Cine y Tv
El señor de los anillos: así fue la campaña que logró una barrida histórica en los Óscar
Durante la ceremonia de los Premios Óscar del año 2004, la productora del filme ganador en la categoría de Mejor película extranjera subió al escenario para recoger su estatuilla y lo primero que dijo fue: «Me siento muy agradecida de que El señor de los anillos no calificara en esta categoría». Todos los asistentes del Kodak Theatre, ahora llamado Dolby Theatre, estallaron en risas. La cámara de la transmisión enfocó entonces a un emocionado Peter Jackson, que estaba tan sorprendido como el resto de que El retorno del rey llevara hasta el momento ocho premios ganados y ninguna categoría perdida.
Puede que los productores de New Line Cinema y algunos publicistas no estuvieran tan sorprendidos, aunque sí emocionados. Desde sus butacas, enfundados en trajes de gala, observaban cómo la misión a la que se habían abocado desde hacía más de tres años por fin rendía frutos, y de una forma espectacular. El señor de los anillos: El retorno del rey reafirmó su éxito con el público y la taquilla mundial, tras llevarse a casa los 11 premios Óscar para los que era candidata, convirtiéndose así en la única película en lograr tal hazaña (la primera en conseguir esa «barrida» tan grande) y en la tercera en ganar dicho número de premios, junto a Titanic (1997) y Ben-Hur (1959).
Aunque nadie considera que los once no fueran merecidos, la realidad es que detrás de la apabullante victoria de El señor de los anillos en los Óscar, existió una campaña publicitaria tan agresiva como cualquier otra que tuviera fines políticos o electorales. Cuando New Line Cinema vio el producto que tenía entre manos, juntó a un pequeño ejército para lograr la primera victoria para un estudio que tradicionalmente se enfocaba en producciones de bajo costo.
El plan de New Line Cinema
«En realidad, llevar a cabo una campaña por el Óscar no es tan diferente de llevar a cabo una pequeña campaña política. Tienes 6.000 votantes a los que tienes que apelar y tienes un conjunto de reglas restrictivas que seguir». – Allan Mayer, director y jefe de entretenimiento en Sitrick and Co. en 2004.
Antes de su momento en los Óscar, la trilogía de El señor de los anillos ya contaba con una historia de fortunas. Ningún estudio se habría atrevido por allá en 1999 a financiar la filmación conjunta de una trilogía que tomaría 18 meses de rodaje y muchos millones de por medio. New Line Cinema aceptó la misión y confió desde el primer momento en el producto. Tanto así que también comenzó a soñar con la estatuilla dorada. Lo único que tenían que hacer era esperar a conocer las primeras reacciones del público hacia el primer capítulo de la trilogía.
Una vez que La comunidad del anillo se convirtió en un éxito entre la crítica y el público se volvió inevitable que el estudio pusiera sus ojos en el Óscar. Los CEO de New Line de por aquel entonces, Bob Shaye y Michael Lynne, así como el presidente de marketing del estudio, Russell Schwartz, y su vicepresidenta Christina Kounelias, diseñaron un plan que le permitiera a la saga hacerse con la mayor cantidad de premios posibles.
«Fueron básicamente dos años de ‘No lo van a conseguir, no lo van a conseguir, tienen que conseguirlo en El Retorno del Rey‘. Así que nuestro trabajo, y creo que lo hicimos bien, fue crear esta sensación de inevitabilidad en torno a la película», le contó Christina Kounelias a Vanity Fair.
El mayor reto de la campaña fue tratar de convencer a los académicos con una película de fantasía. Como si se tratara de un manual, se sabe que los filmes de dicho género no suelen tener éxito en la categoría reina de la Academia; muchas ni siquiera son consideradas. La campaña, por tanto, debía hacerle ver a los votantes que esta trilogía merecía ganar. Para lograrlo el estudio contrató desde entonces a un ejército de publicistas y expertos.
