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La terapia y el amor propio como acto de resistencia: una entrevista con IDLES
Cualquiera que haya ido a un concierto de IDLES (afortunadamente en México varios ya tuvimos la oportunidad de comprobarlo) puede decir que los shows de la banda británica son una completa locura, pues tienen grandes dosis de slam, crowdsurfing, gritos, euforia y gotas de sudor salpicando por todos lados.
La banda comandada por Joe Talbot comenzó a hacer ruido por allá del 2012, aunque fue hasta el 2017 que captaron la atención de muchos y muchas con su disco debut ‘Brutalism’, uno donde hablan de la cultura de la violación que siempre ha existido en el mundo.
El ejercicio de la honestidad por parte de IDLES a través de su música
Desde sus inicios IDLES se ha mostrado como una banda que utiliza sus canciones para hablar de temas importantes. Por ejemplo, en el segundo disco de la banda, Joy as an Act of Resistance (2018), Talbol retrata la masculinidad tóxica; y en el tercer disco, Ultra Mono (2020), da su visión sobre el capitalismo, la lucha de clases y los aspectos positivos/negativos de la fama
Crawler (2021), su más reciente disco de estudio que fue sacado al mercado en noviembre del año pasado, es quizá el más personal que hemos escuchado por parte de Joe Talbot, pues a través de las 14 canciones del disco el cantante plasmó su lucha contra las adicciones y traumas que lleva cargando durante al menos 20 años.
Esto toma sentido al saber que la infancia del músico galés no ha sido fácil: su padre biológico lo abandonó cuando él era un bebé y durante su infancia presenció el problema que su madre tenía con el alcohol, sustancia que le rogó de rodillas dejar de consumir cuando él sólo tenía 10 años.
A los 12 años Joe Talbot entró al mundo de las drogas, algo que de alguna forma lo “ayudó” a sobrellevar un derrame cerebral e infarto que paralizaron a su madre, quien murió años después mientras se encontraba en la creación de su primera placa con IDLES.
La importancia de rodearse de buenos amigos
“Creo que tiene que ver con que tengo muy buenos amigos dentro de la banda y eso me hace sentir seguro para expresarme”, afirma Joe Talbot sobre la tendencia que tiene de ser brutalmente honesto y el poder hablar a través de sus canciones sobre esas cosas malas que ha vivido.
“Todos hablamos de ello; Bowen habla de los suyos, sus inseguridades, sus descubrimientos, sus traumas (si es que tiene) y en fin… Todos hablamos porque existe un diálogo abierto”, agrega sobre sus compañeros y amigos de la banda, con quienes busca que la gente sienta que “no están solos en el mundo”.
Y del poder de la terapia que Joe Talbot descubrió durante el confinamiento
Crawler fue un disco que los IDLES crearon en aislamiento durante la aún existente pandemia de COVID-19. Sin embargo, el álbum tuvo un inicio lleno de optimismo gracias a factores como el nacimiento de la hija de Joe Talbot, así como el hecho de que el cantante se tomó el tiempo de ir a terapia y mantenerse sobrio.
“No hubo un solo momento durante el confinamiento donde no me levantara, pensara o dejara de ir a mi terapia una vez por semana. Quería entender dónde estaba y hacia dónde iba, pero obviamente ese es un punto de partida para otro tipo de conversación; el amor, el autoestima, la exploración y mejora… y la música realmente me permite hacer eso”, afirma.
“Teníamos muchísimo tiempo y siempre quisimos mostrar nuestra gratitud por el privilegio en el que nos encontrábamos. No estábamos preocupados por perder nuestro empleo o nuestra audiencia, sabíamos que todo iba a regresar a la normalidad y por sí solo eso, es un gran privilegio. Un gran regalo“, agrega el cantante británico.
“Somos algo más grande que nosotros mismos”
En 2020 cuando IDLES publicó Ultra Mono, las opiniones divididas no se hicieron esperar para la banda, pues algunos críticos especializados consideraban que el disco no era ni cercano a lo que Joe Talbot y compañía habían realizado anteriormente. Esto a pesar de que el grupo tocaba temas importantes como la salud mental, el amor y la autoestima.
