El cierre del año ha estado intenso, pues a pesar de que faltan unos meses para que termine el 2024, las plataformas de streaming siguen estrenando producciones interesantes y que han llamado la atención de todo el mundo. Tal es el caso de Netflix, quienes nos presentaron Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story

Luego del enorme éxito que fue la miniserie basada en el caso de Jeffrey Dahmer, el gigante del streaming decidió estrenar otra parte de esta antología tomando como referencia la historia de los hermanos Erik y Lyle Menéndez, quienes fueron condenados a cadena perpetua en 1996 por el asesinato de sus padres, José y Kitty Menéndez.

El caso de Lyle y Erik rápidamente atrajo un montón de atención mediática e incluso fue el primero que se televisó. Y es que todo el asunto creaba un montón de morbo, pues además de matar a sus papás con varios disparos a quemarropa, la fiscalía argumentaba que ambos cometieron el crimen para heredar la fortuna Menéndez, ya que se trataba de una familia adinerada involucrada en el mundo del entretenimiento.

A pesar de que a los dos los encontraron culpables del delito de asesinato en primer grado y conspiración homicida, los hermanos Menéndez siguen firmes hasta el día de hoy –mientras cumplen su condena tras las rejas– en que sus acciones se debieron al miedo y a llevar toda una vida de abuso físico, emocional e incluso sexual. Aunque jamás se pudo confirmar estas situaciones.

Platicamos con Javier Bardem, Chloë Sevigny y el elenco de ‘Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story‘

Después de 28 años de que el caso dio de que hablar en Estados Unidos, Netflix decidió llevarlo a la pantalla chica con Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story. Y vaya que para este título tiraron la casa por la ventana, pues más allá de la producción (que se ve que le metieron buena lana), armaron un elencazo de lujo con nombres muy grandes e importantes en el mundo del entretenimiento.

Aprovechando el estreno de esta miniserie, que llegó al catálogo del gigante del streaming el 19 de septiembre, tuvimos chance de platicar con los actores que dieron vida a Lyle, Erik, José y Kitty Menéndez (Nicholas Alexander Chavez, Cooper Koch, Javier Bardem y Chloë Sevigny respectivamente)… así como lo leen.

¿Y de qué charlamos con ellos? Bueno, pues entre otras cosas, los protagonistas de Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story nos contaron sobre que tanto cambió su perspectiva del caso Menéndez después de interpretar a los principales implicados e incluso del lado monstruoso que todos tenían en la familia. Además, claro, de darle más peso al contexto de cada uno de los participantes.

De eso y más hablamos con Javier Bardem, Chloë Sevigny y compañía. Pero, ¿quieren saber qué más nos platicó el elenco de Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story? Bueno, pues a continuación les dejamos la entrevista completa que nos aventamos con estos actorazos al respecto. Échenle un ojo y cuéntenos que les pareció en los comentarios.

La Liga MX Femenil está entrando en un terreno muy complicado, pues justo después de darse a conocer un presunto caso de acoso, ahora también existe una denuncia de racismo hacia las Bravas de Juárez.

FC Juárez denuncia insultos racistas a las Bravas en la Liga MX Femenil

Todo sucedió en el partido de la Jornada 13 entre Atlético de San Luis y FC Juárez Femenil, disputado en el Estadio Alfonso Lastras el pasado lunes 30 de septiembre. Jugadoras del plantel fronterizo escucharon gritos racistas hacia una de las futbolistas de las Bravas.

Es por ello que el club lanzó un comunicado este viernes, dando a conocer que presentaron una Solicitud de Apertura de Procedimiento de Investigación por Discriminación y Racismo ante la Comisión Disciplinaria de la Federación Mexicana de Fútbol.

“La Liga MX Femenil se ha caracterizado por ser un espacio seguro para las niñas y niños, un lugar donde las familias disfrutan la belleza del fútbol en su máxima expresión y deseamos que esa convivencia prevalezca en el respeto y la tolerancia dentro y fuera de la cancha”.

