Cine y Tv
FICM 2020: Blanco de verano y el amor que impide madurar
Hay un momento preciso en nuestra vida en la que uno se encuentra parado sobre un fino borde, atrapado entre el fin de la infancia y el abismo que representa al resto de nuestros días. En esta evolución natural del ser humano, el camino casi siempre viene acompañado de episodios tormentosos. Alcanzar la madurez no es sencillo. Y la película Blanco de Verano es prueba de ello.
La producción número 26 del programa de óperas primas del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) se va a las entrañas de la idiosincrasia de las familias modernas modernas: fracturadas por rupturas sentimentales, pero soldadas por un amor inquebrantable; casi siempre constituidas por una madre que debe asumir un rol doble a la cabeza de la misma, y con hijos que son obligados a madurar de forma precoz.
El filme que marca el debut de Rodrigo Ruiz Patterson toma estos elementos y los coloca al interior de una pequeña casa de interés social a las afueras de la Ciudad de México. En ese entorno claustrofóbico, alejado de todo, la trama de Blanco de verano es enmarcada por paredes de tablaroca; tan delgadas que hacen casi imposible la privacidad de quienes la habitan; mostrando a la perfección la fuerte conexión que une a quienes la ocupan.
Aquí, Sophie Alexander-Katz –protagonista de Los días más oscuros de nosotras, de Astrid Rondero–, da vida a Valeria, una madre soltera que, tras un divorcio, afianza una relación de gran apego con su hijo Rodrigo –encarnado por el debutante Adrian Rosi–. El mundo donde ambos sólo se tienen a sí mismos, de pronto, es invadido por un extraño. Como la nueva pareja de Valeria, Fernando –interpretado por Fabián Corres– irrumpe en la vida de esta pequeña familia y trata de ser parte de un hogar que difícilmente está abierto a recibir un nuevo integrante.
Iniciado como un proyecto autobiográfico, la película Blanco de verano poco a poco fue mutando a la historia que hoy llega a México gracias a la selección oficial del Festival Internacional de Cine de Morelia. “Siempre creí que una historia enteramente personal convenía a una primera película”, nos dice Ruiz Patterson. “Hoy no lo creo. Ahora considero que lo que estoy intentando es, más bien, hablar de mi a través de otros personajes”.
El guion coescrito por Rodrigo con Raúl Sebastián Quintanilla (Otras personas, 2017), nació en la infancia de su director. Hijo de una madre soltera, Patterson comenzó con distintos ejercicios de escritura libre para ir moldeando a sus personajes. «Yo escribí un primer tratamiento de guion y me di cuenta que no funcionaba. Estaba muy desbordado y había muchísimos elementos jugando y faltaba esculpirse. Y justo recurrí a Raúl, que es mi amigo de la prepa y compañero en el CCC, y nos dimos cuenta que mi vida no era tan interesante. Así que decidimos ficcionar en pos de tener un drama más consecuente y más sólido. Al final, Blanco de verano conserva cierta esencia de mi biografía –como que fui criado por una madre soltera–, pero ninguna de las escenas que se ven en la película realmente me sucedió. Pero creo que la honestidad con la que empezó se conserva y espero que se sienta”.
Para el egresado del CCC, lo que más le interesaba era “explorar el final de la infancia, algo que, etimológicamente, significa ‘el que no puede hablar o el que no tiene voz’”, explica Patterson desde el FICM. “Con estas emociones complejas que sentimos por primera vez en la vida, al principio de la adolescencia, si no podemos hablar, si no tenemos experiencia, ¿de qué forma las comunicamos?”.
El rostro de la inocencia
Aun teniendo a actores experimentados como Alexander-Katz o Corres, la película Blanco de verano recae enteramente en su protagonista. El proceso de casting para elegir al rostro principal de la cinta fue complejo; tanto que, hubo algún momento en el que Ruiz Patterson le expresó a su productor Alejandro Cortés Rubiales que, de no tener al actor necesario para darle vida a Rodrigo, lo mejor sería no rodar su ópera prima.