“En Ultra Mono escribí acerca de las presiones externas y cómo eso podría matarnos. Si IDLES murió en Ultra Mono entonces comenzó de nuevo con Crawler, y así debemos seguir”, dice Joe Talbot al ver las cosas en retrospectiva.
“Cuando algo sea demasiado abrumador solo elimínalo y haz otra cosa, porque de nosotros depende asegurarnos que no olvidemos quiénes somos; el seguir sintiendo que somos algo más grande que nosotros mismos”, agrega el vocalista y llama a recordar lo que realmente importa.
“El amor es importante, la empatía es importante, la música es importante, el corazón es importante. Todos estamos en el mismo viaje hacia la muerte. Hemos aprendido a abrazar el miedo y abrazar las inseguridades y tengo miedo de convertirme en algo que no quiero ser. Hay que avanzar“, puntualiza.
El proceso creativo detrás de Crawler, el cuarto disco de IDLES
En el caso del guitarrista Mark Bowen, la llegada del cuarto disco de IDLES significó para la banda una creación de mantas que les ayudara a recordar el camino: “Cantar estas canciones todas las noches nos hace centrarnos y revisar cómo estamos cada día, entender nuestras emociones, cómo está nuestra comunicación interna y al mismo tiempo nos ayuda a entender esos sentimientos, pero también los de los demás”, asegura.
“Nos hacen ver en dónde estamos cómo individuos y compartirlo con nuestros fans cada noche es un aspecto muy importante de nuestro acto en vivo. Nosotros les transmitimos cómo estamos y ellos nos regresan lo mismo, y al lograr eso, hacemos que la gente se sienta más cómoda y desinhibida y la consecuencia es una catarsis… y de la catarsis llega el gozo”.
“Una vez que comenzó a tomar forma supimos que iba a ser brillante”
Personalmente para Bowen, ‘Crawler’ es un disco feliz con el que está disfrutando la nueva etapa de IDLES, una que le ha dejado ver el gran potencial que tiene como músico.
Estoy disfrutando mi éxito como compositor además de mi creatividad, las cosas que he aprendido en el proceso de estar en una banda, y en cuestión de producción, ser capaz de trasladar lo que está en mi mente de forma precisa.
También estoy disfrutando mucho el éxito de Joe y todos los miembros de la banda porque nos estamos convirtiendo en algo más complejo, pero ha sido un viaje complicado. Después de Ultra Mono supimos que íbamos a hacer algo completamente distinto a lo que habíamos logrado con Joy o Brutalism. Fue un proceso muy largo pero tuvimos mucho tiempo de encierro para reflexionar, hacer una revisión de nosotros como individuos, descubrir quiénes éramos como músicos y qué era lo brillante de nosotros para resaltarlo y hacerlo crecer.
Así comenzó la escritura de Crawler. No fue fácil pero fue bastante disfrutable y emocionante. Todo el tiempo estuvimos en una posición privilegiada en la que no teníamos la presión de lanzar un álbum y pudimos quedarnos hablando de Ultra Mono solamente pero de repente, todo se volvió emocionante y peligroso. Así que una vez que todo esto comenzó a tomar forma supimos que sería brillante.
Mark Bowen sobre el proceso creativo de ‘Crawler’
IDLES no es una banda que haga activismo y Joe Talbot lo sabe
Además de hablar de cuestiones y sus desgracias personales, IDLES también se caracteriza por tocar temas como el nacionalismo, la inmigración o la desigualdad de clases. Algo que les ha traído muchas críticas por parte de grupos que simpatizan o rechazan algunos movimientos políticos.
“Vivimos en el Reino Unido. Muchos genocidios han ocurrido en nombre del gobierno británico. Vivimos en un estado donde se ejerce la libertad de expresión, así que hago uso de ese derecho para hablar de quien quiera siempre y cuando le funcione a la canción”, dice Joe Talbot al respecto.
