Cine y Tv
Servant: Los secretos detrás del thriller producido por M. Night Shyamalan
A través de su segunda temporada, estrenada el pasado 15 de enero, la serie de Apple TV Plus Servant retoma la historia de una pareja emocionalmente afectada por una tragedia familiar y eventos paranormales que empiezan a suceder tras abrirle las puertas de su hogar a una enigmática niñera. Insistiendo en una duración episódica de media hora, el show producido por M. Night Shyamalan sigue sin escatimar ni un segundo en aras de insertar nuevas incógnitas o sumir al espectador en una densa nube de horror y drama, con destellos de humor negro. Como resultado, la nueva tanda de capítulos hasta ahora mantiene un 85% de frescura en los Rotten Tomatoes, demostrando estar a la altura de la primera entrega.
Hace algunas semanas, el mismo Shyamalan y el elenco principal de Servant —Lauren Ambrose (Dorothy Turner), Toby Kebbell (Sean Turner), Nell Tiger Free (Leanne Grayson) y Rupert Grint (Julian Pearce)— hablaron con Cine PREMIERE respecto a los secretos detrás de la serie. Conozcan a continuación lo que nos dijeron en torno al rodaje pandémico de su segunda temporada, detalles sobre los personajes y las ventajas del formato televisivo para narrar una historia tan absorbente y perturbadora como ésta.
Un espacio libre de virus
Transcurridos seis meses de suspensión por la crisis sanitaria, el rodaje de la segunda temporada de Servant fue retomado en septiembre de 2020. Además de sólo depender de dos locaciones distintas (una, para interiores; otra, para exteriores) ubicadas en Pensilvania, los protocolos de seguridad adoptados habrían propiciado una cifra nula de contagios por COVID-19.
«Fuimos afortunados de tener a los directores que tuvimos para culminar esos cuatro episodios durante la pandemia», nos comparte Toby Kebbell. «Fue mucho trabajo. Probamos que puede hacerse [filmar durante la contingencia] y que nosotros podemos hacerlo de manera exitosa».
A la par de darle seguimiento a Servant, cabe decir que la compañía Blinding Edge Pictures —comandada por M. Night Shyamalan— pudo resolver de inicio a fin la producción del venidero largometraje de este director, titulado Old, durante el último cuatrimestre del 2020.
«Creo que [con Blinding Edge] fuimos de los primeros en retomar filmaciones en general», comenta el cineasta. «De cierta forma nosotros estábamos liderando y todos nos llamaban para preguntarnos qué estábamos haciendo, cómo lo hacíamos y cómo estábamos teniendo tanto éxito. Pero creo que de manera natural [las medidas de prevención] se acoplaban al tipo de cosas que hacemos en esta compañía, que a mí me interesan: la locación aislada, el elenco pequeño. Es muy minimalista. No tenemos coches estallando, no tenemos grandes secuencias de persecución. Ese no es el tipo de historias que cuento, entonces asemeja mucho a una obra de teatro. Servant es, en mucho, una obra de teatro».
El escenario primordial para la serie simula el interior de una enorme casa en la zona centro de Filadelfia. De aquel espacio, Shyamalan destaca el aprovechamiento de elementos que devienen significativos dentro de la atmósfera inquietante de Servant; por ejemplo, el sonido de pisadas o de puertas cerrándose a lo lejos. En cambio, Lauren Ambrose percibe ahí un ambiente idóneo para profundizar en los efectos de la cuarentena, aún muy vigente en el mundo real.
«[El set] nos proporciona un gran marco para jugar y particularmente amo la sensación. Aquí estamos todos en este mundo, sintiéndonos claustrofóbicos durante estos días y [la serie] fue una oportunidad perfecta para explorar esa sensación en casa de los Turner; básicamente estar atrapada en esta casa con estos pocos personajes y con muchísima intensidad. A veces se siente como si el techo fuera a colapsar», nos comparte la histrión norteamericana.
