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Películas de terror, las mejores de la historia
¿Por qué nos gusta el terror? ¿Qué tiene esa sensación de adrenalina que activa nuestro instinto «pelea-huída» que nos es tan atractivo? El mismo impulso que nos hace subirnos a montañas rusas, aventarnos de paracaídas y rebasar el límite de velocidad un poquito de más es el que nos atrae a las películas de terror.
Este fenómeno fue identificado por los primeros cineastas de la historia. Aquellos pioneros cuentahistorias ya jugaban con nuestras emociones para crear algunas de las cintas más aterradoras de todas. Por supuesto, el tiempo ha hecho que aquellas primera películas de terror luzcan incluso inocentes bajo nuestros ojos modernos. Aún así, vale mucho la pena conocer aquellos títulos (muchos de ellos todavía muy efectivos como películas de terror).
Aquí te presentamos nuestra lista de mejores películas de terror de la historia: una mezcla variada de títulos clásicos y modernos.
Nota: Debido a su importancia para el género, las películas de terror se encuentran en orden cronológico.
Películas de terror, las mejores de la historia
Nosferatu (1922)
Director: F. W. Murnau
Reparto: Max Schreck, Alexander Granach, Gustav von Wangenheim y Greta Schröeder
Un corredor de bienes raíces se adentra en la misión de vender un castillo que pertenece al excéntrico conde Graf Orlock. Lo que no conoce, es que este ser es, en realidad, un vampiro milenario que acechará a los habitantes de una ciudad germana.
Aunque la historia de la cinta es a todas luces intrigante, la polémica detrás de cámaras es, para algunos, lo más interesante que ha dejado este clásico. Se trata de una adaptación no autorizada de la novela de Bram Stoker. Por lo tanto, los nombres de los personajes fueron cambiados y un tribunal ordenó que se destruyeran las copias existentes. Afortunadamente, algunas fueron enviadas al extranjero y por ello la cinta sobrevivió a pesar de los obstáculos.
Como dato curioso, el icónico vampiro no sale en pantalla más de 9 minutos, lo cual refuerza la teoría de que, en el cine de terror, menos es más. Además, es la primera película que retrata la muerte de un vampiro gracias a la luz del sol.
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Nosferatu está disponible en YouTube gratis.
Los monstruos clásicos de Universal
Directores: Wallace Worsley, Rupert Julian,Tod Browning, Karls Freund, James Whale, George, Waggner y Charles Barton
Reparto: Bela Lugosi, Boris Karloff, Colin Clave, Mary Shelley, Claude Rains, Lon Chaney Jr., Bud Abbott, Lou Costello
Durante dos décadas, Universal desarrolló una serie de películas de terror que le dieron un nuevo significado al concepto de los monstruos. Desde vampiros hasta un hombre invisible, estas películas representaron el inicio de una gran época para el género.
Las películas de estos personajes sirvieron como un claro ejemplo de la influencia que tuvieron las corrientes cinematográficas de la época surgidas tras los horrores de la Primera Guerra Mundial. El cine estadounidense se dejó atrapar por la estética tan atractiva que dichas corrientes presentaron como una forma de llevar tanto sufrimiento a la pantalla.
De esta forma, Drácula, Frankenstein y hasta El hombre lobo (los personajes) se encargaron de aterrorizar durante décadas a una audiencia que buscaba en el cine una forma de escape ante lo que sucedía a su alrededor.
En 2017, Universal buscó revivir estos icónicos seres a través de su publicitado Dark Universe. Sin embargo, el fracaso crítico y comercial de La momia, con Tom Cruise, enterró todos los planes de una franquicia que ya contaba con Johnny Depp, Russell Crowe y Sofia Boutella entre sus filas. Curiosamente, El hombre invisible, una versión libre y sin tantas pretensiones del clásico personaje, resultó muchísimo mejor recibida en 2020.
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Algunas de estas películas se pueden encontrar en plataformas como Apple TV, Google Play y Claro Video
Psicosis (1960)
Director: Alfred Hitchcock
Reparto: Anthony Perkins, Janet Leugh, Vera Miles y John Gavin
Tras robar el dinero que su jefe le encomendó depositar en el banco, Marion Crane y su amante, Sam Loomis, deciden escapar. Pero su estancia en el Motel Bates tendrá todo menos tranquilidad y descanso.
En una época donde la censura cinematográfica estaba a la orden del día, Alfred Hitchcock, “el maestro del suspenso”, llevó la violencia y el horror a límites a los que el público no estaba acostumbrado. ¿Quién no se acuerda de la icónica escena en la ducha donde Marion tiene un terrible final? Bueno, el trabajo de todo el equipo valió la pena, pues se requirió toda una semana de filmación para lograrla.
Más allá del terror que generan dicho momento y los personajes, Psicosis representó un antes y un después en muchos sentidos. La estructura de la cinta se atrevió a jugar con los espectadores, pues no era común ver a un personaje principal (Marion) siendo asesinado tan pronto. Además, fue una de las primeras películas en evitar la propagación de spoilers, pues su sorpresivo final tenía que vivirse en los cines. Incluso se utilizó la frase “No cuente nuestro final ¡Es el único que tenemos!” para promocionar esta violenta y estimulante experiencia.
Y tú… ¿con qué tranquilidad volviste a tomar una ducha tras ver la película?
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Psicosis está disponible en HBO Max.
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La noche de los muertos vivientes (1968)
Director: George A. Romero
Reparto: Judith O´Dea, Russell Streiner, Duane Jones y Karl Hardman
Las radiaciones de un satélite provocan que los muertos salgan de sus tumbas y se alimenten de personas. En una granja, Barbara y un grupo de refugiados harán resistencia ante los zombies.
