El jueves 16 de abril, Massive Attack en colaboración con Tom Waits estrenaron el tema “Boots on the Ground”. La letra parece atacar al gobierno de Donald Trump aunque no lo mencionan directamente. 

“¿Quiénes diablos son estos imbéciles federales? Escondidos en el Senado como una garrapata hinchada”, canta Waits en un tema cuyo vídeo, dirigido por la banda junto al artista visual thefinaleye, es un montaje de imágenes de las protestas de Black Lives Matter o de las redadas del Servicio de Control de Inmigración y Aduanas de Estados Unidos (ICE).

Un videoclip “intenso y evocador”, que retrata “un momento crítico de la historia reciente de Estados Unidos, en el contexto de las mayores protestas sociales del país, marcadas por el rechazo a las redadas migratorias de ICE, la militarización interna y el auge del autoritarismo“, afirma en un comunicado la discográfica PIAS.

“Sentados en una habitación llena de carteles del ejército. De carbón a diamante, un voto para convertirlo en ley. Hacen campaña derramando toda la sangre que pueden. Moldea tu mundo, un soldado es solo arcilla”, continúa la letra de una canción que dura siete minutos.

Y que incluye el tema cantado con la voz profunda de Waits, además de varios minutos en los que se escucha únicamente su respiración e incluso una parte de silencio absoluto que hace pensar que la canción ya ha acabado.

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Primer trabajo de Massive Attack en seis años

“Boots on the Ground” es el primer trabajo de la banda británica en seis años, desde que lanzaron el EP ‘Eutopia‘ en 2020.

“Es un honor en nuestra carrera colaborar con un artista de la magnitud, originalidad e integridad de Tom, pero este tema llega en un clima de caos”, afirma el grupo en declaraciones recogidas por PIAS.

“En todo el hemisferio occidental, el autoritarismo estatal y la militarización de las fuerzas policiales se están fusionando de nuevo con la política neofascista. Visto dentro de la emergencia estadounidense, tanto en el país como en el extranjero, este tema contiene pulsos de impulso despiadado y mente abandonada”, agregan.

Mientras que Waits explica que hace muchos años aceptó una invitación de Massive Attack para colaborar con ellos.

“En aquel entonces, les enviamos ‘Boots on the Ground’. Su largo retraso en el lanzamiento nunca me preocupó. Hoy, como en todos los ayeres de la humanidad, garantiza que esta canción nunca pasará de moda. El fiasco y la necedad del hombre son un festín para las moscas”, resalta Waits.

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El tema no se encuentra disponible en Spotify

Massive Attacks ha decidido “no publicar su música en Spotify, apostando por un modelo de distribución más alineado con sus principios”, agrega la nota, que precisa que el tema está disponible en la plataforma Play It Again Sam.

El single está acompañado de un formato en vinilo que incluye, como cara B, “The Fly”, de Waits, una pieza de ‘spoken word’ (literalmente, palabra hablada) que mezcla arte poesía y música.

Todos los beneficios de la venta de la edición en vinilo serán para la American Civil Liberties Union y el US Immigrant Defense Project.

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OB
 

La devoción en Barcelona ha adoptado nuevas formas con el paso del tiempo. Si en el siglo XIX la proclamación de la Mare de Déu de la Mercè generó divisiones entre fieles frente a Santa Eulàlia, hoy ese fervor parece trasladarse al terreno musical con una figura contemporánea: Rosalía.

El Palau Sant Jordi se convirtió en escenario de una especie de “consagración” simbólica, donde tradición y cultura pop se entrelazaron en torno a la artista catalana y su proyecto Lux. Entre referencias religiosas y códigos propios del fenómeno fan actual, miles de asistentes acudieron como si se tratara de una peregrinación, trasladando la devoción del ámbito espiritual al espectáculo.