La comunidad del anillo fue reconocida con 13 nominaciones –la más nominada de la saga– en 2002, aunque sólo consiguió cuatro: efectos visuales, banda sonora, fotografía y maquillaje. El año siguiente, Las Dos Torres apenas arañó seis nominaciones, luego de algunas modificaciones en las reglas que le arrebataron las menciones en categorías como banda sonora. Sólo ganó dos en aquella ocasión, pero para entonces ya se había creado un sentimiento de deuda entre los fanáticos, el publico y la industria.
«Para el momento en que Las dos torres perdió, había la sensación de que se había cometido un crimen importante y que [en La Academia] tenían que enmendarlo», comentó Tom O’ Neill, fundador del sitio GoldDerby.
La carrera por el Óscar de El retorno del rey
Para asegurar que la tercera y última película de la saga consiguiera la victoria, Russell Schwartz contrató a un nuevo equipo de experimentados publicistas. Al ejército ya conformado para las dos anteriores se unieron Johnny Friedkin, Melody Korenbrot, David Horowitz, Ronni Chasen, y Allan Mayer. Éste último reconocido dentro de la industria por su habilidad para manejar las crisis publicitarias de varias estrellas reconocidas. Friedkin, por su parte, era un veterano de marketing que había trabajado en los estudios desde los años 60, por lo que estaba en contacto con la parte tradicionalista de Hollywood. Él sería el encargado de explicar la importancia de la película, una historia de fantasía, a «la vieja guardia» de los votantes. «Chicos, los estoy contratando porque probablemente entraremos en una crisis si no ganamos esta maldita cosa», le dijo Schwartz al nuevo equipo.
La tercera campaña aumentó su presupuesto (a más de 10 millones de dólares) y fue ligeramente diferente a las dos anteriores. Mientras que en aquellas los artes y pósters diseñados para los votantes no mantenían una consistencia visual, para El retorno del rey fue como si se creara una marca propia. Un estilo visual tan específico que cualquiera que lo mirara sabría de qué película se trataba sin siquiera leer el título.
Todas las mañanas, el equipo decidía qué nueva publicidad sería enviada a impresión para su colocación en espectaculares, paradas de autobús y revistas de circulación dentro de Hollywood. Publicaciones tan reconocidas, como Variety, dedicaron portadas enteras a El señor de los anillos, con los apuntes necesarios para reconocerla en los Óscar por su labor artística para la industria. Una en particular, especialmente recordada por Schwartz, insistía en el reconocimiento para la trilogía entera y estaba formada por una extensa numeralia de todo lo que conllevó configurar las tres películas.
«Fue uno de nuestros anuncios más geniales. Fue la primera vez que fuimos más allá de la película específica e hicimos campaña para la trilogía, porque sabíamos que esta era nuestra oportunidad», dijo. «Algunas personas nos acusaron diciendo: ‘Bueno, no puedes hacer campaña para la trilogía, solo puedes hacer campaña para esta película’. Pero, una vez más, era el último suspiro. Lo que votaron fue el alcance de la trilogía, no necesariamente la película individual».
Además de los anuncios publicitarios, el estudio organizó las clásicas proyecciones de la película para los votantes en distintas ciudades de Estados Unidos. Asimismo, los miembros del elenco aparecieron constantemente en las salas de cine para someterse a cuestionarios y relatar su experiencia dentro de una de las trilogías más exitosas de los últimos tiempos. Ian McKellen, Orlando Bloom, Viggo Mortensen, Elijah Wood, Andy Serkis y otros más asistieron a cenas, programas de televisión y proyecciones privadas, con la finalidad de pasar la voz sobre el «espectacular cierre» de la saga.
Para entonces El señor de los anillos ya contaba con un gran séquito de fans. Adquiridos algunos desde las publicaciones originales de J. R. R. Tolkien y otros más acumulados a partir de las películas anteriores. Alrededor de la película ya se respiraba ese aire de que inevitablemente tendría que haber un reconocimiento de algún tipo. Y mientras más grande fuera mejor.
