Cine y Tv
En el cine no necesitas tener algo que decir: una plática con Apichatpong Weerasethakul
El cine de Apichatpong Weerasethakul crea experiencias sensoriales con un lenguaje e historias que asemejan a los sueños y los recuerdos, sin abandonar la sencillez. En sus películas, que difuminan la barrera entre la realidad y lo onírico: suelen figurar fantasmas, motivos fantásticos y personajes que habitan más de un cuerpo. Memoria, su más reciente trabajo, es una extensión de estas obsesiones, así como una nueva faceta de su carrera al filmar por primera vez lejos de su natal Tailandia, en Colombia, y con una actriz con el renombre internacional de Tilda Swinton.
En los primeros minutos de Memoria, Jessica (Tilda Swinton) conoce en un estudio de sonido a Hernán (Juan Pablo Urrego). Antes de explicar su presencia, él le pide que tome asiento para terminar lo que estaba haciendo: escuchar una canción. Por un par de minutos, la historia de esta mujer –acechada por un ruido que no la deja dormir mientras visita a su hermana enferma en Bogotá– se suspende. Weerasethakul, también conocido como Api, nos invita a usar el cine para perdernos en los sonidos, tal como hacen sus personajes: a explorar las texturas sonoras y visuales que la escena ofrece.
Ganadora del Premio del Jurado en Cannes 2021 (festival que ya había premiado sus anteriores Blissfully yours, Tropical Malady y coronado con la Palma de Oro La leyenda del tío Boonmee), Memoria fue coproducida por la compañía mexicana Piano, fundada en 2011 por Sebastián Hoffman y Julio Chavezmontes. A propósito de su llegada a salas mexicanas, el cineasta tailandés nos comparte sus reflexiones sobre las similitudes inesperadas entre películas y árboles, los aprendizajes de su primera producción en español y sobre su trabajo con el mexicano Daniel Giménez Cacho, quien encarna un papel dentro de la narrativa.
¿Cómo y cuándo tuviste tu primer contacto con Colombia?
Oh. Puede ser que a través de libros, y luego en 2017 fui al Festival de Cine de Cartagena a hacer una retrospectiva y una master class, y entonces viajé alrededor del país por casi dos meses. Y me sentí muy cómodo y conectado con el ritmo y el caos ahí. Así que ahí inició.
¿Eso te llevó a hacer Memoria?
Sí, definitivamente. Empecé a escribir sobre lo que sentía, tomé fotografías y la película se formó de esos bocetos.
¿Y cómo se involucró Tilda Swinton?
¡Ah! Somos amigos y siempre deseamos trabajar juntos, desde hace mucho tiempo, y le dije: “Colombia, ¿qué tal eso?”. Y ella respondió: “¡Ok!”. Eso fue todo. Por eso la quiero tanto, porque sencillamente nunca dice no. Sólo dice sí y creo que no sólo es a mí, sino a la vida. Esa actitud es realmente adictiva y te enamora.
¿Investigaste mucho? Lo pregunto porque hay varios elementos que sugieren una lectura política en Memoria, sobre la memoria histórica del país.
Estoy al tanto y hablé con mucha gente, especialmente en hospitales. Pero cuando hice la película, pensé que tenía que mantenerlo de fondo, en términos de ritmo y de los colores, las sombras… Todas esas cosas quería mantenerlas abiertas. Y creo que, más o menos, funcionó, porque cuando mostramos la película en Colombia algunas personas lloraron y algunas vieron algo… complejo, porque se sintió tan familiar con su propia memoria, pero no pueden expresar por qué. Algunas personas enviaron correos electrónicos a mi productor, porque la película les movió profundamente, pero no podían explicarlo con palabras, el cómo ni el por qué. Y para mí, escuchar eso es muy conmovedor.
