Connect with us

Musica

Conociendo a la persona detrás de la artista: Una entrevista con Little Simz

Published

on

Las mujeres en el mundo del hip-hop han jugado un papel interesante. En un inicio, fueron muy pocas las voces femeninas que escupían barras al ritmo de beats; sin embargo, conforme fue pasando el tiempo, ellas mismas inspiraron a un montón de jóvenes a entrarle a este género. Y en la actualidad tenemos varios ejemplos de esa nueva generación, pero hablando del Reino Unido no hay una artista en el rap tan emocionante como Little Simz.

Simbiatu “Simbi” Abisola Abiola Ajikawo –como en realidad se llama– tiene una carrera sumamente interesante. A pesar de que es conocida en la industria por ser una verdadera promesa y contar con discos y conceptos muy sólidos, también es actriz, y ha aparecido en series como Youngers o Top Boy de Netflix. Básicamente su vida está llena de arte y eso lo podemos sentir en todo lo que hace, pero a través de la música la conocemos mejor.

Little Simz

Foto: Getty Images

Little Simz vuelve con un disco muy especial, ‘Sometimes I Might Be Introvert’

Después de dos años del estreno de su más reciente material discográfico, Grey Area, Little Simz regresará este 2021 con su cuarto álbum de estudio, Sometimes I Might Be IntrovertEste disco es muy importante porque a través de 19 canciones, prácticamente nos da una enorme mirada a su mundo, a las cosas que le preocupan, lo que sucede a su alrededor, sus sueños, motivaciones, las causas en las que cree y por lo que lucha cada día.

Aprovechando el estreno de esta placa, tuvimos chance de platicar largo y tendido con ‘Simbi’ a través de Zoom, donde además de revelar los detalles y secretos de su nuevo disco, nos contó de qué manera logra trabajar con grandes artistas como Gorillaz y dejar su sello siempre, el papel que juega en la industria como una mujer orgullosa de sus raíces y consciente de las causas sociopolíticas, su faceta como actriz y qué tanto influye en su música y más.

Conociendo a la persona detrás de la artista: Una entrevista con Little Simz

Foto: AWAL Records

El camino hacia un álbum liberador

Como ya mencionamos antes, fue en 2019 cuando Little Simz estrenó su tercer álbum de estudio. Desde entonces, la artista británica colaboró con otros músicos pero en realidad, desapareció un poco de mundo para conectar con alguien muy importante: ella misma. El resultado se puede escuchar en Sometimes I Might Be Introvert, que siendo honestos contrasta con el contenido del disco ya que es una puerta a su universo, pero la rapera nos contó porque planeó un disco así.

“Creo que en esta ocasión quería dejar de cerrarme y ser más abierta y honesta con mi música. Solo esperaba que conectar con las canciones que estaba haciendo, continuar experimentando con mi sonido y probar cosas nuevas que me desafiaran como artista y nutrieran mi arte, pero también que al mismo tiempo me hicieran crecer como persona”. 

Un disco donde la música suena a otro nivel

Si todavía no han escuchado el nuevo material discográfico de Little Simz (que por cierto, pueden echárselo mientras leen la entrevista que le hicimos), notarán que uno de sus puntos fuertes es la música. Y es que hay prácticamente de todo, por supuesto que tenemos hip-hop, bases y ritmos de este género, aunque en este álbum en específico, Simbi se animó a incorporar otros elementos interesantes como arreglos de cuerdas, dando como resultado un sonido épico y espectacular.

“En este disco incorporé más músicos de sesión que aportaron grandes cosas, como una bella sección de cuerdas que grabamos en los estudios Abbey Road de Londres. Fue un grupo increíble de personas que me ayudaron a poner todo en orden y trabajaron duro para que el resultado fuera espectacular. Hubo muchos que colaboraron conmigo en el último álbum, así que ya nos conocíamos y entendíamos nuestra forma de ver la música, la energía y la vibra, pero fue increíble reforzar esa camaradería”. 

Conociendo a la persona detrás de la artista: Una entrevista con Little Simz

Foto: Getty Images

El conflicto entre Simbi y Little Simz

Un tema bastante interesante dentro de Sometimes I Might Be Introvert es el de la identidad. Durante años, Simbi ha usado el pseudónimo de Little Simz para así dividir su vida privada con la profesional; sin embargo, a través de las canciones de su nuevo disco podemos darnos cuenta que existen momentos en los que no se puede distinguir bien quién nos está hablando en distintas partes pero, ¿ella ha tenido un conflicto existencial al respecto? 

