Cine y Tv
Varda por Agnès: El adiós-bienvenida de Agnès Varda
La última película de Agnès Varda está muy lejos de ser un adiós. No está hecha para ser la última de las entradas que se enlistan de forma lineal en IMDb, ni para servir de punto final paralizante, después del cual sólo hay silencio y créditos que se van para siempre a negros. No: Varda por Agnès, el documental que la cineasta presentó antes de morir a los 90 años en marzo de 2019, es más bien una bienvenida.
Tiene sentido: el primer encuentro de la realizadora con el cine a principios de los años 50 tampoco fue un “hola” común. Una veinteañera Agnès Varda hizo su primer filme, La Pointe Courte (1954), cuando no había visto ni siquiera 10 películas, según ella misma confesó después (El ciudadano Kane era una de las pocas que conocía). Fotógrafa de profesión y con estudios en historia del arte, las pulsiones artísticas que la inclinaron a tomar la cámara cinematográfica fueron muy distintas a las de sus colegas franceses de la posguerra, quienes habían alimentado su cinefilia leyendo o admirando a los grandes señores del neorrealismo italiano: Luchino Visconti, Vittorio De Sica y Roberto Rossellini, entre otros.
“Este filme me recuerda a La Terra Trema, de Visconti”, le dijo alguna vez el editor de La Pointe Courte a Varda. Su nombre era Alain Resnais y pronto se convertiría en uno de los cineastas franceses que, junto con ella y nombres como Chris Marker, Henri Colpi y otros, formarían el llamado grupo de cineastas del “Rive gauche” (orilla de la izquierda). Representarían a un clan de artistas visuales cuyos intereses estaban más alineados al documental, a la política y, sobre todo, a la literatura. La respuesta de Agnès al comentario de su colega fue simple: “¿Quién es Visconti?”.
Puede que su ópera prima contara con elementos neorrealistas –rodaje en locación, uso de actores no profesionales, retrato de la vida cotidiana de los locales, etc.–, pero lo cierto es que Varda se había topado con el cine mientras estaba fuera del cine. Sus inspiraciones y motores se encontraban más bien en sus obsesiones literarias (William Faulkner, en especial) y, sobre todo, en su deseo de explorar aquello que hasta ese momento no había podido tocar, ni en los estudios teóricos de las imágenes ni en la foto fija: el tiempo.
“La aguda sensación del paso del tiempo, así como la erosión de los sentimientos que nos oxidan y deterioran; las humillaciones no digeridas y heridas que no han cerrado. Para las heridas del alma, la fotografía no era suficiente”, escribió ella misma en su libro Varda por Agnès, publicado en 1994 en conjunto con Cahiers du Cinema. “La fotografía me parecía ya demasiado muda. Me recordaba un poco a eso de: ‘sé bella y quédate callada’”.
Eventualmente, el cine y la fotografía fija se volverían complementarios en la vasta y muy variada filmografía de Agnès Varda: una obra siempre curiosa, jovial, definida por las inquietudes personales de una artista y no tanto por las tendencias hegemónicas de la ficción y la industria. Eso no impidió, sin embargo, que también las reinventara: La Pointe Courte, con su relato de una pareja en crisis que visita una comunidad pesquera, se le adelantó por cinco años a Francois Truffaut y a Jean-Luc Godard y se convirtió en la precursora de la Nouvelle Vague.
A partir de entonces, Varda inventaría su propia existencia creativa, haciendo uso de la actividad más revolucionaria de nuestros tiempos: el divagar, el caminar. Lo hizo fuera del cauce de su tiempo, a veces delante de él, a veces unos pasos a la izquierda. Fue la “abuela” de la Nueva Ola francesa a los 30 años, pero también la que, a los 72, corrió a comprar una cámara digital Sony en un aeropuerto de Tokio en cuanto supo de su existencia. Fue la que prefirió explorar los rostros de espigadores, pescadores y hasta de sus propios vecinos; pero también la que aventó a Robert De Niro a un estanque. Fue la artista visual que en el nuevo milenio encontró felicidad en los museos, y también la que asistió a su primera exposición en la Bienal de Venecia disfrazada de patata. Fue la cineasta radical que ganó el León de Oro en 1985, pero también la que recibió un Óscar (honorario y tardío) hasta 2017. Fue el alma joven que abrió una cuenta de Instagram a sus 90 años –a pesar de estar perdiendo la vista–, y también la que nunca hizo dinero con sus películas.