Ahora que mencionas eso, solemos decir que lxs cineastas “deben tener algo que decir”, pero cuando veo tus películas, es distinto. Como si buscaras materializar sensaciones, descubrir cosas a través del cine, más que “decir algo”. ¿Cómo es tu proceso creativo? ¿Cómo concibes las películas que haces?
Uhm, es cierto. En realidad, no tengo “nada que decir”, porque siento que a veces la belleza de mirar una película es como mirar un árbol. No necesitas decir nada, sólo conectas y entonces disfrutas los detalles de la imagen misma. Y a veces, mientras observas, puede que pienses en algo, que estés en tu propia memoria, o a veces no necesitas pensar.
Tal vez ese es el proceso creativo: sólo acudir a cierto lugar y estar ahí. Y escucharlo, tomar fotografías, grabar sus sonidos e intentar hacerle sentido a todo eso. Y después, colaborar. Con mi camarógrafo, con Tilda, con el equipo de Colombia. Eso también es parte de la belleza del mundo. Así que es muy espontáneo.
¿Hallaste algún tipo de similitudes entre Colombia (o Latinoamérica) y Tailandia?
Creo que el caos del lugar y… ¿cómo se dice? La manera en que la gente se relaciona con el tiempo. Encuentro belleza en eso. Y lo casual, y la cercanía; la intimidad del contacto. Es muy estrecho.
Siendo tú arquitecto, creo que tienes una sensibilidad particular para los espacios. ¿Qué querías encontrar en ellos cuando buscabas locaciones en Colombia?
Bueno, buscaba simplemente sentarme ahí, escuchar y ver, pero también hablar con la gente. Hablé con artistas, con cineastas, ¡con cualquier persona! Pero, además, el español no es mi idioma, lo cual lo hizo un poco más difícil. Así que hablé con doctores, porque de verdad me encantan los hospitales, ya que creo que tienen un mundo propio y que éste muestra muchas verdades universales sobre el malestar.
¿Cuán complicado fue dirigir una película hablada sobre todo en español?
¡Oh, es adictivo! Porque me apoyé 100% en el coach de idiomas y en la intuición de todo el equipo, ¿sabes? Porque mi propia intuición no funciona en español. Todo mundo entendió mi trabajo anterior y cómo el lenguaje en los medios es muy diverso, cómo encontrar la línea para no presentar la realidad, sino cierto tipo de realidad.
Y eso, no sé… Es mágico. No sé cómo lo hicimos, pero es algo que se queda en medio; lo mantuvimos entre la realidad y la memoria. Y la velocidad también tenía que ser un poco más lenta que la realidad, creo. Así me aproximé a la película, porque Jessica, el personaje, está como en un sueño.
¿Cómo fue el proceso de crear los sonidos de Memoria?
Creo que fue como en otras películas mías. Cuando hago el sonido, estoy muy atento a los detalles de la vida y cómo llevar todo eso, al cuadro y en relación con la tecnología de la experiencia del cine. Así que con Memoria fue igual. De hecho, trabajamos con el sonidista que colabora con Carlos Reygadas, Raúl Locatelli. Es un genio. Es realmente sensible, y toda la operación fue una colaboración de Raúl, Javier [Umpierrez], el estudio en México y con mis diseñadores sonoros tailandeses. Trabajamos en conjunto. El equipo mexicano enviaba los foleys, todo el sonido integrado. Fue una asombrosa, asombrosa operación.
Y hablando de México, fue una sorpresa encontrar a Daniel Giménez Cacho en el elenco. ¿Cómo fue trabajar con él?
Él es un enigma. Para mí, es un enigma. Y una necesidad. Porque estuvimos buscando a ese personaje en muchos lugares, en distintos países, pero para mí… Ya sabes, su presencia, su voz y la manera en la que él es una mezcla de casualidad y algo que… tiene su propia historia, dentro de él, que por alguna razón no puedes encontrar en otros. Para mí, es nostalgia. Hay algo de nostalgia en él. No lo puedo explicar, pero me encanta. Pero fue muy corto, creo, cuando trabajé con él; fue tan poco el tiempo y tan poco de él en la película porque, al final, todo es sobre Jessica. Pero siento que si trabajamos más tiempo juntos, y más en español, podría hacer algo maravilloso con Daniel.