Sin embargo, Adrián apareció y, en palabras de su director, “se entregó con todo y dejó salir su sensibilidad”; una que, recientemente fue premiada con el galardón a Mejor actor en el Festival de cine de Lima. “La cinta está filmada con planos muy cerrados porque son los rostros de los personajes los que la cuentan. Aquí hay la exploración de la primera persona cinematográfica. Y tratamos de ver la película y la historia a través de los ojos de este chico”. Es con esta fragilidad que la película Blanco de verano nos presenta a un personaje que, de forma inesperada, se ve relegado de su mundo de fantasía. Y su microcosmos se va reconstruyendo en un deshuesadero donde, a bordo de un automóvil abandonado, Rodrigo comienza a reconstruir la vida que se le está yendo de las manos. “En ese lugar, él puede ver el cielo; es un espacio abierto donde hay una contraposición [a la realidad] y contrasta la libertad de la claustrofobia que vive en su casa”, nos explica el director.
Pero como bien señaló Sophie Alexander-Katz en la conferencia de prensa de esta cinta, “un tango siempre necesita de dos”. El tema de Blanco de verano –uno muy universal a ojos de su protagonista–, se resume a “una codependencia entre una madre y su hijo, donde las fronteras de lo que es la paternidad se rebasan y comienzan a tocar otras esferas de las relaciones humanas que no deberían de tocarse. [En este contexto] suples faltantes emociones y psicológicos con una criatura que trajiste al mundo. Es un tema tremendamente delicado pero igual de amoroso. Fue una delicia haber trabajado en Valeria porque es un personaje al que se le ve la fractura”. Para la nominada al Ariel, “lo más delicioso de esta película es que te deja preguntas profundas y muy importantes para la actualidad”. Quizá la más importante sería hasta dónde un adulto es responsable de las acciones de sus hijos y a partir de cuando estos pequeños ya son lo suficientemente maduros para asumir las consecuencias de sus actos.
Un blanco envuelto en llamas
Ruiz Patterson coincide con este elemento de universalidad en su historia. “Al final, trabajamos con emociones tan comunes como el amor, los celos o la dependencia emocional. Pero sí creo que estos personajes son muy mexicanos. Se rigen por una idiosincrasia muy nuestra. Las familias modernas integradas por elementos que no comparten sangre son algo muy actual, que se toca poco en el cine mexicano, pero que es una realidad en la sociedad en la que vivimos”.
Ante este “realismo tan recalcitrante que Blanco de verano tiene para bien o para mal”, como lo explica su director, aparece un elemento que termina por convertirse en un personaje más de la cinta: el fuego. “El trabajo de los cineastas es encontrar maneras audiovisuales de narrar las cosas. Y el fuego es una gran metáfora que refleja lo que hay en el interior de este chico, de cómo es su manera de sentirse. Y creo que es algo bastante único”.
Entre estas llamas que arden a la par del corazón de sus personajes, hay un elemento su realizador califica como una gran contradicción de su película. A lo largo del filme, dos de sus protagonistas fuman de forma constante. “Es algo que ‘comparten’ madre e hijo. Es algo que no le gusta que el otro haga pero lo hacen. Es una contradicción que es muy importante para la trama. Buscamos tener este tipo de contrariedades en los que los personajes se vuelven muy humanos y crean un vínculo de aceptación”.
El trabajo en la fotografía de María Sarasvati Herrera y el diseño de arte, a cargo de Federico Cantú terminaron por dar las últimas pinceladas para enmarcar una obra como Blanco de verano. Justamente el título de la cinta proviene de una tonalidad de blanco en el Pantone. “La película inicia con una paleta de colores muy llamativas al interior de la casa”, explica Ruiz Patterson. “Y el blanco de verano es un color que viene cuando este hombre llega a vivir a la casa. Es una de esas metáforas que funcionan mejor con imágenes que con palabras. Él llega y comienza a quitarle el color a la casa. Y la pinta, literalmente, de blanco de verano”.
Un blanco en peligro de extinción
La vida de Blanco de verano inició con una buena recepción en el Festival de Sundance a inicios de 2020. El filme ha recorrido certámenes fílmicos en ciudades como Shanghai, San Diego, Málaga –donde recibió premios a la Mejor película iberoamericana, guion e intérprete de reparto (para Fabián Corres)– o en Lima, donde también recibió un galardón a Mejor guion. El filme llega a nuestro país gracias a la selección oficial del FICM 2020, donde es parte de la selección oficial. Su lanzamiento comercial ocurrirá próximamente gracias a Pimienta Films, responsables de cintas como Somos lo que hay, de Jorge Michel Grau; Heli, de Amat Escalante; Semana Santa, de Alejandra Márquez Abella; Tempestad, de Tatiana Huezo; Pájaros de verano, de Ciro Guerra y Cristina Gallegos y Roma, de Alfonso Cuarón.