“Tengo que hacer cintas de la forma en que las siento”, le dijo a The Guardian en 2018, durante una de sus últimas entrevistas. “Nunca adapté un libro famoso, y raramente trabajo con actores famosos. Una vez tuve a Catherine Deneuve en una película llamada Les Creatures. Fue mi más grande fracaso en taquilla. No me identifico con el éxito. Recibí mi Óscar honorario con modestia y alegría. Fue interesante saber que existo como cineasta en Hollywood, aunque nunca he hecho un blockbuster”.
Siempre inquieta, difícil de encasillar y juguetona, Agnès Varda ahora nos dice adiós con un irresistible “hola”.
Las playas de Agnès
Papel picado, calaveritas de azúcar, cazuelitas de barro y un gran ramo de flores de cempasúchil adornaban la tumba de Agnès Varda y del realizador Jacques Demy –su esposo y compañero de vida durante 28 años– a inicios de noviembre de 2019. La imagen que sirvió de evidencia fue compartida en redes sociales por la hija de la realizadora, Rosalie Varda, quien acababa de regresar del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), en donde se homenajeó la filmografía de Agnès y se presentó la cinta Varda por Agnès. “Mi mamá tuvo un vínculo afectivo muy fuerte con México”, recordó Rosalie, durante de la presentación. “He viajado a los lugares que eran importantes para ella y por eso debía venir aquí”.
Fue la misma Rosalie Varda quien convenció a Agnès de hacer de su última película una suerte de clase magistral: una cátedra que documentara sus reflexiones sobre su propia filmografía, sus métodos, el cine, la imagen y el arte en general. Sin embargo, el documental-autorretrato Varda por Agnès –que tomó el mismo título del libro que publicó en 1994– está lejos de ser un producto intelectual, elitista y aleccionador. “Le dije que era importante que esta cinta también pudiera ser vista por quienes no conocían su filmografía”, nos dijo Rosalie, quien fungió como productora de las dos últimas cintas de Agnès y también como directora artística de la compañía que ésta fundara en 1975, Ciné-Tamaris.
“No es una película para los profesores, los intelectuales o los cinéfilos. Es una cinta para compartir de qué forma se construye la creatividad, como si fuera un rompecabezas”, explicó Rosalie.
En el documental, Agnès deambula, nuevamente, y se convierte en una guía cálida y generosa de su propia obra. Ahí habla sobre las inquietudes que la han definido: desde lo que considera la pesadilla de un cineasta (“una sala de cine vacía”), hasta la “cinescritura”, término que ella misma acuñó para referirse a todas las decisiones que dan forma “o escriben” a un filme: desde el diálogo, la composición y la edición, hasta la elección de actores, locaciones y música (“En la escritura se le llama ‘estilo’. En el cine es ‘cinescritura’”, señaló en su libro). Asimismo, la cineasta explora las preocupaciones estéticas detrás de sus filmes más conocidos –Cléo de 5 a 7 (1962), Sin techo ni ley (1985), Los espigadores y la espigadora (2000), Rostros y lugares (2017)–, y también de algunos que no lo han sido tanto, como Jane B. For Agnès V. (1982) o Kung-fu master! (1988).
Sobre todo, el comentario que Varda hace sobre sí misma se enfoca en lo que la volvió una referencia e inspiración, es decir, en su forma de mirar. “Es una película más bien destinada a que se comprenda un poco el arte, pero en todas sus manifestaciones”, nos comenta Rosalie. “La idea no es dar una lección o un adoctrinamiento, sino tratar de dar a los demás el deseo de mirar de otra manera. Ella era una autodidacta y siempre dijo que no porque uno tuviera estudios de cine se volvía un director. No por tener una cámara uno se vuelve fotógrafo”.