Para George A. Romero, el terror iba mucho más allá de las ideas antiguas como castillos, personajes rodeados de oscuridad y formas estéticas excesivas. La noche de los muertos vivientes representó una de las primeras veces en que el cine de terror se introducía en la cultura pop. Claro que hay guiños a los clásicos del género, pero se nota un intento de cambiar las reglas del terror.
Un dato curioso muy interesante es que fue una de las primeras producciones en olvidarse del sistema de estudios, pues era muy difícil que los productores tradicionales aportaran dinero a una cinta de este tipo. Sus creadores la rodaron de forma independiente y con sus propios recursos técnicos y económicos. Esta situación originó que La noche de los muertos vivientes cuente con una estética muy realista. Por otro lado, fue una de las primeras cintas que lanzó a los zombies a la popularidad.
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El bebé de Rosemary (1968)
Director: Roman Polanski
Reparto: Mia Farrow, John Cassavetes, Sidney Blackmer y Ruth Gordon
La vida de un matrimonio cambia cuando ella queda embarazada y comienza a comportarse de forma extraña. Poco a poco, la aterradora verdad sobre el bebé sale a la luz.
Este es uno de los clásicos más recordados del cine de terror. Con esta cinta, Roman Polanski marcó un precedente y generó inspiración para muchísimas cintas que, en su gran mayoría, no le llegan ni a los talones.
Pocos saben que El bebé de Rosemary está inspirada en una novela de 1967, pero eso no le quita el gran mérito que aún tiene en la actualidad. Como buena historia de terror, se dice que una maldición rodeó la producción de la cinta. Lo más apasionante de El bebé de Rosemary es que no recurre a un terror visceral ni abusa de los aspectos sobrenaturales de la historia. El miedo viene de aspectos reales, como la manipulación ejercida en ella y la conspiración alrededor de este matrimonio que no le hacía daño a nadie. ¿Acaso conoces bien a tus vecinos?
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El exorcista (1973)
Director: William Friedkin
Reparto: Linda Blair, Ellen Burstyn, Max Von Sydow y Jason Miller
Tras jugar con la ouija, una niña es poseída por un demonio. Después de que fenómenos paranormales cada vez más violentos se manifiesten en su hogar, la madre de esta acude con un sacerdote para que la ayude a liberar a la pequeña.
Para muchos, El exorcista es la mejor película de terror de todos los tiempos. A casi 50 años, esta historia sigue siendo un referente para muchos directores que experimentan con el cine de terror. Icónicas escenas como la de Regan girando su cabeza o bajando las escaleras de una forma muy particular son revisitadas constantemente por los fans del género. La lucha del bien contra el mal está planteada de una forma extraordinaria, con momentos que provocaron pesadillas en muchos espectadores. El terror en esta cinta es tan intenso que incluso en la filmación pasaron cosas extrañas. Uno de los sets se incendió, miembros de la producción fallecieron y varios actores sufrieron pérdidas familiares. Una nueva trilogía de la franquicia ya se encuentra en producción y se espera que estrene en 2023, pero… ¿realmente alguien la pidió?
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La masacre de Texas (1974)
Director: Tobe Hooper
Reparto: Marilyn Burns, Allen Danziger, Paul A. Partain y William Vail
El viaje de unos amigos termina por convertirse en pesadilla cuando se encuentran con una familia que no planea dejarlos vivos.
Aunque la anécdota es ideal para una película de terror, lo más escalofriante es descubrir que el antagonista en cuestión, Leatherface, está basado en Ed Gein y sus terribles crímenes, en los que construyó muebles tapizados con piel humana, coleccionó vísceras refrigeradas y demás atrocidades.
Otro aspecto que probablemente no conocías y te dejará intranquilo, es que el director Tobe Hooper llevó a sus actores al límite para darlo todo en las escenas: compró huesos humanos en la India y los llevó al set, trabajó con vísceras de perro muerto y creó condiciones que llevaron al elenco a sentirse verdaderamente mal. ¿Una película como esta valía todo ese esfuerzo?
Como era de esperarse, se desarrollaron muchísimas secuelas a esta película, incluida una que recién estrenó a través de Netflix, pero ninguna se acerca al miedo que provoca la original.
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Halloween (1978)
Director: John Carpenter
Reparto: Jamie Lee Curtis, Donald Pleasence, Nancy Kyes y P.J. Soles
El pequeño Michael Myers asesina a su hermana en la noche de Halloween de 1963. Tras escapar del psiquiátrico donde fue recluido, no hace más que buscar venganza.
Esta cinta dio inicio a una de las franquicias más representativas del género. ¿Quién no reconoce los icónicos créditos acompañados de esa melodía tan particular que, por cierto, fue hecha en tres días? En los 70s, cuando Halloween llegó a los cines, el cine de terror ya tenía varias representantes muy destacadas. Si Psicosis sentó las bases de lo que debía ser un slasher, Halloween terminó por perfeccionarlas, dejó para la historia a un villano inigualable: Michael Myers, e introdujo la figura de “la chica final”, es decir, la valiente protagonista que sobrevive a todos los asesinatos y puede desafiar al villano con gran fuerza. En este caso, Jamie Lee Curtis llegó al estrellato como Laurie Strode, la chica final de Halloween.
Por cierto, este octubre llegará la que promete ser la última cinta de la franquicia. ¿Qué tan brutal será el enfrentamiento entre Laurie y Michael? Faltan pocos meses para saberlo…
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Alien El octavo pasajero (1979)
Director: Ridley Scott
Reparto: Sigourney Weaver, John Hurt, Tom Skerritt y Veronica Cartwright
En una misión espacial, los tripulantes despiertan una vez que el ordenador central ha detectado una forma de vida desconocida en un planeta cercano. Entonces, la nave se dirige a explorar el territorio.
