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10 discos que cumplen 30 años en el 2025

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Lo que necesitas saber:

Desde Blur y Pulp hasta Smashing Pumpkins y Oasis, acá repasamos algunos álbumes que salieron en 1995 y que cumplirán 30 años.

¿No les ha pasado que sienten que la década de los 90 no está tan lejana como parece? Y de repente, viene el trancazo de realidad cuando nos damos cuenta que prácticamente son tres décadas desde entonces. Por eso, nos pone nostálgicos recordar estos discos que cumplen 30 años en el 2025.

10 discos que cumplen 30 años en el 2025
Imagen ilustrativa. Foto: Especial Sopitas.com

10 discos que cumplen 30 años

Además, si se trata de los 90, hablamos de una época que nos entregó muchos álbumes que marcaron la historia en ámbitos como el britpop, el rock alternativo anglo, el rock en español y más. Así que démosle a un repaso de 10 discos de 1995 que estarán cumpliendo 30 años en este entrante 2025.

‘(What’s The Story) Morning Glory?’ de Oasis

Este disco no solo es un estandarte del britpop, sino que confirmó a Oasis como una de las bandas más importantes de la época tras el éxito de Definitely Maybe…. con todo y que al inicio recibió críticas bastante mixtas.

Pero el éxito comercial y la aclamación universal no tardaron en venir, elevando a los hermanos Gallagher al estatus de superestrellas. Curiosamente, fue el álbum que surgió en medio de la ‘Batalla del Britpop’ (contra Blur) gracias al sencillo “Roll with It”, aunque esta es una de las canciones sumamente memorables del disco.

discos que cumplen 30 años
Portada del (What’s The Story) Morning Glory? de Oasis Foto: Oasis

Aún así, Morning Glory, que en los rankings de fans constantemente pelea el puesto como el mejor disco de Oasis, tiene varias de las canciones más emblemáticas y conocidas de la banda: “Some Might Say”, “Champagne Supernova”, “Wonderwall” como la balada que los lanzó al estrellato mundial absoluto, y “Don’t Look Back In Anger” como esa pieza única de tintes legendarios que se ha convertido en su himno por excelencia.

No por nada, esta última canción ha trascendido la propia cultura de Manchester y el Reino Unido en general, elevándose a la calidad de clásico para entonar en algunos eventos deportivos como los partidos del Manchester City, o como un himno de resiliencia y unidad como fue tras los atentados terroristas en aquella ciudad en 2017.

Sin este disco, no se entendería el legado de Oasis… Y como el propio Noel Gallagher diría en una entrevista de 1995: “el primer álbum trata sobre soñar con ser una estrella en una banda… Morning Glory se trata sobre ser realmente una estrella en una banda.

‘The Great Escape’ de Blur

Y en el otro lado ‘Batalla del Britpop’, estaba Blur con The Great Escape, un disco que reafirmó el éxito que el grupo liderado por Damon Albarn luego de sus primeros dos álbumes… aunque no fue precisamente muy fácil de llevar a cabo.

Para ese momento, la banda ya era un fenómeno masivo en el Reino Unido casi al grado del acoso, ya sabes, de esas veces que los fans están afuera de la casa de los artistas. “Damon era la cara más famosa del país y no podía comprar una botella de jugo sin causar sensación”, decía el bajista Alex James en su biografía Bit Of a Blur (vía Dig!).

El agobio de la fama, según se dice, había hecho a Damon empatizar con Kurt Cobain de Nirvana, quien constantemente expresaba su desencanto por la fama y quien tan solo un año antes se había quitado la vida. Aquí la historia.

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Foto: Parlophone Records/Warner Music

Un poco de ello inspiró canciones como “Country House”, misma que también encontraba encontraba inspiración en otra anécdota curiosa. De nuevo, Alex James dijo alguna vez que este sencillo se escribió a manera de broma luego de que David Balfe, dueño de Food Records (donde Blur estaban firmados), vendió su disquera a EMI.

Con las ganancias, Balfe compró una casa de campo –de ahí vendría el título de dicha canción– para alejarse de todo ese círculo mediático, prácticamente retirándose de la industria musical.

