El arranque de la agenda de conciertos en Guadalajara tuvo como primer capítulo la presentación de Mr. Bungle, que este jueves llegó por primera vez a la ciudad. El Teatro Estudio Cavaret fue el punto de encuentro para una audiencia que respondió desde temprano a la expectativa de ver en el mismo escenario a Mike Patton, Scott Ian, Dave Lombardo, Trey Spruance y Trevor Dunn.

La visita marcó el debut local de la formación actual del proyecto, integrada por Patton, reconocido por su trabajo en Faith No More, Fantômas y Tomahawk; Scott Ian, fundador de Anthrax; Trey Spruance; Trevor Dunn, también parte de Fantômas; y Dave Lombardo, exbaterista de Slayer. Para el grupo, se trató de una fecha singular dentro de su recorrido reciente, al ser la primera ocasión en que esta configuración tocó en Guadalajara.

Mr. Bungle se formó en la década de los ochenta, cuando Spruance, Patton y Dunn comenzaron a experimentar dentro de la escena thrash metal californiana. Desde entonces, el proyecto se caracterizó por una combinación de estilos que incorporó elementos de funk, jazz, ska y otros géneros, rasgo que quedó plasmado en sus primeros tres discos de estudio: Mr. Bungle (1991), Disco Volante (1995) y California (1999). Tras ese periodo, la banda entró en una pausa que se prolongó durante dos décadas.

El regreso se concretó en 2020 con la regrabación de su primer demo, The Raging Wrath of The Easter Bunny Demo (1986). Este material retomó el enfoque metalero de sus inicios y marcó una nueva etapa para el grupo, reforzada por la incorporación de Scott Ian y Dave Lombardo, quienes desde entonces acompañan al proyecto tanto en estudio como en directo.

La noche en Guadalajara comenzó con la participación de la banda tapatía Descartes a Kant, que abrió el concierto por solicitud expresa de Mr. Bungle. La agrupación local fue la encargada de preparar el ambiente antes del acto principal, en un gesto que subrayó el vínculo entre ambas propuestas para esta fecha.

Poco antes de las 22:00 horas, los integrantes de Mr. Bungle subieron al escenario ante un público compuesto mayoritariamente por personas mayores de 30 años. Desde los primeros minutos, la respuesta fue constante, con una audiencia atenta a cada movimiento y a los cambios que fueron marcando el desarrollo del concierto.

El repertorio, de poco más de una hora de duración, se concentró principalmente en las canciones de The Raging Wrath of The Easter Bunny Demo, el trabajo más reciente del grupo. Se trata de un material que recupera composiciones escritas cuando los integrantes tenían entre 16 y 18 años y que mantiene una orientación directa hacia el metal, a diferencia de los contrastes estilísticos que definieron otras etapas de la banda.

Aun así, el concierto también ofreció momentos que remitieron a distintas fases del proyecto. Temas como “Retrovertigo” introdujeron pasajes de sonido más contenidos, mientras que “My Ass Is on Fire” apareció combinada con fragmentos de “Funky Town”, canción lanzada originalmente por Lipps Inc. en 1979. Estas transiciones marcaron algunos de los puntos de mayor reacción del público.

El setlist incluyó además una serie de versiones que ampliaron el espectro del concierto. Entre los covers interpretados estuvieron “I’m Not in Love”, de 10cc; “State Oppression”, de Raw Power; “I Don’t Need Society”, de D.R.I.; “True”, de Spandau Ballet; y “Hopelessly Devoted to You”, tema compuesto por John Farrar. Estas elecciones formaron parte central del recorrido musical de la noche.

El cierre llegó con “Refuse/Resist”, canción original de la banda brasileña Sepultura, que puso punto final a la presentación.

Sobre el escenario, Mike Patton se mantuvo activo durante todo el concierto, alternando registros vocales y desplazamientos constantes, además de dirigirse al público en español con frases como: “Cómo están, tapatíos, esta noche todos somos hermanos”. A su lado, Scott Ian sostuvo la ejecución en la guitarra, mientras que Dave Lombardo marcó el pulso desde la batería a lo largo de toda la presentación.

La visita no pasó desapercibida para otros músicos. Entre el público se pudo observar a José Fors, vocalista de Cuca, así como a Alex González, baterista de Maná, quien asistió al concierto por su cercanía con Lombardo, quien lo invitó a la presentación.