A su favor jugaron también los paralelismos que la historia guardaba con los conflictos bélicos mundiales. Cuando Tolkien escribió las novelas, mucha de su experiencia en la Segunda Guerra Mundial impregnó su obra. Para el año 2003, los conflictos de Estados Unidos con Irak inundaban las primeras planas de los periódicos más reconocidos. El mensaje de El señor de los anillos resonó fuerte en los votantes y el público, por lo que, cuando la mañana del 27 de enero del 2004 la película obtuvo 11 nominaciones, a nadie sorprendió realmente.
La noche del Óscar
La última misión a superar para New Line y su equipo era mantener la condición de la película como frontrunner de la carrera. A un mes de la premiación, ser el filme líder y la predicción número uno de todos los sitios de expertos significaba un lugar peligroso. «Muchas veces, fuimos los líderes desde el principio y hay que mantener ese impulso. Es algo muy difícil de lograr. Muchas películas pierden fuerza», comentó Schwartz.
Sin embargo, El retorno del rey no perdió fuerza. El equipo de New Line estaba presente en las butacas del Kodak Theatre. A pesar de los lineamientos de los organizadores, que indicaban que solamente tres productores podrían subir al escenario en caso de victoria, todos estaban conscientes de que violarían dicho mandando. En un punto de la ceremonia, Gail Brounstein, el consultor del Óscar para el equipo, le comentó a Christina Kounelias que llevaban «seis de seis». «Fue entonces cuando me di cuenta de que podríamos tener un barrido limpio», dijo Kounelias.
Esas fueron las palabras justas que usó Steven Spielberg. Cuando se presentó el galardón de la categoría reina, el director de Jurassic Park estaba sobre el escenario para hacer los honores. «Cuando se abrió el sobre, pude sentir mi cabeza vibrar, como si pudieras sentir que te disociabas de tu propio cuerpo, y luego todo se ralentizó», relató uno de los productores de la película, Mark Ordesky.
«Cuando Spielberg dijo ‘veamos qué tenemos aquí’, y lentamente abrió el sobre del Óscar, y luego, con su inimitable pausa dramática, miró hacia arriba y dijo ‘es un barrido limpio’, fue muy emocionante», dijo Bob Shaye, fundador de New Line Cinema.
La historia es conocida. El señor de los anillos: El retorno del rey no ofreció tregua y se llevó los 11 premios Óscar por los que estaba nominada. El reconocimiento significó varias cosas importantes: por primera vez, una película de fantasía y aventuras era reconocida por la Academia; se trató de la tercera película que alcanzaba la marca de los 11 premios en una sola noche; y quizás la más importante de todas, es que le dio el más grande reconocimiento a un estudio acostumbrado a realizar filmes de bajo presupuesto, generalmente enfocados en el terror y la ciencia ficción de serie B.
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La cinta de 2006 ya tiene una secuela que se encuentra en desarrollo. Esta es toda la información que se conoce (hasta ahora).
Sin exagerar, El diablo viste a la moda es la película sobre la industria de la moda más icónica de los años 2000. Estrenada en 2006 bajo la dirección de David Frenkel y con un inolvidable reparto liderado por Anne Hathaway, Meryl Streep y Emily Blunt, la cinta fue una mirada divertida y sospechosamente apegada a la realidad del mundo editorial. Ahora, a casi dos décadas de aquel momento, se ha confirmado que una secuela viene en camino.
Fuentes de Disney confirmaron a Deadline la noticia, asegurando que Aline Brosh McKenna, la guionista de la cinta de 2006, realizará el guion nuevamente, mientras que Frenkel se encuentra en conversaciones para replicar su rol como productor.
La película aún se encuentra en un estado de realización temprana. Según el sitio de noticias Puck –el primero en dar a conocer la realización de la secuela– Wendy Finnerman, productora del primer filme que vuelve a esta producción, recién está reuniendo las piezas para dar forma a la historia.