Su éxito, sin embargo, es acompañado por un contexto donde el cine mexicano –uno que impulsa las nuevas voces– enfrenta un panorama oscuro que pone en riesgo a los talentos emergentes.La realización de Blanco de verano fue posible gracias a FOPROCINE, Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad que fue extinto a inicios de este año por el gobierno de México. Su extinción, así como la de FIDECINE, es calificada por Rodrigo Ruiz Patterson como algo “muy grave. Esta película hubiera sido imposible filmarla sin el apoyo de FOPROCINE. Es bastante grave que este fideicomiso desaparezca porque, desde mi punto de vista –dejando a un lado toda la gente que vive de la industria que hace posible estos fondos– las películas que se producen con ambos fideicomisos son las que tienen más alta calidad en el país. Me parece bastante grave esta desaparición”.
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La cinta de 2006 ya tiene una secuela que se encuentra en desarrollo. Esta es toda la información que se conoce (hasta ahora).
Sin exagerar, El diablo viste a la moda es la película sobre la industria de la moda más icónica de los años 2000. Estrenada en 2006 bajo la dirección de David Frenkel y con un inolvidable reparto liderado por Anne Hathaway, Meryl Streep y Emily Blunt, la cinta fue una mirada divertida y sospechosamente apegada a la realidad del mundo editorial. Ahora, a casi dos décadas de aquel momento, se ha confirmado que una secuela viene en camino.
Fuentes de Disney confirmaron a Deadline la noticia, asegurando que Aline Brosh McKenna, la guionista de la cinta de 2006, realizará el guion nuevamente, mientras que Frenkel se encuentra en conversaciones para replicar su rol como productor.
La película aún se encuentra en un estado de realización temprana. Según el sitio de noticias Puck –el primero en dar a conocer la realización de la secuela– Wendy Finnerman, productora del primer filme que vuelve a esta producción, recién está reuniendo las piezas para dar forma a la historia.
¿Quiénes protagonizarán El diablo viste a la moda 2?
La pregunta del millón, ¿vuelven Meryl Streep, Anne Hathaway y Emily Blunt? Aún no es posible confirmarlo. Puck aseguró que Wendy Finnerman ha convencido a Streep y Blunt para replicar sus papeles de Miranda Priestly y Emily Charter. Sin embargo, en una entrevista para E! News de este año, Hathaway dijo “no creo que la continuación de esa historia ocurra jamás”.
Por ahora, ninguna de las actrices ha confirmado su presencia en The Devil Wears Prada 2.
¿Qué pasará en El diablo viste a la moda 2?
Como bien recordarás, la primera película sigue la llegada de Andy Sachs a Runway, la revista más importante de la industria de la moda al mando de la temible editora, Miranda Priestly. En su travesía, Andy no solo lidia con la competencia feroz establecida por la primera asistente de Miranda, Emily Charter, también con los “demonios” de la industria, el ser fiel a sí misma y encontrar su verdadero camino.
Ahora, para El diablo viste a la moda 2, la sinopsis tampoco cuenta con una confirmación oficial, sin embargo, el mismo sitio previamente mencionado contó que se está planeando una historia centrada en Miranda Priestly en el declive de la publicación de revistas impresas, esta vez se enfrentará a Emily, que probablemente sea una alta ejecutiva de alguno de los conglomerados de lujo más grandes (LVMH o Kering).
Por ahora, solo queda esperar a que los detalles continúen revelándose.
Cine y Tv
AMACC: ¿Qué hace y por qué es importante la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas?
Al momento de su fundación el 3 de julio de 1946, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) adoptó un propósito que sobrevive hasta nuestros días: “promover la difusión, la investigación, la preservación, el desarrollo y la defensa de las artes y las ciencias cinematográficas”, en palabras de la propia organización.
No es sólo la instancia sin ánimo de lucro que hace posible la entrega anual del Ariel, galardón que reconoce lo mejor del cine hecho con manos mexicanas. Es una asociación civil con más de 2,500 miembros —profesionales activos de la industria— que desempeña infinidad de tareas; desde la formación, divulgación y fomento cultural, hasta la puesta en marcha de medidas que protejan a los cineastas en contextos adversos.