A veces, Latinoamérica (y por supuesto, Colombia) son vistas a través de un punto de vista turístico/exótico. ¿Pensaste conscientemente en evitar eso?
Es una buena pregunta, porque no sé qué es lo “exótico” e incluso en Tailandia a veces tengo problemas, porque es muy hermosa y digo ¿por qué no? (ríe). Pero cuando estaba en el pueblito, le pregunté muchas veces a los miembros del equipo: “¿Eso es exótico?”, porque es muy pintoresco, pero respondían: “No, así es como vive la gente”.
Y al final, creo que principalmente trabajé con mi director de fotografía [Sayombhu Mukdeeprom] al encuadrar, ¿sabes? Porque siento que encuadrar en el cine a veces es… El encuadre en sí mismo a veces es exótico; la distancia y la elección de los lentes crean cierto exotismo, donde quiera que estés. Entonces, ese es un gran elemento que trabajé con mi director de fotografía, para evitarlo.
Memoria es una coproducción multicultural; tiene casi diez naciones involucradas. ¿Cómo fue para ti trabajar con ese modelo de producción?
Oh, yo no soy parte de eso. Creo que el productor lidia con ello pero, para mí, la operación fue colombiana. Colombiana, y tailandesa, y de hecho un poco de México. Tuvimos un equipo de maquillaje y peinados de México y, por supuesto, el sonido. El resto es colombiano. Así que no lo sé. Lo sorpresivo es que fuera tan tranquilo para mí, porque yo esperaba caos y, de hecho, estaba esperando retos, grandes retos. Pero, en realidad, fue un reto muy sencillo (ríe).
Así que, en términos del rodaje, fue muy fácil, muy sincronizado. Tuve mucho tiempo para trabajar con Tilda, para trabajar de verdad el apartado emocional de la película.
A veces, al leer sobre tus películas o las de otrxs cineastas, encuentro esta frase de que tu cine “no es para todos”. ¿Qué piensas de eso? ¿Qué tipo de audiencias esperas que vean tus películas?
No tengo expectativas. Yo creo que una película es como una persona, ¿no? A veces, sencillamente alguien te gusta, y a veces no. Eso entiendo yo con que no es para todos, sólo eso. Y honestamente, no me importa (risas).
¿Quieres seguir filmando en otros países, o estás pensando en volver [a filmar en Tailandia]?
¡Sí, sí quiero! Con esta experiencia, creo que es un mito eso de, ya sabes, volver todo el tiempo a Tailandia. Siento que ya lo tengo dentro de mí, ¿sabes? Este tipo de punto de vista, que puede estar en cualquier lugar.
Memoria, de Apichatpong Weerasethakul, se puede ver ya en salas mexicanas:
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La cinta de 2006 ya tiene una secuela que se encuentra en desarrollo. Esta es toda la información que se conoce (hasta ahora).
Sin exagerar, El diablo viste a la moda es la película sobre la industria de la moda más icónica de los años 2000. Estrenada en 2006 bajo la dirección de David Frenkel y con un inolvidable reparto liderado por Anne Hathaway, Meryl Streep y Emily Blunt, la cinta fue una mirada divertida y sospechosamente apegada a la realidad del mundo editorial. Ahora, a casi dos décadas de aquel momento, se ha confirmado que una secuela viene en camino.
Fuentes de Disney confirmaron a Deadline la noticia, asegurando que Aline Brosh McKenna, la guionista de la cinta de 2006, realizará el guion nuevamente, mientras que Frenkel se encuentra en conversaciones para replicar su rol como productor.