¿Quiénes protagonizarán El diablo viste a la moda 2?
La pregunta del millón, ¿vuelven Meryl Streep, Anne Hathaway y Emily Blunt? Aún no es posible confirmarlo. Puck aseguró que Wendy Finnerman ha convencido a Streep y Blunt para replicar sus papeles de Miranda Priestly y Emily Charter. Sin embargo, en una entrevista para E! News de este año, Hathaway dijo “no creo que la continuación de esa historia ocurra jamás”.
Por ahora, ninguna de las actrices ha confirmado su presencia en The Devil Wears Prada 2.
¿Qué pasará en El diablo viste a la moda 2?
Como bien recordarás, la primera película sigue la llegada de Andy Sachs a Runway, la revista más importante de la industria de la moda al mando de la temible editora, Miranda Priestly. En su travesía, Andy no solo lidia con la competencia feroz establecida por la primera asistente de Miranda, Emily Charter, también con los “demonios” de la industria, el ser fiel a sí misma y encontrar su verdadero camino.
Ahora, para El diablo viste a la moda 2, la sinopsis tampoco cuenta con una confirmación oficial, sin embargo, el mismo sitio previamente mencionado contó que se está planeando una historia centrada en Miranda Priestly en el declive de la publicación de revistas impresas, esta vez se enfrentará a Emily, que probablemente sea una alta ejecutiva de alguno de los conglomerados de lujo más grandes (LVMH o Kering).
Por ahora, solo queda esperar a que los detalles continúen revelándose.
Cine y Tv
AMACC: ¿Qué hace y por qué es importante la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas?
Al momento de su fundación el 3 de julio de 1946, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) adoptó un propósito que sobrevive hasta nuestros días: “promover la difusión, la investigación, la preservación, el desarrollo y la defensa de las artes y las ciencias cinematográficas”, en palabras de la propia organización.
No es sólo la instancia sin ánimo de lucro que hace posible la entrega anual del Ariel, galardón que reconoce lo mejor del cine hecho con manos mexicanas. Es una asociación civil con más de 2,500 miembros —profesionales activos de la industria— que desempeña infinidad de tareas; desde la formación, divulgación y fomento cultural, hasta la puesta en marcha de medidas que protejan a los cineastas en contextos adversos.
Con sede en Casa Buñuel (CDMX) y mediante un comité coordinador actualmente presidido por Armando Casas, conozcan a continuación las labores de la AMACC y algunos proyectos específicos recientes que dan fe de su enorme relevancia en el quehacer cinematográfico nacional.
Muestras, exposiciones y ciclos de cine
La AMACC ha impulsado muestras y ciclos de cine en distintos recintos de la República Mexicana; esto con el objetivo de dar a conocer la diversidad de miradas y propuestas fílmicas que enriquecen el panorama audiovisual de nuestro país.
Un ejemplo tradicional es el ciclo “Rumbo al Ariel”. Su edición de 2023 abarcó 1 de agosto de 2023 al 30 de septiembre, teniendo como propósito exhibir ante un amplio público los largometrajes y cortometrajes nominados para la 65° entrega de los premios Ariel. Además de funciones presenciales, este ciclo recurrió nuevamente a su propia plataforma en línea donde las películas ostentaron visualizaciones gratuitas a las cuales podían acceder internautas de todo México.
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En materia de exposiciones y difusión de acervos fotográficos, la Academia estuvo detrás de muestras como “La persistencia de la máquina sensible” (conformada por carteles de películas ganadoras del Ariel) y “Héroes anónimos: técnicos y artistas del cine mexicano” (un homenaje a los creadores cinematográficos que operan detrás de cámaras y que difícilmente obtienen el reconocimiento que merecen).