Por su parte, Nell Tiger Free declara que «es un lujo» asistir diariamente a un mismo lugar para el rodaje, al punto de sentirlo como tu verdadero hogar. No obstante, al derivar de un show cuya historia es poco benévola con los bebés, semejante sensación no sería fácilmente asimilada por Rupert Grint, considerando que su primera hija nació durante el receso pandémico.
«[Servant] es probablemente el peor show para estar involucrado cuando acabas de volverte papá», declara burlonamente el inglés.
Los personajes, desafíos y emociones
La segunda temporada de Servant comienza con el matrimonio Turner enteramente dispuesto a hallar al bebé que ellos aceptaron como Jericho en la entrega pasada. Sin embargo, mientras Sean intenta no hacer de esta búsqueda un alboroto mediático, Dorothy —ya incapaz de ver al reborn doll como un ser vivo— ha dado un «giro muy mandón y poderoso, y [la historia] se vuelve muy oscura», en palabras de Ambrose. Por otro lado, no se echarán de menos las intensas conversaciones entre ambos esposos que, desde la perspectiva de Toby Kebbell, componen las escenas que fueran «las más gratificantes» al momento del rodaje.
«Cuando regresamos a esas escenas en las que hablamos sinceramente sobre nuestra relación y sobre nuestros sentimientos mutuos, de dónde estamos y qué está pasando [con nosotros], ésas son desafiantes pero un gran gozo porque realmente te adentras en aquel mecanismo de actuación y haces que se crea real, que se sienta real», nos comenta el actor.
En ese sentido, él tampoco pierde oportunidad de ovacionar el trabajo de su compañera, cuyo rol en la serie —el de una progenitora que, por desgaste físico y mental, comete un error fatal— incluso volvió a Kebbell más consciente de «la presión de ser una buena madre, la presión de hacer todo correctamente y a veces no puedes». Destaca un momento de Servant en el que una callada Dorothy, al descubrir lo sucedido con Jericho, se abofetea repetidamente dentro de la habitación del bebé.
«[Esa escena] es brillante, es realmente brillante, muy difícil de representar. Es cine silente, el gran cine original. Es muy bueno ver todo derrumbándose mientras ella está de pie ante la cuna», expresa el intérprete de Sean Turner.
Después de abandonar repentinamente la casa de los Turner al final de la temporada anterior, la sombría Leanne Grayson vuelve en Servant «con una piel completamente nueva» y encaminada a convertirse «en algo inesperado». Así lo manifiesta Nell Tiger Free, quien batalló para encarnar apropiadamente a un personaje que inspira, a la vez, temor y compasión.
«[Como actriz] quieres hacerlo bien. No quieres no asustar si tú eres la cosa aterradora de este show aterrador. Es definitivamente desafiante intentar mantener ese elemento de misterio y miedo alrededor de ella [Leanne], pero también volverla alguien agradable, quizá alguien a quien apoyar en algunos episodios y por quien sentir lástima cuando comete errores. Creo que sostener esa dualidad es un reto en definitiva», afirma la británica.
Terror y conmiseración son contrarrestados por un toque humorístico que nuevamente encuentra en Julian Pearce, hermano de Dorothy, su mayor promotor. Aún así, Rupert Grint prefiere no olvidar que tras el encanto cómico de su personaje, hay emociones lacerantes que derivan de la tragedia familiar.
«Debajo [Julian] sólo es alguien que está lidiando con su dolor. La verdad es que aquí es donde entra el humor como un mecanismo de supervivencia. Es una manera de desviar sus verdaderos sentimientos y lo hace con la bebida o con bromas ingeniosas», nos dice el histrión.
Raíces y frutos del proyecto
Fue durante un almuerzo casual que la idea primigenia para Servant llegó a oídos de M. Night Shyamalan. Era una historia pensada para la televisión y que, de acuerdo al nominado al Óscar, el ahora acreditado como creador y guionista de la serie Tony Basgallop concebía como una versión «de Mary Poppins muy oscura» y plagada de «mucha más fantasía» en comparación al producto final. Hubieron varios cambios entre aquella propuesta inicial y el show que ha merecido alabanzas por parte del maestro del terror Stephen King y del galardonado realizador Guillermo del Toro. No obstante fueron conservados elementos como el duelo maternal, el reborn doll y «la niñera de quien desconoces sus motivaciones».