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Cerca de 18 mil personas se dieron cita en Montjuïc para presenciar el regreso de la cantante a su ciudad natal, tras una gira internacional que incluyó paradas en ciudades como Lyon, París o Madrid. La expectativa se mantuvo durante varios minutos hasta que el escenario reveló una puesta en escena cuidadosamente construida: Rosalía apareció dentro de una estructura similar a una caja de música, vestida como bailarina, dando inicio a un acto cargado de simbolismo y energía.

El público respondió con entusiasmo desde los primeros temas, en una noche donde la artista reafirmó su conexión con Barcelona y con una audiencia que, más allá del concierto, participó en una experiencia que mezcló espectáculo, identidad y una devoción reinterpretada en clave contemporánea.

Emoción por cantar en su ciudad

Rosalía, emocionada por la eterna ovación de Montjuïc, tan solo ha acertado a decir “Merci, Barcelona“, algo que ha cortado de inmediato con la crudeza electrónica que cierra ‘Porcelana‘ y el sonido berlinés de los bajos de ‘Divinize‘, que han hecho retumbar la montaña, poco acostumbrada al techno, en un bellísimo contraste con la voz dulce de la catalana y el juego de telas de sus bailarines.

“Una cosa te diré, Barcelona, te quiero con locura. Cantar en tu ciudad es una experiencia que te impone, porque es el sitio que te ha visto crecer, el sitio que te confronta con quien eras y quien eres, el sitio en el que no puedes huir de ti misma”, ha seguido Rosalía en catalán con las lágrimas luchando contra la gravedad, para a continuación salir con ‘Mio Cristo piange diamanti’.

Porque Rosalía es zeitgeist: pura comprensión de los tiempos modernos, a los que da misticismo si así lo piden, latineo si es menester, show para TikTok si nos han frito el cerebro a base de rainbrot, teatralización operística para la posteridad, letras facilonas que se dejen compartir en una historia como venganza y veto a los fotoperiodistas si esa es la moda entre las divas.

Fusión entre lo orquestal y lo electrónico

Esto se ha hecho evidente en ‘Berghain‘, que en su intersección entre lo orquestal y lo electrónico ha transformado la pista del Sant Jordi en una gran rave, una fiesta que ha seguido con ‘Saoko‘, primer pellizco del anterior ‘Motomami‘, ‘La fama’ y ‘La combi Versace’, antes de saltar a la performance de danza contemporánea de ‘De madrugá’ y desaparecer tras el telón.

El silencio posterior ha sido quebrado por las percusiones de la orquesta, a las que se han unido el resto de instrumentos para que entrara de nuevo Rosalía al paso de ‘El Redentor’, el primer corte recuperado de ‘Los Ángeles’, su debut de 2017, para después convertirse en una Gioconda recortada sobre las montañas de Montserrat que cantaba ‘Can’t take my eyes off you‘.

El confesionario, en esta ocasión ocupado por Yolanda Ramos y una anécdota de llorera sobre sexo desesperado y depilaciones nocturnas, ha dado paso a la esperadísima ‘La perla‘, himno del despecho escenificado con un brillante juego de sombras chinas entre Rosalía y los brazos de sus bailarines.

Primer concierto de cuatro con todo vendido

La teatralización de ‘Lux‘ en Barcelona ha seguido con ‘Sauvignon blanc‘ y la de Sant Esteve Sesrovires subida al piano blanco del mallorquín Llorenç Barceló, viejo compañero del Taller de Músics, y una nueva huida del escenario, en esta ocasión para colocarse en el centro de la pista, rodeada por la orquesta, y encadenar ‘Dios es un stalker’, ‘Memória’, ‘La rumba del perdón’ y ‘CUUUUuuuuuute’, cerrada en una fusión con ‘Sweet Dreams (Are made of this)’ como si este lunes fuera un sábado más en la sala Apolo.

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Ya de bajada y sobre el escenario principal vestida de ángel, Rosalía ha vuelto a recuperar ‘Motomami‘ con la monería de ‘Bizcochito‘ y el ritmo merenguero de ‘Despechá‘, antes de ofrecer ‘Novia robot‘ y ‘Focu ‘ranni‘, dos de los tres cortes exclusivos de la edición física de ‘Lux‘, entre una lluvia de pétalos.