Conversatorios y clases magistrales
Varias acciones de la AMACC han buscado fomentar el encuentro y diálogo entre las y los profesionales del sector cinematográfico; además de llevar esas charlas y conferencias al público en general. Por ejemplo, en el marco de los ciclos “Rumbo al Ariel” y “Voces y temas del cine mexicano” de 2023, la Casa Buñuel acogió conversatorios con histriones, cineastas y personal creativo involucrado en las cintas exhibidas; pláticas grabadas en video y que pueden consultarse libremente en el canal de YouTube oficial de la Academia.
Convocar talento de otros países —sumado a procurarles un espacio en el que puedan compartir sus conocimientos— ha sido otra misión de la organización. De los últimos años, destacan clases magistrales impartidas respectivamente por el director de arte Paul Harrod (Isla de perros) y el diseñador de vestuario Ángel Amor, integrante del equipo de producción de afamados títulos como Maléfica y La favorita.
De la AMACC, en colaboración con la Filmoteca de la UNAM, tampoco debe olvidarse el programa de conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel”. Este consistió en extensas charlas videograbadas —a modo de tertulias— que protagonizaron laureados miembros de la industria fílmica mexicana y prestigiosos comunicadores, investigadores y gente destacada del gremio. Hubo un total de 34 charlas, repartidas a lo largo de tres temporadas y publicadas digitalmente entre abril de 2020 y julio de 2021.
Labor editorial
Entre las tareas de la Academia destaca también “la edición de libros que hablan sobre el desarrollo de la industria del cine mexicano” (vía).
En 2021, la primera temporada de los conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel” motivó que la AMACC y las instancias asociadas lanzaran una colección editorial; es decir, una serie de libros donde se transcribieron las charlas sostenidas con distintas personalidades en el transcurso del programa.
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Respecto al ámbito de las letras, la AMACC también ha publicado ocho números de una colección denominada “Textos de la Academia”; una conjunto de escritos que en su mayoría rinden tributo a la vida y trayectoria de veteranas personalidades que fueran acreedoras del Ariel de Oro, como la actriz María Rojo, la guionista Paz Alicia Garciadiego y el histrión Héctor Bonilla. La versión digital de cada número está disponible de manera gratuita en el sitio web de la organización.
Preservación y restauración
En complicidad con la Filmoteca de la UNAM, la AMACC ha sido partícipe de la restauración y preservación de cinco películas mexicanas de antaño y con enorme valor histórico, que son:
- La mujer del puerto (Dir. Arcady Boytler, 1933)
- El tren fantasma (Dir. Gabriel García Moreno, 1926)
- El puño de hierro (Dir. Gabriel García Moreno, 1927)
- La barraca (Dir. Roberto Gavaldón, 1945)
- Tepeyac (Dir. José Manuel Ramos, Carlos E. González y Fernando Sáyago, 1917)
Cabe agregar que el proceso de restauración en torno a La barraca inspiró el primer número de la colección “Textos de la Academia”. Por otro lado, los casos de Tepeyac y El tren fantasma dieron pie a la ilustrativa serie de textos Cuadernos de Restauración de la Filmoteca, cuyos primeros dos volúmenes fueron publicados con el apoyo de la AMACC.
En defensa del cine y sus trabajadores
En contra de toda censura y agravio, la AMACC jura defender la libertad creativa y laboral de cineastas mexicanos. Además, fue de armas tomar para asistir a los trabajadores de la industria más afectados por la suspensión de actividades durante la pandemia. Así surgió en 2020 —y con la mediación de la Academia— el Fondo de Apoyo COVID-19 para la Industria Cinematográfica y Audiovisual, gracias a una alianza con Netflix, y Sifonóforo, Fondo de Emergencia Audiovisual, resultado de la suma de esfuerzos de diversas figuras, incluidas Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, Issa López y Salma Hayek.