“Nada es banal si se graba con empatía y amor”, dice Varda en la pantalla, mientras le habla a la audiencia de la vez que, muy emocionada, tomó su cámara digital y la usó como una herramienta de conexión: una forma de hablar con las personas sin el peligro de asustarlas con un equipo estorboso. Para ella, entender la realidad y a los lugares –un elemento clave en su cine– sólo era posible si se entendía a las personas que los habitaban.
“Creo que estamos hechos no sólo de los lugares en donde vivimos, sino de los lugares que amamos”, expresó en el libro de 1994, pero en la cinta lo reitera de forma más poética. “Si abriéramos a las personas, encontraríamos paisajes adentro. Si me abrieran a mí, seguramente encontrarían playas”.
Reciclar para la imaginación
Sentada frente a nosotros, Rosalie Varda porta un pin en el que se alcanza a leer “50/50”, la insignia del colectivo francés que hace dos años organizó la marcha de las 82 mujeres en el festival de Cannes –liderada por Cate Blanchett y Agnés Varda–, y que tiene como objetivo luchar por una mayor representación femenina en la industria de cine francesa. “Soy parte del colectivo”, nos confiesa, tan sólo horas antes de la proyección en el FICM de Una canta, la otra no (1976), el musical que nació de las propias luchas feministas de su madre en los años 70. El filme de ficción explora la amistad de dos jóvenes, Suzanne y Pomme, quienes experimentan lo que significa ser mujer en aquellos años, atravesados por los movimientos feministas.
“Agnès hizo Una canta, la otra no después de momentos muy importantes en Francia, puesto que se obtuvo el derecho a la anticoncepción y luego el derecho al aborto gratuito en hospitales. Ella tuvo la idea de hacer esa película porque ella misma formó parte activa de todos esos movimientos”, nos comenta Rosalie, quien está consciente de que la frase que cantan los personajes en el musical –“¡Mi cuerpo me pertenece a mí!”– sigue siendo un grito de lucha en muchos países, incluido México. “Sólo se puede así, avanzar día con día. La anticoncepción nunca dejará de ser una lucha, ni la violencia, ni el aborto. Siempre habrá que estar luchando, subiendo la cuesta de los siglos”.
Como mucho del cine de Varda, Una canta, la otra no cambió el discurso: mostró a la alegría, la vitalidad, la hermandad y la risa como elementos base del feminismo, a menudo malentendido como una agresión despechada. De hecho, resulta imposible separar la vivacidad y el júbilo que siempre caracterizaron a Varda –una coleccionista entusiasta de muñecas– de sus logros revolucionarios. De su paso por la historia del arte es posible concluir que hay mucho de rebeldía en el gozo, en el juego y, sobre todo, en cierto tipo de vagabundeo. Se trata de una capacidad de deambular física, mental y creativamente para inventar una existencia nueva, fuera de los esquemas verticales, patriarcales, hegemónicos y excluyentes. “Quiero ser recordada como una cineasta que, sobre todo, disfrutaba de la vida, incluyendo el dolor”, le dijo Varda a The Guardian. “Lo que pasa en mis días –trabajar, conocer personas, escuchar– me convence de que vale la pena estar viva”.
Mantener algo vivo se convirtió eventualmente en la especialidad de Varda, pues amaba el arte de reciclar; desde las papas rechazadas en una cosecha –de donde que surgió su instalación artística Patatutopia–, hasta sus propios negativos cinematográficos, con los que fabricaba pequeñas chozas colocadas en museos. “El reciclaje trae alegría, porque todo se transforma para la imaginación”, expresa la cineasta, para quien basta con mirar de forma distinta a un objeto para comenzar a reciclarlo.
La misma Varda por Agnès tiene algo de esa magia. Así como el reciclaje no es más que la transformación de algo para otorgarle un nuevo significado, Agnès Varda recoge su última lección y la convierte en un saludo: una continuación que nos abre la puerta hacia el inicio, en un ciclo vardiano sin fin. Es como si la creadora quisiera compartirse una y otra vez con aquellos que no la conocen, invitarlos a pasar por los siglos de los siglos, con el mismo mensaje: no vas tarde, has llegado justo a tiempo.