Más allá de sus aportaciones a la ciencia ficción, Alien se encargó de aterrorizar a la audiencia explorando las posibilidades de lo desconocido. Su legado es tan importante que sigue siendo una de las películas más recordadas de la época.
Uno de los atractivos de esta cinta es que, conforme van pasando los minutos, tanto espectadores como personajes tenemos las mismas preguntas sobre lo que sucede en ese planeta desconocido. La historia nos mete de lleno en los descubrimientos y el suspenso de no saber qué espera a solo unos pasos de distancia. Un gran acierto de Ridley Scott es que nos da vistazos a cuentagotas del xenomorfo, por lo que el miedo se hace presente sin saber exactamente cómo es la criatura que lo causa.
Desafortunadamente, lo que inició como una obra innovadora, terminó por convertirse en una franquicia hecha más por dinero que por verdadero interés en este espectacular mundo. Pero por suerte para los fans, siempre podemos regresar a la cinta original.
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El resplandor (1980)
Director: Stanley Kubrick
Reparto: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd y Scatman Crothers
Jack Torrance y su familia se hospedan en el hotel Overlook. Él busca escribir su nueva novela, pero sus planes se ven interrumpidos cuando diversos fenómenos paranormales ponen en peligro su estabilidad física y emocional.
Esta es considerada, junto a El exorcista, una de las obras de terror más sobresalientes de todos los tiempos. Basada en la novela de Stephen King, quien odio la película, El resplandor desafió a los espectadores con múltiples capas que no todos entendieron. Por un lado, tenemos una cinta de terror con maldiciones antiguas, fantasmas del pasado y secretos que se van descubriendo a lo largo de sus casi dos horas y media de duración.
Pero por otro, hay quienes han visto más allá y hablan de una historia con tintes psicológicos, en la que los fantasmas y presencias del Overlook son solo referencias de temas más complejos como las frustraciones humanas, las obsesiones y los propios demonios internos. No importa qué veas tú en El resplandor, prácticamente todos coincidimos en que se trata de una cinta capaz de aterrorizar a generación tras generación, y eso pocos lo logran.
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Se encuentra disponible en HBO Max.
Director: John Carpenter
La cosa (1982)
Reparto: Kurt Russell, Keith David, Wilford Brimley y T.K. Carter
En la Antártida, unos investigadores descubren a un ente que había permanecido enterrado en la nieve durante muchísimas generaciones. Al descongelarse, comienza el caos.
John Carpenter vuelve a aparecer en este listado tras su impacto en los slashers con Halloween. Aunque muchos la consideran como una obra mucho más comercial, lo cierto es que Carpenter mantiene su estilo y nos brinda imágenes completamente gráficas. Al tratarse de una criatura de la que se sabe poco, la película aprovecha para construir un suspenso inmejorable y, como sucede con Alien, el espectador comparte las mismas dudas que los investigadores.
Como suele suceder con los clásicos, La cosa no fue muy bien recibida en su tiempo, pero los años le han hecho justicia y muchos fanáticos ahora la reconocen como una película fundamental en su género. Como dato curioso, los productores dudaban de la capacidad de Carpenter en la dirección, por lo que estuvieron a punto de encomendar la tarea a Tobe Hopper.
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Ringu (1998)
Director: Hideo Nakata
Reparto: Nanako Matsushima, Miki Nakatani y Hiroyuki Sanada
Entre los estudiantes de una ciudad japonesa circula la leyenda de unos videos malditos que cobran la vida de quien lo vea. Una periodista investigará cómo surgieron los videos.
La trama de Ringu es una de las más populares dentro del cine de terror. Ya sea que la hayas conocido en su versión original o en el remake americano, pero la leyenda de un video que te mata unos días después de haberlo visto, es una de las más intrigantes. El éxito fue inmediato, pues se trata de la película de terror más rentable en la historia del cine japonés, y vaya que allá les encanta el género.
¿A qué se debe su estatus como una de las películas más aterradoras de la historia? Básicamente, a lo sencillo de su premisa y cómo nos podemos identificar con ella. A todos nos gusta ver películas, ¿cierto? ¿Qué pasaría si una tiene una maldición?
Gracias a su originalidad y verdadero terror, los ojos de muchos fanáticos se posicionaron sobre el terror japonés, que ha desarrollado una estética muy interesante e inspiradora para otras cintas no solo de aquella nación.
Como dato curioso, cuando el DVD se vendió en Reino Unido, se incluyó un aviso legal: “Se exonera a la distribuidora de responsabilidad ante cualquier daño o perjuicio que pudiera sufrir el usuario como consecuencia de ver esta película”. Interesante…
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El proyecto de la Bruja de Blair (1999)
Directores: Daniel Myrick y Eduardo Sánchez
Reparto: Heather Donahue, Michael C Williams y Joshua Leonard
La leyenda dice que una bruja acechaba un pueblo de Maryland, así que tres estudiantes se adentran en un bosque para descifrar si lo que se dice es cierto. Jamás se les volvió a ver.
Si el found footage gozó de una gran popularidad en los últimos años, no se debe solo a Actividad paranormal. A finales de los 90s, El proyecto de la Bruja de Blair se convirtió en una de las películas de terror más comentadas porque el público que asistía a los cines no sabía si se trataba de una historia ficticia o de filmaciones reales pertenecientes a las víctimas. Gracias a que el elenco no era conocido y a una campaña publicitaria brutal, en la que se desataron cientos de rumores y anuncios falsos sobre los estudiantes desaparecidos, esta cinta logró un éxito que en ese entonces era poco visto dentro del género.
Una filmación con dos cámaras domésticas, apenas tres actores y un presupuesto de $300 mil dólares se convirtió en una taquilla mundial de $300 millones de dólares. Eso es a lo que yo llamo un negocio redondo.