“Creo que para mí es muy interesante intentar que estas dos personas coexistan en un solo cuerpo y espacio. Y siento que después del año complicado que pasamos, con el encierro y esas cosas, pasé mucho tiempo conmigo misma y conociéndome mejor, y de alguna manera creo que vi la luz, ¿sabes? Estuve en casa con mi familia en lugar de seguir mi rutina, que casi siempre es viajar por todo el mundo. Y sí, a veces es complicado mantenerme a mí misma al margen de Little Simz, pero siempre intento hacer que esas dos partes que inevitablemente forman parte de lo que soy, convivan y se alimenten mutuamente”. 

Little Simz

Foto: Getty Images

Combinar la música con la actuación

A  la par de su carrera como artistas de hip-hop, Little Simz también es actriz, aunque en menor medida. Ha aparecido en varias producciones del Reino Unido, lo cual demuestra que su capacidad artística no se puede limitar a la música y tiene que encontrar otras formas para sacarlas, como lo hace cuando está frente a la cámara. Y aunque no lo crean, su trabajo a la hora de trabajar en series también le ha servido para componer canciones. 

“Siento que todo entra en lo mismo. Ser actriz es un poco como un poema, como una historia ya establecida que puede ser fácil de contar en una película o serie. Pero creo que como artista o a la hora de componer canciones es más complicado, porque hay que crear esas historias desde cero. Aunque definitivamente trabajar en ese otro lado ha inspirado a mi música, de alguna manera como que cada una se complementa. Me siento bendecida de ser capaz de hacer ambas cosas, supongo”. 

Transformar emociones fuertes en canciones de sentimientos universales

Una de las canciones más impactantes y fuertes del nuevo disco de Little Simz es “I Love You I Hate You”. Lo decimos porque a través de la letra, describe los sentimientos hacia su padre y la complicada relación que tiene con él, ya que la abandonó junto a su familia cuando era pequeña. Pero lo más increíble de todo es que esas emociones que paralizarían a much@s, las convirtió en una canción con la que cualquiera puede identificarse.

“Considero que mi música siempre viene desde un lado muy introspectivo y reflexivo. Por más aterrador que pueda ser tocar estos espacios tan personales, creo que al menos para mí y desde mi umbral, siento que es muy normal narrar cosas bastante crudas que pasan en mi vida y confrontarlas a través de canciones. Es muy difícil y de verdad es de miedo, pero me siento muy orgullosa por llegar a este lugar tan íntimo, tomar pluma y papel y escribir sobre eso, componer una canción, naturalmente grabarla más tarde y al final compartirla con la gente”.

“Intento ser lo más honesta posible y creo que por eso mi mensaje ha conectado con el público, que una canción personal, con mi estilo y sobre algo que he guardado durante años les ayude a sentirse mejor o cambiar su vidas, es algo mucho más grande que yo, es la magia de la música”. 

El mensaje de ‘Sometimes I Might Be Introvert’

Por supuesto que un disco tan intenso y personal como lo es Sometimes I Might Be Introvert, tiene un mensaje importante, sobre todo para aquell@s que no están conformes con la vida que llevan en este momento o no saben que quieren para su futuro. Para Little Simz, lo que quiere decir con este material discográfico es simple y sencillamente: se quién eres. No importa lo que hagas o a qué te dediques, sé lo más honest@ posible y lo demás vendrá solo.

“Creo que lo principal es que muchas veces estamos en lugares incómodos y te presionas demasiado, y no de manera saludable. Y simplemente quiero decir que no tengas miedo a probar nuevas cosas, a salirte de tu zona de confort, ser tú mism@ y nunca defraudarte, porque muchas veces no estás satisfecho con tu vida o con lo que estás haciendo. Así que sí, creo que eso es lo más importante que puedo decir por ahora con mi música”. 

El papel de Little Simz como artista en un momento complicado

Sobre decir que el 2020 fue uno de los peores años de la humanidad. Llegó el coronavirus y se convirtió en pandemia, se levantaron movimientos políticos y sociales–como Black Lives Matter– y en específico, en el Reino Unido lidian con los estragos del Brexit y la controversial administración de Boris Johnson. Sin embargo, para Little Simz y como artista, lo mejor que puede hacer ante estas circunstancias es componer música que nos haga olvidarnos de todo. 