CT

Cada 15 de enero se recuerda en México la figura del compositor y el marco institucional que sostiene su trabajo. 

La fecha remite a la fundación, en 1945, de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM), organización creada para el reconocimiento y la defensa de los derechos de autor. A partir de ese antecedente se consolidó una conmemoración que, con el paso de las décadas, ha servido para revisar la historia de la creación musical en el país, así como los mecanismos legales y colectivos que protegen a quienes escriben canciones y obras musicales.

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La celebración del Día del Compositor tuvo un proceso gradual. Aunque la SACM instituyó la conmemoración en 1965, fue hasta el 15 de enero de 1983 cuando la fecha obtuvo un reconocimiento formal a nivel nacional. En esa misma jornada se anunció la creación del Sindicato Mexicano de Autores, Compositores y Editores de Música (SMACEM), instancia orientada a la representación laboral del gremio. Desde entonces, el día se convirtió en un punto de referencia para reflexionar sobre la autoría, la propiedad intelectual y la circulación de la música.

La noción de compositor suele definirse de manera breve en los diccionarios como la persona que crea obras musicales. En la práctica, su función implica la generación de piezas originales que, al fijarse en un soporte, adquieren protección legal. En México, el autor es titular de los derechos patrimoniales y morales de su obra, lo que le permite recibir beneficios económicos derivados de su explotación comercial. Para ello, las composiciones deben registrarse ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor (Indautor), organismo dependiente de la Secretaría de Educación Pública encargado de salvaguardar los derechos autorales y de promover su conocimiento en distintos sectores.

El marco jurídico que rige esta materia se encuentra en la Ley Federal del Derecho de Autor. Esta legislación establece qué elementos son susceptibles de protección y cuáles quedan excluidos. Entre los aspectos no protegidos se encuentran las ideas en sí mismas, los métodos, los sistemas, las fórmulas, los esquemas o reglas para actos mentales, así como letras, dígitos o colores aislados, nombres y títulos cuando no presentan un grado de originalidad suficiente. La ley también delimita el uso industrial o comercial de las ideas contenidas en las obras, lo que resulta clave para la gestión de derechos en la industria musical.

Uno de los rasgos particulares del sistema mexicano es la duración del dominio público. En el país, una obra musical pasa a dominio público cien años después de la muerte de su autor. Este plazo coloca a México como un caso singular en comparación con otros marcos legales internacionales.

Talento jalisciense

Jalisco ocupa un lugar relevante en la historia de la composición musical en México. De esta entidad provienen autores vinculados tanto a la música popular como a la académica. Consuelo Velázquez nació en Ciudad Guzmán en 1916 y alcanzó proyección internacional con “Bésame mucho”. A lo largo de su carrera también escribió temas como “Amar y vivir” y “Cachito”. Fue reconocida en su estado natal con el Premio Jalisco en Música y falleció en 2005.

Gonzalo Curiel, originario de Guadalajara, desarrolló su carrera como compositor, guitarrista y violinista. Al frente de su orquesta difundió canciones como “Vereda tropical” y “Morena linda”. Además de su producción autoral, participó en la música de más de 140 películas y fue cofundador de la SACM.

Otro referente jalisciense es Manuel Enríquez, nacido en Ocotlán, cuya obra abarca cerca de 150 partituras en géneros que van del sinfónico a la música electroacústica. También compuso para cine, teatro y ballet, y promovió la música contemporánea desde la dirección del Foro Internacional de Música Nueva. Su formación incluyó estudios de violín en Guadalajara y presentaciones en ciudades de Europa.

Blas Galindo, originario de San Gabriel, integró elementos del mariachi y de tradiciones indígenas en su obra. Formó parte del Grupo de los Cuatro junto con José Pablo Moncayo, Daniel Ayala y Salvador Contreras, colectivo que impulsó una estética nacionalista en la música de concierto. Moncayo, nacido en Guadalajara en 1912, es conocido por “Huapango”, obra basada en sones veracruzanos, además de sinfonías y piezas orquestales. También fue director y maestro en diversas instituciones musicales antes de su fallecimiento en 1958.