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El Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) dio comienzo el pasado 17 de abril en el Auditorio Telmex de la ciudad tapatía. Con presencia en casi 30 sedes, la fiesta del cine más antigua de nuestro país está celebrando su edición número 41 hasta el 25 de abril. Así se vivió la inauguración del FICG 41.
El evento estuvo lleno de talento y una emotividad reflexiva ante el panorama actual de la industria. Se hizo énfasis en el futuro y lo que requerirá para seguir fortaleciendo el quehacer cinematográfico.
En la alfombra roja desfilaron personalidades como Kate del Castillo, Diana Bovio, Ana Sofía Gatica y Martín Barba. El equipo presenta en el FICG 41 Zumbido(2026), el cortometraje con el que Kate hace su debut como directora. La obra aborda un caso de violencia doméstica. También estuvieron presentes Cristo Fernández y Paloma Cinco, con su película No se requieren traducciones (2026) que participa en la selección oficial Hecho en Jalisco. Puedes ver nuestra entrevista con ellos aquí.
Asimismo, desfilaron Fernando Eimbcke, director, y Bastian Escobar, actor, de la película Moscas (2026). La reciente ganadora del Premio del Jurado Ecuménico en el Festival Internacional de Cine de Berlín, y que aquí fue seleccionada como película inaugural.
Homenajes y palabras sobre el futuro
Las figuras homenajeadas no podían faltar: Luisa Huertas, Pablo Larraín, Maite Alberdi y Edgar Ramírez. Entre muchas otras celebridades como Arcelia Ramírez, Manolo Caro y Héctor Trejo.
Durante la ceremonia, conducida por Andrés Zuno y Daniela Schmidt, se proyectaron mensajes de varias autoridades como Karla Planter Pérez (Rectora General de la Universidad de Guadalajara), Michelle Fridman (Secretaria de Turismo del Estado de Jalisco), Juan José Frangie Saade (Presidente de Zapopan) y Vero Delgadillo (Presidenta Municipal de Guadalajara). Delgadillo destacó que Guadalajara pone al cine en un lugar especial, pues es hogar para todas aquellas personas que quieran contar historias, pero también para aquellas que gustan de observarlas en pantalla.
También dieron mensaje el Presidente del Patronato del FICG, Guillermo Gómez Mata, y Estrella Araiza, Directora General del FICG. Araiza posicionó esta edición como un punto de reflexión sobre el futuro de la industria. Recalcó que el poder transformativo del cine radica en su diversidad, la cual requiere que la inclusión sean más que meras palabras, y sean acciones.
Después se recordaron algunos de los programas más recientes que se han incorporado al festival. El FICGames (que inició en la edición 39), cuyo objetivo es incentivar el desarrollo de videojuegos con elementos narrativos. O el Pitch – Género Fantástico, que acerca a creativos con distribuidores o financiadores para sacar adelante su proyecto, que desde hace poco se abre también al público en general.
La ceremonia prosiguió con la entrega de homenajes. El primero fue el Mayahuel de Plata al Cine Mexicano para Luisa Huertas (No nos moverán), quien en su discurso mencionó cómo el cine tiene el poder de plasmar la vida y fijar memoria. Pablo Larraín (Spencer), por su parte, fue acreedor al Homenaje Iberoamericano. En un emotivo gesto, el director le dedicó su premio al chofer que le fue asignado en el festival, pues aseguró que es el esfuerzo de personas voluntarias lo que mantiene funcionando festivales como este.
El Homenaje Internacional se le entregó a Maite Alberdi (El agente topo), quien aseguró que los documentales permiten conectar a las audiencias con personas desconocidas que protagonizan situaciones que de otro modo ignoraríamos. Y, finalmente, Edgar Ramírez (Manos de piedra) recibió otro Homenaje Internacional antes de dar un poderoso discurso sobre la migración en el que afirmó que nadie es ilegal, puesto que solo las circunstancias más extremas llevarían a alguien a abandonar su hogar.