La retirada de David, el boom de la fama de Blur y otros factores fueron la base para componer The Great Escape, título que hace referencia a esa sensación de querer escapar, aunque sea por un momento, de todo ese momento de locura en medio del Cool Britannia y demás.

Y de paso, nos entregó más canciones memorables como “Charmless Man”, “The Universal”, “It Could Be You”, “Dan Abnormal”, entre otras.

‘Different Class’ de Pulp

Además de los dos anteriores, también tuvimos en 1995 otra joya británica de la talla del Different Class de Pulp. Y fue un detonante importante en la carrera de la banda.

Su primero disco lo lanzaron en 1983, pero tuvo que pasar más de una década para que la banda liderada por Jarvis Cocker recibiera una atención mediática importante.

Lo habían conseguido más o menos con el disco His n’ Hers, pero fue Different Class el álbum que los puso en el ojo del panorama britpop… aún cuando ellos preferían no identificarse en ese concepto que era más una etiqueta mediática que un verdadero movimiento cultural.

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Portada de ‘Different Class’. Foto: Island Records/Universal Music

Y mientras Oasis y Blur eran enfrascados mediáticamente en una pelea hasta absurda, Pulp se encargaba de llevar a la mesa un tema importante: la división de clases en el Reino Unido, vista en un disco desde la perspectiva de aquellos que viven la vida cotidiana e incluso a través de la sátira.

La narrativa es destacada en ese sentido, con un Jarvis Cocker vuelto un genio de la lírica en canciones como “Common People”, la más conocida del disco. Como menciona la BBC, el sencillo se inspiró en una chica griega adinerada que el vocalista conocía…. Y ella, a manera de ‘turista de clase’, quería probar la vida en los barrios de clase media baja de Hackney.

“Common People” era una manera sutil pero perfecta de criticar a aquellos que buscaban dárselas de auténticos y originales romantizando a las clases trabajadoras menos favorecidas. Y esa solo era una de las tantas canciones que ponía énfasis en la división británica de clases. Como dijimos, una joya absoluta.

‘The Bends’ de Radiohead

The Bends de Radiohead llegó en 1995, tras la caída del grunge y en el apogeo del britpop. Y aunque algunos intentaron encasillarlo dentro de esta última etiqueta, el tiempo ha sacado de ahí a este disco. Porque al final, qué pereza estar metiendo todo en una misma bolsa.

En medio de todo eso, este llegó como un verdadero material de rock alternativo ajeno a las estructuras pop que las bandas contemporáneas que dominaban el panorama británico utilizaban. Era distorsionado y disonante, absolutamente melancólico, pesimista, distópico y oscuro… Pero también había ‘ternura triste’ en temas como “High and Dry” o “Fake Plastic Trees”.

Este álbum era ajeno a todo lo que Radiohead detestó luego de que alcanzaron el éxito con “Creep”… Y para muchos, The Bends fue el reinicio de la banda tras un disco debut como Pablo Honey que pasó mayormente desapercibido, de no ser por su hit más conocido.

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Portada de ‘The Bends’. Foto: Parlophone.

‘Mellon Collie and The Infinite Sadness’ de Smashing Pumpkins

“I’m in love with my sadness” dice un verso de la canción “Zero”. Resulta curiosamente contradictorio decir que estamos enamorados de nuestra tristeza, pero esa frase en ese track es la esencia total de Mellon Collie and The Infinite Sadness de Smashing Pumpkins.

Si tuviéramos que definirlo, sería como una exploración de la tristeza, de la melancolía, de ‘bajoneo’ como un elemento natural de la condición humana. Y lo genial es que la banda nos explica todo ello a través de una versatilidad musical impresionante.

Hay canciones agresivas y siniestras como la propia “Zero”, Jellybelly” o “Bullet with Butterfly Wings”… Pero igual, hay otras más suaves y extrañamente inspiradoras como “Tonight, Tonight” o “1979”. Porque al final, también hay matices distintos en sentirse triste.