“Mi opinión al respecto es que si algo no te gusta, no lo escuches. Me importa un carajo. La gente dice que somos una banda muy política pero no somos una banda activista. Escucha Pussy Riot, observa todo lo que han hecho; ESO es activismo, verdadero activismo. Ve lo que hizo Billie Holiday, ESO es un verdadero peligro. No 5 weyes blancos, gorditos, que hablan de amor, empatía y que quieren un futuro socialista”, asegura sobre las pretenciones de la banda.
“Queremos ser la mejor banda del mundo y cada vez que pisamos un escenario, buscamos ser la mejor banda en vivo del mundo, la mejor banda de rock o la mejor música que cualquier persona pueda experimentar. ¿Ya lo logramos? No lo sé pero estamos mejorando durante la marcha“, finaliza Mark Bowen en esta charla.
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Lo que necesitas saber:
Muere la cantante británica Marianne Faithfull a los 78 años. Así lo confirmó su familia a medios británicos este 30 de enero.
Marianne Faithfull, cantante británica murió los 78 años. Así lo confirmó su familia a través de un comunicado, donde informaron que la también actriz, quien hace unos años tuvo una relación con Mick Jagger, de The Rolling Stones, partió en paz.
Marianne Faithfull muere a los 78 años
“Ha fallecido hoy en paz en Londres, en compañía de su querida familia. La echaremos mucho de menos”, menciona el comunicado que su portavoz dio a la prensa británicam. Hasta el momento no se conocen las causas de muerte de Marianne Faithfull.
La cantante nació en Londres en el año de 1946 y fue hasta 1964 cuando alcanzó la fama con el lanzamiento de “As Tears Go By”, una canción que fue escrita para ella por Mick Jagger y Keith Richards, misma que la ayudó a conseguir popularidad en los Estados Unidos.
La cantante y actriz británica tuvo una carrera brillante
La cantante comenzó a aparecer en varias películas como ‘I’ll Never Forget What’s’isname (1967)’, ‘The Girl on a Motorcycle‘ (1968) y Hamlet (1969). Al mismo tiempo, entre los años de 1966 a 1970, comenzó una relación sentimental con el líder de The Rolling Stones.
Al terminar dicho noviazgo Marianne Faithfull comenzó a tener problemas de adicción a la heroína y sufría de anorexia. La cantante terminó viviendo en las calles varios años hasta su regreso musical en 1979 con el disco ‘Broken English‘, que ella describía como su obra maestra.
Fue fuente de inspiración para bandas como The Rolling Stones
Marianne Faithfull inspiró varias de las canciones de The Rolling Stones debido a su relación con Jagger. Una de las más memorables fue “You Can’t Always Get What You Want”, aunque también figuran otras como “Wild Horses” y “Sister Morphine”.
Como parte de su legado, en julio de 1990 la cantante fue una de las invitadas al concierto ‘The Wall: Live in Berlin‘ de Roger Waters y en 1997 la pudimos escuchar en los coros de “The Memory Remains” de Metallica, canción donde también participó en el videoclip oficial.
Hace años logró combatir el cancer de mama y la depresión
Su último trabajo musical fue el disco ‘She Walks in Beauty’, el cual lanzó en 2021 junto al multiinstrumentista australiano Warren Ellis. En cuanto a su etapa en el cine, de los últimos papeles que hizo fue en la película ‘Bella del Señor’, de 2012.
En 2005 la cantante fue diagnosticada con cáncer de mama, aunque meses después anunció que se había recuperado totalmente luego de someterse a una operación. Esta enfermedad llegó cuando la cantante padecía un cuadro de depresión del que también logró salir a principios de los años 2000.
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Lo que necesitas saber:
Marianne Faithfull compuso y grabó diversas canciones con The Rolling Stones; varias de ellas se convertirían en grande éxitos de la banda.
La historia de The Rolling Stones y de Mick Jagger como tal, no se entendería sin Marianne Faithfull. Artísticamente, fue una cantante con un talento singular que incluso le dio la posibilidad de desempeñarse algunas veces en el cine.
Y tal vez sin quererlo propiamente, durante el tiempo que sostuvo una relación amorosa ––y ciertamente tóxica–– con Mick, ella se convirtió en la musa predilecta de muchas de las mejores canciones de sus ‘Satánicas Majestades’.