La ceremonia cerró con la proyección de Moscas (2026) presentada por su talento y equipo. No sin antes recordar que el Premio Maguey está cumpliendo 15 años, convirtiéndose en “Queerciañera”. Y con un agradecimiento por parte de Daniel Laguna, Secretario Ejecutivo del Consejo del Arte y la Industria Audiovisual de Chile, por recibir a su país como Invitado de Honor en esta edición del FICG.
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Ciudad de muertos (2026) es la nueva película del director J.M. Cravioto (Autos, mota y rocanrol). En el FICG 41, la obra está nominada al Premio Mezcal. Conversamos con el director, productor (Eduardo Díaz) y parte del elenco (Jero Medina y Gustavo Sánchez) acerca de los orígenes, la producción y los temas de la película.
Enrique Metinides, el origen
Ciudad de muertos sigue la historia de Enrique (Jero Medina), un fotógrafo especializado en la nota roja. Sin proponérselo, Enrique se involucra con un agente secreto y su investigación de un asesino serial. Es entonces que la percepción del mundo de Enrique se pone a prueba. Comienza a tener visiones extrañas y una enigmática figura parece acecharlo.
La película fue construida como una “adaptación narrativa” del trabajo de Enrique Metinides, legendario fotógrafo mexicano. Su trabajo obtuvo gran reconocimiento por su enfoque único, inspirado en películas de detectives que veía de niño. Precisamente ese subgénero es lo que sirvió de inspiración para el estilo de Ciudad de muertos, que incluso está a blanco y negro:
“Es algo muy meta. Porque estamos haciendo esta película un film noir, como los que le gustaba ver a Metinides. Estamos observando los sucesos como él vería o narraría la vida, como una historia de detectives”, expresó Cravioto.
Y el proyecto tuvo su concepción de una manera bastante curiosa. Tanto Cravioto como Díaz, el productor, se encontraron con el trabajo de Metinides desde mucho tiempo atrás. Las fotografías del periodista han sido publicadas y expuestas en museos gracias a su alto valor artístico, permitiendo a más público encontrarse con ellas.
“Mi novia estaba invitada a una boda en la que yo sabía que iba a estar [Cravioto, el director]. Así que le pedí que me llevara. Cuando me lo encontré, le empecé a platicar que traía la idea de levantar un proyecto alrededor de la figura de Metinides, y lo increíble fue que él me dijo que también había estado pensando en hacer una película sobre él”, nos contó Díaz entre risas.
La manufactura de una historia
En la película se ve reflejado ese cuidado máximo por cada detalle de la fotografía, diseño de producción, vestuario y maquillaje que expresaron los involucrados. Además, la película también se valió de tecnología para transportarnos a una Ciudad de México de los años en que vivió Metinides.
Sin embargo, usar inteligencia artificial requiere de mucha conciencia. Cravioto nos explicó que la tecnología debe usarse en beneficio de la historia, para hacerla avanzar. Y el truco de que su uso sea efectivo es que la audiencia no note que la estás utilizando.
Otro aspecto que a Cravioto le interesa que se exprese en Ciudad de muertos es una narrativa quebrantada. El largometraje es un thriller psicológico en el que el protagonista comienza a navegar entre lo real y lo imposible. Así que la película, en otro momento meta más, empieza a quebrarse junto con la mente de Enrique. Aquí es donde la audiencia demostrará su capacidad para atar cabos e interpretar pistas narrativas.
Los espíritus que nos persiguen
Y claro que un cuidado tan minucioso de la producción debe ser acompañado por un trabajo actoral equiparable. Jero Medina da vida al fotógrafo Enrique, y Gustavo Sánchez a su colega “el cuervo”. Dada la naturaleza tan intensa de la historia, les preguntamos acerca de las huellas que un personaje puede dejar en su intérprete y viceversa.
“Es algo que se tiene que cuidar. No podemos permitir que cada personaje se quede con nosotros porque de otro modo seríamos perseguidos por cada uno”, aseguró Sánchez.
Y no daremos spoilers, pero esa idea de ser atormentados por nuestro trabajo está muy presente en Ciudad de muertos. De hecho, el actor confirmó esa similitud temática con sus palabras.