La película aún se encuentra en un estado de realización temprana. Según el sitio de noticias Puck –el primero en dar a conocer la realización de la secuela– Wendy Finnerman, productora del primer filme que vuelve a esta producción, recién está reuniendo las piezas para dar forma a la historia.
¿Quiénes protagonizarán El diablo viste a la moda 2?
La pregunta del millón, ¿vuelven Meryl Streep, Anne Hathaway y Emily Blunt? Aún no es posible confirmarlo. Puck aseguró que Wendy Finnerman ha convencido a Streep y Blunt para replicar sus papeles de Miranda Priestly y Emily Charter. Sin embargo, en una entrevista para E! News de este año, Hathaway dijo “no creo que la continuación de esa historia ocurra jamás”.
Por ahora, ninguna de las actrices ha confirmado su presencia en The Devil Wears Prada 2.
¿Qué pasará en El diablo viste a la moda 2?
Como bien recordarás, la primera película sigue la llegada de Andy Sachs a Runway, la revista más importante de la industria de la moda al mando de la temible editora, Miranda Priestly. En su travesía, Andy no solo lidia con la competencia feroz establecida por la primera asistente de Miranda, Emily Charter, también con los “demonios” de la industria, el ser fiel a sí misma y encontrar su verdadero camino.
Ahora, para El diablo viste a la moda 2, la sinopsis tampoco cuenta con una confirmación oficial, sin embargo, el mismo sitio previamente mencionado contó que se está planeando una historia centrada en Miranda Priestly en el declive de la publicación de revistas impresas, esta vez se enfrentará a Emily, que probablemente sea una alta ejecutiva de alguno de los conglomerados de lujo más grandes (LVMH o Kering).
Por ahora, solo queda esperar a que los detalles continúen revelándose.
Cine y Tv
AMACC: ¿Qué hace y por qué es importante la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas?
Al momento de su fundación el 3 de julio de 1946, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) adoptó un propósito que sobrevive hasta nuestros días: “promover la difusión, la investigación, la preservación, el desarrollo y la defensa de las artes y las ciencias cinematográficas”, en palabras de la propia organización.
No es sólo la instancia sin ánimo de lucro que hace posible la entrega anual del Ariel, galardón que reconoce lo mejor del cine hecho con manos mexicanas. Es una asociación civil con más de 2,500 miembros —profesionales activos de la industria— que desempeña infinidad de tareas; desde la formación, divulgación y fomento cultural, hasta la puesta en marcha de medidas que protejan a los cineastas en contextos adversos.
Con sede en Casa Buñuel (CDMX) y mediante un comité coordinador actualmente presidido por Armando Casas, conozcan a continuación las labores de la AMACC y algunos proyectos específicos recientes que dan fe de su enorme relevancia en el quehacer cinematográfico nacional.
Muestras, exposiciones y ciclos de cine
La AMACC ha impulsado muestras y ciclos de cine en distintos recintos de la República Mexicana; esto con el objetivo de dar a conocer la diversidad de miradas y propuestas fílmicas que enriquecen el panorama audiovisual de nuestro país.
Un ejemplo tradicional es el ciclo “Rumbo al Ariel”. Su edición de 2023 abarcó 1 de agosto de 2023 al 30 de septiembre, teniendo como propósito exhibir ante un amplio público los largometrajes y cortometrajes nominados para la 65° entrega de los premios Ariel. Además de funciones presenciales, este ciclo recurrió nuevamente a su propia plataforma en línea donde las películas ostentaron visualizaciones gratuitas a las cuales podían acceder internautas de todo México.
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En materia de exposiciones y difusión de acervos fotográficos, la Academia estuvo detrás de muestras como “La persistencia de la máquina sensible” (conformada por carteles de películas ganadoras del Ariel) y “Héroes anónimos: técnicos y artistas del cine mexicano” (un homenaje a los creadores cinematográficos que operan detrás de cámaras y que difícilmente obtienen el reconocimiento que merecen).
