Cine y Tv
Bacurau y la resistencia de la sensatez: plática con Kleber Mendonça Filho
En la película brasileña Bacurau, una divertida combinación de géneros que van desde la ciencia ficción hasta el spaguetti western, pasando por el splatter, se dan cita en un pequeño poblado de la región norte de Brasil. El director Kleber Mendonça Filho junto con su frecuente colaborador Juliano Dornelles narran una historia de solidaridad y resistencia colectiva, al mismo tiempo que imprimen en ella sus universos favoritos: el del cine de los años 70, el de figuras como Sergio Leone y John Carpenter. Difícil de describir por medio de simples sinopsis, digamos que la cinta es una advertencia para quienes se atrevan a mirar con menosprecio o condescendencia a los habitantes de las pequeñas comunidades, brasileñas o latinoamericanas por igual. La respuesta que da el pueblo ficticio de Bacurau a políticos cínicos y asesinos racistas es sangrienta, catártica y aplastante.
Bacurau se llevó el Premio del Jurado en Cannes 2019, y ha sido discutida desde entonces a nivel mundial, tanto por los juegos de géneros que presenta como por su clara metáfora política, crítica del gobierno de Jair Bolsonaro, la extrema derecha, el racismo y, claro, Donald Trump. Al cineasta le parece una coincidencia significativa que nuestra plática sobre el proceso detrás de la cinta ocurra la misma mañana en que el presidente número 45 de Estados Unidos ha dejado la Casa Blanca: el mismo que inspiró de muchas maneras el guion, que estuvo desarrollándose durante años.
Platicamos con el cineasta sobre su proceso y el cambio de perspectiva que alimentó a Bacurau.
Como has contado antes, Bacurau fue una película que estuvo escribiéndose y desarrollándose durante bastantes años. ¿Cómo fue que evolucionó desde que tuvieron la idea en 2009 a medida que fue también cambiando el contexto político en Brasil y el mundo?
Ahorita he estado desarrollando y escribiendo un guion y la pregunta que todo el tiempo me hago es: todo este trabajo… ya sabes, escribir, y luego hacer la película… ¿es una idea tan interesante como para que merezca todo ese trabajo? Creo que todos nos preguntamos eso mientras trabajamos en algo. Originalmente teníamos un guion que era bueno, pero ¿sabes? en algún punto llamé a Juliano y le dije: me gusta el guion, pero no sé si esta es la película que quiero hacer. Y eso lo dejó en shock un poco, pero claro que cuando le dije esto yo ya tenía una solución. Le propuse otro camino por el cual podríamos irnos. Por lo que estaba pasando en Brasil y en Estados Unidos y el resto del mundo pensamos que debíamos cambiar todo un poco. Así que cambiamos la película. Y cuando la cambiamos creo que estábamos más conectados con todo lo que estaba pasando.
El primer guion era más sobre diferencias culturales y cine, pero se volvió demasiado meta, que probablemente era interesante, pero de pronto se me quitó el interés de hacer ese ejercicio. Entonces empezamos a desarrollar otra idea, hace como cinco o seis años, y de pronto Donald Trump se convirtió en una realidad, lo que la volvía aún más fuerte. Cuando subió como presidente fue un absoluto shock, como recordarás. Y ahora es interesante que estamos hablando el día en que justo ha dejado la Casa Blanca. Se subió a su helicóptero, con su esposa sonriendo –nunca la había visto sonreír tanto–.
El ascenso de Trump se volvió una fuente importante de energía de este proyecto. Siempre debemos ver el mundo como es. Y aunque esta es una historia sobre una pequeña comunidad, todos estamos conectados.
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Mientras escribían esta cinta estrenaste Neighboring Sounds y después Aquarius. Todo mientras Bacurau seguía tomando forma. ¿El proceso de los otros dos filmes influyeron de alguna manera el proceso creativo de Bacurau?