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Saw (2004)
Director: James Wan
Reparto: Cary Elwes, Leigh Whanell y Danny Glover
Adam se despierta dentro de una cámara subterránea. Se encuentra atado a un tubo oxidado. A su lado se encuentra otro hombre encadenado, y en medio de ellos está un cadáver. Ambos son víctimas de Jigsaw, un asesino que les ha dejado sangrientas pistas para resolver el misterio.
Justo cuando las películas de terror estaban llegando a un estancamiento, el director James Wan y el escritor Leigh Whanell le dieron una muy necesaria refrescada a las historias de asesinos. La brutalidad en pantalla no era una novedad, por lo que Saw reformuló las historias de psicópatas para presentar juegos llenos de una originalidad bastante repugnante.
Desde los primeros momentos, Jigsaw se convirtió en uno de los villanos más amenazantes del cine de terror. Su sadismo e ingenio resultó novedoso, pero a la vez aterrador. Pocas veces la violencia había sido tan gráfica en una película de este tipo. Además de sus aportaciones al género de terror, fuimos testigos del nacimiento de uno de los cineastas más interesantes y exitosos de la actualidad: James Wan, a quien, por cierto, visitaremos con otra cinta.
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El conjuro (2013)
Director: James Wan
Reparto: Patrick Wilson, Vera Farmiga, Ron Livingston y Lily Taylor
La familia Perron se muda a un nuevo hogar. Tras una serie de fenómenos paranormales, deciden acudir a Ed y Lorraine Warren, demonólogos que enfrentarán a un ser maligno muy peligroso.
Yo sé que muchas películas de terror comparten la misma fórmula, y El conjuro no es la excepción: familia ideal se muda a una casa que a todas luces se ve embrujada, cosas raras empiezan a pasar, alguien de la familia no cree en fantasmas, y a medida que todo empeora, no les queda de otra más que unirse para salvar sus almas. ¿Entonces qué la hace tan especial?
Como si de un salvador se tratara, James Wan volvió a refrescar el cine de terror con una historia que a todos nos parece familiar. La diferencia con otras cintas, es que Wan y sus guionistas se esforzaron para darnos personajes que sí nos caen bien y resultan empáticos. Sumémosle un gran reparto en el que Patrick Wilson y Vera Farmiga forman una adorable pareja, sustos muy bien medidos, una atmósfera aterradora, música que no llega a ser estridente, y como resultado tenemos una de las películas que más miedo han dado en los últimos años. El miedo llegó a tal nivel que varios cines en Filipinas fueron bendecidos antes y después de cada función.
El éxito de esta cinta fue tan grande que desató un universo cinematográfico con 7 películas en su haber.
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¡Huye! (2017)
Director: Jordan Peele
Reparto: Daniel Kaluuya, Allison Williams, Catherine Keener y Bradley Whitford
Un joven afroamericano visita a la familia de su novia blanca por primera vez. Sin embargo, pronto se da cuenta de que la gente de color tiene un trato muy especial en ese hogar.
Esta es, simple y sencillamente, una de las películas más aterradoras que verás en tu vida. Lo irónico del asunto es que no hay fantasmas o demonios, ni siquiera un pequeño rastro de alguna maldición familiar. Lo único que encontrarás es la realidad. ¡Huye! es un ejercicio muy interesante que retrata la sensación que todos hemos experimentado al conocer a nuestros suegros por primera vez. Esa intriga, ese miedo, la sensación de vacío en el estómago, pero aquí con un nuevo significado: “¿Qué pensarán de mí por no ser blanco?”
Con una muy atinada mezcla de comedia, imágenes perturbadoras y mucha sangre, Jordan Peele logró una película que será recordada por generaciones. Además, el factor sorpresa está muy bien integrado, pues aun cuando tengas tus sospechas de lo que esconde esta familia tan dañada, la revelación de su plan te sorprenderá.
¿Quieres más razones para verla? Variety la nombró la mejor película de terror de la última década, e incluso ganó un Óscar a Mejor Guion Original.
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en este documental, un hipopótamo narra la crisis ambiental provocada por Pablo Escobar
Desde mediados de la década de los 80, Colombia enfrenta una peculiar crisis ambiental. Resulta que, un día, al conocido narcotraficante Pablo Escobar se le ocurrió que, en su zoológico privado, ubicado dentro de la finca apodada como Casa Nápoles, faltaban ejemplares de una especie: hipopótamos. Así, mandó traer a su tierra, primero desde África y después desde Estados Unidos, a cuatro de estos animales. Lo que él no imaginaba era que dos de ellos escaparían de la finca y se reproducirían, iniciando una sobrepoblación incontrolable.
Hoy ya son más de 170 hipopótamos los que rondan por el territorio colombiano, y la realidad es que su estancia en la región preocupa no sólo por el bienestar de los pobladores de las áreas cercanas al río Magdalena, donde los animales prefieren estar, sino porque no se tienen los recursos necesarios para que vivan ahí. Ante las llamadas a la acción, las autoridades no escuchan. Y los migrantes de cuatro patas y grandes mandíbulas siguen ahí. Ese es su nuevo hogar, aunque no lo hayan elegido.
Si bien la situación no se ha atendido de la debida forma, en 2007 sucedió algo que puso la problemática bajo el foco público, pues un grupo de cazadores asesinó a uno de estos hipopótamos traficados para satisfacer una personalidad estrafalaria. La prensa se encargó de darle un nombre al animal: Pepe.
El cineasta dominicano Nelson Carlo de los Santos Arias se enteró de esta historia y se puso manos a la obra para trasladarla a la pantalla. El resultado es en partes iguales una sátira del capitalismo y de los absurdos de las excentricidades, además de un ejercicio de estilo que derriba las barreras entre el documental y la ficción. Todo mientras el tenaz Pepe nos narra su travesía mediante voz en off.