Conversatorios y clases magistrales
Varias acciones de la AMACC han buscado fomentar el encuentro y diálogo entre las y los profesionales del sector cinematográfico; además de llevar esas charlas y conferencias al público en general. Por ejemplo, en el marco de los ciclos “Rumbo al Ariel” y “Voces y temas del cine mexicano” de 2023, la Casa Buñuel acogió conversatorios con histriones, cineastas y personal creativo involucrado en las cintas exhibidas; pláticas grabadas en video y que pueden consultarse libremente en el canal de YouTube oficial de la Academia.
Convocar talento de otros países —sumado a procurarles un espacio en el que puedan compartir sus conocimientos— ha sido otra misión de la organización. De los últimos años, destacan clases magistrales impartidas respectivamente por el director de arte Paul Harrod (Isla de perros) y el diseñador de vestuario Ángel Amor, integrante del equipo de producción de afamados títulos como Maléfica y La favorita.
De la AMACC, en colaboración con la Filmoteca de la UNAM, tampoco debe olvidarse el programa de conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel”. Este consistió en extensas charlas videograbadas —a modo de tertulias— que protagonizaron laureados miembros de la industria fílmica mexicana y prestigiosos comunicadores, investigadores y gente destacada del gremio. Hubo un total de 34 charlas, repartidas a lo largo de tres temporadas y publicadas digitalmente entre abril de 2020 y julio de 2021.
Labor editorial
Entre las tareas de la Academia destaca también “la edición de libros que hablan sobre el desarrollo de la industria del cine mexicano” (vía).
En 2021, la primera temporada de los conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel” motivó que la AMACC y las instancias asociadas lanzaran una colección editorial; es decir, una serie de libros donde se transcribieron las charlas sostenidas con distintas personalidades en el transcurso del programa.
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Respecto al ámbito de las letras, la AMACC también ha publicado ocho números de una colección denominada “Textos de la Academia”; una conjunto de escritos que en su mayoría rinden tributo a la vida y trayectoria de veteranas personalidades que fueran acreedoras del Ariel de Oro, como la actriz María Rojo, la guionista Paz Alicia Garciadiego y el histrión Héctor Bonilla. La versión digital de cada número está disponible de manera gratuita en el sitio web de la organización.
Preservación y restauración
En complicidad con la Filmoteca de la UNAM, la AMACC ha sido partícipe de la restauración y preservación de cinco películas mexicanas de antaño y con enorme valor histórico, que son:
- La mujer del puerto (Dir. Arcady Boytler, 1933)
- El tren fantasma (Dir. Gabriel García Moreno, 1926)
- El puño de hierro (Dir. Gabriel García Moreno, 1927)
- La barraca (Dir. Roberto Gavaldón, 1945)
- Tepeyac (Dir. José Manuel Ramos, Carlos E. González y Fernando Sáyago, 1917)
Cabe agregar que el proceso de restauración en torno a La barraca inspiró el primer número de la colección “Textos de la Academia”. Por otro lado, los casos de Tepeyac y El tren fantasma dieron pie a la ilustrativa serie de textos Cuadernos de Restauración de la Filmoteca, cuyos primeros dos volúmenes fueron publicados con el apoyo de la AMACC.
En defensa del cine y sus trabajadores
En contra de toda censura y agravio, la AMACC jura defender la libertad creativa y laboral de cineastas mexicanos. Además, fue de armas tomar para asistir a los trabajadores de la industria más afectados por la suspensión de actividades durante la pandemia. Así surgió en 2020 —y con la mediación de la Academia— el Fondo de Apoyo COVID-19 para la Industria Cinematográfica y Audiovisual, gracias a una alianza con Netflix, y Sifonóforo, Fondo de Emergencia Audiovisual, resultado de la suma de esfuerzos de diversas figuras, incluidas Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, Issa López y Salma Hayek.