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Portada de ‘Mellon Collie and the Infinite Sadness’. Foto: Virgin/Universal Music.

Si bien Billy Corgan dijo alguna vez que su objetivo era capturar el espíritu de la época y que es un disco imperfecto, la realidad es que es el trabajo más ambicioso que Samshing Pumpkins hayan trabajado la banda jamás.

Empezando porque luego de dos discos producidos con Butch Vig, en Mellon Collie decidieron probar nuevas técnicas de producción junto a Alan Moulder (Ride, My Bloody Valentine, Nine Inch Nails) y Flood (Nick Cave, New Order, Depeche Mode).

Además, este material tiene más de dos horas de duración, haciéndolo una experiencia maratónica pero increíble, todo en un disco que no podemos creer que cumplirá 30 años en este 2025.

‘Post’ de Björk’

El art-pop moderno y la música bailable experimental con letra, le deben mucho a Björk en su etapa del disco Post, un material que llevó al siguiente nivel lo que la islandesa venía haciendo desde su primer álbum.

Bien se sabe que luego de alcanzar un éxito mediano con The Sugarcubes, Björk sintió la necesidad de experimentar en algo que no fuera completamente rock. De hecho, si era posible, habría que deshacerse de todos esos estereotipos de la música de guitarra como la única que tiene un valor importante.

Así que, después de unos pocos años de vivir en Londres, se fascinó con la electrónica y sus estilos diversos. Pero no la música de club genérica para bailar mientras a lo ‘punchis punchis’ ni el dance pop madonnesco… Sino aquello más experimental, menos tradicional.

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Portada de ‘Post’. Foto: Universal Music.

El trip-hop, la electrónica industrial, la música jungle… La escena electrónica underground de Londres se convirtió en la influencia definitiva para Björk. Y para poder concretar todo lo que necesitaba, se rodeó de grandes productores y compositores como Nelle Hopper de The Wild Bunch (el proyecto que luego se convertiría en Massive Attack) Tricky de Massive Attack y Graham Massey de 808 State, entre otros.

Por supuesto, no se deshizo por completo de los arreglos y composiciones orgánicas. Y eso es uno de los valores más grandes de Post: la perfecta combinación entre la música electrónica y aquella hecha con instrumentos orgánicos.

Todo lo que es este disco en concepto, se mantiene en Björk a día de hoy. Porque ella sigue haciendo música experimental, poco convencional, acompañada de artistas distintos en estilo (un día colaboras con Thom Yorke y otro con Arca o Rosalía) sin importar nada.

‘Exit Planet Dust’ de The Chemical Brothers

En un gran artículo de Stereogum para celebrar el disco, el periodista Tom Breihan describe a la perfección Exit Planet Dust de The Chemical Brothers como uno de los discos de los 90 que allanó el camino para que el público más a fin al rock, pudiera escuchar electrónica sin sentirse culpables (o algo así).

¿De dónde viene esa descripción? Bueno, Breihan menciona que este es una especie de disco de rock psicodélico compuesto como un rave instrumental. A algunos les puede parecer una locura, pero una vez que lo escuchas de nuevo, de inicio a fin, te das cuenta de que es así.

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Portada de ‘Exit Planet Dust’. Foto: Universal Music.

Exit Planet Dust, aunque es su disco debut, provocó que The Chemical Brothers se cambiaran el nombre (antes eran Dust Brothers y su antiguo nombre es referenciado en el título del álbum). Y si Björk había logrado combinar la electrónica underground con composiciones instrumentales, Ed Simmons y Tom Rowlands lograron algo similar, pero con música rock más en forma de la mano de llamado big beat y un techno más ‘fiestero’.

Además, los ChemBros demostraron con maestría lo que es utilizar samples en canciones de forma sutil sin abusar de la composición de donde se toman esas muestras. En este discazo, hay samples de Kraftwerk, Beastie Boys, Dead Can Dance y más… qué combinación, eh.