En entrevista, el director del documental Pepe nos cuenta cuáles fueron las decisiones que informaron su cinta.
El documental tiene esta escena en la que vemos un letrero de la Casa Nápoles que, de manera muy irónica, dice: “Por favor, no alimentar a los animales. Protejamos a los animales”. Pero creo que, si algo no estaba haciendo Pablo Escobar, al mandar traer estos animales (para su finca), por su excentricidad, es protegerlos. ¿Siempre fue tu intención manejar este tono irónico para retratar otro aspecto del ambientalismo?
Sí, entiendo la pregunta. Yo creo que, como latinoamericanos, nuestras realidades están llenas de ironías y de absurdos. Entonces, creo que mi trabajo, a veces, como realizador, a lo mejor se puede simplificar en decir: hay que ver una situación, una historia, un personaje, digamos, [y preguntarnos] qué emociones o qué figuras literarias o poéticas se construyen desde allí.
Yo creo que hay algo absurdo directamente en el origen de esta historia, porque Pablo Escobar yo creo que sería el primero que marca esa cultura de la excentricidad en los narcotraficantes, que de alguna u otra forma es otra cara del capitalismo puro y duro, y que también ejerce el Estado o sus élites políticas. Creo que el contrabando es el [lado] negativo del poder político económico de nuestros países desde la colonia. Entonces, esas historias de dominaciones son absurdas porque acaparan las vidas de las personas de una forma arbitraria, esa forma arbitraria de dominación.
A veces, nosotros los latinoamericanos hemos aprendido a reírnos sobre eso, pero nuestros ancestros africanos en el Caribe nos enseñaron a reírnos cuando realmente llorábamos. Al cambiar el llanto por la risa, [todo] se complejizaba. Entonces, para mí, por eso el humor es tan importante, porque es una forma de resistencia, de asumir el absurdo de las dominaciones.
Tengo entendido que una parte de la idea para esta película vino cuando tú en 2007 supiste, a través del trabajo de Camilo Restrepo (afamado artista visual colombiano), de un animal que asesinaron en el río Magdalena. Desde que te enteraste de este incidente, ¿qué tanto cambió tu idea para llegar a lo que vemos en pantalla? Y, por otra parte, ¿qué tanto acercamiento tuviste con Camilo para trabajar en esta película?
En realidad, Camilo no trabaja en la película, sino que cuando yo terminé una película que se llama Cocote (2017), terminé muy cansado. Yo siempre quise ir a Colombia. Tenía algunos amigos ahí y en distintas ciudades, y como no tenía el dinero para andar en hoteles y cosas así, me quedaba donde los amigos. Entonces me quedé en la casa de Camilo cuando conocí Medellín. Él tenía una escultura [de Pepe] en su sala y me contó la historia como salió en los periódicos, [o en internet]. Bastaba simplemente buscarlo y salían distintas cuestiones.
Pero cuando él me lo cuenta, tiene un error. Tiene un error biológico en su relato, porque él me dice que cuando un hipopótamo se pelea con el dominador –o sea, con el alfa– y pierde, él debe irse de la manada para encontrar otra. Lo exilian. Y lo que le pasó a este hipopótamo es que se fue exiliado en busca de otra manada sin saber que no existe, porque él no está en el continente africano, está en el continente americano. Pero cuando yo comienzo a investigar, me doy cuenta de que [lo que dijo Camilo] no es verdad, que en realidad los hipopótamos machos, cuando pierden la pelea, se van con una hembra y así es que ellos se expanden en el territorio. Entonces, así se van multiplicando. Eso es una idea completamente diferente. Es el crecimiento de una población desplazada que llega a través de un secuestro, ¿no? Como pasó con migrantes africanos o árabes, con plantas, vacas, burros o caballos.
Ese error biológico fue lo que me despertó. (…) Empecé a pensar en todas esas personas que han muerto en este continente sin saber realmente dónde estaban, por todas estas migraciones y la construcción de este mundo occidental que tenemos, que tiene su base en la colonización del continente americano. Luego ellos se van a expandir al mundo, pero digamos que hay una conquista de la América que va a marcar la pauta de dominación que hoy conocemos.
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¿Qué te atrae de la docuficción para contar este tipo de historias? ¿Por qué decidiste que tenía que ser una docuficción?
Comencé a estudiar cine formalmente cuando tenía 20 años, aunque ya a los 17 o 18 hacía cortos. Me gané una beca y me fui a estudiar a Buenos Aires porque en Dominicana no había escuela de cine. Para nuestra generación, la docuficción era lo peor que se podía decir porque la docuficción era un modelo mainstream de la televisión norteamericana. Me he dado cuenta de que no participo tanto del mundo del cine. Más bien, cuando hago una película, salgo a los festivales y veo lo que está pasando y todo eso. Pero en mi vida normal, aunque veo un montón de películas, estoy en otro mundo, casi no tengo amigos en el cine, para que tú entiendas.
Entonces, ahora que volví a salir al mundo con esta película, me encontré con que la palabra “docuficción” se había normalizado. Para mí, era un insulto decir que una película era una docuficción porque implicaba una cosa horrible de la televisión norteamericana de los 90 o principios de los 2000. Yo diría que, más que una docuficción –que, por Dios, no quisiera hacer nunca–, lo que realmente estoy haciendo es una ficción. Ante todo, mi película se constituye como una ficción, porque una definición rápida de ficción, digamos, es todo aquello que construye un verosímil en sí mismo, ¿verdad?