Exhausta tras dos horas de concierto y con la vista puesta en las otras tres fechas que dará esta semana en el Palau Sant Jordi, Rosalía se ha despedido de su ciudad, siendo hoy ya un icono que supera la idea de artista, cantando “Magnolias’ en soledad”, una imagen que no debe distar mucho de sus primeros bolos por El Raval.

TG

Thriller de Michael Jackson es considerado uno de los vídeos musicales más icónicos de todos los tiempos en la cultura popular, han pasado casi 44 años desde su estreno el 2 de diciembre de 1983 y desde entonces hasta en la actualidad es considerado un clip de culto.

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El álbum Thriller  fue lanzado el 30 de noviembre de 1982, producido por Quincy Jones, se convirtió en el disco más vendido de la historia, ganador de ocho premios Grammy en 1984 y que revolucionó la música pop y los vídeos musicales. 

De acuerdo con la cuenta oficial del cantante en YouTube, la producción en su versión original contabiliza más de mil 100 millones de visualizaciones, mientras que la corta (de casi 4 minutos) registra más de 300 millones. 

¿Cómo se logró que un video haya perdurado ya más de cuatro décadas y siga siendo visto como si fuera ayer? 

Aquí te damos las claves del mismo, a unos días de que seguramente se incremente sus números cuando el próximo día 23 llegue a salas la biopic de Jackson. 

1. Michael Jackson quería hacer algo que marcara pauta e hiciera historia. Había visto “Un hombre lobo americano en Londres” y le había encantado el maquillaje, los efectos especiales y la historia digerible. Consiguió el teléfono de John Landis, director del filme y le marcó para ofrecerle dirigir el video de la canción y convertirlo en monstruo. El problema es que Landis estaba en Inglaterra y, por la diferencia horaria, era de madrugada. El realizador, de buen humor, le hizo ver la hora y acordaron verse días después en Los Ángeles. 

2. El equipo y la disquera de Michael no querían que “Thriller” tuviera un video como el que “El Rey del Pop” imaginaba. La razón era que ya habían hecho los de “Billie Jean” y “Beat it” y habían sido exitosos. Landis recordó en un video making of del clip, que “Thriller” realmente surgió no de una idea empresarial, sino de algo que llamó “vanidad” de Michael por ser un licántropo. 

3. La imagen lobezca de Jackson, así como su conversión a zombi, junto con todos los demás monstruos danzantes, corrieron a cargo del maquillista Rick Baker, quien había hecho lo propio en “Un hombre lobo americano en Londres” y “Aullido”. El especialista ya tenía en su foja laboral “Star Wars” y “El imperio contraataca”, así como “El monstruo vuelve a nacer”. 

4. En esa época, un videoclip tradicional costaba unos 30 mil dólares. Pero “Thriller” costó 500 mil, decir, 10 veces más. Para lograr ese presupuesto, ante la negativa de la disquera CBS, Jackson y Landis realizaron un videode making of que luego fueron a ofrecer, junto con el videoclip, a varias empresas. Showtime pagó para tenerlo por dos semanas antes del estreno de la producción (en diciembre de 1983) y MTV para reproducirlo las veces que quisiera después de esa fecha. 

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5. El rodaje se realizó a lo largo de cinco días en un barrio de Los Ángeles (con presencia policiaca, por ser zona de pandillas) y el panteón se construyó en una planta de empaques de carne cruda. Landis ha señalado que cientos de fans de Michael atestiguaron la filmación a buena distancia. 

6. En 2009 la Biblioteca del Congreso de EU lo sumó a su archivo, convirtiéndose en el primer videoclip en ingresar a él. En 2017 el videoclip restaurado por el propio Landis, así como el detrás de cámaras de 40 minutos de duración, fue proyectado en el marco del Festival Internacional de Cine de Venecia. 

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KR