“No me gusta hacer comentarios sociales tan directos, no quiero aparecer en redes sociales y simplemente despotricar, no es lo mío. No sé, creo que estoy intentando de descubrir cómo me siento al respecto con todas estas cosas que pasaron. Siempre intento mantenerme al margen, incluida mi música, aunque a través de ella hablo de cosas que me parecen honestas y así olvidar que todo eso está sucediendo en el mundo, ¿sabes?  Hay cierto quienes dicen que soy fría respecto a estos temas, pero no es así. No me gusta ser esa clase de artista, respeto a tod@s los que hablan de nuestros males, pero mi música viene desde el fondo del corazón y quiero que resuene en la gente tal cual, sin tener que tocar aspectos que muchos prefieren no mencionar”. 

Foto: Getty Images

La presencia de las mujeres dentro de la música y el hip-hop está cambiando

Para nadie es un secreto que la industria musical ha sido dominada históricamente por hombres. Sin embargo, con el paso de los años, la presencia femenina parece tener más presencia en todos lados, aunque también es importante aclarar que todavía falta mucho trabajo para lograr una equidad de oportunidades. Little Simz es consciente de esto, y por supuesto que está contenta de ser parte de la evolución y cree que en un futuro no tan lejano, la cosa será distinta. 

“Creo que es maravilloso saber que hay más mujeres existiendo en este mismo espacio que desde siempre ha sido controlada por hombres. Es genial ser parte de todo esto y ver todos estos cambios, como que haya más chicas en festivales y ocupando escenarios importantes. Aunque también considero que debe haber más apoyo, especialmente entre todas las mujeres que estamos en este negocio Pero es increíble ver que a pesar de que sea lento, la situación está evolucionado”. 

Little Simz

Foto: Getty Images

Colaborar con grandes artistas y mantener tu esencia

A lo largo de su carrera, Little Simz ha colaborado con un montón de artistas espectaculares. Entre ellos por supuesto que destacan Gorillaz, Michael Kiwanuka y Little Dragon, aunque para ser honestos, cuando Simbi colabora con ellos, siempre brilla con sus rimas y hace que la canción donde participa sobresalga de las demás. Pero quizá lo más importante es que mantiene en todo momento su esencia, algo muy complicado de lograr.

“No lo sé, creo que siempre intento llegar con buena vibra al estudio, y cuando trabajamos en una canción hago que mi esencia y lo que tengo aporte a los demás. Es muy curioso porque siempre trabajo con personas de las que soy super fan o a las que respeto muchísimo, y creo que cuando nos juntamos pasa algo mágico, algo que ni siquiera puedo describir como tal, pero eso me motiva a sacar lo mejor de mí”. 

Su única presentación en México… por ahora

Por ahora, no hemos tenido la oportunidad de ver a Little Simz en solitario. Sin embargo, en 2018 y de la mano de Gorillaz, visitó México para interpretar en el Vive Latino de ese año la rola que compuso junto a Damon Albarn y compañía, “Garage Palace”. A pesar de que estuvo unos minutos en el escenario, muchos pudimos observar su talento y para ella fue uno de los momentos más increíbles de esa gira. Además nos dijo que le gustaría regresar…

“Ese show para mí fue uno de los más memorables de todo el tour, la energía que se sentía era una locura. Fue mi primera vez en México, y a pesar de que estuvimos muy poco tiempo, dar una vuelta por la ciudad y conocer a la gente local fue increíble, todos son muy amables, cálidos y grandiosos. Me pareció un lugar vibrante, me sentí bienvenida y a gusto tanto en el hotel como en el escenario, creo que hasta ese concierto, no habíamos tocado para tanta gente en esa gira y es quizá uno de los shows más grandes donde he participado. Definitivamente fue increíble y uno de los highlights de ese año”. 

Las lecciones que ha aprendido Little Simz gracias a la música

Por último pero no menos importante, y luego de considerar que Little Simz es una artista reflexiva y que le encanta hablar de las cosas que le pasan junto con los cambios en su vida, le pedimos que nos dijera cuál considera que es la mayor lección que ha aprendido gracias a la música y después de tantos años de carrera. Y la verdad es que es algo muy sencillo aunque no todos lo comprenden, pues para ella lo más importante siempre será la honestidad y autenticidad.