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Hay una discusión muy vieja de Godard en la cual todo es ficción y todo es documental al mismo tiempo. Y en todo caso, cuando uno filma algo, la imagen en sí misma guarda esa particularidad. (…) Te voy a poner un ejemplo: una imagen siempre es ficción y siempre es documental porque, cuando estamos filmando a un actor, estamos filmando al personaje de la película, pero también estamos filmando al actor que hace de ese personaje. Otro ejemplo es cómo se da el problema del tiempo en el cine. En el cine se da al mismo tiempo un tiempo que es directo, que es el tiempo de la toma, y también un tiempo que es construido en el montaje. El cine en sí mismo, o la imagen del cine o ese lenguaje al que nosotros llamamos cine, ya es un lenguaje que es un mutante que lleva en sí mismo dualidades, en vez de ser dicotómico. La docuficción lo vuelve dicotómico cuando en realidad hay una dualidad en la imagen en la que uno puede abrazar ese documento que se está pensando y, al mismo tiempo, se está creando una fábula, como en el caso de Pepe.
Otra de las conversaciones que creo que se pueden abrir con tu película es con respecto a las palabras y los idiomas. Me gusta mucho cómo Pepe comienza su viaje hablando en otro idioma, pero cuando ya está en Colombia, en otros pasajes de su vida, nos habla en español. ¿Cómo fue para ti difuminar esas líneas en el idioma?
Mira, yo vengo de un territorio muy oral, ¿no? Del Caribe. Tal vez ya no lo tengo tan marcado porque tengo la mitad de mi vida viviendo fuera, y la verdad es que cuando uno vive fuera, sobre todo en otros países hispanohablantes, uno se adapta una forma en la que nos podemos comunicar. Pero digo, el castellano dominicano es un castellano bastante lejos de la regla. Es algo que, por ejemplo, tú y yo podemos ir a un barrio y, a pesar de que yo te estoy hablando así, yo entiendo perfectamente todo lo que está pasando y tú no vas a entender absolutamente nada.
Entonces, la oralidad en el Caribe es maravillosa, porque la oralidad del Caribe es casi un créole. Es un créole y la invención del humor en el Caribe es la destrucción del lenguaje como nosotros lo conocemos. Es todo lo contrario a Colombia y México, que tienen un castellano bastante cercano a la regla. En el Caribe se destruyen las lenguas coloniales. Por ejemplo, en el Caribe francés directamente hay un créole.
Para mí, la oralidad con la cual yo trabajo es mi inspiración para pensar en el montaje. Cuando pienso en el montaje o en la idea de hacer significación en el montaje, no pienso en reglas narrativas. La oralidad caribeña, loca, disruptora, fuera de las reglas, es más inspiradora para mí que el arco del héroe.
Eso lo tomo de un gran pensador caribeño, para quien la oralidad no se contenta simplemente con describir los paisajes, sino que los construye al mismo tiempo. Por eso quise que Pepe abordara todos esos lenguajes que intervienen en ese hecho histórico. Entonces, él comienza hablando en Bukushu, que es el lenguaje predominante del río Cabango. Luego habla afrikáans. Afrikáans es una creolización del holandés con palabras bantúes. Se le habla afrikáans porque es el idioma que en ese territorio que hoy conocemos como Namibia fue el idioma del opresor y el que realmente colonizó a la mayoría de las tribus ahí. Y evidentemente, habla español o castellano porque llega a una América hispana.
Para mí, Pepe tenía que tener esa esquizofrenia que tiene el ser que, como todos nosotros, somos producto de un proceso de colonización.
Pepe ya está disponible en MUBI.
José Roberto Landaverde Me fascina escribir, escuchar, leer y comentar todo lo relacionado con el cine. Me encanta la música y soy fan de The Beatles, Fleetwood Mac y Paramore. Mis películas favoritas son Rocky y Back to the Future y obvio algún día subiré los “Philly Steps” y conduciré un DeLorean. Fiel creyente de que el cine es la mejor máquina teletransportadora, y también de que en la pantalla grande todos nos podemos ver representados.
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2024: Un año de musicales, sorpresas y grandes eventos
Se termina 2024, uno de los años más extraños y reveladores que la industria ha experimentado recientemente. Si bien, tuvimos los clásicos taquillazos que abarrotaron los cines (y agotaron palomeras coleccionables), también hubo fracasos que sacudieron a más de un estudio, polémicas capaces de convertir las redes sociales en un campo minado, y eventos que hicieron de este, un año inolvidable. Digamos adiós al 2024 con un repaso por aquellas películas y eventos que marcaron la agenda en los últimos meses.
Todo inició con la batalla final del llamado Barbenheimer. La temporada de premios se convirtió en el escenario perfecto para que Greta Gerwig (directora de Barbie) y Christopher Nolan (realizador de Oppenheimer) se hicieran presentes en casi todas las ceremonias de la industria. Aunque la taquilla favoreció a la muñeca, los premios le dieron la victoria al hombre que creó la bomba atómica. Entre vestidos rotos y números musicales de ensueño, Emma Stone (con su segundo Óscar) y Ryan Reynolds (interpretando I’m Just Ken) también hicieron historia.
Quienes sufrieron en la primera parte del año fueron, principalmente, Dakota Johnson y Henry Cavill. Ella se enfrentó a las burlas y los comentarios de Madame Web, pero él no se quedó atrás con la decepción de Argylle: Agente secreto. Al final, la película nos traicionó y demostró que Cavill no era el protagonista (como se vendió), pero el daño a su imagen (por un fracaso más) ya estaba hecho. Si todos los que le dan like a sus fotos sexys en redes pagaran un boleto para verlo en el cine, las cosas serían diferente.
Godzilla y Kong regresaron para partirse la cara (otra vez), asegurar otra película y dejarnos algunos memes. Melissa Barrera nos demostró en Abigail por qué su despido de Scream fue todo un error, y Zendaya no sólo montó gusanos de arena. Con Desafiantes hizo que el tenis le pareciera emocionante hasta a quienes no lo entienden.