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Grandes exponentes mexicanos

La historia musical del país está marcada por autores cuyas obras forman parte del repertorio popular y académico. Entre los nombres más citados se encuentran Agustín Lara, Consuelo Velázquez, José Alfredo Jiménez, Cuco Sánchez, Roberto Cantoral, María Grever, Francisco Gabilondo Soler, Joan Sebastian, Juan Gabriel y Armando Manzanero. Sus canciones han sido interpretadas por distintas generaciones y continúan generando derechos de autor décadas después de su creación. 

Armando Manzanero desarrolló una trayectoria como compositor e intérprete y también ocupó la presidencia de la SACM. En distintas ocasiones señaló las dificultades que enfrentó al inicio de su carrera para obtener reconocimiento autoral, al relatar que algunas de sus canciones fueron atribuidas a otros intérpretes. Su catálogo incluye temas como “Contigo aprendí”, “Somos novios” y “Nada personal”, además de composiciones escritas para voces como Luis Miguel, Chavela Vargas y Alejandro Fernández.

José Alfredo Jiménez, por su parte, dejó un repertorio que incluye canciones como “El Rey”, “Si nos dejan” y “Ella”, piezas que forman parte del cancionero ranchero. Juan Gabriel registró más de 500 obras, entre ellas “Querida”, “Hasta que te conocí” y “Abrázame muy fuerte”, muchas de las cuales fueron interpretadas por él y por otros artistas en distintos géneros.

En blindaje por la IA

En el contexto actual, la SACM mantiene su actividad de gestión y representación. En octubre pasado presentó su informe anual 2025, en el que reportó un incremento del 14% en la recaudación y dio a conocer una propuesta de ley en materia de inteligencia artificial, elaborada junto con una coalición de organizaciones culturales y entregada a la Secretaría de Cultura. Durante ese encuentro, el director general Roberto Cantoral Zucchi señaló que las obras generadas con inteligencia artificial conservan un componente creativo humano, al basarse en catálogos construidos por autores, lo que abre un debate vigente sobre la protección de derechos en la creación musical contemporánea.

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AS

El próximo 17 de enero, la banda tapatía Troker celebrará 22 años de trayectoria con un concierto en el C3 Stage de Guadalajara, acompañada por Hip Horns Brass Collective, agrupación originaria de Barcelona que realizará una fecha única en la ciudad antes de continuar su gira por Estados Unidos. La presentación coincide con una nueva etapa para el grupo, marcada por el regreso a los escenarios, la reincorporación de integrantes y el lanzamiento de música inédita.

En entrevista con EL INFORMADOR, Tiburón Santillanes, saxofonista de Troker, reflexionó sobre el contexto en el que surgió la banda y sobre la evolución de la escena del jazz en Guadalajara a lo largo de más de dos décadas. El músico recordó que, a inicios de los años 2000, el jazz atravesaba un momento complejo, aunque nunca desapareció de la ciudad.

“Cayó en un bache, sin embargo, siempre hubo bares de jazz. Estaba el Gato Verde, el bar de Charlie de la Torre por Federalismo, grupos como Trío Vía Libre o Tanaka con sus proyectos. Siempre hubo una escena, pero por ahí de los 2000 empezó a surgir algo más hacia el funky, el jazz y el soul, que fue donde Troker se logró meter”.

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Santillanes explicó que Troker se fue configurando a partir de músicos que llegaron a Guadalajara desde otros proyectos. Frankie Mares, Samo González y DJ Rayo arribaron a la ciudad tras formar parte de Eva Malva, una banda con una base más cercana al rock progresivo. En la búsqueda de estabilidad económica, comenzaron a tocar de manera constante en distintos bares, lo que permitió el desarrollo de un sonido propio.

“Ellos llegaron a Guadalajara buscando tocar y les dan temporadas en bares. Uno de ellos fue el Café Candela, donde afortunadamente seguimos tocando todos los martes; luego los miércoles en La Santa, por Chapultepec. Con Sara Valenzuela se hicieron sesiones de solo jazz en el Calavera del Che Bañuelos. Así se logró llenar la semana y fue un éxito por este sonido raro que traíamos”.

Ese proceso estuvo marcado por la improvisación y la exploración musical. Santillanes señaló que los integrantes no provenían estrictamente del jazz, sino de géneros como el funk, el ska o el reggae, lo que definió la identidad inicial del grupo.