Ese mismo año, en plena discusión por la desaparición de fideicomisos, la AMACC calificó de preocupante la extinción del Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad (FOPROCINE). También defendió a capa y espada la permanencia del Fondo de Inversión y Estímulos al Cine (FIDECINE), que durante veinte años apoyó la producción, posproducción, distribución y exhibición fílmica en nuestro país.
Asimismo, la lucha de la organización está enfocada en impulsar las reformas a la Ley Federal de Cinematografía y el Audiovisual. Así lo dijo la presidenta Leticia Huijara en la pasada edición de los premios Ariel:
Premios y representatividad en el extranjero
Bien sabido es que la AMACC otorga anualmente el prestigioso premio Ariel, que reconoce lo mejor del cine mexicano e iberoamericano. Por ende, es responsable de llevar la batuta en la logística de la ceremonia, la publicación de convocatorias, los procesos de selección y votación, la fabricación de las estatuillas, etcétera. Siempre con plena consciencia de que el magno evento no consiste solamente en repartir trofeos. Sobre esto, la Academia define su premiación como “un foro público para escuchar las voces de nuestro cineastas en momentos fundamentales de nuestra historia”.
Cada año, la misma instancia es la encargada de elegir la producción nacional que represente a México en la carrera para la categoría de Mejor película internacional de los premios Óscar; lo mismo para los Goya de España, los Macondo de Colombia y los Colibrí de Ecuador, en sus respectivas ternas de Mejor película iberoamericana.
Y por si fuera poco, la AMACC presume ser parte de la Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas (FIACINE); un organismo que reúne a las homólogas asociaciones de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, España, Guatemala, Paraguay, Perú, Portugal, República Dominicana y Venezuela, con el objetivo de impulsar conjuntamente relaciones y mecanismos a favor del quehacer fílmico en tales territorios.
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Como miembro de la comunidad LGBT+ que ha dedicado tres décadas de su vida al desarrollo de ficción televisiva, Jorge Tijerina dice sentirse esperanzado con los cambios de perspectiva que ha notado en la industria mexicana y latinoamericana. Desde 2021 lidera el desarrollo de las producciones de ficción para Warner Bros. Discovery México y Colombia, en donde asegura ha encontrado un ambiente de apertura y diálogo, dentro del corporativo, pero también dentro de las comunidades creativas de cada país (compañías productoras, guionistas, cineastas, etc.), que ha permitido impulsar representaciones cada vez más diversas en los últimos años.
Su experiencia se alinea con las medidas y aspiraciones empujadas durante los últimos años por el conglomerado –fusionado con Discovery en 2022–, que mantiene a la inclusión como uno de sus ejes empresariales. Y es pertinente sobre todo cuando el nuevo y reconfigurado gigante de la industria audiovisual ha confirmado su intención de centrar mucha de su producción original en México y Latinoamérica, y quizá producir menos, pero con mayor calidad (está interesado en explotar, sobre todo, el ámbito de las teleseries).
A cuatro meses de la llegada a Latinoamérica de su plataforma Max (evolución de HBO Max), y mientras la marca alista producciones mexicanas como la serie Como agua para chocolate, Jorge Tijerina nos platica sus reflexiones sobre la evolución de la industria televisiva en temas LGBT+, y cómo es que Warner Bros. Discovery se asegura constantemente de caminar en la dirección correcta.
En junio se celebra el orgullo LGBT y como marcas siempre queremos, por su puesto, celebrarlo y sumarnos a la fiesta, pero al mismo tiempo nos obliga a examinarnos. ¿Cómo crees que va Max y Warner Discovery en estos temas en el frente de desarrollo de contenidos?