«[La propuesta para Servant] era diferente de cómo el show terminó siendo pero en su centro existía esta noción sobre una mujer cuyo hijo falleció y ella utilizaba este muñeco para pretender que el niño seguía vivo. Me conmovió mucho este concepto de no ser capaz de sobrellevar el luto. Es súper poderoso», nos revela Shyamalan. «[El argumento original] tenía lugar en una casa brownstone. En aquel tiempo era sólo un piloto, sólo una idea, pero dije: ‘¿qué tal si nos enfocamos en esa casa y seguimos contando la historia de esta familia que finge y finge? Y luego entra esta mujer [de quien nos preguntamos si] es alguien sobrenatural y revivió a su hijo’. Simplemente me sentí intrigado. Quería saber el final de la historia».
Fungiendo como productor ejecutivo, el aludido cineasta encontró para Servant un hogar en Apple, una compañía con la cual él ya preveía asociarse apenas ésta decidiera impulsar programas de televisión y una plataforma streaming propia. Si bien originalmente se proyectaban seis entregas, al final fueron pactadas únicamente cuatro temporadas (de diez episodios cada una) para la totalidad del show, debido a que la misma historia habría exigido esa longitud… aunque también influyó que Shyamalan ha estado profundamente involucrado en la serie (fichajes, música, edición) y, en sus palabras, «no sé si yo habría sido capaz de comprometerme a ello» por más de cuatro años.
Estrenado casi un mes después del debut de Apple TV Plus (en noviembre de 2019), Servant habría devenido el «show más pegajoso» de la plataforma, en el sentido de que bastaba ver el episodio piloto para quedar enganchado. En parte, Shyamalan adjudica este efecto al ritmo desacelerado y al exhaustivo desarrollo de personajes que permite el formato seriado de la televisión, con el cual el director de Sexto sentido todavía sigue familiarizándose.
«[En las películas] hay mucha presión para establecer personajes lo más rápido posible y sólo dentro del perímetro de [por ejemplo] el barco hundiéndose o los terroristas ocupando el edificio», nos dice. «En televisión, dentro de este formato extenso, es diferente. Tienes mucho más espacio para el desarrollo de personajes y realmente esa es la razón por la que el público vuelve una y otra vez, por la conexión con los personajes. [Para mí] es un formato realmente nuevo, del cual estoy disfrutando sobremanera el aprendizaje de sus ritmos. Y por supuesto el thriller de media hora es una suerte de formato novedoso».
Sujeta a una duración más próxima a la de sitcoms que a la de otros programas de misterio y horror psicológico, Servant pudiera parecer una copa de vino (a propósito, un elemento nunca ausente de la serie) que a pesar de su complejidad, se bebe como agua. Esta idea encuentra respaldo en comentarios de Nell Tiger Free, quien además señala que la nueva tanda de capítulos no soltará al espectador en ningún momento.
«Creo que [la serie] es adictiva porque son treinta minutos por cada episodio. Es una inyección rápida de thriller y de drama. Queremos mantenerlos enganchados y con nosotros tanto como sea posible», manifiesta la intérprete de Leanne. «[La segunda temporada] se pondrá más y más dramática con cada episodio».
Los primeros cuatro episodios de la segunda entrega de Servant ya están disponibles a través de Apple TV Plus. Una nuevo episodio seguirá estrenando cada viernes, previéndose su final de temporada para el próximo 19 de marzo.
Del mismo servidor streaming, las producciones On the Rocks, Wolfwalkers y Ted Lasso presumen nominaciones a los Golden Globes 2021. Pasen aquí para conocer la lista completa de contendientes.
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La cinta de 2006 ya tiene una secuela que se encuentra en desarrollo. Esta es toda la información que se conoce (hasta ahora).