Ese mismo año, en plena discusión por la desaparición de fideicomisos, la AMACC calificó de preocupante la extinción del Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad (FOPROCINE). También defendió a capa y espada la permanencia del Fondo de Inversión y Estímulos al Cine (FIDECINE), que durante veinte años apoyó la producción, posproducción, distribución y exhibición fílmica en nuestro país.
Asimismo, la lucha de la organización está enfocada en impulsar las reformas a la Ley Federal de Cinematografía y el Audiovisual. Así lo dijo la presidenta Leticia Huijara en la pasada edición de los premios Ariel:
Premios y representatividad en el extranjero
Bien sabido es que la AMACC otorga anualmente el prestigioso premio Ariel, que reconoce lo mejor del cine mexicano e iberoamericano. Por ende, es responsable de llevar la batuta en la logística de la ceremonia, la publicación de convocatorias, los procesos de selección y votación, la fabricación de las estatuillas, etcétera. Siempre con plena consciencia de que el magno evento no consiste solamente en repartir trofeos. Sobre esto, la Academia define su premiación como “un foro público para escuchar las voces de nuestro cineastas en momentos fundamentales de nuestra historia”.
Cada año, la misma instancia es la encargada de elegir la producción nacional que represente a México en la carrera para la categoría de Mejor película internacional de los premios Óscar; lo mismo para los Goya de España, los Macondo de Colombia y los Colibrí de Ecuador, en sus respectivas ternas de Mejor película iberoamericana.
Y por si fuera poco, la AMACC presume ser parte de la Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas (FIACINE); un organismo que reúne a las homólogas asociaciones de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, España, Guatemala, Paraguay, Perú, Portugal, República Dominicana y Venezuela, con el objetivo de impulsar conjuntamente relaciones y mecanismos a favor del quehacer fílmico en tales territorios.
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Como miembro de la comunidad LGBT+ que ha dedicado tres décadas de su vida al desarrollo de ficción televisiva, Jorge Tijerina dice sentirse esperanzado con los cambios de perspectiva que ha notado en la industria mexicana y latinoamericana. Desde 2021 lidera el desarrollo de las producciones de ficción para Warner Bros. Discovery México y Colombia, en donde asegura ha encontrado un ambiente de apertura y diálogo, dentro del corporativo, pero también dentro de las comunidades creativas de cada país (compañías productoras, guionistas, cineastas, etc.), que ha permitido impulsar representaciones cada vez más diversas en los últimos años.
Su experiencia se alinea con las medidas y aspiraciones empujadas durante los últimos años por el conglomerado –fusionado con Discovery en 2022–, que mantiene a la inclusión como uno de sus ejes empresariales. Y es pertinente sobre todo cuando el nuevo y reconfigurado gigante de la industria audiovisual ha confirmado su intención de centrar mucha de su producción original en México y Latinoamérica, y quizá producir menos, pero con mayor calidad (está interesado en explotar, sobre todo, el ámbito de las teleseries).
A cuatro meses de la llegada a Latinoamérica de su plataforma Max (evolución de HBO Max), y mientras la marca alista producciones mexicanas como la serie Como agua para chocolate, Jorge Tijerina nos platica sus reflexiones sobre la evolución de la industria televisiva en temas LGBT+, y cómo es que Warner Bros. Discovery se asegura constantemente de caminar en la dirección correcta.
En junio se celebra el orgullo LGBT y como marcas siempre queremos, por su puesto, celebrarlo y sumarnos a la fiesta, pero al mismo tiempo nos obliga a examinarnos. ¿Cómo crees que va Max y Warner Discovery en estos temas en el frente de desarrollo de contenidos?
