esta leyenda de la música ha puesto regularmente la música de la banda británica, que siempre ha defendido a los proyectos independientes e incluso con temáticas queer.
Pero eso no es todo. En 2023, Iggy invitó a la agrupación a tocar en en Dog Day Afternoon, el festival que él mismo organiza en el Crystal Palace Park de Londres donde compartieron cartel con el propio cantante de “The Passenger” y artistazos del tamaño de Blondie, Billy Idol y Buzzcocks. Así que como verán, ya se están codeando con nombres muy grandes del punk y de la industria musical en general.
Además de ser la “nueva banda favorita” de Iggy Pop, Lambrini Girls también han tenido chance de abrir conciertos para IDLES en el Reino Unido, otra banda británica que vino para refrescar y transformar el punk rock en la actualidad. Esto demuestra la importancia, hype y emoción que han generado Phoebe Lunny y Lilly Maceria en cuestión de unos cuantos años, quienes son un proyecto incómodo pero necesario para hablar de esas cosas que están mal no solo en su país, sino en gran parte del mundo.
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Hoy arrancan la novena edición del México Y2K International Live Looping Festival, el cual culminará el 24 de mayo. El evento, organizado por BACKUP producción+apoyo y Casa Avis Raris y en coproducción con la Secretaría de Cultura de Jalisco, reunirá a más de 30 artistas de países como Estados Unidos, Francia, Argentina, Bolivia y México, quienes explorarán los límites del sonido a través de la técnica del livelooping.
El livelooping consiste en grabar y reproducir fragmentos sonoros de manera inmediata, mediante dispositivos especializados (loopers) o software, creando capas rítmicas y melódicas que construyen arreglos complejos.
En Guadalajara, las sedes principales serán: el Exconvento del Carmen, el Edificio Arróniz y el Teatro Alarife Martín Casillas, con entrada libre a todas las actividades.
El festival, fundado en 2001 por el estadounidense Rick Walker -quien participará activamente en esta edición-, ha expandido su alcance a más de 60 ciudades en 20 países, consolidándose como un referente para músicos que transforman objetos cotidianos y tecnología en composiciones en tiempo real.
Uno de los momentos más relevantes será el estreno mundial de obras para orquesta y medios electrónicos, compuestas por el jalisciense Marcos Rayas e interpretadas por la Orquesta Típica de Jalisco, dirigida por René Eduardo Nuño Guzmán, el miércoles 21 de mayo en el Teatro Alarife Martín Casillas. Este concierto marcará un hito al ser el primero en su género que integra una formación orquestal en vivo con tecnología de looping.
Cabe señalar que entre los participantes destacan proyectos como: Korima (México), que fusiona jarana, percusión y electrónica; Claudia Arellano (voz/jazz fusión), y Delirium Tremens (ambient experimental).
Además, el festival también busca fortalecer la escena local con artistas como: Francisco Penilla (bajo experimental), Ángel Mirón (multinstrumentista) y Ahuate (guitarra y voz), quienes demostrarán la diversidad de propuestas mexicanas.
Con el respaldo de la Secretaría de Cultura de Jalisco, el México Y2K International Live Looping Festival se consolida no sólo como un espacio de vanguardia sonora, sino como un catalizador de innovación artística que fusiona tradición y tecnología.
Agéndalo
Degustaciones sonoras: improvisación
Hoy. Ágora del Ex Convento del Carmen, en Av. Juárez 612, Zona Centro.
- 11:00 horas: Rick Walker / Jijo del Mais. (México / EUA).
- 11:30 horas: Meloman·Trip / Luis Bolio (México).
- 12:00 horas: Kass-k-velita / James Sidlo (México / EUA).
- 12:30 horas: Ahuate / Kanahuaxtli (México).
- 13:00 horas: Violoncheloops / Francisco Penilla (México).
- 13:30 horas: H.M Project / Angel Mirón (México).
Entrada libre.
Concierto en el Arroniz
Martes 20. Edificio Arroniz, en Calle Ignacio Zaragoza 224, Zona Centro.
- 18:00 horas: Korima. Jarana, percusión, electrónica / Fusión (México).
- 18:30 horas: Francisco Penilla. Bajo / Experimental (México).
- 19:00 horas: H.M Project. Guitarra / Fusión (México).
- 19:30 horas: Harám. Voz y arpa / Fusión (México).
- 20:00 horas: Meloman·Trip. Electrónica (México).
- 20:30 horas: Claudia Arellano. Voz / Jazz fusión (México).
Entrada libre.
Concierto CIAN y Orquesta Típica de Jalisco
Miércoles 21. Estreno mundial: Obras para orquesta y medios electrónicos, bajo la batuta del maestro René Eduardo Nuño Guzmán. Compositor Marcos Rayas.
19:00 horas: Teatro Alarife Martín Casillas, en Av. Prol. Alcalde 1351, Miraflores.