También llegó el pánico. No, no se debió a ninguna pandemia (toquemos madera), sino a dos fracasos sorpresivos que dejaron temblando a más de uno. Por un lado, Ryan Gosling y sus increíbles stunts en Profesión peligro le importaron a muy pocos. Por el otro, Chris Hemsworth y Anya Taylor-Joy demostraron con Furiosa: De la saga Mad Max que las interacciones en redes sociales tampoco equivalen a boletos vendidos en el cine. La baja taquilla de Amigos imaginarios y El planeta de los simios: Nuevo reino también hizo que muchos se mordieran hasta la cutícula. El fin del cine como lo conocemos parecía inevitable.
O al menos eso creíamos… ya saben que los cinéfilos a veces somos un poquito dramáticos.
Will Smith regresó con otra cachetada, pero ahora con guante blanco y dirigida a todos quienes dudaron de su poder taquillero. La cuarta película de Bad Boys dio inicio a un junio de ensueño. Los cines se llenaron de gente, las palomitas y los nachos se vendieron como antes, hubo familias incómodas, salas atiborradas, empleados con cansancio y cara de pocos amigos. Todo eso que sucede cuando hay un éxito histórico.
Y sí, ese éxito histórico tiene nombre: Intensamente 2, que se convirtió en la película más taquillera en la historia de México. Entre personas que compartieron sus frustraciones con Riley o se sintieron identificados con sus ataques de ansiedad, nadie pudo escapar de dicho título.
Todos los que se alegraban por los fracasos de Marvel Studios se comieron sus palabras. Deadpool y Wolverine (su único estreno del año) arrasó en la taquilla y rompió récords para una película con clasificación para adultos. El cine basado en cómics no ofreció propuestas tan fuertes como otros años, pero aquellas que sí llegaron (Madame Web, Hellboy: The Crooked Man, Guasón 2 y Kraven El Cazador), pasaron con más pena que gloria. Hasta a Venom le costó alcanzar la taquilla de sus antecesoras.
Otro aspecto inolvidable es la avalancha de musicales que recibimos en los últimos 12 meses. Los mexicanos todavía coreábamos las canciones de Wonka (o al menos aquellas que no son tan olvidables) cuando Chicas pesadas llegó a la cartelera. De forma mañosa, Paramount Pictures ocultó que se trataba de un musical, y aunque el impacto fue nulo a comparación del éxito de 2024, muchos ya desearíamos sus $100 millones de dólares recaudados.
Algo curioso ocurrió con Guasón 2: Folie à Deux, pues a semanas del estreno nadie parecía tener claro si era un musical o no. Lady Gaga lo negó, Todd Phillips (director) lo confirmó, y el mundo entero lo odió. Vaya diferencia con Wicked, cuyas canciones hicieron de algunas salas (y la premiere en el Auditorio Nacional) toda una fiesta. Tristemente, las canciones de Moana 2 no le llegaron a los talones a las de su antecesora. Y para cerrar el año tenemos Mufasa: El rey león, con canciones de Lin-Manuel Miranda… y la promesa de arruinar lo que conocíamos sobre el padre de Simba.
Para los amantes del terror, Desaparecer por completo demostró que el cine mexicano podría ofrecer propuestas muy originales. Un Tarot de la muerte se encargó de llenar la pantalla con sangre, y Lupita Nyong’o (con un gato) se enfrentó al primer día de la invasión en Un lugar en silencio: Día uno. Nicolas Cage se convirtió en Longlegs, y Sonríe 2 nos demostró que las maldiciones también acechan a las cantantes. Incluso la saga Alien revivió con éxito. Ojalá MaXXXine hubiera corrido con la misma suerte.
México fue el país seleccionado para grandes eventos, y no necesariamente por esa “regla” que relaciona las visitas de los actores con una terrible calidad. En realidad, es porque nuestro país se ha convertido en una de las economías más importantes para la industria hollywoodense. El elenco de Duna: Parte dos provocó gritos, lágrimas (y malas preguntas del programa Venga la alegría) en su visita al Auditorio Nacional de la Ciudad de México. Timothée Chalamet nos habló de futbol, se puso la playera de la Selección Mexicana y reafirmó por qué es uno de los favoritos del público.
Otras producciones siguieron los pasos de Duna: Parte dos, y así recibimos a los elencos de Furiosa: De la saga Mad Max, Bad Boys: Hasta la muerte, Beetlejuice Beetlejuice, Venom: El último baile y Wicked (al grito de ¡Ariana, hermana, ya eres mexicana!). Hasta Aaron Taylor-Johnson quiso cerrar el año en México, pues vino para presentar Kraven El Cazador, robarle suspiros a más de uno y despertar bajas pasiones en redes.
Por primera vez, la Comic-Con Experience (CCXP) celebró una de sus ediciones en México. Miles de fans se dieron cita para presumir su cosplay, comprar coleccionables, escuchar a sus artistas favoritos de cerca y sentirse parte de una comunidad. Sydney Sweeney promocionó Inmaculada, su más reciente película de terror. Los organizadores quedaron fascinados y ya anticipan una un espectacular regreso en 2025.
El Festival Internacional de Cine de Morelia también nos dejó otra edición para recordar. Nos visitaron Alfonso Cuarón, Rodrigo Prieto y hasta el enorme Francis Ford Coppola. Este último presentó Megalópolis, la vapuleada película que durante décadas quiso hacer y por fin lo logró. Es cierto que dicho título dejó a los espectadores confundidos, pero no tanto como los que se preguntaron qué demonios hacía la polémica Emilia Pérez (con su fallida representación de México) en el festival. Esperemos que, en 2025, más y más estrellas quieran visitar el país y no teman a los reporteros y conductores de Venga la alegría.