Con sede en Casa Buñuel (CDMX) y mediante un comité coordinador actualmente presidido por Armando Casas, conozcan a continuación las labores de la AMACC y algunos proyectos específicos recientes que dan fe de su enorme relevancia en el quehacer cinematográfico nacional.
Muestras, exposiciones y ciclos de cine
La AMACC ha impulsado muestras y ciclos de cine en distintos recintos de la República Mexicana; esto con el objetivo de dar a conocer la diversidad de miradas y propuestas fílmicas que enriquecen el panorama audiovisual de nuestro país.
Un ejemplo tradicional es el ciclo “Rumbo al Ariel”. Su edición de 2023 abarcó 1 de agosto de 2023 al 30 de septiembre, teniendo como propósito exhibir ante un amplio público los largometrajes y cortometrajes nominados para la 65° entrega de los premios Ariel. Además de funciones presenciales, este ciclo recurrió nuevamente a su propia plataforma en línea donde las películas ostentaron visualizaciones gratuitas a las cuales podían acceder internautas de todo México.
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En materia de exposiciones y difusión de acervos fotográficos, la Academia estuvo detrás de muestras como “La persistencia de la máquina sensible” (conformada por carteles de películas ganadoras del Ariel) y “Héroes anónimos: técnicos y artistas del cine mexicano” (un homenaje a los creadores cinematográficos que operan detrás de cámaras y que difícilmente obtienen el reconocimiento que merecen).
Conversatorios y clases magistrales
Varias acciones de la AMACC han buscado fomentar el encuentro y diálogo entre las y los profesionales del sector cinematográfico; además de llevar esas charlas y conferencias al público en general. Por ejemplo, en el marco de los ciclos “Rumbo al Ariel” y “Voces y temas del cine mexicano” de 2023, la Casa Buñuel acogió conversatorios con histriones, cineastas y personal creativo involucrado en las cintas exhibidas; pláticas grabadas en video y que pueden consultarse libremente en el canal de YouTube oficial de la Academia.
Convocar talento de otros países —sumado a procurarles un espacio en el que puedan compartir sus conocimientos— ha sido otra misión de la organización. De los últimos años, destacan clases magistrales impartidas respectivamente por el director de arte Paul Harrod (Isla de perros) y el diseñador de vestuario Ángel Amor, integrante del equipo de producción de afamados títulos como Maléfica y La favorita.
De la AMACC, en colaboración con la Filmoteca de la UNAM, tampoco debe olvidarse el programa de conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel”. Este consistió en extensas charlas videograbadas —a modo de tertulias— que protagonizaron laureados miembros de la industria fílmica mexicana y prestigiosos comunicadores, investigadores y gente destacada del gremio. Hubo un total de 34 charlas, repartidas a lo largo de tres temporadas y publicadas digitalmente entre abril de 2020 y julio de 2021.
Labor editorial
Entre las tareas de la Academia destaca también “la edición de libros que hablan sobre el desarrollo de la industria del cine mexicano” (vía).
En 2021, la primera temporada de los conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel” motivó que la AMACC y las instancias asociadas lanzaran una colección editorial; es decir, una serie de libros donde se transcribieron las charlas sostenidas con distintas personalidades en el transcurso del programa.
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Respecto al ámbito de las letras, la AMACC también ha publicado ocho números de una colección denominada “Textos de la Academia”; una conjunto de escritos que en su mayoría rinden tributo a la vida y trayectoria de veteranas personalidades que fueran acreedoras del Ariel de Oro, como la actriz María Rojo, la guionista Paz Alicia Garciadiego y el histrión Héctor Bonilla. La versión digital de cada número está disponible de manera gratuita en el sitio web de la organización.
Preservación y restauración
En complicidad con la Filmoteca de la UNAM, la AMACC ha sido partícipe de la restauración y preservación de cinco películas mexicanas de antaño y con enorme valor histórico, que son:
- La mujer del puerto (Dir. Arcady Boytler, 1933)
- El tren fantasma (Dir. Gabriel García Moreno, 1926)
- El puño de hierro (Dir. Gabriel García Moreno, 1927)
- La barraca (Dir. Roberto Gavaldón, 1945)
- Tepeyac (Dir. José Manuel Ramos, Carlos E. González y Fernando Sáyago, 1917)
Cabe agregar que el proceso de restauración en torno a La barraca inspiró el primer número de la colección “Textos de la Academia”. Por otro lado, los casos de Tepeyac y El tren fantasma dieron pie a la ilustrativa serie de textos Cuadernos de Restauración de la Filmoteca, cuyos primeros dos volúmenes fueron publicados con el apoyo de la AMACC.