Me ha tocado pertenecer a diferentes compañías durante mi carrera y esto me permitió ver una evolución de cómo la industria en general ha ido transformando realmente sus puntos de vista. Todavía hay mucho que hacer y me parece que Max está haciendo mucho para lograrlo. Tenemos, por ejemplo, grupos internos de voluntarios en donde se invita a empleados de la compañía para hablar de temas sensibles que pueden ser de diversidad, diversidad de género, etc. Yo empecé [a trabajar en esta industria] en una época cuando esto no sucedía. Las dinámicas eran otras, donde se censuraba la aparición de personajes LGBT en los contenidos. Donde no era posible siquiera tratar estas temáticas en las historias. Después entré a HBO Latinoamérica en 2009 y me tocó trabajar en Capadocia, la primera serie de ficción que se hizo fuera del sistema de televisión abierta en México. Y tuvo un personaje de una mujer trans muy importante dentro de la trama y eso le valió mucho reconocimiento. No se había hecho, fue una pequeña gota en el océano que ha ido creciendo, creo yo. Y pues Max tiene ya muchos contenidos a los cuales podemos señalar como ejemplos, en donde me parece que el mundo se ve reflejado con todas sus aristas.
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Aquí, Jorge enlista algunos de esos ejemplos, entre los cuales se encuentra la serie Ugly, estrenada en 2023, en donde Juan Daniel García Treviño interpreta a un joven bisexual, una dimensión que asegura se explorará más en la segunda temporada a estrenarse el próximo año. También menciona a Las Bravas F.C., serie estrenada en 2022 que sigue a un equipo de futbol femenil, en donde Mauricio Barrientos, el Diablito, interpreta a un coach gay. De acuerdo con el ejecutivo, la siguiente temporada planea explorar la historia de un personaje femenino que mantiene una relación con otra mujer.
¿Cuál crees que es el rol y las capacidades reales de las plataformas y sus departamentos de desarrollo en esta lucha por la diversidad y su representación? ¿Qué está dentro de tu control, qué no y cuáles son aún los retos que enfrentas desde tu posición?
En principio tenemos que ser muy fieles a nuestra misión como empresa de entretenimiento, y ese es crear un contenido que haga eso: que entretenga, o sea, eso debe de ser nuestra primera misión, porque claro, es muy fácil a veces querer dejar llevarse por temas que son tan necesarios, pero que luego el público los puede percibir como un tipo de activismo. Y la verdad es que tenemos que seleccionar, desarrollar y producir historias que al público le den un respiro de aire después de un día largo en el trabajo. Una historia que tenga un carácter emocional muy profundo. Nuestro primer encuentro sí es preguntarnos si una historia puede entretener a una audiencia, como la de nuestra plataforma, que es masiva. Una vez que encontramos esa conexión general, por supuesto que es bien importante que dentro de ese mundo de ficción haya elementos que conecten con la sociedad de hoy. No vivimos en una sociedad donde todas las personas son blancas, no vivimos en una sociedad donde todas las personas son heterosexuales, tampoco en una ciudad donde todos sean hombres. Y siempre ha sido así, solo que ahora, afortunadamente, tenemos la apertura que nos da la conversación cultural.
El reto es mantener todo lo que te comentaba al inicio, pero también encontrar cómo las personas LGBT forman parte de estos universos. Que sea orgánico, porque nosotros, pues somos personas que andamos por la vida sin un panfleto en la cabeza. Nos enamoramos, cuidamos de nuestros papás, buscamos trabajo, a veces tenemos éxito, a veces no, somos personas. Es esa normalidad la que debe de haber.
¿Cuáles son los procesos o las dinámicas que implementan para lograr eso que comentas, la inclusión y normalización de estas experiencias en las historias?