Las canciones de The Rolling Stones que habría inspirado Marianne Faithfull
Marianne Faithfull fue una icono de la década de los 60, de esa época en la que se empezaba a asentar la parte glamorosa del rock de la mano de los estatus de celebridad que conllevaban la vida dentro del concepto de rockstar.
No por nada, su relación con los Rolling Stones, más allá del turbulento romance con el líder de la banda, nos entregó una serie de canciones que la elevaron a un estatus de leyenda para a cultura pop de la época.
Porque, como dijimos, sin ella no se entendería la historia de una de las bandas más grandes del rock n’ roll… Aquí algunas canciones que conectaron a Marianne Faithfull con The Rolling Stones.
“As Tears Go By”, una canción que los Rolling Stones escribieron para Marianne Faithfull
La existencia de esta canción se atribuye de cierta forma a Andrew Loog Oldham, manager de los Rolling Stones. Como se cuenta en UDiscover, él convenció a que Mick Jagger y Keith Richards de que empezaran a componer sus propias canciones por ahí de 1964, ya que veía un potencial de éxito similar al de The Beatles que, a diferencia de ellos, sí componían sus propios temas.
De esas sesiones entre el vocalista y guitarrista surgió “As Time Goes By”, que la banda desechó por considerar que no encajaba con su estilo. Sin embargo, en ese mismo año, Oldham había conocido a una joven de 17 años… sí, la mismísima Marianne Faithfull, a quien ofreció la oportunidad de llevar una carrera artística.
Oldham retomó la canción de los Stones y le cambió el nombre a “As Tears Go By”, la cual también cambió un poco en cuanto a la letra. Y con la promesa de lanzarla como cantante, el manager logró meter a Marianne al estudio junto a Keith y Mick para grabar lo que sería el sencillo debut de la joven londinense.
Poco después de que Marianne Faithfull la lanzara, Jagger y Richards la regrabaron con algunos ajustes de instrumentación y la lanzaron como parte del disco December’s Children (And Everybody’s) de los Stones (aunque solo ellos dos participan en la canción).
“Sympathy For The Devil” y el libro que Marianne le regaló a Mick
Mick Jagger llegó a afirmar que Marianne Faithfull “me estaba educando… Leía mucha poesía, mucha filosofía”. La joven cantante, que era una lectora voraz, le regaló a su entonces novio una copia del libro El maestro y Margarita, del autor soviético Mikhail Bulgakov.
Aquel libro, según Genius, nos muestra la historia de cómo el Diablo vaga por Moscú en la década de 1930 haciéndole bromas y realizando todo tipo de acciones a la gente codiciosa, entre otras cosas.
Tomando los elementos narrativos del Diablo como personaje central y autor de todo tipo de fechorías, Jagger compuso “Sympathy For the Devil” desde la perspectiva de este personaje diabólico “rico y de buen gusto” que se atribuye todo tipo de asesinatos y tragedias históricas, todo como una forma del compositor de hablar de la decadencia de la humanidad.
Sin Marianne Faithfull, posiblemente ese libro nunca hubiera llegado a manos de Mick Jagger… y sin eso, quién sabe si la canción hubiera existido.
“Wild Horses” y las versiones diferentes sobre su inspiración
Sobre “Wild Horses”, hay un consenso medio extraño acerca de si realmente Marianne Faithfull inspiró parte de la canción. El coro de la canción dice: “Wild horses could not drag me away…”, y durante mucho tiempo se pensó que esa frase venía de una experiencia con Marianne.
Ella dice en su biografía que luego de pasar varios días en coma por una sobredosis en 1969, despertó y la primera frase que le dijo a Mick fue: “ni los caballos salvajes me podrían arrastrar”, algo que supuestamente era una analogía sobre el peligro que corrió por esa situación.
Sin embargo, Mick Jagger dijo en las del disco recopilatorio de la banda de 1993 dijo que: “Todo el mundo siempre dice que se escribió sobre Marianne, pero no creo que fuera así; para entonces todo eso ya había pasado“.
Entre detalles y demás, lo que sí es un hecho es que la canción nació gracias a Keith Richards. El guitarrista se sentía triste por tener que salir de gira y alejarse de su hijo recién nacido, lo que le motivó a componer una canción de cuna que de a poco se convirtió en una canción en forma.