Por otro lado, Jero expresó lo bonito que le pareció compartir un físico similar al de Metinides. Además de que, cuando obtuvo el personaje, su padre le regaló una cámara fotográfica, tal y como le ocurrió al periodista en la vida real.
“Enrique llega a tomar sus fotografías en el momento justo en el que, si hacemos caso de la metafísica, las almas dejan el cuerpo de las personas que están muriendo. Entonces él captura esas almas en sus fotos”, reflexionó Medina durante la entrevista.
Enrique Metinides, el fin
Cravioto expresó que se siente muy contento de estar acompañado de una selección tan diversa compitiendo por el Premio Mezcal. Celebró que este FICG 41 cuente con esa diversidad de historias, estructuras y voces, pues eso es fundamental para el quehacer cinematográfico.
Ciudad de muertos encaja perfecto en esa diversidad con una propuesta que no vemos muy seguido en el cine mexicano. Un film noir que no teme explorar nuestra identidad cultural y social, siempre confiando en su audiencia para seguir el hilo. Y en un país en el que nuestra relación con la muerte se siente surreal, con un coqueteo infinito que desdibuja los límites entre el aquí y el más allá, Ciudad de muertos no podría encontrar un mejor público.
Díaz expresó su pesar de que Metinides no podrá ver el estreno del largometraje. El periodista falleció el pasado 10 de mayo del 2022, a sus 88 años. Pero luego de ser testigos de lo que se logró con la obra, estamos seguros de que no le habría decepcionado.
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Ya sea que tengas ganas de una historia emotiva, un thriller intenso o puro entretenimiento para desconectarte, los nuevos lanzamientos en la cartelera Cinemex ofrecen opciones para todos los gustos.
Aquí te contamos cuáles son las películas que llegan a la cartelera Cinemex esta semana y la siguiente. Una guía rápida para decidir qué ver, cuándo ir y no perderte los títulos más comentados del momento.
Cartelera Cinemex: estrenos del jueves 21 de mayo de 2026
- La vida es / Dir.a Lorena Villarreal / México / 2026
- Una mujer navega por las complejidades emocionales de la mediana edad mientras afronta desafíos personales y cambios inesperados en su vida. Protagonizan Paulina García y Naian González Norvind. Lee más sobre este estreno.
- Café Chairel / Dir. Fernando Barreda Luna / México / 2026
- Dos personas solitarias se cruzan mientras trabajan en una cafetería. A pesar de tener personalidades opuestas, ambas desean sacar adelante el negocio, que utilizan como vía para sanar sus heridas, aunque no sepan nada de café. Protagonizan Mauricio Isaac y Tessa Ia. Lee más sobre este estreno.
- Los colores del tiempo (La venue de l’avenir) / Dir. Cédric Klapisch / Francia, Bélgica / 2026
- La serie narra la vida de dos primos que heredan una antigua casa en la Normandía rural y siguen los pasos de sus antepasados en el París del siglo XIX.
- El pasajero del diablo (Passenger) / Dir. André Øvredal / EE. UU. / 2026
- Tras presenciar un espantoso accidente de tráfico, una joven pareja pronto se da cuenta de que no abandonaron el lugar del siniestro en paz, ya que una presencia demoníaca llamada el Pasajero no se detendrá hasta reclamarlos a ambos. Lee más sobre este estreno.
- Nada entre los dos / Dir. Juan Taratuto / Uruguay, Argentina / 2026
- Enmarcada en el contexto de una crisis empresarial, esta íntima y encantadora historia de amor explora el deseo, la elección y el frágil equilibrio entre la libertad personal y las expectativas sociales. Lee más sobre este estreno.
- Tú y yo y la Toscana (You, Me & Tuscany) / Dir.a Kat Coiro / EE. UU. / 2026
- Cuando una mujer se instala en una villa italiana deshabitada, haciéndose pasar por la prometida del propietario, descubre un romance inesperado que podría transformar su vida. Lee más sobre este estreno.