En defensa del cine y sus trabajadores
En contra de toda censura y agravio, la AMACC jura defender la libertad creativa y laboral de cineastas mexicanos. Además, fue de armas tomar para asistir a los trabajadores de la industria más afectados por la suspensión de actividades durante la pandemia. Así surgió en 2020 —y con la mediación de la Academia— el Fondo de Apoyo COVID-19 para la Industria Cinematográfica y Audiovisual, gracias a una alianza con Netflix, y Sifonóforo, Fondo de Emergencia Audiovisual, resultado de la suma de esfuerzos de diversas figuras, incluidas Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, Issa López y Salma Hayek.
Ese mismo año, en plena discusión por la desaparición de fideicomisos, la AMACC calificó de preocupante la extinción del Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad (FOPROCINE). También defendió a capa y espada la permanencia del Fondo de Inversión y Estímulos al Cine (FIDECINE), que durante veinte años apoyó la producción, posproducción, distribución y exhibición fílmica en nuestro país.
Asimismo, la lucha de la organización está enfocada en impulsar las reformas a la Ley Federal de Cinematografía y el Audiovisual. Así lo dijo la presidenta Leticia Huijara en la pasada edición de los premios Ariel:
Premios y representatividad en el extranjero
Bien sabido es que la AMACC otorga anualmente el prestigioso premio Ariel, que reconoce lo mejor del cine mexicano e iberoamericano. Por ende, es responsable de llevar la batuta en la logística de la ceremonia, la publicación de convocatorias, los procesos de selección y votación, la fabricación de las estatuillas, etcétera. Siempre con plena consciencia de que el magno evento no consiste solamente en repartir trofeos. Sobre esto, la Academia define su premiación como “un foro público para escuchar las voces de nuestro cineastas en momentos fundamentales de nuestra historia”.
Cada año, la misma instancia es la encargada de elegir la producción nacional que represente a México en la carrera para la categoría de Mejor película internacional de los premios Óscar; lo mismo para los Goya de España, los Macondo de Colombia y los Colibrí de Ecuador, en sus respectivas ternas de Mejor película iberoamericana.
Y por si fuera poco, la AMACC presume ser parte de la Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas (FIACINE); un organismo que reúne a las homólogas asociaciones de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, España, Guatemala, Paraguay, Perú, Portugal, República Dominicana y Venezuela, con el objetivo de impulsar conjuntamente relaciones y mecanismos a favor del quehacer fílmico en tales territorios.
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Como miembro de la comunidad LGBT+ que ha dedicado tres décadas de su vida al desarrollo de ficción televisiva, Jorge Tijerina dice sentirse esperanzado con los cambios de perspectiva que ha notado en la industria mexicana y latinoamericana. Desde 2021 lidera el desarrollo de las producciones de ficción para Warner Bros. Discovery México y Colombia, en donde asegura ha encontrado un ambiente de apertura y diálogo, dentro del corporativo, pero también dentro de las comunidades creativas de cada país (compañías productoras, guionistas, cineastas, etc.), que ha permitido impulsar representaciones cada vez más diversas en los últimos años.
Su experiencia se alinea con las medidas y aspiraciones empujadas durante los últimos años por el conglomerado –fusionado con Discovery en 2022–, que mantiene a la inclusión como uno de sus ejes empresariales. Y es pertinente sobre todo cuando el nuevo y reconfigurado gigante de la industria audiovisual ha confirmado su intención de centrar mucha de su producción original en México y Latinoamérica, y quizá producir menos, pero con mayor calidad (está interesado en explotar, sobre todo, el ámbito de las teleseries).
A cuatro meses de la llegada a Latinoamérica de su plataforma Max (evolución de HBO Max), y mientras la marca alista producciones mexicanas como la serie Como agua para chocolate, Jorge Tijerina nos platica sus reflexiones sobre la evolución de la industria televisiva en temas LGBT+, y cómo es que Warner Bros. Discovery se asegura constantemente de caminar en la dirección correcta.