Y una vez que llegó a manos de Jagger, la letra tomó un tinte más sombrío. No sabemos a ciencia cierta qué tanto se inspiró la canción en Marianne… pero “Wild Horses”, ya sea por mito o diferencias entre declaraciones con el vocalista, terminó ligada a la figura de Faithfull.
“Sister Morphine”, la otra colaboración que primero grabó Marianne Faithfull
Esta es quizá una de las canciones más oscuras de los Rolling Stones y una de las que mejor retratan las consecuencias de la adicción a las drogas y la debilidad que conlleva tanto física como emocionalmente.
La canción se hizo más conocida en la versión del disco Sticky Fingers de 1971, que para variar es considerado uno de los álbumes más pesimistas ya que habla mucho precisamente sobre el abuso de sustancias. Pero antes de que fuera lanzada en ese material, Marianne Faithfull la grabó como solista.
Sobre ello, también se ha dicho que la canción estaría inspirada en algún incidente sobre ella misma. Sin embargo, la propia Marianne dijo en su biografía que eso es un dato erróneo ya que para el momento en que la grabó, ni siquiera estaba cerca de considerarse una adicta.
Como señala la BBC, hubo una disputa legal por la canción por temas de co-autoría, lo cual se resolvió a su favor.
“I Got The Blues” y el rompimiento de Faithfull y Jagger
De esta canción, es difícil encontrar declaraciones donde Mick Jagger asegure que esta triste canción sobre el desamor y la separación este inspirada por Marianne Faithfull. Pero debido a que su relación terminó en 1970 y Sticky Fingers se lanzó en 1971, se considera como el desahogo del vocalista tras la ruptura con la artista.
Buena parte de esa idea recae en el verso traducido como: “He rezado para que estés a salvo en los brazos de alguien que te dará vida y no te hundirá con abusos”. Algunos consideran que el abierto estilo de vida de abuso de sustancias de Jagger, alimentó la propia adicción de Faithfull… así que ese verso tiene sentido de cierta forma.
“You Can’t Always Get What You Want”… ¿Una suplica para que Marianne Faithfull dejara la heroína?
Otra de las grandes canciones de The Rolling Stones que, comúnmente, se dice que estuvieron en parte inspiradas por Marianne Faithfull. En una entrevista bastante complicada de encontrar en internet, ella supuestamente dijo alguna vez que contribuyó en esta y otras canciones sobre el abuso de drogas.
“Sé que me usaron como musa para esas duras canciones sobre drogas. Sabía que me estaban utilizando, pero era por una buena causa“, dijo según The Guardian. Sin embargo, es difícil encontrar qué experiencia, anécdota o suceso específico inspiró dentro de la letra de la canción, o cómo contribuyó.
Sin embargo, en el podcast 500 Songs, cuentan que Jagger compuso esta canción como una súplica para que Faithfull dejara de consumir heroína… y esto, sería solo parte del montón de lecturas, referencias e inspiraciones que tenía la canción.
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Todos conocemos el Gramófono, el trofeo que se entrega en los premios Grammy pero, ¿conocen su historia y cómo se hace? Acá les contamos
Podemos estar o no de acuerdo con la relevancia en la actualidad del Grammy para un artista, banda, productor o compositor. Sin embargo, no podemos negar que es un premio que a cualquiera dentro de la industria musical le gustaría tener en su vitrina no solo para presumirlo, también para agregarle un montón de prestigio a sus curriculums.
Cuando pensamos en los Grammy, inmediatamente se nos viene a la cabeza el famoso Gramófono, la estatuilla que se lleva el ganador de cada una de las categorías. La gran mayoría lo ubicamos, pero ¿saben de dónde surgió e incluso cómo se hace? Bueno, si ustedes tienen esa curiosidad, quédense que acá les contamos la historia de este trofeo.