“Creo que lo más importante que he aprendido es seguir siendo yo misma en todo momento. Es muy fácil cegarte y cambiar quien eres para encajar en un molde en particular, porque ves que muchas personas están haciendo algo peculiar que es exitoso y quizá quieras formar parte de eso. Y está bien, pero siento que lo mejor siempre será ser tú mismo aunque la gente que esté a tu alrededor crea lo contrario.

Durante mucho tiempo varias personas me dijeron que debía ser sincera y honesta, y por un tiempo pensé que lo mencionaban solo por molestar, pero más adelante me di cuenta de que tenían razón y hasta la fecha no me he disculpado de todo con ellos. Sin embargo, en este punto de mi carrera, puedo decir que eso es la mayor lección que me ha dejado la música”. 

Foto: Getty Images

La entrada Conociendo a la persona detrás de la artista: Una entrevista con Little Simz se publicó primero en Sopitas.com.

ues de anuncios individuales.

Musica

Drake Bell canta intro de ‘Drake y Josh’ a ritmo de regional mexicano (VIDEO)

Published

on



Drake Bell fue el protagonista de una de las series que marcaron a los jóvenes mexicanos durante mediados de los años 2000 e inicios de los 2010, “Drake y Josh“. Un grupo de músicos lo animaron a cantar la intro de la serie, el tema “Found a Way” al ritmo del regional mexicano en Chihuahua.

Drake, quien pasa temporadas en México, aparece sonriente y animado cantando el clásico tema que para los fans fue un momento conmovedor.

Esto es lo más random que nunca imaginamos los que veíamos drake y Josh en nuestra adolescencia“. “Oye, tranquilo pariente”. “La seriedad y respeto que le puso Drake amé”. “Quién no puede amar a Drake Bell es bello y es muy humano y humilde“, opinaron algunos cibernautas sobre el momento que ya se volvió viral en las redes sociales.

LEE: Nodal desata polémica al reactivar foto con dedicatoria a Cazzu

Varios cibernautas tomaron como una “señal” lo sucedido con Drake y su reciente interpretación de “Found a Way”: “¿quién pidió esta señal?”.

La relación entre Drake Bell y Josh Peck, protagonistas de la serie, ha sido compleja y ha pasado por altibajos a lo largo de los años. Drake y Josh se conocieron mientras trabajaban en la serie de Nickelodeon, donde desarrollaron una fuerte amistad durante su tiempo juntos en el programa.

LEE: Ángela Aguilar estaría en elenco de Las Mañanitas a la Virgen

Tras la finalización de la serie en 2007, su relación comenzó a enfriarse. Aunque compartieron momentos juntos en eventos como los MTV Video Music Awards, no mantuvieron una comunicación constante.

En 2017, Josh Peck se casó con Paige O’Brien y no invitó a Drake Bell a su boda. Esto provocó una reacción negativa de Bell, quien expresó su decepción públicamente a través de Twitter, aunque luego borró el mensaje.

Con información de SUN

MBV

Temas

Lee También

ues de anuncios individuales.

Source link

Continue Reading

Musica

Estos son 10 de los discos más caros que se han grabado (hasta la fecha)

Published

on


Lo que necesitas saber:

Muchas bandas y artistas han gastado una lanota para crear sus álbumes. Y aquí les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado.

En la actualidad, gracias a la tecnología, cualquier artista o banda puede grabar música en una computadora, sin la necesidad como tal de entrar a un estudio de grabación profesional y cubrir los gastos que eso implica. Sin embargo, a lo largo de la historia aparecieron discos que fueron tan caros que con eso se pudieron comprar varios supers.

Hace muchos años, era normal que un cantante o un grupo tuviera a su disposición una buena cantidad de dinero para producir y grabar sus proyectos. Aunque desde entonces, ya habían materiales discográficos cuyos presupuestos rayaban en la locura, pues nadie podía creer que gastaran tanto en crear un álbum de estudio.

¿Quiénes son las personas que aparecen en las portadas de algunos discos famosos?¿Quiénes son las personas que aparecen en las portadas de algunos discos famosos?
Imagen ilustrativa/Foto: Getty Images

Y para que chequen que hay artistas y bandas que eran capaces de poner una verdadera millonada con tal de crear las canciones y conceptos que tenían en la mente, a continuación les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado en la historia de la música (con todo y cifras actualizadas con el precio del dólar en 2024).