Sin exagerar, El diablo viste a la moda es la película sobre la industria de la moda más icónica de los años 2000. Estrenada en 2006 bajo la dirección de David Frenkel y con un inolvidable reparto liderado por Anne Hathaway, Meryl Streep y Emily Blunt, la cinta fue una mirada divertida y sospechosamente apegada a la realidad del mundo editorial. Ahora, a casi dos décadas de aquel momento, se ha confirmado que una secuela viene en camino.
Fuentes de Disney confirmaron a Deadline la noticia, asegurando que Aline Brosh McKenna, la guionista de la cinta de 2006, realizará el guion nuevamente, mientras que Frenkel se encuentra en conversaciones para replicar su rol como productor.
La película aún se encuentra en un estado de realización temprana. Según el sitio de noticias Puck –el primero en dar a conocer la realización de la secuela– Wendy Finnerman, productora del primer filme que vuelve a esta producción, recién está reuniendo las piezas para dar forma a la historia.
¿Quiénes protagonizarán El diablo viste a la moda 2?
La pregunta del millón, ¿vuelven Meryl Streep, Anne Hathaway y Emily Blunt? Aún no es posible confirmarlo. Puck aseguró que Wendy Finnerman ha convencido a Streep y Blunt para replicar sus papeles de Miranda Priestly y Emily Charter. Sin embargo, en una entrevista para E! News de este año, Hathaway dijo “no creo que la continuación de esa historia ocurra jamás”.
Por ahora, ninguna de las actrices ha confirmado su presencia en The Devil Wears Prada 2.
¿Qué pasará en El diablo viste a la moda 2?
Como bien recordarás, la primera película sigue la llegada de Andy Sachs a Runway, la revista más importante de la industria de la moda al mando de la temible editora, Miranda Priestly. En su travesía, Andy no solo lidia con la competencia feroz establecida por la primera asistente de Miranda, Emily Charter, también con los “demonios” de la industria, el ser fiel a sí misma y encontrar su verdadero camino.
Ahora, para El diablo viste a la moda 2, la sinopsis tampoco cuenta con una confirmación oficial, sin embargo, el mismo sitio previamente mencionado contó que se está planeando una historia centrada en Miranda Priestly en el declive de la publicación de revistas impresas, esta vez se enfrentará a Emily, que probablemente sea una alta ejecutiva de alguno de los conglomerados de lujo más grandes (LVMH o Kering).
Por ahora, solo queda esperar a que los detalles continúen revelándose.
Cine y Tv
AMACC: ¿Qué hace y por qué es importante la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas?
Al momento de su fundación el 3 de julio de 1946, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) adoptó un propósito que sobrevive hasta nuestros días: “promover la difusión, la investigación, la preservación, el desarrollo y la defensa de las artes y las ciencias cinematográficas”, en palabras de la propia organización.
No es sólo la instancia sin ánimo de lucro que hace posible la entrega anual del Ariel, galardón que reconoce lo mejor del cine hecho con manos mexicanas. Es una asociación civil con más de 2,500 miembros —profesionales activos de la industria— que desempeña infinidad de tareas; desde la formación, divulgación y fomento cultural, hasta la puesta en marcha de medidas que protejan a los cineastas en contextos adversos.
Con sede en Casa Buñuel (CDMX) y mediante un comité coordinador actualmente presidido por Armando Casas, conozcan a continuación las labores de la AMACC y algunos proyectos específicos recientes que dan fe de su enorme relevancia en el quehacer cinematográfico nacional.
Muestras, exposiciones y ciclos de cine
La AMACC ha impulsado muestras y ciclos de cine en distintos recintos de la República Mexicana; esto con el objetivo de dar a conocer la diversidad de miradas y propuestas fílmicas que enriquecen el panorama audiovisual de nuestro país.
Un ejemplo tradicional es el ciclo “Rumbo al Ariel”. Su edición de 2023 abarcó 1 de agosto de 2023 al 30 de septiembre, teniendo como propósito exhibir ante un amplio público los largometrajes y cortometrajes nominados para la 65° entrega de los premios Ariel. Además de funciones presenciales, este ciclo recurrió nuevamente a su propia plataforma en línea donde las películas ostentaron visualizaciones gratuitas a las cuales podían acceder internautas de todo México.