El disco homónimo de Garbage

El disco debut de Garbage llegó casi de la nada. Y es que solo hay que recordar que la banda, aún sin el nombre que les conocemos. y sin Shirley Manson como vocalista, se tardó en asentar debido a los diferentes compromisos de Butch Vig y compañía como productores.

Luego, la llegada de Shirley se dio también casi de forma fortuita ya que ella, antes de 1995, estuvo haciendo lo suyo en bandas como Goodbye Mr Mackenzie y Angelfish que nunca cosecharon un éxito demoledor ni mucho menos.

Y todo se dio medio trompicado. Steve Marker, guitarrista de Garbage, vio en la televisión una tocada de Angelfish y de inmediato la banda pidió que localizaran a la vocalista. Shirley, que no creía que el productor de Nevermind de Nirvana (Butch Vig) la estuviera buscando, al final accedió a asistir a una audición, la cual fue todo menos buena.

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Portada del disco debut de Garbage. Foto: Universal Music.

Es decir, Garbage no podía avanzar ni nada por el estilo, esto mientras Shirley continuaba con su gira por Estados Unidos a lado de Angelfish. Pero esta banda se disolvió una vez que terminaron ese tour y ahí fue cuando a Shirley se le ocurrió pedir una segunda audición ya que, a pesar de no haber logrado entrar en la primera, había hecho buena amistad con Marker Vig.

Al final, Manson entró y de inmediato empezaron a componer lo que sería el disco debut homónimo de Garbage, uno que surgió para revitalizar el rock alternativo estadounidense tras la caída del grunge.

Un par de joyas latinas en los discos que cumplen 30 años

‘Sueño Stereo’ de Soda Stereo

El último disco de estudio de Soda Stereo y es también la prueba de que uno puede decir adiós en lo más alto… Y claro, es otro ejemplo de esta capacidad enorme que tenía la banda para reinventarse constantemente.

Sueño Stereo estaba pensado como un álbum doble, lo que hubiera sido una maravilla en su momento, pero pues por cosas de las disqueras no se hizo así. Y aún con eso, hay mucha maestría en este material que brilló no solo por el obvio genio de los integrantes, sino de su producción trabajada a detalle.

La experimentación con arreglos electrónicos, referencias que recuerdan a The Beatles (según la visión de Cerati) y la maravillosa producción en la que igual participó Clive Goddard (ingeniero que mezcló álbumes de Paul McCartney, INXS y Happy Mondays), son solo algunos de los detalles que hacen de este disco único.

Resulta curioso cómo Sueño Stereo es comúnmente designado como uno de los mejores discos del rock latino de todos los tiempos. Porque, la verdad, escoger un disco de Soda Stereo para ello es una tarea casi imposible.

‘Rey azúcar’ de Los Fabulosos Cadillacs

Hubo un momento en el que el rock latinoamericano (y en especial el rollo del alterlatino) empezó a hacer gran ruido en el ámbito internacional, al menos para leyendas de la música anglo. Eso pasó a mediados de los 90 con discos como Rey azúcar de Los Fabulosos Cadillacs.

Y es que no todos tienen la fortuna de que Chris Frantz y Tina Weymouth de Talking Heads te produzcan un disco. Y después, que Mick Jones de The Clash (una banda que influenció enormemente a LFB) o Debbie Harry de Blondie colaboren en canciones como “Mal bicho” o el cover a “Strawberry Fields Forever” de The Beatles.

Según cuenta Chris en una entrevista con Revista Factum, todo se dio gracias que Thomas Cookman, manager de Los Fabulosos, lo llamó con la propuesta de producir el álbum. El ex Talking Heads no estaba seguro porque, de inicio, él y Tina no hablaban español… pero Cookman insistió en que vieran a la banda en un concierto en Puerto Rico.

Frantz voló, vio a la banda y no la pensó dos veces para aceptar la propuesta de producir el disco que, eventualmente, también sería uno de los discos con mayor carga política del legendario grupo liderado por Vicentico. ¿Pueden creer que este disco cumple 30 años en 2025?