Estos son 10 de los discos más caros de grabar de la historia

Fleetwood Mac – ‘Tusk

Arrancamos esta lista con una banda que tiene una historia complicada. Así es, nos referimos a Fleetwood Mac, que aparece en el conteo de los discos más caros de todos los tiempos con Tusk, su doceavo álbum de estudio cuya grabación salió en la asombrosa cantidad de casi 6 millones de dólares de la actualidad.

Luego del éxito del icónico Rumours, la banda –a petición de Lindsey Buckingham– empezó a trabajar en un álbum más experimental y conceptual, donde jugaron con sonidos del punk rock y del new wave. El resultado fue un disco que tuvo una alta producción en las canciones en las que incluso contaron con la participación del exguitarrista del grupo, Peter Green.

A pesar de lo arriesgado que era buscar salirse de su zona de control para explorar otros géneros, Tusk se consideró como un fracaso comercial por su sello discográfico, vendiendo cuatro millones de copias en todo el mundo. De cualquier manera, se ganó buenas críticas y sobre todo, el gusto de su público, que lo convirtió en un clásico de culto.

Pero hablando de números, se estimó que los costos de producción del álbum inicialmente estaban en alrededor de 1 millón de dólares de la época, pero muchos años después se reveló que eran de aproximadamente 1.4 millones (equivalente a $ 5.88 millones de 2024), lo que lo convierte en uno de los discos de rock más caros de grabar hasta la fecha.

Billy Idol – ‘Charmed Life

Billy Idol es toda una leyenda de la música y por supuesto que se puede dar el lujo de desembolsar una lanita para grabar sus discos. Sin embargo, llevó todo al límite con Charmed Life, su cuarto material discográfico, pues para pagar todo este proyecto se gastó la nada despreciable cantidad de 3 millones y medio de dólares.

A finales de los 80, Billy andaba buscando nuevos aires. Es por eso que decidió que en esta ocasión no trabajaría con el guitarrista Steve Stevens (como en sus tres discos anteriores) para colaborar con Mark Younger-Smith, quien en palabras de Idol le “dio un eje, alguien con quien podía trabajar para formar un sonido y una idea para este álbum”.

Billy Idol terminó las sesiones para el álbum el 5 de febrero de 1990 y después de recoger las mezclas finales de Charmed Life resultó gravemente herido en un accidente de motocicleta. El 30 de abril de 1990 vio la luz este material discográfico y no le fue nada mal, pues recibió certificación platino por sus ventas.

Este disco incluye temazos, como “Cradle of Love” y el cover a “L.A. Woman” de The Doors. Pero si esto no fuera suficiente, los videoclips de los primeros dos sencillos del álbum contaron con la dirección del mismísimo David Fincher. Así que probablemente en eso se fue gran parte del presupuesto para este proyecto.

Aerosmith – ‘Rock in a Hard Place

Se sabe que en los 70 y 80, Aerosmith era una de las bandas más importantes del planeta y gastaban dinero a lo loco en excesos. Sin embargo, esa lana también la ponían para sus discos, tal es el caso de Rock in a Hard Place, su séptimo álbum de estudio, el cual les salió en poco más de 4 millones de dólares de estos tiempos.

Durante esa época, la banda estaba pasando por un momento complicado, tras la salida de Joe Perry y Brad Whitford. De cualquier manera, Steven Tyler (quien andaba lidiando con el abuso de drogas) y compañía buscaron reemplazos para grabar este material discográfico. Es por eso que durante dos años trabajaron en el disco sin conseguir el sonido y concepto que andaban buscando.

El 27 de agosto de 1982, Aerosmith lanzó Rock in a Hard Place y definitivamente, no tuvo el recibimiento que ellos esperaban. La crítica lo destrozó, pues a pesar de señalar que se atrevieron a experimentar con riffs más pesados, perdieron por completo la esencia que tenían con ese sonido blusero que tanto los caracterizaba.

Tras este descalabro en su carrera, las cosas cambieron dentro de la agrupación. Perry regresó y retomaron el camino musical por el que se hicieron famosos. Pero de todos modos, no podemos dejar de lado el hecho de que Steven Styler y los demás miembros probablemente se pudieron ahorrar unos dólares si no grababan este disco.

Wu-Tang Clan – ‘Once Upon a Time in Shaolin

La historia del Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan es fascinante por sí sola. No lo decimos únicamente porque grabarlo costó más de 3 millones de dólares de estos tiempos, también lo mencionamos porque solo existe una única copia de este álbum y no está disponible para descargar ni mucho menos para escucha en plataformas de streaming.