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En materia de exposiciones y difusión de acervos fotográficos, la Academia estuvo detrás de muestras como “La persistencia de la máquina sensible” (conformada por carteles de películas ganadoras del Ariel) y “Héroes anónimos: técnicos y artistas del cine mexicano” (un homenaje a los creadores cinematográficos que operan detrás de cámaras y que difícilmente obtienen el reconocimiento que merecen).
Conversatorios y clases magistrales
Varias acciones de la AMACC han buscado fomentar el encuentro y diálogo entre las y los profesionales del sector cinematográfico; además de llevar esas charlas y conferencias al público en general. Por ejemplo, en el marco de los ciclos “Rumbo al Ariel” y “Voces y temas del cine mexicano” de 2023, la Casa Buñuel acogió conversatorios con histriones, cineastas y personal creativo involucrado en las cintas exhibidas; pláticas grabadas en video y que pueden consultarse libremente en el canal de YouTube oficial de la Academia.
Convocar talento de otros países —sumado a procurarles un espacio en el que puedan compartir sus conocimientos— ha sido otra misión de la organización. De los últimos años, destacan clases magistrales impartidas respectivamente por el director de arte Paul Harrod (Isla de perros) y el diseñador de vestuario Ángel Amor, integrante del equipo de producción de afamados títulos como Maléfica y La favorita.
De la AMACC, en colaboración con la Filmoteca de la UNAM, tampoco debe olvidarse el programa de conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel”. Este consistió en extensas charlas videograbadas —a modo de tertulias— que protagonizaron laureados miembros de la industria fílmica mexicana y prestigiosos comunicadores, investigadores y gente destacada del gremio. Hubo un total de 34 charlas, repartidas a lo largo de tres temporadas y publicadas digitalmente entre abril de 2020 y julio de 2021.
Labor editorial
Entre las tareas de la Academia destaca también “la edición de libros que hablan sobre el desarrollo de la industria del cine mexicano” (vía).
En 2021, la primera temporada de los conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel” motivó que la AMACC y las instancias asociadas lanzaran una colección editorial; es decir, una serie de libros donde se transcribieron las charlas sostenidas con distintas personalidades en el transcurso del programa.
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Respecto al ámbito de las letras, la AMACC también ha publicado ocho números de una colección denominada “Textos de la Academia”; una conjunto de escritos que en su mayoría rinden tributo a la vida y trayectoria de veteranas personalidades que fueran acreedoras del Ariel de Oro, como la actriz María Rojo, la guionista Paz Alicia Garciadiego y el histrión Héctor Bonilla. La versión digital de cada número está disponible de manera gratuita en el sitio web de la organización.
Preservación y restauración
En complicidad con la Filmoteca de la UNAM, la AMACC ha sido partícipe de la restauración y preservación de cinco películas mexicanas de antaño y con enorme valor histórico, que son:
- La mujer del puerto (Dir. Arcady Boytler, 1933)
- El tren fantasma (Dir. Gabriel García Moreno, 1926)
- El puño de hierro (Dir. Gabriel García Moreno, 1927)
- La barraca (Dir. Roberto Gavaldón, 1945)
- Tepeyac (Dir. José Manuel Ramos, Carlos E. González y Fernando Sáyago, 1917)
Cabe agregar que el proceso de restauración en torno a La barraca inspiró el primer número de la colección “Textos de la Academia”. Por otro lado, los casos de Tepeyac y El tren fantasma dieron pie a la ilustrativa serie de textos Cuadernos de Restauración de la Filmoteca, cuyos primeros dos volúmenes fueron publicados con el apoyo de la AMACC.
En defensa del cine y sus trabajadores
En contra de toda censura y agravio, la AMACC jura defender la libertad creativa y laboral de cineastas mexicanos. Además, fue de armas tomar para asistir a los trabajadores de la industria más afectados por la suspensión de actividades durante la pandemia. Así surgió en 2020 —y con la mediación de la Academia— el Fondo de Apoyo COVID-19 para la Industria Cinematográfica y Audiovisual, gracias a una alianza con Netflix, y Sifonóforo, Fondo de Emergencia Audiovisual, resultado de la suma de esfuerzos de diversas figuras, incluidas Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, Issa López y Salma Hayek.