Sí, porque todos somos al final la suma de lo que vamos recolectando en el camino. Irónicamente Bacurau debió haber sido la segunda película. Aquarius llegó y dijo estoy lista. Fue muy rápida porque la escribí solo y Bacurau tomó mucho más tiempo también porque Juliano es un muy buen amigo, y cuando escribes con alguien más pasas mucho tiempo conversando, discutiendo y emocionados por lo que sentimos. Fue muy divertido, porque él es muy divertido, es un poco hiperactivo así que todo suele ser muy intenso.
Pero también publiqué un libro –te juro que esto no es publicidad (ríe)–, que incluye mis tres guiones y lo que escribí en la introducción es que descubrí que, a lo largo de diez años, ha cambiado mi forma de ver las cosas. Y cambió por Brazil, porque el país ha sufrido bastantes cambios en esos años, desafortunadamente no muy positivos. Así que todo en Neighboring Sounds es más etéreo, más difuminado. Y Aquarius es más incisiva. Creo que en Neighboring Sounds tenía esta noción de que quizá en realidad no había villanos en nuestra sociedad, que todo es más complejo que eso. Y sí es.
Pero en 2015 la violencia empezó a materializarse en Brasil, los ataques de la extrema derecha. Empecé a pensar que quizá sí existían los villanos, personas malas que trabajan todo el día básicamente para destruir a otras personas.
Eso ya estaba incluido en Aquarius. Hay ahí un hombre que puede ser descrito como un villano. Por el contrario, no creo que puedas encontrar a alguien así en Neighboring Sounds. Y hoy tenemos muchos muchos villanos operando en Brasil, y salen en la TV todos los días. Hablan como villanos, actúan como villanos.
Así que cuando subió Trump, y todo lo que estaba pasando en Brasil, y la rebatinga de poder que vino en 2016 cuando quitaron a Dilma Rousseff de la presidencia, en Bacurau era ya muy claro que teníamos villanos muy claros y definidos.
La violencia que presenta la película podría parecer fantasiosa a algunos, pero has hablado de cómo esa violencia existe. Las personas en Brasil están muriendo, muchas veces por defender el territorio...
Sí, creo que cuando se trata de violencia, es decir violencia en el cine, creo que es justo el cine el único lugar en donde ésta debería existir. Así que no tengo ningún problema con la violencia en el cine. Llevo una vida 100% libre de violencia. Alguna vez sostuve una pistola en un set de una película pero estaba vacía. Y me dije a mí mismo, está pesada. Y punto. Ese ha sido mi único contacto con armas. Lo que sí es que si vas a representar a la violencia en una película, de verdad tienes que ponerte a pensar en qué estás haciendo.
Algo que me molesta de las armas en el cine es lo siguiente: éstas se han vuelto mucho más naturales que alguien que se acerca a darle un beso en la mejilla a otra persona. Un beso cariñoso, no sexual, en la mejilla. Y para mí eso se ha vuelto un problema. Particularmente en el uso de armas del cine americano. Se ha vuelto muy normal. Las personas apuntándose todo el tiempo.
Entonces para Bacurau tuvimos estas conversaciones y decidimos que cada vez que alguien apuntara un arma lo iba a hacer de una forma moral. Claro que tenemos a otras personas usándolas inmoralmente, pero la respuesta pensamos debía estar basada en la historia. Así que pensamos en el ghetto de Varsovia, en Polonia. Estaban siendo masacrados, debían hacer algo. También en la Guerra de Vietnam. Donde los americanos realmente no entendían qué estaban haciendo, ni a las personas, ni a la cultura. Y ahí fue cuando la película empezó a ser más interesante para nosotros. ¿Qué es lo que harán estas personas y cómo reaccionarán? Y también la pregunta: ¿Por qué están haciendo esto? Que es un cuestionamiento que no se hace en muchas películas porque justo la violencia se da por sentada.
Creo que como sociedad nos falta el shock de preguntarnos qué pasó, por qué un evento violento ha sucedido. Las personas solo lo dan por sentado y solo lo aceptan como parte de la vida. Así que nos aseguramos que en varias escenas los personajes preguntaran a su agresores: ¿por qué? Era muy importante. Y es un cuestionamiento que creo también viene con compasión.