En junio se celebra el orgullo LGBT y como marcas siempre queremos, por su puesto, celebrarlo y sumarnos a la fiesta, pero al mismo tiempo nos obliga a examinarnos. ¿Cómo crees que va Max y Warner Discovery en estos temas en el frente de desarrollo de contenidos?
Me ha tocado pertenecer a diferentes compañías durante mi carrera y esto me permitió ver una evolución de cómo la industria en general ha ido transformando realmente sus puntos de vista. Todavía hay mucho que hacer y me parece que Max está haciendo mucho para lograrlo. Tenemos, por ejemplo, grupos internos de voluntarios en donde se invita a empleados de la compañía para hablar de temas sensibles que pueden ser de diversidad, diversidad de género, etc. Yo empecé [a trabajar en esta industria] en una época cuando esto no sucedía. Las dinámicas eran otras, donde se censuraba la aparición de personajes LGBT en los contenidos. Donde no era posible siquiera tratar estas temáticas en las historias. Después entré a HBO Latinoamérica en 2009 y me tocó trabajar en Capadocia, la primera serie de ficción que se hizo fuera del sistema de televisión abierta en México. Y tuvo un personaje de una mujer trans muy importante dentro de la trama y eso le valió mucho reconocimiento. No se había hecho, fue una pequeña gota en el océano que ha ido creciendo, creo yo. Y pues Max tiene ya muchos contenidos a los cuales podemos señalar como ejemplos, en donde me parece que el mundo se ve reflejado con todas sus aristas.
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Aquí, Jorge enlista algunos de esos ejemplos, entre los cuales se encuentra la serie Ugly, estrenada en 2023, en donde Juan Daniel García Treviño interpreta a un joven bisexual, una dimensión que asegura se explorará más en la segunda temporada a estrenarse el próximo año. También menciona a Las Bravas F.C., serie estrenada en 2022 que sigue a un equipo de futbol femenil, en donde Mauricio Barrientos, el Diablito, interpreta a un coach gay. De acuerdo con el ejecutivo, la siguiente temporada planea explorar la historia de un personaje femenino que mantiene una relación con otra mujer.
¿Cuál crees que es el rol y las capacidades reales de las plataformas y sus departamentos de desarrollo en esta lucha por la diversidad y su representación? ¿Qué está dentro de tu control, qué no y cuáles son aún los retos que enfrentas desde tu posición?
En principio tenemos que ser muy fieles a nuestra misión como empresa de entretenimiento, y ese es crear un contenido que haga eso: que entretenga, o sea, eso debe de ser nuestra primera misión, porque claro, es muy fácil a veces querer dejar llevarse por temas que son tan necesarios, pero que luego el público los puede percibir como un tipo de activismo. Y la verdad es que tenemos que seleccionar, desarrollar y producir historias que al público le den un respiro de aire después de un día largo en el trabajo. Una historia que tenga un carácter emocional muy profundo. Nuestro primer encuentro sí es preguntarnos si una historia puede entretener a una audiencia, como la de nuestra plataforma, que es masiva. Una vez que encontramos esa conexión general, por supuesto que es bien importante que dentro de ese mundo de ficción haya elementos que conecten con la sociedad de hoy. No vivimos en una sociedad donde todas las personas son blancas, no vivimos en una sociedad donde todas las personas son heterosexuales, tampoco en una ciudad donde todos sean hombres. Y siempre ha sido así, solo que ahora, afortunadamente, tenemos la apertura que nos da la conversación cultural.
El reto es mantener todo lo que te comentaba al inicio, pero también encontrar cómo las personas LGBT forman parte de estos universos. Que sea orgánico, porque nosotros, pues somos personas que andamos por la vida sin un panfleto en la cabeza. Nos enamoramos, cuidamos de nuestros papás, buscamos trabajo, a veces tenemos éxito, a veces no, somos personas. Es esa normalidad la que debe de haber.
¿Cuáles son los procesos o las dinámicas que implementan para lograr eso que comentas, la inclusión y normalización de estas experiencias en las historias?