Esta es la historia del Gramófono, el famoso trofeo de los premios Grammy
Los premios Grammy –que comenzaron como los premios Gramophone y que originalmente se iban a llamar Eddie Awards en honor a Thomas Edison, inventor del fonógrafo– se llevaron a cabo por primera vez en 1959, con dos ceremonias en Beverly Hills y Nueva York. En ese momento, solamente los premios de la Academia, los famosísimos Oscar, y los Emmy reconocían a los artistas más destacados del cine y la televisión, pero no existía un equivalente musical.
Después del proyecto para la creación del Paseo de la Fama de Hollywood, que comenzó en la década de los 50, se empezó a notar un interés en la música y la industria discográfica dentro del mundo del entretenimiento, lo que llevó a la creación de los Grammy por parte de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación como una forma de honrar a los compositores, letristas y músicos.
Desde aquella primera edición, los Grammy dieron el Gramophone (o Gramófono, como lo conocemos en español), el cual hace referencia al primer sistema de grabación y reproducción de sonido del mismo nombre patentado por Emile Berliner en 1887 y que, desde 1980 hasta mediados de la década de los 50, se utilizó como el dispositivo más común para reproducir sonido grabado, como la música.
Gracias a su diseño icónico y majestuoso, el Gramófono se convirtió en el trofeo más codiciado para cualquiera dentro de la industria musical. Inicialmente, las estatuillas de los Grammy se construían con plomo y se bañaban en oro. Sin embargo, eso terminó siendo un problema muy grande, ya que con el paso del tiempo, un montón de trofeos acabaron rompiéndose.
El trofeo de los Grammy está hecho de su propia aleación
Es por eso que la Academia de la Grabación decidió hacer un pequeño cambio en el metal utilizado para construir los trofeos. Para quien no lo sepa, el encargado de construir cada Gramófono que vemos año con año en la ceremonia se llama John Billings, el propietario de la empresa Billings Artworks y el mismo que se encargó de darle “nueva vida” a los premios que se entregan en los Grammy.
En 1990, el diseño original de los Grammy fue rediseñado. John cambió el plomo blando tradicional por una aleación de zinc y aluminio que desarrolló, la cual es más fuerte y menos propensa a dañarse, y que provocó que la estatuilla fuera más grande y majestuosa. A dicha fusión la llamaron Grammium y, como nunca antes se había usado, Billings la patentó como una marca registrada. Desde entonces, se usa para darle durabilidad y brillo a los trofeos de otras ceremonias de premiación.
Así se hace el Gramófono que reciben los ganadores de los Grammy
De acuerdo con Toronto Gold, John Billings (con la ayuda de su hijo y un amigo) se encarga de hacer a mano cada uno de los Gramófonos que se quedan los ganadores… así como lo leen. Él mismo se encarga de hilar, dale forma, limar, esmerilar, pulir y lustrar todas las estatuillas para asegurarse de que cada una esté construida a la perfección y luzcan majestuosas durante las ceremonias de los Grammy.
El proceso para crear este trofeo es más o menos el siguiente. Cada estatuilla está fabricada con latón hilado, y tanto el brazo, la base y la caja del Gramófono se hacen con el ya mencionado Grammium. Después de que los trofeos se funden con esta aleación, se bañan en oro de 24 quilates para darles el brillo intenso característico que notamos cuando los músicos y artistas suben al escenario a recibirlos.
Según la Academia de la Grabación, cada Gramófono pesa 5 libras y 4 onzas, y mide 9 pulgadas de alto. Y aunque se ve que si alguien se atreve a vender un trofeo de los Grammy, probablemente se lleve una buena lana, el valor de fusión de la estatuilla es muy difícil de estimar. ¿Por qué lo decimos? Bueno, pues porque el Grammium es una aleación única y no contiene metales preciosos (así que si alguna vez se encuentran uno de estos premios y quieren llevarlo al empeño, mejor guárdenlo).
Como pasa en todas las ceremonias de premiación, los trofeos que se ven en televisión durante los Grammy son “de muestra”, que se reutilizan todos los años. Las estatuillas reales se entregan a los ganadores después de la ceremonia con sus nombres y la categoría ganadora grabados en el premio para que los conserven. ¿Qué tal? ¿Conocían la curiosa historia del Gramófono y todo lo que hay detrás para construir el reconocimiento más importante de la industria musical?
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