Jugadoras de Juárez Femenil denunciaron los gritos racistas en el partido contra San Luis

Fueron las propias jugadoras y cuerpo técnico de Juárez Femenil, quienes denunciaron los gritos racistas que lanzó la afición local de Atlético San Luis contra una futbolista de las Bravas, durante y después del partido en el Alfonso Lastras.

Renata Masciarelli fue quien alzó la voz con más fuerza: “A l@s que fueron al Alfonso Lastras a gritarle a nuestras compañeras obscenidades racistas, espero tengan la decencia de nunca presentarse más en un estadio de fútbol. Totalmente inaceptable, bajo y estúpido. Y a l@s que solo se quedaron sentados sin señalarlos… shame”, escribió la portera de las Bravalacticas en su cuenta de X.

Masciarelli sabe muy bien lo que es ser víctima de la violencia como jugadora de la Liga MX Femenil, por lo que está acostumbrada a alzar la voz a nombre de sus compañeras cuando la situación lo amerita. De hecho relató que se le avisó al cuerpo arbitral y a los comisarios sobre los insultos racistas, pero dijeron que “no podían hacer nada”.

Como decíamos, la Liga MX Femenil se ha visto afectada por diferentes casos de acoso y ahora también tenemos que hablar de racismo. Una pena justo cuando la llegada de extranjeras históricas atrae la atención internacional hacia nuestro futbol femenino.

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Todo lo que no sabías que necesitas saber lo encuentras en Sopitas.com

Cada año llega un nuevo cineasta con un título que marca la pauta en ciertas narrativas del cine. Hay películas que marcan un antes y un después en algunos géneros, otras que proponen un estilo completamente nuevo, unas que perfilan temáticas para los siguientes años y otras que definen la taquilla. Pero creemos fervientemente que 1999 fue el mejor año del cine

Ahora bien. Suena mayúscula esta sentencia. Y lo es. Y de ninguna manera pretendemos decir que es el único año en donde se han generado producciones importantes o determinantes. Pero lo que sí es una realidad, es que 1999 fue el año en el que más producciones y creadores cambiaron el rumbo del cine.

Así que por acá hacemos un recuento de las cintas definitivas de 1999, quiénes estuvieron detrás de ellas y cómo es que marcaron la industria, tanto para bien como para mal.

1999: El mejor año del cine

Magnolia

Paul Thomas Anderson

En 1996, Paul Thomas Anderson debutó con Hard Eight, seguida un año después por Boogie Nights, una película aún más destacada que la anterior. Sin embargo, fue con su tercer largometraje hasta 1999, que Paul Thomas Anderson definió su carrera… y lo interesante es que lo hizo a través de las vidas rotas de sus personajes.

Magnolia es una película enorme en todo sentido. Para empezar, dura más de tres horas, pero ni se sienten por la velocidad con la que cuenta una serie de relatos interconectados por diversas razones como la sangre, la soledad, el amor, la muerte. Todos los personajes que aparecen, están conectados, y aunque no se conocen, comparten la experiencia del dolor.

Y además, el elenco es brutal. Va liderado con Tom Cruise (quizá en su último intento “oficial” de buscar el Oscar) junto a Julianne Moore, John C. Reilly, Philip Seymour Hoffman, William H. Macy, Melora Walters, y muchos muchos más. Entre todos ellos hay personas que cuidan y otras que requieren de esos cuidados. Y el resultado con Magnolia es una lluvia inesperada, igual a las múltiples coincidencias que construyen las relaciones de los personajes.

Dato: La música de Aimee Mann inspiró a Paul Thomas Anderson para escribir el guion. Y eso no sólo se refleja en la creación de la canción original de “Save Me”, sino en que uno de los diálogos viene literal de una rola de Mann: se trata de “Deathly” en la parte que dice “Now that I’ve met you, would you object to never seeing me again?“.

Magnolia está disponible en Prime Video.

The Matrix

Hermanas Wachowski

A finales de marzo de 1999 se estrenó The Matrix, una película que marca un antes y un después en Hollywood, y cuya influencia dentro y fuera de la industria no se ha reducido, sino lo contrario, ha aumentado conforme sus estética y filosofía toma cierto sentido en las sociedades actuales.