El colectivo de rap trabajó en secreto en este disco durante seis años, desde 2007 hasta 2013, del cual como ya lo mencionamos, solo hicieron una copia de dos CD’s en 2014 y estuvo guardado en una bóveda segura. Un año después, a través de una casa de subastas, el álbum se vendió a un comprador llamado Martin Shkreli, el director ejecutivo de Turing Pharmaceuticals, que pagó unos 2 millones de dólares por él y firmó un acuerdo legal donde se comprometía a no explotarlo comercialmente hasta 2103.

En marzo de 2018, Shkreli fue condenado por fraude de valores. Es por eso que un tribunal federal confiscó los activos que le pertenecían, incluido Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan. En julio de 2021, el Departamento de Justicia de Estados Unidos lo vendió a un grupo de coleccionistas de NFT’s por 4 millones de dólares para cubrir las deudas de Martin.

Aunque no se puede publicar el disco con fines comerciales, el acuerdo que firmó Martin Shkreli le daba chance de ponerlo en fiestas de escucha. Es por eso que en 2024 se reprodujo el álbum por primera vez en el Museo de Arte Antiguo y Nuevo de Hobart, Tasmania. Por si esto no fuera suficiente, los dueños del material comenzaron a vender fragmentos como NFT. No cabe duda que este disco tiene una historia loquísima.

Kanye West – ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy

Otro caso de un rapero que despilfarró una marmaja jugosa para crear un disco. Así es, nos referimos a ni más ni menos que Kanye West, quien para grabar y producir su exitoso quinto material discográfico, My Beautiful Dark Twisted Fantasy, se gastó la enorme cantidad de 4 millones de dólares. Aunque quizá, ese gasto se puede justificar.

Después de una interrupción en su carrera, West trabajó en el álbum entre el 2009 y 2010. En este disco, siguió la idea de trabajar con muchos letristas, músicos y productores, entre ellos Jay-Z, Kid Cudi, John Legend, Pusha T, Bon Iver, Q-Tip, RZA, Pete Rock, Mike Dean, No I.D. y Jeff Bhasker. El resultado fue una colección de canciones que posicionó a Kanye como una de las mentes creativas más importantes de su generación.

El 22 de noviembre de 2010 salió a la venta My Beautiful Dark Twisted Fantasy y fue un golazo en la trayectoria de Kanye West, pues este disco incluyó temazos como “Power”, “Runaway”, “Monster” y “All of the Lights” que le valieron elogios tanto de la crítica especializada como de sus fans de hueso colorado.

No por nada, es considerado uno de los mejores álbumes de rap de la historia, así como uno de los mejores discos del siglo XXI e incluso de todos los tiempos. Es por eso que decimos que se puede justificar la lanota que Kanye invirtió en grabar y producir este impresionante material discográfico.

Korn – ‘Untouchables’

Aunque no lo crean, Korn se pasó con el presupuesto y ocupó una buena lana para la producción de Untouchables, su quinto material discográfico. Para que chequen el dato, se dice que gastaron poco más de 6 millones de dólares de la actualidad. Y en palabras de la agrupación, se debió al mantenimiento de su equipo de 15 personas durante los casi dos años que necesitaron para terminarlo.

A principios de 2001 comenzaron a crecer las tensiones entre los miembros de la banda, sobre todo por el abuso de drogas del bajista Reginald ‘Fieldy’ Arvizu. Finalmente, lograron escribir el álbum y lo grabaron, pero tardaron un buen rato en publicarlo, lo cual provocó que no existiera mucho interés tanto de la crítica como de los fans.

El 11 de junio de 2002, Korn lanzó oficialmente Untouchables y, a pesar de las buenas críticas y los intentos de su sello discográfico por armar ​estrategias de ventas (ya saben, sacando una edición limitada con bonus tracks, ilustraciones, DVD y toda la cosa), este disco tan costoso fue un fracaso comercial para la banda.

El grupo culpó a la piratería por la caída de sus ventas en comparación con sus discos anteriores, pues una versión del álbum sin terminar se filtró en internet tres meses antes de su lanzamiento oficial. De cualquier manera, este material discográfico es considerado como uno de los mejores trabajos de Jonathan Davis y compañía.