- The Mandalorian & Grogu / Dir. Jon Favreau / EE. UU. / 2026
- El malvado Imperio ha caído, pero aún quedan señores de la guerra imperiales dispersos por toda la galaxia. Mientras la incipiente Nueva República se esfuerza por proteger todo aquello por lo que luchó la Rebelión, solicitan la ayuda del legendario cazarrecompensas mandaloriano Din Djarin y su joven aprendiz Grogu. Lee más sobre este estreno.
También te podría interesar: Cartelera de Cinépolis – Estrenos de esta semana.
Cartelera Cinemex: películas que aún puedes encontrar
- Aniversario (Anniversary) / Dir. Jan Komasa / EE. UU. / 2025
- Obsesión (Obsession) / Dir. Curry Barker / EE. UU. / 2026
- Los hijos de la costa / Dir. Bruno Bancalari / México / 2026 / Documental
- Enemigo mortal (The Shadow’s Edge) / Dir. Larry Yang, China, 2026
- Un portero muy improbable (Dir. Mike R. Ortiz, México, 2026)
- No dejes a los niños solos (Dir. Emilio Portes, México, 2026)
- En la zona gris (In the Grey) / Dir. Guy Ritchie, Reino Unido, EE. UU., 2026)
- Ella y su hijo (Woman and Child / Zan O Bache, Dir. Saeed Roustayi, Irán, 2025). Lee más sobre este estreno.
- Súper Charlie (Dir. Jon Holmberg, Suecia, Dinamarca, 2025)
- Li cham (Morí) / Dir.a Ana Ts’uyeb / México / 2026 / Documental. Lee más sobre este estreno.
- Mortal Kombat 2 / Dir. Simon McQuoid / EE. UU. / 2026
- Billie Eilish – Hit Me Hard and Soft: The Tour (Live in 3D) / Dirs. Billie Eilish, James Cameron / EE. UU. / 2026
- O ultimo azul / Dir. Gabriel Mascaro / Brasil, México, Países Bajos, Chile / 2026
- Las ovejas detectives (The Sheep Detectives) / Dirs. Kyle Balda / Irlanda, Reino Unido, Alemania, EE. UU. / 2026
- Undertone / Dir. Ian Tuason / Canadá, EE. UU. / 2026
- El ritual del Nahual / Dir. Carlos Matienzo Serment / México / 2026
- El diablo viste a la moda 2 (The Devil Wears Prada 2) / Dir. David Frankel / EE. UU. / 2026
- Hokum: la maldición de la bruja (Hokum) / Dir. Damian Mc Carthy / EE. UU., Irlada, EAU / 2026
- Clika / Dir. Michael Greene / EE. UU. / 2026
- Bem, un lémur en fuga / Dir. Leopoldo Aguilar / México / 2026
- That Time I Got Reincarnated as a Slime La Película: Lágrimas del mar celeste / Dirs. Yasuhito Kikuchi, Austin Sisk / Japón / 2026
- Un toque de amor (Une pointe d’amour) / Dir. Maël Piriou / Francia / 2025
- Bluey en cines (Bluey at the Cinema: Playdates with Friends Collection) / Dirs. Varios / 2025
- El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja) / Dir. Ernesto Martínez Bucio / México / 2025
- Exit 8 / Dir. Genki Kawamura / Japón / 2026
- Michael / Dir. Antoine Fuqua / EE. UU. / 2026
- La familia del barrio: La maldición del quinto partido / Dirs. Sergio Lebrija y Ornella Antista / México / 2026
- Zona de riesgo (Fuze) / Dir. David Mackenzie / Reino Unido / 2025
- El mago del Kremlin (The Wizard of the Kremlin) / Dir. Olivier Assayas / Francia, EE. UU. / 2026
- Invocación (The Surrender) / Dir. Julia Max / Canadá, EE. UU. / 2025
- Boulevard / Dir. Sonia Méndez / España / 2026
- La posesión de la momia (Lee Cronin’s the Mummy) / Dir. Lee Cronin / EE. UU. / 2026
- Coyotes: terror en la ciudad (Coyotes) / Dir. Colin Minihan / EE. UU. / 2025
- Tú, yo y la Toscana (You, Me & Tuscany) / Dir.a Kat Coiro / EE. UU. / 2026
- Padre, madre, hermana, hermano (Father Mother Sister Brother) / Dir. Jim Jarmusch / Estados Unidos, Reino Unido, Italia, Francia, Irlanda, Alemania / 2026
- El drama (The Drama) / Dir. Kristoffer Borgli / EE.UU. / 2026
- Instinto implacable (Protector) / Dir. Adrian Grunberg / EE. UU. / 2026
- Super Mario Galaxy: la película / Dirs. Aaron Horvath, Michael Jelenic / Japón, EE. UU. / 2026
- Los extraños, capítulo 3 (The Strangers: Chapter 3) / Dir. Renny Harlin / EE. UU. / 2026 (2 de abril)
- Boda sangrienta 2 (Ready or Not 2: Here I Come) / Dirs. Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett / EE. UU. / 2026
- Proyecto fin del mundo (Project Hail Mary) / Dirs. Phil Lord, Chris Miller / EE. UU. / 2026
¿Qué llegará la próxima semana a la cartelera Cinemex (28 de mayo 2026)?