Creada bajo el imaginario visual del anime, especialmente de Ghost in the Shell, las Wachowski contrataron al coreógrafo y especialista en artes marciales Yuen Woo-ping para realizar algunas de las secuencias más innovadoras que, después, marcaron otras producciones importantes como Kill Bill, por ejemplo, y además, situando en lo más alto el efecto conocido como bullet time.

The Matrix, inspirada directamente de la teoría de Simulacres et Simulation de Jean Baudrillard, nos habló de una realidad aterradora en la que los humanos sirven como baterías para las máquinas, las cuales crearon una simulación de lo que comprendemos cotidiano para mantener en línea a las personas (el control de sus mentes, lo único que podría revertir el mando).

Dato: The Matrix tuvo un presupuesto de 63 millones de dólares, y recaudó poco más de 460 en todo el mundo.

The Matrix está disponible en Prime Video.

Todo sobre mi madre

Pedro Almodóvar

Un artista como Pedro Almodóvar tiene películas más o menos exitosas en términos de crítica o taquilla. Pero en realidad, todas son monumentales. Cada uno de sus filmes resultan determinantes en cualquier aspecto de su producción, sobre todo en el diseño y el guion. Pero si hay una que resulta más representativa que la otra, es Todo sobre mi madre.

Para 1999, año en que se estrenó, Almodóvar ya tenía una larga lista de éxitos en el plano internacional. Pero es Todo sobre mi madre la que se mantiene como referente de aquellas parodias alrededor de los dramas más intensos. Y así, Todo sobre mi madre es una maravilla en cuanto al contraste que presenta en su historia.

Aquí se habla de los aspectos más “tradicionales” de las familias, de sangre y las elegidas, y que se traducen en amor, pero con personas que para la época (sino es que todavía) resultan trangresoras: mujeres trans, trabajadoras sexuales, monjas embarazadas, lesbianas, madres que han perdido a su hijos.

Dato: Todo sobre mi madre se llevó el Oscar, el Golden Globe, el César y el BAFTA en las categorías de Mejor Película Internacional, Extranjera o de Habla no inglesa.

Todo sobre mi madre está disponible en MUBI.

Fight Club

David Fincher

David Fincher cree que todas las personas son pervertidas. Lo ha dicho abiertamente en entrevistas, que todos los individuos del mundo guardan cierta apreciación por lo grotesco, que en términos culturales y sociales, se califica como prohibido. Es una premisa muy similar a la de Freud pensando que la cultura y las reglas que devienen de ella, causan un malestar en la sociedad.

Y todas esas perversiones, de cualquier índole, son las que han construido la filmografía de Fincher y a sus personajes, especialmente a los protagonistas de Fight Club, adaptación de 1999 de la novela homónima de Chuck Palahniuk sobre un grupo de pelea cuya primera regla es no mencionar la existencia de dicho club.

Aquí conocemos al Narrador, un sujeto blanco de clase media que tiene una suerte de crisis existencial respecto al lugar que ocupa en el rutinario mundo. Todo cambia cuando durante un vuelo, conoce a un hombre interesantísimo llamado Tyler Durden, el prototipo de macho alfa: guapo, sexy, agresivo, peligroso. Todo lo que el Narrador no puede ser hacia fuera, lo es Tyler… incluso un terrorista.

A 25 años de su estreno, Fight Club sigue dividiendo opiniones respecto a lo que representa a la sociedad. La conversación no va en términos fílmicos ni en reconocer la maestría de Fincher para contarnos una historia con uno de los plot twist más sorprendentes de todos.

Sino el significado de Tyler Durden, admirado por los incel, la extrema derecha y aquellos que perciben los valores tradicionales dentro de la virilidad que, irónicamente, respaldan el sistema capitalista y de consumo que al mismo tiempo Tyler quiere destruir…

Dato: El doble de Edward Norton filmó un total de 12 veces la escena en la que el Narrador cae por las escaleras. ¿Y saben cuál fue la toma que uso Fincher para la edición final? La primera. Perverso.

F*** Club está disponible en Disney+.

Eyes Wide Shut

Stanley Kubrick

En julio de 1999 se estrenó Eyes Wide Shut, la última película de Stanley Kubrick, considerado por muchos como el más grande director del siglo XX. Su filmografía completa, repleta de piezas que han generado una enorme influencia en otros grandes cineastas a la fecha.