Me ha tocado pertenecer a diferentes compañías durante mi carrera y esto me permitió ver una evolución de cómo la industria en general ha ido transformando realmente sus puntos de vista. Todavía hay mucho que hacer y me parece que Max está haciendo mucho para lograrlo. Tenemos, por ejemplo, grupos internos de voluntarios en donde se invita a empleados de la compañía para hablar de temas sensibles que pueden ser de diversidad, diversidad de género, etc. Yo empecé [a trabajar en esta industria] en una época cuando esto no sucedía. Las dinámicas eran otras, donde se censuraba la aparición de personajes LGBT en los contenidos. Donde no era posible siquiera tratar estas temáticas en las historias. Después entré a HBO Latinoamérica en 2009 y me tocó trabajar en Capadocia, la primera serie de ficción que se hizo fuera del sistema de televisión abierta en México. Y tuvo un personaje de una mujer trans muy importante dentro de la trama y eso le valió mucho reconocimiento. No se había hecho, fue una pequeña gota en el océano que ha ido creciendo, creo yo. Y pues Max tiene ya muchos contenidos a los cuales podemos señalar como ejemplos, en donde me parece que el mundo se ve reflejado con todas sus aristas.
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Aquí, Jorge enlista algunos de esos ejemplos, entre los cuales se encuentra la serie Ugly, estrenada en 2023, en donde Juan Daniel García Treviño interpreta a un joven bisexual, una dimensión que asegura se explorará más en la segunda temporada a estrenarse el próximo año. También menciona a Las Bravas F.C., serie estrenada en 2022 que sigue a un equipo de futbol femenil, en donde Mauricio Barrientos, el Diablito, interpreta a un coach gay. De acuerdo con el ejecutivo, la siguiente temporada planea explorar la historia de un personaje femenino que mantiene una relación con otra mujer.
¿Cuál crees que es el rol y las capacidades reales de las plataformas y sus departamentos de desarrollo en esta lucha por la diversidad y su representación? ¿Qué está dentro de tu control, qué no y cuáles son aún los retos que enfrentas desde tu posición?
En principio tenemos que ser muy fieles a nuestra misión como empresa de entretenimiento, y ese es crear un contenido que haga eso: que entretenga, o sea, eso debe de ser nuestra primera misión, porque claro, es muy fácil a veces querer dejar llevarse por temas que son tan necesarios, pero que luego el público los puede percibir como un tipo de activismo. Y la verdad es que tenemos que seleccionar, desarrollar y producir historias que al público le den un respiro de aire después de un día largo en el trabajo. Una historia que tenga un carácter emocional muy profundo. Nuestro primer encuentro sí es preguntarnos si una historia puede entretener a una audiencia, como la de nuestra plataforma, que es masiva. Una vez que encontramos esa conexión general, por supuesto que es bien importante que dentro de ese mundo de ficción haya elementos que conecten con la sociedad de hoy. No vivimos en una sociedad donde todas las personas son blancas, no vivimos en una sociedad donde todas las personas son heterosexuales, tampoco en una ciudad donde todos sean hombres. Y siempre ha sido así, solo que ahora, afortunadamente, tenemos la apertura que nos da la conversación cultural.
El reto es mantener todo lo que te comentaba al inicio, pero también encontrar cómo las personas LGBT forman parte de estos universos. Que sea orgánico, porque nosotros, pues somos personas que andamos por la vida sin un panfleto en la cabeza. Nos enamoramos, cuidamos de nuestros papás, buscamos trabajo, a veces tenemos éxito, a veces no, somos personas. Es esa normalidad la que debe de haber.
¿Cuáles son los procesos o las dinámicas que implementan para lograr eso que comentas, la inclusión y normalización de estas experiencias en las historias?