- Amarga Navidad / Dir. Pedro Almodóvar / España / 2026
- Tras la muerte de su madre en diciembre, la directora de publicidad Elsa se refugia en el trabajo para sobrellevar el duelo. Cuando un ataque de pánico le obliga a tomarse un descanso, decide viajar a Lanzarote con su amiga Patricia mientras su pareja, Bonifacio, se queda en Madrid. Entérate de más y ve el trailer aquí.
- Dolly juega conmigo (Dolly) / Dir. Rod Blackhurst / EE. UU. / 2026
- Chase y su novia, Macy, salen de excursión por el bosque cuando se topan con una figura monstruosa y descomunal que secuestra a Macy para criarla como si fuera su propia hija. Entérate de más y ve el trailer aquí.
- Zona de riesgo (Fuze) / Dir. David Mackenzie / Reino Unido / 2025
- Londres sufre una evacuación masiva tras el hallazgo de una bomba sin explotar de la Segunda Guerra Mundial en una concurrida obra en construcción. En medio de la creciente tensión y el caos, se pone en marcha una audaz operación criminal que aprovecha la evacuación como tapadera para un atraco bancario meticulosamente planeado. Mientras las autoridades luchan contrarreloj para contener la crisis, las alianzas se desdibujan y se traspasan los límites morales. Entérate de más y ve el trailer aquí.
- Backrooms / Dir. Kane Parsons / EE. UU. / 2026
- Después de que el paciente de una terapeuta desaparece en una dimensión más allá de la realidad, ella debe aventurarse en lo desconocido para salvarlo. Entérate de más y ve el trailer aquí.
- La ladrona del tiempo (The Girl Who Stole Time / Shi Jian Zhi Zi) / Dirs. Kuo Liu, Ao Yu, Tienan Zhou / China / 2025
- El despiadado asesino Shiqi conoce a Qianxiao, una chica alegre de un pueblo de pescadores, y, unidos por la misteriosa rueda del tiempo, se embarcan en un viaje romántico y fantástico en el tiempo, «deteniendo el mundo entero y volviendo atrás en el tiempo para amarte». Entérate de más y ve el trailer aquí.
- Azul oscuro, azul celeste / Dirs. Carlos Carrera y Carlos Bátiz / México / 2026 / Documental
- La historia reciente del equipo de fútbol Cruz Azul, la cooperativa cementera dueña del mismo y la maldición que los condenó a 23 años sin campeonatos, esconde la cruenta realidad de un quebranto financiero de gran escala a manos de sus directivos, que hoy enfrentan juicios por lavado de dinero y delincuencia organizada.
- Ballena asesina (Killer Whale) / Dir.a Jo-anne Brechin / Australia, EE. UU, Reino Unido / 2026
- Tras una tragedia devastadora, Trish intenta consolar a su mejor amiga, Maddie, llevándola a una aventura espectacular a una laguna privada al otro lado del mundo. Sin embargo, su apacible retiro pronto se convierte en una aterradora lucha por la supervivencia cuando una orca busca venganza por haber vivido en cautiverio.
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