Eyes Wide Shut no es la excepción, sino todo lo contrario. La cinta está llena de referencias a sus otras películas y detalles excepcionales que se suman a esa conocida genialidad, marcado por su perfeccionismo, mismo que lo llevó a arrancar extensas producciones. Para esta película, se chutaron 400 días de filmación más un año de edición.

Eyes Wide Shut es una pesadilla cargada de elementos sexuales con el protagónico del, para ese entonces, matrimonio conformado por Tom Cruise y Nicole Kidman, quienes interpretan a un doctor y su esposa que se mueven en los altos círculos sociales de Nueva York.

Una noche, después de una fiesta y de haber fumado marihuana, Alice le revela a Bill que durante unas vacaciones fantaseó con un joven, y que en realidad estaba dispuesta a arriesgarlo todo por estar con él una noche. La idea de Alice con otro hombre, de la posibilidad de eso, lleva a Bill a un recorrido nocturno en el que siempre se mantiene tentado a ceder ante el deseo.

Dato: El departamento de Bill y Alice, es una réplica exacta del apartamento que Kubrick y su esposa, Vivianne, tenían en la década de los 60 en Nueva York.

Eyes Wide Shut está disponible en Prime Video.

Buena Vista Social Club

Wim Wenders

No sabemos qué opinen, pero nosotros creemos que no cualquier director, por más genial que este sea, pueda pasar de las ficciones al documental con la misma maestría. Es decir que si son reconocidos por sus ficciones, independientemente del género, no siempre logran dar el paso al cine documental con el mismo peso.

Pero hay dos directores, curiosamente alemanes, que son impecables en ambos bandos: Werner Herzog y Wim Wenders. Este segundo es responsable de algunos de los títulos más bellos y devastadores que existen, tales como Paris, Texas de 1984 o Las alas del deseo de 1987.

Y también ha estado detrás de títulos documentales que simplemente son espectaculares, entre los que destaca Buena Vista Social Club de 1999, el cual nos muestra a un grupo de músicos cubanos, viejos y olvidados, que se reunieron para realizar un álbum titulado como la película, y que culminan en enormes presentaciones en Europa y Estados Unidos.

Dato: Buena Vista Social Club recibió una nominación al Oscar como Mejor Documental, pero perdió contra Un día en septiembre sobre los ataques contras atletas de Israel en los Juegos Olímpicos de 1972 en Múnich, Alemania.

Buena Vista Social Club está disponible en MUBI.

The Sixth Sense

M. Night Shyamalan

A largo de los años hemos visto un montón de finales inesperados en las películas. Lo que llamamos plot twist es una fórmula que es utilizada por muchos, pero en realidad, pocos la saben implementar. Y uno de los que mejor lo hacen es M. Night Shyamalan.

Ahora bien. Con Shyamalan ha sucedido algo extraño. Después de regalarnos uno de los plot twist más icónicos en The Sixth Sense, pareciera que se aferró a ellos y en cada una de sus cintas los aplica sin mucho éxito (al menos la mayoría de las veces)… pero, al menos tenemos uno que sigue siendo masivo.

The Sixth Sense fue un éxito inesperado en 1999 tras su estreno al recaudar más de 600 millones de dólares y obtener varias nominaciones al Oscar, incluidas Mejor Película y Director. La cinta nos presenta a un psicólogo que comienza a tratar a un niño que tiene la capacidad de ver gente muerta.

Dato: Bruce Willis trabajó en The Sixth Sense de manera “forzada” como parte de un contrato de tres películas con Disney: Armaggedon, The Sixth Sense y The Kid. ¿Por qué? Porque había participado como actor y productor de una cinta en la que terminó por desechar al director y equipo de producción, marcando una pérdida enorme para el estudio.

The Sixth Sense está disponible en Disney+.

Notting Hill

Roger Michell

¿Podemos decir que la década de los 90 fue la mejor época de las comedias románticas? Es más, no sólo lo decimos, sino que lo aseguramos, y los mejores ejemplos son dos títulos protagonizados por Hugh Grant: Cuatro bodas y un funeral de 1994 y Notting Hill de 1999.