Tenemos la fortuna de que la compañía apoye estos grupos que te comentaba al inicio, a los que llamamos BRG, Business Resource Groups, que hacen un voluntariado para hablar de estos temas dentro de la empresa. Pero también tenemos un área de diversidad e inclusión, que es sumamente importante para nosotros, porque nos da una guía para darle más visibilidad a grupos como la comunidad LGBT en nuestras series originales. Yo formo parte de ella y es un área compuesta por personas contratadas para que la compañía enriquezca su visión. Me dan lineamientos para poder dirigirme con los equipos de escritura y de producción. Cuando hemos tenido contenidos, por ejemplo, sobre mujeres, para mí ha sido muy importante que quien escriba sea una mujer. Lo primero que valoramos es su talento, claro, su trayectoria. Pero si es una historia LGBT por ejemplo, buscamos escritores dentro de esa comunidad que tengan ese talento. No quiere decir que una persona heterosexual, un persona aliada –figuras importantísimas, para mí– no lo pueda hacer bien, pero es importante darle esa oportunidad a las personas de la comunidad, actores, actrices. La selección es importante para nosotros. Al final la audiencia la aprecia porque se transmite en algo genuino.
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Muchas veces las audiencias, y sobre todo en una sociedad en donde persisten muchos prejuicios, creen que la lucha por la diversidad en las pantallas solo puede tomar la forma de «cuotas», y que estas son «artificiales». ¿Qué le dirías a quienes piensan así?
Como compañía no debes perder tu misión que es hacer historias de calidad. Esa calidad te la dan profesionales que tienen un oficio, una trayectoria. Y sí, es difícil; al meter a las comunidades minoritarias en la ecuación, lo natural es pensar que no hay suficientes escritores LGBT, por ejemplo. ¿Cómo podemos meter más escritores LGBT aunque no tengan la experiencia? Yo creo que es un esfuerzo de encontrar cómo fomentar eso. Si un escritor LGBT no cuenta con la experiencia para entrar en un puesto de jefe de escritores, quizá pueda entrar en un puesto menor dentro del cuarto de escritores. Y entonces en unos años tendremos escritores LGBT experimentados y que sean valorados, en primera instancia, por su talento y experiencia. Y su punto de vista único, sus experiencias como parte de la comunidad, aportarán a ese talento. Lo importante es darles esos espacios para que puedan crecer y beneficiarnos todos como industria.
Como parte de la comunidad LGBT, ¿qué te ha dado más orgullo de trabajar en Warner Bros. Discovery y que te emociona más del futuro?
Me ha tocado atravesar… llevo más de 20 años haciendo ficción para TV y me ha tocado atravesar muchas etapas. Te puedo señalar el crecimiento que ha tenido este tema en la sociedad, desde mi punto de vista. Al inicio trabajé en una telenovela y recuerdo que censuraban a los personajes LGBT, y ahora son protagónicos. A mí me emociona mucho de trabajar en Warner esa completa apertura que se da y ese diálogo. Hemos hecho series en Argentina con estos temas, en Brasil, en México hicimos un documental sobre los muxes. Ha sido un esfuerzo que no solo ha tenido que ver con México, sino que se ha expandido a nivel panregional. Conectamos mucho con todas las comunidades creativas locales, y ellos son las que nos traen historias como estas. Se han dado porque nos hemos mostrado muy abiertos, a escuchar y a entender qué es lo que mueve a nuestros creativos de cada país. Es estar siempre muy atentos a saber por qué les mueve la historia. Dependemos de ellos, realmente: con ellos trabajamos. Las historias normalmente vienen de estas comunidades creativas de cada país. Ellxs están muy abiertos a crearlas. Entonces, el reto es seguir escuchándoles. A veces uno se desmoraliza mucho, cuando un gobierno avanza en temas LGBT y otro retrocede. Siempre habrá paredes que tumbar.
¿Consideras que, en temas de diversidad dentro de las plataformas, el papel de las comunidades creativas locales es clave?
Absolutamente, vengo de hecho de unas reuniones con una productora de hecho para un proyecto nuevo, y no son solamente esos diálogos los que nos ayudan a nosotros para generar historias nuevas. Ayer tuve una reunión con una editorial, para hablar de libros, por ejemplo, que toquen temas socialmente relevantes, y sean emocionantes, y que se puedan adaptar. Las ideas vienen de todos lados pero siempre surge de una mente creativa que nos mueve como sociedad y como empresa.
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