Ese mismo año, en plena discusión por la desaparición de fideicomisos, la AMACC calificó de preocupante la extinción del Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad (FOPROCINE). También defendió a capa y espada la permanencia del Fondo de Inversión y Estímulos al Cine (FIDECINE), que durante veinte años apoyó la producción, posproducción, distribución y exhibición fílmica en nuestro país.
Asimismo, la lucha de la organización está enfocada en impulsar las reformas a la Ley Federal de Cinematografía y el Audiovisual. Así lo dijo la presidenta Leticia Huijara en la pasada edición de los premios Ariel:
Premios y representatividad en el extranjero
Bien sabido es que la AMACC otorga anualmente el prestigioso premio Ariel, que reconoce lo mejor del cine mexicano e iberoamericano. Por ende, es responsable de llevar la batuta en la logística de la ceremonia, la publicación de convocatorias, los procesos de selección y votación, la fabricación de las estatuillas, etcétera. Siempre con plena consciencia de que el magno evento no consiste solamente en repartir trofeos. Sobre esto, la Academia define su premiación como “un foro público para escuchar las voces de nuestro cineastas en momentos fundamentales de nuestra historia”.
Cada año, la misma instancia es la encargada de elegir la producción nacional que represente a México en la carrera para la categoría de Mejor película internacional de los premios Óscar; lo mismo para los Goya de España, los Macondo de Colombia y los Colibrí de Ecuador, en sus respectivas ternas de Mejor película iberoamericana.
Y por si fuera poco, la AMACC presume ser parte de la Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas (FIACINE); un organismo que reúne a las homólogas asociaciones de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, España, Guatemala, Paraguay, Perú, Portugal, República Dominicana y Venezuela, con el objetivo de impulsar conjuntamente relaciones y mecanismos a favor del quehacer fílmico en tales territorios.
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Como miembro de la comunidad LGBT+ que ha dedicado tres décadas de su vida al desarrollo de ficción televisiva, Jorge Tijerina dice sentirse esperanzado con los cambios de perspectiva que ha notado en la industria mexicana y latinoamericana. Desde 2021 lidera el desarrollo de las producciones de ficción para Warner Bros. Discovery México y Colombia, en donde asegura ha encontrado un ambiente de apertura y diálogo, dentro del corporativo, pero también dentro de las comunidades creativas de cada país (compañías productoras, guionistas, cineastas, etc.), que ha permitido impulsar representaciones cada vez más diversas en los últimos años.
Su experiencia se alinea con las medidas y aspiraciones empujadas durante los últimos años por el conglomerado –fusionado con Discovery en 2022–, que mantiene a la inclusión como uno de sus ejes empresariales. Y es pertinente sobre todo cuando el nuevo y reconfigurado gigante de la industria audiovisual ha confirmado su intención de centrar mucha de su producción original en México y Latinoamérica, y quizá producir menos, pero con mayor calidad (está interesado en explotar, sobre todo, el ámbito de las teleseries).
A cuatro meses de la llegada a Latinoamérica de su plataforma Max (evolución de HBO Max), y mientras la marca alista producciones mexicanas como la serie Como agua para chocolate, Jorge Tijerina nos platica sus reflexiones sobre la evolución de la industria televisiva en temas LGBT+, y cómo es que Warner Bros. Discovery se asegura constantemente de caminar en la dirección correcta.
En junio se celebra el orgullo LGBT y como marcas siempre queremos, por su puesto, celebrarlo y sumarnos a la fiesta, pero al mismo tiempo nos obliga a examinarnos. ¿Cómo crees que va Max y Warner Discovery en estos temas en el frente de desarrollo de contenidos?