Ambas películas tienen grandes protagonistas, buenos diálogos, historias impecables y además, eran un tanto “revolucionarias” para su época con relatos asociados a la diversidad sexualidad y expresiones de género. Y además, entre las exageraciones propias de estas comedias, hay algo de realismo.

En el caso de Notting Hill, en donde Grant se acompañó de Julia Roberts, hablan de la complicada vida de una estrella de cine llamada Anna y cómo todo parece un obstáculo para su felicidad, la cual se manifiesta en la torpe pero dulce personalidad de William, un sujeto que dirige una tienda de libros en Londres.

Sabemos perfectamente que nada de lo que sucede entre ambos personajes puede suceder en la vida real, o mejor dicho, las probabilidades son pocas. Pero insistimos en que lo que hace a Notting Hill algo tan maravilloso, es en la forma en la que los personajes principales, dentro de esta fantasía, se manifiestan de maneras muy reales.

Dato: La inspiración para el personaje de Anna Scott no fue Julia Roberts, sino las actrices Grace Kelly y Audrey Hepburn.

Notting Hill está disponible en Prime Video.

La ley de Herodes

Luis Estrada

Sí, existe una época de oro en el cine mexicano que se llevó a cabo entre la década de los 40 y los 50, con grandes realizadores y actores que hasta la fecha forman parte del imaginario colectivo. Estas cintas fueron tan importantes, que definieron la idiosincracia del mexicano hacia afuera.

Pero en la última década de los siglo XX, surgió una nueva ola de cineastas y actores que volvieron a marcar una pauta, la cual se distingue por la severa crítica social, política y económica entre las múltiples realidades en el país. Considerando esto, podemos decir que la más reveladora de todas es La ley de Herodes.

Dirigida por Luis Estrada en 1999, esta cinta formó parte de una trilogía que tomó las sátiras políticas para hablar de los absurdos discursos políticos que, hasta ese entonces, los dictaba el PRI (el partido que un año después, perdería el máximo poder tras 70 años de “dictadura”).

La ley de Herodes está ambientada en la década de los 40 y tiene como protagonista a Juan Vargas, un sujeto que de la nada, se convierte en el presidente municipal de un pequeñísimo pueblo, esto tras el asesinato del anterior en manos de los pobladores.

Juan llega con una enorme Constitución en las manos para hacerla valer al pie de la letra, lleno de aspiraciones genuinas para mejorar el lugar. Pero pronto se encuentra con las posibilidades de la corrupción y el mísero funcionamiento de una estructura que dicta las reglas desde arriba.

Dato: Previo a su estreno, La ley de Herodes tuvo varios intentos de censura por parte de las autoridades. Por ejemplo, de acuerdo con Luis Estrada, sin su permiso se proyectó en la Cineteca Nacional en donde las funcione eran interrumpidas o se anunciaba que las entradas estaban agotadas.

La ley de Herodes está disponible en Netflix.

Star Wars: Episode I – The Phantom Menace

George Lucas

Sí, sí. Sabemos que a la mayoría no les gustan los primeros tres episodios de Star Wars. Opinan que la calidad de estas producciones en menor frente al Episodio IV, V y VI. Que a pesar de la tecnología, no lograron replicar las innovaciones visuales de las cintas de los 70 y 80. Incluso las actuaciones, ya ni qué decir de algunos personajes (cof cof Jar Jar Binks).

Pero, en este perfil amamos estas tres producciones, en especial la primera entrega titulada The Phantom Menace. Esta cinta no sólo trajo de vuelta el universo de George Lucas tras más de 15 años de ausencia, sino que nos mostró los primeros rostros de los nombres más emblemáticos como Obi-Wan Kenobi y Anakin Skywalker, sumado a los nuevos personajes como Padmé o Qui-Gon Jinn.

La amenaza fantasma, por su título en español, sigue la misión de Qui-Gon Jinn junto a su padawan Obi-Wan en Naboo, planeta liderado por la reina Amidala, y la cual se enfrenta a la Federación a partir de un bloque comercial. Todo esto lleva a nuestros protagonistas al desértico planeta de Tatooine en donde vive un niño que promete contener toda la Fuerza… para bien o para mal.