Menciones honoríficas de discos que cumplen 30 años en 2025

Adrenaline de Deftones

Tragic Kingdom de No Doubt

To Bring You My Love de PJ Harvey

El disco debut homónimo de Foo Fighters

A Northern Soul de The Verve

I Should Coco de Supergrass

El disco debut homónimo de Elastica

Amor chiquito de Fobia

La espada y la pared de Los Tres

El dorado de Aterciopelados

A Typical and Autoctonal Venezuelan Dance Band de Los Amigos Invisibles

Jagged Little Pill de Alanis Morissette

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Repasemos la importancia y el legado de Paquita la del Barrio

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Lo que necesitas saber:

Paquita la del Barrio marcó un antes y después para las mujeres en la música regional mexicana. Por acá repasemos su legado y relevancia.

Dentro de la música regional mexicana, hay varias figuras que han logrado trascender la prueba del tiempo, convirtiéndose en ídolos y modelos a seguir para las nuevas generaciones. Y a pesar de que son pocas las voces femeninas en este género, hay ejemplos que nos recuerdan la importancia de tener ese contrapeso dentro del mismo, como el de Paquita la del Barrio.

Definitivamente, Paquita es una de las artistas más importantes que ha dado la música ranchera. Sin embargo, lejos de continuar con el camino que otras cantantes de este estilo marcaron en el pasado, ella decidió hacer uno propio que la convirtió en un ícono al cantar sobre sus triunfos y fracasos en el amor, y criticar al machismo. Pero, ¿cuál es el legado que deja y su relevancia para la música de nuestro país?

Murió Paquita la del Barrio a los 74 años de edad
Foto: Cuartoscuro

Paquita la del Barrio y su historia personal que la llevó a la música

La vida de Paquita la del Barrio no fue fácil e influyó muchísimo para el camino que tomaría su carrera musical, y para entenderla necesitamos contexto. A pesar de demostrar su talento para cantar desde muy pequeña, Francisca Vivero Barradas –como en realidad se llamaba– tuvo que dejar su pasión para trabajar en el Registro Civil de su pueblo, Alto Lucero, Veracruz.

En ese lugar conoció al que sería su primer esposo, quien era más grande que ella y con el que tuvo dos hijos. Después de sufrir abusos y descubrir que tenía otra familia, Paquita –quien evidentemente estaba frustrada y cansada de esta situación– abandona a su marido y deja encargados a sus hijos con su mamá para perseguir su sueño: convertirse en cantante.

Murió Paquita la del Barrio a los 74 años de edad
FOTO: SÁSHENKA GUTIÉRREZ/CUARTOSCURO.COM

Para eso, Paquita la del Barrio se mudó a la Ciudad de México en 1979, llegando a vivir con su hermana, Viola Vivero. Junto a ella formó el dueto Las Golondrinas, con el que poco a poco empezó a ganar fama cantando en restaurantes de la capital chilanga a lo largo de la década de los 80, hasta que de plano, a finales de esa década consiguió una oportunidad como solista.

En 1992 lanza su primer disco, Desquítate conmigo, donde dejó muy claro el estilo que manejaría a lo largo de su carrera: cantarle directo y sin ‘pelos en la lengua’ a los hombres. Pero más allá de enfocarse en el género masculino como tal, las letras de Paquita criticaban la cultura y actitudes machistas, las cuales se sabe que están arraigadas en nuestro país.

Murió Paquita la del Barrio a los 74 años de edad
FOTO: VICTORIA RAZO/CUARTOSCURO.COM

Paquita se convirtió en la voz de las mujeres en la música regional mexicana

Por supuesto que esto llamó la atención, sobre todo porque al inicio, Paquita la del Barrio era conocida como una cantante de música ranchera (aunque después le entró a los boleros e incluso corridos). Este estilo musical siempre se ha caracterizado por el dominio de los hombres, quienes usaron este género para hablar de sus penas y tragedias amorosas provocadas por mujeres.

Sin embargo, las mujeres también sufren mal de amores y les ha pagado mal una pareja. Y sí, antes de Paquita hubo muchísimas cantantes de rancheras que estuvieron al mismo nivel que los exponentes masculinos más grandes del género e incluso tocaron temas similares. Pero ninguna de ellas fue tan frontal, divertida y brutalmente honesta como ella para decirle “sus verdades” a los hombres.