Entrada libre.
Noche Experimental
Jueves 22. Sala Higinio Ruvalcaba del Exconvento del Carmen, en Av. Juárez 612, Zona Centro.
- 19:00 horas: Delirium Tremens. Guitarra / Ambient Experimental (México).
- 19:30 horas: Evasor. Electrónica / Ambient Experimental (México). Newbie.
- 20:00 horas: Ahuate. Guitarra y voz / Experimental (México).
- 20:30 horas: Ángel Mirón. Multiinstrumentista / Experimental (México).
Entrada libre.
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David Bowie no solo fue un músico prolífico, sino un innovador constante que redefinió los límites de la música popular a lo largo de cinco décadas. Su obra, caracterizada por la transformación estética y sonora, hizo de su figura un paradigma ecléctico, capaz de anticipar y moldear las corrientes culturales modernas.
En este marco, identificar su “mejor” álbum requiere no solo evaluar la calidad musical, sino también su aporte conceptual, su influencia y su relevancia histórica.
En términos de impacto y cohesión artística, “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” (1972) es frecuentemente señalado como la cúspide de su carrera.
https://www.youtube.com/watch?v=videoseries 
Este álbum representa la síntesis de varias fuerzas creativas: la teatralidad del glam rock, la narrativa conceptual y la exploración de temas como la alienación, la fama y la decadencia. Bowie construyó no solo una colección de canciones, sino un universo ficcional articulado a través de un personaje —Ziggy Stardust— que funcionaba como metáfora y alter ego.
La manera en que integró la música, la imagen y la narrativa anticipó lo que décadas después sería conocido como transmedia o storytelling multimedia.
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Musicalmente, Ziggy Stardust logra equilibrar accesibilidad melódica con sofisticación compositiva. Canciones como “Starman” y “Suffragette City” combinan ganchos pop con una producción cuidada y arreglos que, sin ser excesivos, enriquecen la experiencia auditiva.
La guitarra de Mick Ronson —esencial en la sonoridad del álbum—, aporta un filo roquero que contrasta con las letras introspectivas y teatrales. Este equilibrio permitió a Bowie conectar tanto con el público masivo como con audiencias más vanguardistas.
Sin embargo, desde una perspectiva puramente experimental, otros álbumes como “Low” (1977) o “Blackstar” (2016) podrían reclamar el título de su obra más innovadora. Low, con su fusión de krautrock, electrónica y estructuras fragmentadas, redefinió el panorama del rock experimental y anticipó movimientos como la música industrial y el post-punk.
Blackstar, por su parte, es un testamento artístico que, en su última etapa de vida, integró el jazz contemporáneo con una visión lúgubre y poética sobre la mortalidad.
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Aun así, Ziggy Stardust sobresale por su capacidad de amalgamar lo conceptual, lo musical y lo performático en un producto cultural total, cuya influencia sigue vigente. No solo elevó los estándares de lo que podía ser un álbum de rock, sino que transformó la relación entre artista y personaje, entre música e identidad. Su éxito radica en su doble logro: ser una obra accesible y popular, sin renunciar a la profundidad conceptual y la innovación formal.
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars representa el momento en que su arte alcanzó una síntesis perfecta entre experimentación y comunicación masiva, cimentando su lugar como un ícono cultural de alcance global.
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Reviven en redes un video de Luis R Conriquez estrenado hace un año en donde aparece Valeria Márquez, la influencer asesinada el pasado 13 de mayo dentro de un salón de belleza en Zapopan.
El asesinato se registró alrededor de las 18:30 horas al interior de una estética situada en la Avenida Servidor Público, en la colonia Real del Carmen.
Según los primeros reportes, la joven se encontraba en su negocio cuando un hombre ingresó al establecimiento y, presuntamente, le disparó con un arma de fuego, causándole la muerte.
Por medio de YouTube, el cantante Luis R. Conriquez junto a Brian Santin compartieron su canción “Koenigsegg“, donde apareció la modelo Valeria Márquez en el clip musical.
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Este tema musical es un corrido que exalta el lujo, la velocidad y el poder asociados con los automóviles deportivos de alta gama. El título hace referencia a la marca sueca Koenigsegg, reconocida por fabricar algunos de los vehículos más exclusivos y rápidos del mundo.
La canción también refleja el estilo de vida ostentoso y la sensación de libertad que se asocia con la posesión de estos vehículos, convirtiéndolos en símbolos de estatus y poder.
Aunado a ello, en la grabación se aprecia a la influencer lucir un vestido negro, mientras permanece de pie frente a un vehículo deportivo color amarillo.
El video cuenta con 3.5 millones de reproducciones y más de 43 mil “likes”. Recientemente, en la sección de comentarios se pueden leer condolencias por la muerte de Valeria Márquez.
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