Garth Brooks – ‘Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines’

En la lista tenemos que mencionar a un artista que quizá no hubieran imaginado que verían dentro de los discos más costosos de todos los tiempos. Se trata de Garth Brooks, quien en 1999 lanzó Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, un álbum que en precios actuales, costó unos 9 millones de dólares… no es broma.

En esa época, el artista de country estaba pasando por un momento importante de popularidad, así que se le ocurrió una gran idea para su siguiente álbum: hacer un disco conceptual en el que Brooks toma la personalidad y el alter ego de Chris Gaines, un cantante de rock australiano. Sin embargo, sus planes eran más ambiciosos.

Resulta que la música de este disco originalmente estaba planeado que fuera la banda sonora de una película llamada The Lamb, en la que Garth Brooks interpretaría Chris Gaines y recorrería los diferentes períodos de su vida. El álbum se lanzó un año antes de la fecha de estreno programada para la cinta para despertar el interés en que el cantante formaría parte del proyecto.

Pero debido al fracaso comercial de Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, problemas financiero y que nadie entendió lo que estaba haciendo, la película nunca se filmó. Así que definitivamente, no valió la pena los millones de dólares que se invirtieron para la grabación de este material discográfico.

Def Leppard – ‘Hysteria’

Entrando a los puestos de honor, tenemos uno de los discos más importantes en la carrera de Def Leppard y de la década de los 80. Así es, hablamos de Hysteria, el cuarto material discográfico de la banda británica que, ajustado a los precios de la actualidad y aunque no lo crean, salió en unos 12 y 13 millones de dólares.

Durante el proceso de grabación, la agrupación de hard rock pasó por momentos complicados y una serie de inconvenientes que atrasaron más de lo debido la producción de este álbum, por alrededor de casi cuatro años. Entre ellos el accidente donde Rick Allen perdió el brazo izquierdo, así como una serie de cambios de productor.

Después de mucha espera, el 3 de agosto de 1987 salió oficialmente Hysteria y fue todo un trancazo, pues es el disco más exitoso de la banda hasta la fecha con alrededor de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo. Eso sin contar que incluyó rolones como la canción homónima, “Women”, “Animal”, “Pour Some Sugar on Me”, “Love Bites”, “Armaggedon It” y “Rocket”.

Al parecer, el gasto que se hizo en la grabación de este álbum fue justificado, pues más allá de las certificaciones y las ventas, se convirtió en uno de los materiales más influyentes no solo del hard rock, sino de toda la década de los 80. Tanto así que Rolling Stone y Q lo incluyeron en sus listas de los mejores álbumes de todos los tiempos.

Guns N’ Roses – ‘Chinese Democracy’

Por supuesto que en esta lista no podía faltar uno de los discos más controversiales y costos de la historia: el famoso Chinese Democracy de Guns N’ Roses, un álbum que actualmente podemos decir que representó un gasto de cerca de 20 millones de dólares y que tardó más de una década en ver la luz.

A mediados de la década de 1990, tras el éxito que tuvieron con proyectos como Use Your Illusion y The Spaghetti Incident?, la banda empezó a tener diferencias creativas y personales. En este lapso, Slash, Gilby Clarke, Duff McKagan y Matt Sorum renunciaron o fueron despedidos. Solo quedaron Axl Rose y el tecladista Dizzy Reed, y con un nuevo equipo de músicos comenzaron a trabajar en su siguiente álbum.

Se dice que la disquera de Guns N’ Roses le ofreció un millón de dólares de la época a Axl si terminaba el disco en 1999 y agregaría otro millón si el álbum estaba listo para antes del 1 de marzo de ese mismo año. Sin embargo, eso nunca pasó, pues Rose pasó por problemas legales, personales y encima, no estaba contento con lo que había grabado.

Fue hasta el 23 de noviembre de 2008 cuando Chinese Democracy llegó a las tiendas y para muchos, fue una enorme decepción, pues no estuvo a la altura de lo que esperaban los fans. Al menos, pudieron recuperar una lana de lo que invirtieron para la grabación, pues lograron vender más de 8 millones de copias en todo el mundo (un verdadero logro ya que poca gente seguía comprando discos físicos en esa época y encima, tenían el problema de la piratería).