Al principio, las canciones de Paquita la del Barrio incomodaron a algunos, sobre todo a los que “les quedaba el saco” lo que cantaba. Sin embargo, con el paso del tiempo, sus letras se fueron metiendo en el inconsciente colectivo, convirtiéndola en un verdadero ícono de la música de nuestro país, escuchada y valorada no solo por mujeres, también por hombres e incluso por otros géneros musicales.

“Tres veces te engañé”, “Me saludas a la tuya”, “Taco placero”, “Invítame a pecar” y por supuesto, “Rata de dos patas” son himnos de la cultura popular mexicana e infaltables en cualquier fiesta que se respete donde anden ahogando las penas por el desamor. Sin embargo, las rolas de Paquita llevan consigo mensajes más importantes, como su crítica al machismo y el empoderamiento femenino.

El legado de Paquita la del Barrio seguirá viviendo a través de sus canciones

Y hablando del empoderamiento, Paquita fue clave para darle valentía y voz a muchas mujeres, sobre todo al representarlas en el regional mexicano (que como ya lo mencionábamos, siempre ha tenido más representantes masculinos). Llegando a ser considerada como un símbolo de resistencia que no solo tiraba por tirar en sus canciones, sino que en ellas demostraba su misión de defender los derechos y las injusticias de las mujeres.

Gracias a su trabajo, su autenticidad y compromiso con lo que hacía, Paquita la del Barrio se llevó varios premios como el Billboard, Lo Nuestro y varias nominaciones al Grammy (uno de los poco reconocimientos que no pudo obtener a lo largo de su carrera), y se ganó apodos como ‘La Reina del Pueblo’ o ‘La Guerrillera del Bolero’, puestos por sus millones de fans.

Además de la música, Paquita incursionó en otros medios como la televisión y el cine, donde actuó o simplemente apareció ella misma, llevando su mensaje a un público más amplio. Incluso tuvo unas cuantas participaciones especiales en eventos en los que jamás imaginamos verla, como cuando estuvo en el Vive Latino con Genitallica y La Sonora Santanera, demostrando su papel como ícono de la música mexicana.

Así que como verán, se nos fue una verdadera leyenda de la cultura popular de nuestro país. Sin embargo, nos quedan sus letras inconfundibles, su voz potente y la historia de una mujer que, a pesar de las adversidades, del desamor y la violencia, logró salir adelante y usar su plataforma para abrazar y darle valor a quienes han pasado lo mismo que ella. Paquita la del Barrio vivirá para siempre a través de su legado, y seguirá empoderando e inspirando a nuevas generaciones de mujeres.

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Paquita la del Barrio: ¿Cuántas veces se casó la cantante?

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El nombre de Francisca Viveros pasa desapercibido, pero no el de Paquita la del Barrio. La cantante de música popular mexicana recobró aún más fama, luego de que este lunes 17 de febrero se diera a conocer su muerte.

Paquita la del Barrio, un ícono del desamor, despecho y de venganza contra los hombres, murió este lunes a los 77 años tras enfrentar diversas enfermedades que la obligaron a retirarse desde hace meses de los escenarios.

Francisca nació el 2 de abril de 1947 en Alto Lucero, Veracruz, donde desde pequeña trabajó en la cosecha de mangos y café para ayudar a su familia.

La pobreza marcó su infancia y adolescencia, por lo que no terminó la primaria hasta los 15 años de edad para lograr el certificado que le permitiera trabajar en el Registro Civil del Ayuntamiento.

No te pierdas: ¿Por qué Paquita la del Barrio llamó “inútil” a Bad Bunny?

En ese lugar conoció a su primer esposo, Miguel Gerardo Martínez, quien era mayor que ella por 30 años y tenía un matrimonio previo.

En la relación, la cantante vivió violencia doméstica, por lo que terminó con la unión tras siete años de relación.