Tenemos la fortuna de que la compañía apoye estos grupos que te comentaba al inicio, a los que llamamos BRG, Business Resource Groups, que hacen un voluntariado para hablar de estos temas dentro de la empresa. Pero también tenemos un área de diversidad e inclusión, que es sumamente importante para nosotros, porque nos da una guía para darle más visibilidad a grupos como la comunidad LGBT en nuestras series originales. Yo formo parte de ella y es un área compuesta por personas contratadas para que la compañía enriquezca su visión. Me dan lineamientos para poder dirigirme con los equipos de escritura y de producción. Cuando hemos tenido contenidos, por ejemplo, sobre mujeres, para mí ha sido muy importante que quien escriba sea una mujer. Lo primero que valoramos es su talento, claro, su trayectoria. Pero si es una historia LGBT por ejemplo, buscamos escritores dentro de esa comunidad que tengan ese talento. No quiere decir que una persona heterosexual, un persona aliada –figuras importantísimas, para mí– no lo pueda hacer bien, pero es importante darle esa oportunidad a las personas de la comunidad, actores, actrices. La selección es importante para nosotros. Al final la audiencia la aprecia porque se transmite en algo genuino.
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Muchas veces las audiencias, y sobre todo en una sociedad en donde persisten muchos prejuicios, creen que la lucha por la diversidad en las pantallas solo puede tomar la forma de «cuotas», y que estas son «artificiales». ¿Qué le dirías a quienes piensan así?
Como compañía no debes perder tu misión que es hacer historias de calidad. Esa calidad te la dan profesionales que tienen un oficio, una trayectoria. Y sí, es difícil; al meter a las comunidades minoritarias en la ecuación, lo natural es pensar que no hay suficientes escritores LGBT, por ejemplo. ¿Cómo podemos meter más escritores LGBT aunque no tengan la experiencia? Yo creo que es un esfuerzo de encontrar cómo fomentar eso. Si un escritor LGBT no cuenta con la experiencia para entrar en un puesto de jefe de escritores, quizá pueda entrar en un puesto menor dentro del cuarto de escritores. Y entonces en unos años tendremos escritores LGBT experimentados y que sean valorados, en primera instancia, por su talento y experiencia. Y su punto de vista único, sus experiencias como parte de la comunidad, aportarán a ese talento. Lo importante es darles esos espacios para que puedan crecer y beneficiarnos todos como industria.
Como parte de la comunidad LGBT, ¿qué te ha dado más orgullo de trabajar en Warner Bros. Discovery y que te emociona más del futuro?
Me ha tocado atravesar… llevo más de 20 años haciendo ficción para TV y me ha tocado atravesar muchas etapas. Te puedo señalar el crecimiento que ha tenido este tema en la sociedad, desde mi punto de vista. Al inicio trabajé en una telenovela y recuerdo que censuraban a los personajes LGBT, y ahora son protagónicos. A mí me emociona mucho de trabajar en Warner esa completa apertura que se da y ese diálogo. Hemos hecho series en Argentina con estos temas, en Brasil, en México hicimos un documental sobre los muxes. Ha sido un esfuerzo que no solo ha tenido que ver con México, sino que se ha expandido a nivel panregional. Conectamos mucho con todas las comunidades creativas locales, y ellos son las que nos traen historias como estas. Se han dado porque nos hemos mostrado muy abiertos, a escuchar y a entender qué es lo que mueve a nuestros creativos de cada país. Es estar siempre muy atentos a saber por qué les mueve la historia. Dependemos de ellos, realmente: con ellos trabajamos. Las historias normalmente vienen de estas comunidades creativas de cada país. Ellxs están muy abiertos a crearlas. Entonces, el reto es seguir escuchándoles. A veces uno se desmoraliza mucho, cuando un gobierno avanza en temas LGBT y otro retrocede. Siempre habrá paredes que tumbar.
¿Consideras que, en temas de diversidad dentro de las plataformas, el papel de las comunidades creativas locales es clave?
Absolutamente, vengo de hecho de unas reuniones con una productora de hecho para un proyecto nuevo, y no son solamente esos diálogos los que nos ayudan a nosotros para generar historias nuevas. Ayer tuve una reunión con una editorial, para hablar de libros, por ejemplo, que toquen temas socialmente relevantes, y sean emocionantes, y que se puedan adaptar. Las ideas vienen de todos lados pero siempre surge de una mente creativa que nos mueve como sociedad y como empresa.
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