Me ha tocado pertenecer a diferentes compañías durante mi carrera y esto me permitió ver una evolución de cómo la industria en general ha ido transformando realmente sus puntos de vista. Todavía hay mucho que hacer y me parece que Max está haciendo mucho para lograrlo. Tenemos, por ejemplo, grupos internos de voluntarios en donde se invita a empleados de la compañía para hablar de temas sensibles que pueden ser de diversidad, diversidad de género, etc. Yo empecé [a trabajar en esta industria] en una época cuando esto no sucedía. Las dinámicas eran otras, donde se censuraba la aparición de personajes LGBT en los contenidos. Donde no era posible siquiera tratar estas temáticas en las historias. Después entré a HBO Latinoamérica en 2009 y me tocó trabajar en Capadocia, la primera serie de ficción que se hizo fuera del sistema de televisión abierta en México. Y tuvo un personaje de una mujer trans muy importante dentro de la trama y eso le valió mucho reconocimiento. No se había hecho, fue una pequeña gota en el océano que ha ido creciendo, creo yo. Y pues Max tiene ya muchos contenidos a los cuales podemos señalar como ejemplos, en donde me parece que el mundo se ve reflejado con todas sus aristas.
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Aquí, Jorge enlista algunos de esos ejemplos, entre los cuales se encuentra la serie Ugly, estrenada en 2023, en donde Juan Daniel García Treviño interpreta a un joven bisexual, una dimensión que asegura se explorará más en la segunda temporada a estrenarse el próximo año. También menciona a Las Bravas F.C., serie estrenada en 2022 que sigue a un equipo de futbol femenil, en donde Mauricio Barrientos, el Diablito, interpreta a un coach gay. De acuerdo con el ejecutivo, la siguiente temporada planea explorar la historia de un personaje femenino que mantiene una relación con otra mujer.
¿Cuál crees que es el rol y las capacidades reales de las plataformas y sus departamentos de desarrollo en esta lucha por la diversidad y su representación? ¿Qué está dentro de tu control, qué no y cuáles son aún los retos que enfrentas desde tu posición?
En principio tenemos que ser muy fieles a nuestra misión como empresa de entretenimiento, y ese es crear un contenido que haga eso: que entretenga, o sea, eso debe de ser nuestra primera misión, porque claro, es muy fácil a veces querer dejar llevarse por temas que son tan necesarios, pero que luego el público los puede percibir como un tipo de activismo. Y la verdad es que tenemos que seleccionar, desarrollar y producir historias que al público le den un respiro de aire después de un día largo en el trabajo. Una historia que tenga un carácter emocional muy profundo. Nuestro primer encuentro sí es preguntarnos si una historia puede entretener a una audiencia, como la de nuestra plataforma, que es masiva. Una vez que encontramos esa conexión general, por supuesto que es bien importante que dentro de ese mundo de ficción haya elementos que conecten con la sociedad de hoy. No vivimos en una sociedad donde todas las personas son blancas, no vivimos en una sociedad donde todas las personas son heterosexuales, tampoco en una ciudad donde todos sean hombres. Y siempre ha sido así, solo que ahora, afortunadamente, tenemos la apertura que nos da la conversación cultural.
El reto es mantener todo lo que te comentaba al inicio, pero también encontrar cómo las personas LGBT forman parte de estos universos. Que sea orgánico, porque nosotros, pues somos personas que andamos por la vida sin un panfleto en la cabeza. Nos enamoramos, cuidamos de nuestros papás, buscamos trabajo, a veces tenemos éxito, a veces no, somos personas. Es esa normalidad la que debe de haber.
¿Cuáles son los procesos o las dinámicas que implementan para lograr eso que comentas, la inclusión y normalización de estas experiencias en las historias?