“Lo que quisimos hacer con Troker al inicio fue improvisar mucho, hacer un jam, que fuera algo jazz y aprender a tocar jazz. Veníamos de tocar funky, ska y reggae. Nos invitan a ser parte de Troker con esta libertad de explorar y hacer cosas”.

En ese contexto, Troker encontró afinidades con otros proyectos que, a principios de los 2000, impulsaban una renovación del jazz en la ciudad. Entre ellos, Santillanes recordó a Three Mother Funkers, encabezada por Alejandro Saat, como parte de una generación que compartía espacios y públicos.

El saxofonista destacó el papel de Sara Valenzuela como una figura clave para el crecimiento de la escena y para la proyección de la banda, no solo a nivel local, sino también internacional.

“Le debemos mucho a Sara Valenzuela. En esa etapa empezó a traer bandas internacionales como Sex Mob, Group Collective, Medeski, Martin and Wood. Ella hacía la gestión y a nosotros nos ponía de abridores. Eso nos dio una gran exposición para decir: ‘se puede vivir de esto’”.

Ese contacto con proyectos internacionales llevó a Troker a plantearse un camino fuera del circuito comercial tradicional en México. La banda comenzó a participar en mercados musicales y ferias especializadas, lo que derivó en presentaciones en más de 20 países.

“Sabíamos que iba a ser difícil tener un éxito comercial aquí, así que buscamos por fuera. Ahí encontramos un camino para meternos en mercados de jazz y world music, y se dio la internacionalización”.

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Actualmente, Troker atraviesa un periodo de reencuentro interno. Santillanes tuvo una pausa de seis a siete años fuera del grupo y regresó en 2024 para la celebración de los 20 años. A ese retorno se sumó también el de DJ Sónico, lo que, según el músico, ha significado una reorganización creativa.

“Yo veo a la banda ahora como una actualización. Todos los teléfonos y aplicaciones te piden actualizar para desbloquear funciones. Así veo a Troker: sacando música nueva, conectándonos con nuevos sonidos y disfrutando tocar otra vez juntos”.

El concierto del 17 de enero se da además en el marco del regreso discográfico de Troker, que en 2026 lanzó el sencillo “Paranormal”, tras un periodo sin estrenos desde el 2024. La canción integra elementos de hip-hop y drum & bass con una reinterpretación contemporánea del mariachi, combinando beats urbanos y una estructura narrativa definida.

Santillanes explicó que, aunque el grupo se ha adaptado al formato de sencillos que domina en plataformas digitales, la lógica creativa de Troker sigue vinculada al concepto de álbum.

“Somos muy old school. La idea de hacer música nueva surgió pensando en un disco. Hemos hecho cuatro discos y un EP, y nuestra forma de trabajar la música es conceptual”.

El nuevo material comenzó a desarrollarse el año pasado y, hasta ahora, contempla seis canciones. “Paranormal” fue liberada como un adelanto, en parte para dialogar con las dinámicas actuales de consumo musical y para presentar material inédito en vivo.

“Dijimos: hay que regalarnos un sencillo que esté disponible ahora, meternos a esta actualidad y ver qué sucedía. También para que la gente escuche algo nuevo en vivo”.

Durante el concierto, Troker interpretará además otra canción inédita titulada “Fuck Ice”, que aborda la temática migratoria y una postura crítica frente a políticas de intervención y abuso de poder en Estados Unidos. “Viene con toda esta temática migratoria y estamos muy en contra del abuso del poder. Es algo que también va a sonar este 17 de enero”.

La celebración por los 22 años de la banda incluirá la participación de Hip Horns Brass Collective, agrupación catalana con la que Troker comparte afinidades musicales. Santillanes subrayó que se trata de una colaboración relevante dentro del festejo. “Es una superbanda. Van a hacer fechas únicas en México: tocan aquí en Guadalajara y luego se van a Estados Unidos. Nos conectó esa vibra funky, hip hopera y de metales”.

El concierto será de larga duración y reunirá repertorio de distintas etapas de Troker, además de las nuevas composiciones. Los boletos están disponibles en taquilla y a través de TicketNow, con un costo de 600 pesos en preventa y 700 el día del evento.

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