Fue un gran año para quienes gozan del cine mexicano y todas sus propuestas. José Eduardo Derbez consiguió su primer protagónico. Fiona Palomo y Alfonso Dosal nos estremecieron con Un actor malo, Osvaldo Benavides (sí, Nandito de María la del barrio) debutó como director con Noche de bodas, mientras que Rodrigo Prieto hizo lo mismo, pero con un clásico como Pedro Páramo. Firma aquí nos enseñó que el amor no debe ser perfecto, y Casi el paraíso convirtió al primer best seller mexicano en una película muy interesante. La querida Ana Serradilla también volvió, esta vez con una comedia sobre dos inseminaciones mal realizadas (Una pequeña confusión).
Isaac Ezban volvió a mezclar la fantasía, el horror y el drama familiar con Párvulos: Hijos del apocalipsis. Sujo, de Astrid Rondero y Fernanda Valadez emprendió el camino rumbo al Óscar, y Alonso Ruizpalacios impactó al público con La cocina, que lo llevó a conseguir una nominación en los Independent Spirit Awards. El ganador, al menos en cuanto a taquilla se refiere, fue Adrián Uribe con El candidato honesto. Esta es apenas la tercera película mexicana que supera los $100 millones de pesos (MDP) desde 2020.
Muchos podrán quejarse de Televisa a través de todos los medios posibles. Pero eso no evitó que La casa de los famosos México llegara a la conversación cinematográfica. A alguien se le ocurrió que la final de la segunda temporada se transmitiera en el cine, y los resultados fueron inquietantes: $1.97 MDP. Quizá a algunos no les parezca mucho, pero es más de lo que recaudaron 60 estrenos nacionales en todo el año. Muchos actores, analistas de la industria y directores sintieron más miedo con dicho dato que con Longlegs: Coleccionista de almas, Sonríe 2, o el acento de Selena Gomez en Emilia Pérez.
El año también será recordado por hacernos llorar… y mucho. Fue demoledor ver cómo Zac Efron perdió a casi toda su familia en Garra de hierro. Blake Lively y Justin Baldoni por poco y se avientan hasta los floreros en la filmación de Romper el círculo, pero vaya que conmovieron a millones de espectadores con la relación tóxica de sus personajes.
Muchos se identificaron con Demi Moore en La sustancia y su crisis frente al espejo. Otros tantos lloraron como bebés con la viudez de Andrew Garfield en El tiempo que tenemos. Pero si de “lágrimas sabrosas” hablamos, nada como el primer vuelo de Brillo en Robot salvaje o el primer abrazo de Elphaba y Glinda en Wicked. ¿Acaso no se siente bien dejar fluir nuestras emociones con un buen puño de palomitas como acompañamiento?
Ha llegado el momento de despedir el 2024, pero no podemos hacerlo sin mencionar todas esas propuestas que, sin esperarlo, se ganaron un lugar destacado. Ahí rondan un sanguinario payaso que rompió récords sin un gran distribuidor, Demi Moore con la actuación de su vida, Longlegs y su brillante marketing, Sydney Sweeney y Glen Powell derramando miel en Con todos menos contigo, y hasta Hugh Grant como un hereje perturbador.
¡Adiós, 2024! Y como dijeran en esa película que tiene tan en boga a Eugenio Derbez: ¡Hasta nos duele esa p*nche parte del cuerpo nada más de acordarnos de ti!
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
ues de anuncios individuales.
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Actualidad
Wicked deslumbra México: Ariana Grande, Cynthia Erivo y un mágico estreno en el Auditorio Nacional
La magia del mundo de Oz llegó a México con la espectacular premiere de la película Wicked en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. El evento, que se llevó a cabo el 11 de noviembre de 2024, reunió a fanáticos del musical y a destacadas personalidades del espectáculo, convirtiendo la alfombra amarilla en un desfile de talento y glamour.
Una alfombra amarilla llena de estrellas
La alfombra amarilla, decorada con elementos inspirados en el mágico mundo de Oz, recibió a las estrellas principales de la película. Ariana Grande, quien interpreta a Glinda, deslumbró con un vestido blanco que evocaba la elegancia de su personaje. Por su parte, Cynthia Erivo, en el papel de Elphaba, conquistó a los presentes con su energía y cercanía, firmando autógrafos y compartiendo momentos con los asistentes.
Jonathan Bailey, quien interpreta a Fiyero, también estuvo presente, añadiendo un toque de encanto británico al evento. Los actores se mostraron emocionados por la calurosa recepción del público mexicano, quienes abarrotaron el Auditorio Nacional desde tempranas horas.
Celebridades mexicanas y un toque de nostalgia
El evento contó con la presencia de Danna Paola y Ceci de la Cueva, quienes dejaron su huella en la versión teatral de Wicked en México. Ambas actrices expresaron su orgullo por formar parte de este proyecto, con Danna Paola prestando su voz para la versión en español de Elphaba. La cantante tuvo un emotivo encuentro con Ariana Grande, quien elogió su interpretación con las palabras: “Suenas hermoso”.
Un evento para la historia
La premiere no estuvo exenta de momentos de emoción. La multitudinaria asistencia generó momentos de caos cuando algunos fanáticos cruzaron las vallas de seguridad en su afán por acercarse a las estrellas. A pesar de ello, el evento se desarrolló con éxito, dejando a los asistentes con la promesa de una película que estará a la altura de las expectativas.
El impacto cultural de Wicked en México
Wicked no solo ha sido un fenómeno en Broadway, sino que ha dejado una profunda huella en México a través de sus adaptaciones teatrales. Ahora, con su salto al cine, la historia de Elphaba y Glinda promete conquistar una nueva generación de fanáticos.
Con una dirección magistral de Jon M. Chu y actuaciones memorables, Wicked se perfila como uno de los estrenos más importantes del año, y México tuvo el privilegio de ser parte de este mágico viaje.
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