Star Wars: Episode I está disponible en Disney+.

El proyecto de la bruja de Blair

Algunas películas de horror son especiales a partir de que las audiencias creen que se trató de una situación real. Y aquí hay dos bandos: los que creen que está basada en hechos reales y los que creen que lo que se ve en la pantalla es parte de la realidad. Y en ambos casos es que cae El proyecto de la bruja de Blair de 1999.

Esta película (que costó 300 mil dólares en su producción) toma el found footage como base para mostrarnos a un grupo de jóvenes cineastas que en 1994, se lanzan a un bosque en busca de pruebas sobre la existencia de una bruja. Pero esos desparecen, y alguien encuentra, a su vez, los videos de lo que encontraron y lo incierto de su paradero.

El proyecto de la bruja de Blair fue todo un fenómeno fílmico que recaudó más de 250 millones de dólares en la taquilla. Lo interesante de esta premisa, más allá de su narrativa, es el planteamiento del horror fuera de lo sobrenatural, sino apelando a los instintos humanos y a lo que reconocemos, naturalmente, como peligroso.

Dato: La filmación duró ocho días, y por cada día de trabajo, a los actores les pagaron mil dólares… mil dólares por una de las películas más redituables de la década de los 90.

El proyecto de la bruja de Blair está disponible en Prime Video.

Toy Story 2

John Lasseter

Toy Story fue la primera película de Pixar Animation Studios que se estrenó en 1995. De ahí, el resto es historia para el estudio, el mundo de la animación y la franquicia centrada en unos juguetes que, en secreto, están llenos de vida y reconocen su entorno en cuanto al niño con el que viven.

La idea, solita, es una genialidad. Y creemos que haciéndose la misma pregunta pero con distintos entes, es que Pixar ha construido su filmografía: ¿qué pasa si los juguetes tienen sentimientos?… ¡¿cómo sería si los sentimientos tuvieran… sentimientos?!

Tras el éxito de la primera entrega, en 1999 John Lasseter se armó la segunda entrega, la cual es igual de poderosa que la primera (muy al estilo de El padrino) y que nos trae de regreso al cuarto de Andy junto a Woody y Buzz, quienes se embarcan en una aventura en la que conocen a nuevos juguetes que deben arriesgarse, una vez más, para acompañar a un niño mientras crece.

Dato: Toy Story 2 es la tercera película más taquillera de 1999 después de The Sixth Sense y Star Wars: Episode I.

Toy Story 2 está disponible en Disney+.

10 cosas que odio de ti

Gil Junger

Más arriba en el listado hablamos de los 90 como la mejor época de las comedias románticas, y pusimos de ejemplo Notting Hill de 1999. Relacionado a esto, también podemos decir que esta década alcanzó el máximo entre las producciones centradas en adolescentes con Clueless, The Craft, Scream, Kids, Sé lo que hicieron el verano pasado… un montón.

Pero entre las comedias adolescentes, específicamente de 1999, está 10 cosas que odio de ti. JOYA. Ese mismo año se estrenaron otros títulos populares del mismo estilo como She’s All That, pero es esta cinta de Gil Junger la que se mantiene en nuestro imaginario con más fuerza. Y en parte, es justo decirlo, por la icónica escena de Heath Ledger cantando.

10 cosas que odio de ti está inspirada en La fierecilla domada de William Shakespeare y nos presenta a unas hermanas de Seattle. Bianca es popular y linda y la otra, Kat, es más seria. Bianca no puede tener citas si la otra no lo hace, por lo que uno de sus intereses amorosos convence al chico malo de la escuela (con dinero) para que invite a salir a Kat.

Dato: El estudio detrás de 10 cosas que odio de ti consideraron como protagonistas a Katie Holmes y James Van Der Beek de Dawson’s Creek. Pero el director se negó a favor de buscar rostros nuevos.

10 cosas que odio de ti está disponible en Disney+.