De su primer matrimonio, la cantante tuvo dos hijos, pero los dejó con la madre de ella para buscar suerte junto con su hermana en Ciudad de México, a donde se mudaron en 1970 con la idea de triunfar en la música.

En medio del incipiente éxito, Viola consiguió una gira por Suramérica, pero no contemplaba a Francisca, por lo que decidió abandonar su sueño de cantar.

Te puede interesar: ¿A quién dedicó Paquita la canción “Rata de dos patas”?

Fue entonces que Francisca conoció a su segundo esposo, Alfredo Martínez, con quien también vivió violencia doméstica, pero se mantuvo con él durante 30 años pese a los maltratos e infidelidades.

Analistas creen que esa experiencia personal marcó su rumbo musical, repleto de boleros, rancheras y música popular, forjándose una imagen de alguien que cantaba al desamor, al despecho y buscaba la revancha y venganza contra los hombres.

Por ello canciones como ‘Rata de dos patas’ y frases como ‘¿Me estás oyendo inútil?’ son ahora un ícono de la cultura popular.

Revisa: La vez que Paquita la del Barrio vio a la muerte de cerca, pero “regresó”

En 1970, la cantante compró un local en la colonia (barrio) Guerrero, en el centro de la Ciudad de México, donde estableció un restaurante que por las noches ofrecía un show con un repertorio de canciones llenas de despecho y coraje hacia los hombres.

En 2006, las autoridades detuvieron a la intérprete por presunta defraudación fiscal, por lo que pagó una fianza.

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Paquita la del Barrio: Esta es su canción más icónica

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Este lunes se reportó el fallecimiento de Francisca Viveros Barradas, “Paquita la del Barrio” a los 77 años de edad.

La cantante tiene un gran repertorio musical, principalmente dedicado al desamor, sin embargo siempre hay una canción icónica, que de acuerdo con Chat GPT es sin duda “Rata de dos patas”

De acuerdo con la Inteligencia Artificial, esta canción se ha convertido en un himno de empoderamiento femenino, en la que “Paquita” expresa su desprecio hacia un hombre que la traicionó.

La letra es muy fuerte y directa, y ha sido un símbolo de lucha y resistencia para muchas personas, especialmente en el ámbito de la música ranchera. Es un tema que refleja su estilo único y su actitud desafiante hacia las injusticias.

“Rata de dos patas” se convirtió en la canción más icónica de “Paquita la del Barrio” por varias razones, destaca Chat GPT:

LEE: Fallece Paquita la del Barrio

1. Letra poderosa y directa: La canción es una especie de venganza cantada, en la que Paquita expresa su desprecio hacia un hombre que la ha lastimado. La metáfora de llamar “rata de dos patas” a la persona que traicionó a la cantante la hizo resonar con muchas mujeres que se sintieron identificadas con la letra, ya que es un mensaje claro de empoderamiento y liberación.

2. Emotividad y autenticidad: Paquita tiene una forma única de interpretar sus canciones, transmitiendo una emoción cruda que conecta profundamente con su audiencia. Su voz, llena de sentimiento y dolor, hace que la canción tenga un impacto emocional fuerte, lo que genera una conexión directa con los oyentes.

3. Desafío a las normas tradicionales: En el contexto de la música ranchera y la cultura mexicana, donde las mujeres solían ser representadas de manera más sumisa o tradicional, “Rata de dos patas” rompe con esas convenciones. Paquita la del Barrio se presenta como una mujer fuerte, que no tiene miedo de expresar su rabia y desdén hacia aquellos que la han hecho daño, algo que la hizo destacar como una figura de poder dentro del género.

Te puede interesar: La vez que Paquita la del Barrio vio a la muerte de cerca, pero “regresó”

4. Reconocimiento en la cultura popular: La canción trascendió más allá de la música ranchera y se convirtió en un himno de empoderamiento, no solo en el ámbito musical, sino también en la cultura popular. Ha sido interpretada en varios programas de televisión, películas y otros medios, lo que ha reforzado su estatus como una de las canciones más emblemáticas de “Paquita”.

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