Tenemos la fortuna de que la compañía apoye estos grupos que te comentaba al inicio, a los que llamamos BRG, Business Resource Groups, que hacen un voluntariado para hablar de estos temas dentro de la empresa. Pero también tenemos un área de diversidad e inclusión, que es sumamente importante para nosotros, porque nos da una guía para darle más visibilidad a grupos como la comunidad LGBT en nuestras series originales. Yo formo parte de ella y es un área compuesta por personas contratadas para que la compañía enriquezca su visión. Me dan lineamientos para poder dirigirme con los equipos de escritura y de producción. Cuando hemos tenido contenidos, por ejemplo, sobre mujeres, para mí ha sido muy importante que quien escriba sea una mujer. Lo primero que valoramos es su talento, claro, su trayectoria. Pero si es una historia LGBT por ejemplo, buscamos escritores dentro de esa comunidad que tengan ese talento. No quiere decir que una persona heterosexual, un persona aliada –figuras importantísimas, para mí– no lo pueda hacer bien, pero es importante darle esa oportunidad a las personas de la comunidad, actores, actrices. La selección es importante para nosotros. Al final la audiencia la aprecia porque se transmite en algo genuino.
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Muchas veces las audiencias, y sobre todo en una sociedad en donde persisten muchos prejuicios, creen que la lucha por la diversidad en las pantallas solo puede tomar la forma de «cuotas», y que estas son «artificiales». ¿Qué le dirías a quienes piensan así?
Como compañía no debes perder tu misión que es hacer historias de calidad. Esa calidad te la dan profesionales que tienen un oficio, una trayectoria. Y sí, es difícil; al meter a las comunidades minoritarias en la ecuación, lo natural es pensar que no hay suficientes escritores LGBT, por ejemplo. ¿Cómo podemos meter más escritores LGBT aunque no tengan la experiencia? Yo creo que es un esfuerzo de encontrar cómo fomentar eso. Si un escritor LGBT no cuenta con la experiencia para entrar en un puesto de jefe de escritores, quizá pueda entrar en un puesto menor dentro del cuarto de escritores. Y entonces en unos años tendremos escritores LGBT experimentados y que sean valorados, en primera instancia, por su talento y experiencia. Y su punto de vista único, sus experiencias como parte de la comunidad, aportarán a ese talento. Lo importante es darles esos espacios para que puedan crecer y beneficiarnos todos como industria.
Como parte de la comunidad LGBT, ¿qué te ha dado más orgullo de trabajar en Warner Bros. Discovery y que te emociona más del futuro?
Me ha tocado atravesar… llevo más de 20 años haciendo ficción para TV y me ha tocado atravesar muchas etapas. Te puedo señalar el crecimiento que ha tenido este tema en la sociedad, desde mi punto de vista. Al inicio trabajé en una telenovela y recuerdo que censuraban a los personajes LGBT, y ahora son protagónicos. A mí me emociona mucho de trabajar en Warner esa completa apertura que se da y ese diálogo. Hemos hecho series en Argentina con estos temas, en Brasil, en México hicimos un documental sobre los muxes. Ha sido un esfuerzo que no solo ha tenido que ver con México, sino que se ha expandido a nivel panregional. Conectamos mucho con todas las comunidades creativas locales, y ellos son las que nos traen historias como estas. Se han dado porque nos hemos mostrado muy abiertos, a escuchar y a entender qué es lo que mueve a nuestros creativos de cada país. Es estar siempre muy atentos a saber por qué les mueve la historia. Dependemos de ellos, realmente: con ellos trabajamos. Las historias normalmente vienen de estas comunidades creativas de cada país. Ellxs están muy abiertos a crearlas. Entonces, el reto es seguir escuchándoles. A veces uno se desmoraliza mucho, cuando un gobierno avanza en temas LGBT y otro retrocede. Siempre habrá paredes que tumbar.
¿Consideras que, en temas de diversidad dentro de las plataformas, el papel de las comunidades creativas locales es clave?
Absolutamente, vengo de hecho de unas reuniones con una productora de hecho para un proyecto nuevo, y no son solamente esos diálogos los que nos ayudan a nosotros para generar historias nuevas. Ayer tuve una reunión con una editorial, para hablar de libros, por ejemplo, que toquen temas socialmente relevantes, y sean emocionantes, y que se puedan adaptar. Las ideas vienen de todos lados pero siempre surge de una mente creativa que nos mueve como sociedad y como empresa.
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