Tenemos la fortuna de que la compañía apoye estos grupos que te comentaba al inicio, a los que llamamos BRG, Business Resource Groups, que hacen un voluntariado para hablar de estos temas dentro de la empresa. Pero también tenemos un área de diversidad e inclusión, que es sumamente importante para nosotros, porque nos da una guía para darle más visibilidad a grupos como la comunidad LGBT en nuestras series originales. Yo formo parte de ella y es un área compuesta por personas contratadas para que la compañía enriquezca su visión. Me dan lineamientos para poder dirigirme con los equipos de escritura y de producción. Cuando hemos tenido contenidos, por ejemplo, sobre mujeres, para mí ha sido muy importante que quien escriba sea una mujer. Lo primero que valoramos es su talento, claro, su trayectoria. Pero si es una historia LGBT por ejemplo, buscamos escritores dentro de esa comunidad que tengan ese talento. No quiere decir que una persona heterosexual, un persona aliada –figuras importantísimas, para mí– no lo pueda hacer bien, pero es importante darle esa oportunidad a las personas de la comunidad, actores, actrices. La selección es importante para nosotros. Al final la audiencia la aprecia porque se transmite en algo genuino.
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Muchas veces las audiencias, y sobre todo en una sociedad en donde persisten muchos prejuicios, creen que la lucha por la diversidad en las pantallas solo puede tomar la forma de «cuotas», y que estas son «artificiales». ¿Qué le dirías a quienes piensan así?
Como compañía no debes perder tu misión que es hacer historias de calidad. Esa calidad te la dan profesionales que tienen un oficio, una trayectoria. Y sí, es difícil; al meter a las comunidades minoritarias en la ecuación, lo natural es pensar que no hay suficientes escritores LGBT, por ejemplo. ¿Cómo podemos meter más escritores LGBT aunque no tengan la experiencia? Yo creo que es un esfuerzo de encontrar cómo fomentar eso. Si un escritor LGBT no cuenta con la experiencia para entrar en un puesto de jefe de escritores, quizá pueda entrar en un puesto menor dentro del cuarto de escritores. Y entonces en unos años tendremos escritores LGBT experimentados y que sean valorados, en primera instancia, por su talento y experiencia. Y su punto de vista único, sus experiencias como parte de la comunidad, aportarán a ese talento. Lo importante es darles esos espacios para que puedan crecer y beneficiarnos todos como industria.
Como parte de la comunidad LGBT, ¿qué te ha dado más orgullo de trabajar en Warner Bros. Discovery y que te emociona más del futuro?
Me ha tocado atravesar… llevo más de 20 años haciendo ficción para TV y me ha tocado atravesar muchas etapas. Te puedo señalar el crecimiento que ha tenido este tema en la sociedad, desde mi punto de vista. Al inicio trabajé en una telenovela y recuerdo que censuraban a los personajes LGBT, y ahora son protagónicos. A mí me emociona mucho de trabajar en Warner esa completa apertura que se da y ese diálogo. Hemos hecho series en Argentina con estos temas, en Brasil, en México hicimos un documental sobre los muxes. Ha sido un esfuerzo que no solo ha tenido que ver con México, sino que se ha expandido a nivel panregional. Conectamos mucho con todas las comunidades creativas locales, y ellos son las que nos traen historias como estas. Se han dado porque nos hemos mostrado muy abiertos, a escuchar y a entender qué es lo que mueve a nuestros creativos de cada país. Es estar siempre muy atentos a saber por qué les mueve la historia. Dependemos de ellos, realmente: con ellos trabajamos. Las historias normalmente vienen de estas comunidades creativas de cada país. Ellxs están muy abiertos a crearlas. Entonces, el reto es seguir escuchándoles. A veces uno se desmoraliza mucho, cuando un gobierno avanza en temas LGBT y otro retrocede. Siempre habrá paredes que tumbar.
¿Consideras que, en temas de diversidad dentro de las plataformas, el papel de las comunidades creativas locales es clave?
Absolutamente, vengo de hecho de unas reuniones con una productora de hecho para un proyecto nuevo, y no son solamente esos diálogos los que nos ayudan a nosotros para generar historias nuevas. Ayer tuve una reunión con una editorial, para hablar de libros, por ejemplo, que toquen temas socialmente relevantes, y sean emocionantes, y que se puedan adaptar. Las ideas vienen de todos lados pero siempre surge de una mente creativa que nos mueve como sociedad y como empresa.
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