Michael Jackson – ‘Invincible’

Fácilmente en los primeros puestos entrarían varios discos de Michael Jackson, como HIStory: Past, Present and Future, Book I y Dangerous (que costaron entre 20 y 22 millones de dólares respectivamente). Pero en el lugar de honor tenemos a Invicible, el décimo y último álbum del ‘Rey del Pop’ que ajustado a la actualidad, salió en unos 50 y 60 millones de dólares… así como lo leen.

En 1997, Michael inició las grabaciones del álbum. Sin embargo, se dice que tardó tanto en terminar estas canciones porque se tomó el tiempo de acomodar tanto los instrumentos como los ritmos, mezclas e incluso frecuencias hasta que estuviera satisfecho con el trabajo final. De hecho, el propio cantante declaró que le puso tanto empeño al proyecto porque no estaba seguro si iba a continuar haciendo más discos.

Finalmente, el 30 de octubre de 2001 salió a la venta Invincible donde incluso hubo apariciones de Carlos Santana, Slash y el difunto The Notorious B.I.G. Y aunque no tuvo hits memorables, le fue muy bien en cuanto a críticas y ventas e incluso consiguió la certificación de doble platino, así que no estuvo nada mal para Michael Jackson.

Sin embargo, tras varias discusiones con su discográfica (porque Michael se negó a hacer una gira para promover el álbum y el sello detuvo la promoción de este material), Jackson no volvió a publicar música nueva en vida. De cualquier manera y aunque han pasado los años, sigue teniendo el récord por grabar el disco más costoso de todos los tiempos.

Todo lo que no sabías que necesitas saber lo encuentras en Sopitas.com



ues de anuncios individuales.

Source link

Continue Reading

Musica

Día del Músico 2024: ¿Por qué Santa Cecilia es considerada la patrona de los músicos?

Published

on



El Día del Músico es una festividad que se celebra cada 22 de noviembre como una manera de reconocer el impacto y la relevancia de los músicos en nuestra sociedad.

Además, la fecha también se presenta como un espacio de reflexión para repensar los desafíos contemporáneos que enfrentan quienes ejercen esta profesión artística hoy en día.

En este sentido, la efeméride resalta lo importante que es la música como un medio para expresar, comunicar y sentir. Es imprescindible valorar el trabajo de quienes logran transmitir emociones y conectar a las personas a través de su talento y los sonidos.

A lo largo de la historia, la música ha jugado un papel significativo en diversas civilizaciones. En el antiguo Egipto, la música estaba asociada a prácticas religiosas, siendo utilizada en rituales sagrados y reservada para los sacerdotes. En la antigua Grecia, tenía un lugar central en su mitología, donde se le atribuía un poder divino.

Asimismo, durante la Edad Media, la música estuvo estrechamente vinculada a la Iglesia, convirtiéndose en una herramienta de culto y devoción. Con el Renacimiento, la música floreció, particularmente con el auge de la polifonía, que dio lugar a nuevas formas musicales y técnicas compositivas.

Te recomendamos: Ellas fueron las mujeres que participaron en la Revolución Mexicana

En 1997, la UNESCO proclamó el Día Internacional del Músico, como un medio para reconocer la influencia de la música y su papel esencial en las culturas de todo el mundo.

Esta fecha también invita a reflexionar sobre los desafíos contemporáneos que enfrentan los músicos. A pesar de los avances tecnológicos que han transformado la industria musical, los artistas siguen enfrentando dificultades económicas, la competencia por la visibilidad en un mercado saturado y la constante necesidad de adaptarse a las nuevas plataformas digitales de distribución.

Un aspecto relevante de esta celebración es la relación entre el Día del Músico y Santa Cecilia, considerada la patrona de los músicos.

Según las tradiciones, Santa Cecilia fue una mujer de profunda fe cristiana que, mientras celebraba su matrimonio, escuchaba melodías instrumentales, pero en su interior cantaba a Dios en silencio. Este detalle la asoció con la música, considerando su canto una manifestación de devoción espiritual.

A pesar de ser perseguida por su fe, Santa Cecilia permaneció firme en sus creencias hasta su martirio, lo que le permitió convertirse en un símbolo de resistencia y fe.

En 1584, la Iglesia Católica la nombró oficialmente patrona de los músicos, y desde entonces, su figura ha estado ligada a la celebración del Día Internacional del Músico.

Te recomendamos: Asiste a la obra “Lo grabado en una superficie” en el MAZ

CM 
 

Temas

Lee También

ues de anuncios individuales.

Source link

Continue Reading

Trending