The Virgin Suicides

Sofia Coppola

1999 estuvo lleno de grandes debuts. Uno de los más recordamos y llevamos en el corazón es el de Sofia Coppola con The Virgin Suicides. Para empezar, y siendo muy honestos, nadie esperaba un futuro prometedor para Sofia, al menos no como actriz después de participar en un personaje terrible en la tercera entrega de El padrino, dirigida por su padre Francis Ford Coppola.

Sin embargo, esto no significa nada pensando que lo que realmente quería Sofia Coppola era dirigir, no actuar. Y fue así como tomó la novela homónima de Jeffrey Eugenides y la convirtió en una película definitiva. La historia está protagonizada por unas hermanas que se suicidan. Todas. Al mismo tiempo.

Pero antes de que esto suceda, la directora nos mete de lleno en los aspectos más íntimos de sus vidas, de sus casas y de las expectativas que los demás tienen sobre ellas. La cinta está protagonizada por Kirsten Dunst, Hanna Hall, Leslie Hayman, AJ Cook, Chelse Swain, James Woods y Kathleen Turner.

The Virgin Suicides está disponible en Pluto TV.

American Beauty 

Sam Mendes

American Beauty fue el debut de Sam Mendes con un largometraje. Esto nos parece extraordinario, porque a pesar de ser un drama bastante denso respecto a las rupturas familiares y el abandono emocional de los hijos, es una de las cintas que más reconocemos dentro de la cultura pop.

Otra cosa que la hace tan única es que mezcla la comedia a partir de las decisiones que los personajes principales, el matrimonio de los Burnham interpretado por Annette Bening y Kevin Spacey, toman. Es absurdo lo que hacen y dicen. Pero se convierte en la mayor tragedia de todas considerando las consecuencias de dichas decisiones.

Lester es un hombre que nadie recuerda. Su esposa no le hace caso, su hija parece que lo odia y en su trabajo no hace nada indispensable. La cinta arranca diciéndonos que va a morir en un año, pero que en realidad, ya está muerto. Y lo que le sigue es una suerte de despertar en la que intenta recuperar los años perdidos. A lo que Mendes nos pregunta: incluso muertos, ¿es demasiado tarde para revertir los errores?

Dato: El póster de American Beauty es uno de los más reconocibles entre las películas. En él vemos el vientre de una mujer y una mano sosteniendo una rosa. La cosa es que son dos personas distintas. La mano es de Christina Hendrick mientras el abdomen es de Chloe Hunter

American Beauty no está disponible.

American Pie

Paul Weitz

American Pie es una película centrada en cuatro adolescentes que hacen la promesa de perder su virginidad antes de irse a la universidad. Es muy simple, pero también efectiva. Y además, se permitieron todos los chistes relacionados al (mal) sexo pensando en una época en donde había producciones más abiertas al tema.

Las reseñas iniciales de esta cinta la tachaban como una coming-of-age tonta, burda y cochina que mostraba lo peor de las adolescencias respecto a su desarrollo psicosocial y sexual. Pero con el tiempo, tomó cierta relevancia entre las nuevas audiencias, e influenció otras comedias centradas en la temática del despertar sexual de los jóvenes.

Dato: El primer título del guion de American Pie era Untitled Teenage Sex Comedy That Can Be Made For Under $10 Million That Most Readers Will Probably Hate But I Think You Will Love. Quizá por eso nadie, absolutamente nadie, quería dirigir la primera cinta.

American Pie no está disponible.

MENCIONES ESPECIALES (y dónde ver algunas)

Green Mile de Steven Spielberg (disponible en Prime Video)

Being John Malkovich de Spike Jonze (no disponible)

Tarzán de Chris Buck y Kevin Lima (disponible en Disney+)

Audition de Takashi Miike (no disponible)

Girl, Interrupted de James Mangold (disponible en Prime Video)

eXistenZ de David Cronenberg (no disponible)

Boys Don’t Cry de Kimberly Peirce (disponible en Disney+)

The Straight Story de David Lynch (no disponible)

La momia de Stephen Sommers (disponible en Prime Video)

Cruel Intentions de Roger Kumble (no disponible)

Tea with Mussolini de Franco Zeffirelli (no disponible)

El gigante de hierro de Brad Bird (no disponible)

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