Se ha hablado mucho de esta mezcla de géneros que la película presenta, y como espectador una de las cosas que sorprende es justo la libertad narrativa, comparada con lo que vemos siempre en pantalla. ¿Ustedes lo vivieron como algo liberador?
Cuando me siento atraído hacia un proyecto me siento atraído hacia la idea de que puedo hacer lo que siempre he querido hacer en ciertas películas. Y a veces también miro alrededor y trato de entender qué es lo que el cine me está dando que quizá yo podría hacer y no lo estoy viendo. Así que me gusta hacer el cine que amaría ver si no fuera un cineasta.
Y también, nunca pienso en términos de “libertad”, porque en realidad uno puede hacer lo que quiera con su película. Es decir, uno debe tratar de hacer lo que la película le pide. Creo que todo viene de la forma en que vemos las películas. Solía trabajar de crítico de cine, y podía ver que había una división entre lo que las personas ven. Por un lado está Hollywood, y lo que ven en los multiplexes, la televisión de paga y Netflix, y también mucho cine disponible pero que las personas realmente no ven. Y es como una dieta, si solo comes hamburguesas todos los días, un día cuando tengas un Ratatouille, vas a decir que es raro o feo. Mucho de lo que hacemos, y lo que hicimos en la película, las personas reaccionaron a ello como si fuera algo raro… Pero yo no pienso que sea raro para nada.
Hablan mucho, por ejemplo, de cómo algunos personajes están desnudos y sucede que también son personas mayores. Pero entiendo de dónde viene, viene de una industria que no nos ha mostrado eso, personas mayores sin ropa. Pero ese fue un ejemplo.
Bacurau también es una historia de resistencia. Como cineasta brasileño, ¿qué significa para ti ese concepto en estos tiempos y contexto latinoamericano?
A veces, la resistencia significa simplemente decir “no”. Y esa fue una idea muy simple detrás de Aquarius. Queremos comprar tu casa. No está en venta. Pero ni siquiera has visto la oferta. No, gracias. Así es como es hoy. Y la sociedad y el mercado esperan que digas que sí. Así que la resistencia sería no perder de vista la realidad y decir, esto no está bien. Para mí eso es suficiente, para llamarte miembro de la resistencia. Al menos eso es suficiente para que te llamen en Brasil un comunista, solo decir: oigan, aquí hay un problema, esto no tiene sentido.
De otra forma, lo que sucede es que todo está normalizándose. Si tú pones atención y dices, eso no debería ser normal, hay leyes contra eso, te conviertes en la resistencia. Obviamente también pienso en la resistencia francesa y en las guerras y eso, y claro que nunca pienso en levantar un arma.
Creo que para mí, resistir es ser sensato cuando lo absurdo ha sido normalizado.
¿Sabes? Como el gobierno brasileño, mandando aviones a India por vacunas, cuando la India te está diciendo no están listas. ¿Cómo es posible que se normalice eso? Así que espero seguir siendo parte de la resistencia, si eso es lo que significa.
Bacurau es un pueblo alejado de todo, pero al mismo muy consciente de lo que sucede. Una comunidad imposible de manipular o convertir en una presa fácil por esa fuerza comunitaria y esa consciencia. ¿Cómo crees que este pueblo ficticio enfrentaría la pandemia?
Nos aseguramos de que todos entendieran de que Bacurau tiene acceso a los libros. Hay una maestra, una de las personas mayores responsables. Domingas (Sonia Braga), por otro lado, es una doctora y también es una líder. Estas personas tienen una visión de la realidad basada en el conocimiento. Esa fue la idea detrás de la construcción de estos personajes y de la comunidad. También tienen un entendimiento de la realidad y de quienes son basada en la historia, pues tienen un museo. Así que estoy seguro que durante la pandemia respetarían cada protocolo sensato. La ventaja de las tecnologías de la comunicación es que te permiten saltarte la comunicación oficial para llegar a la información real. Pondrían una barricada para protegerse, no dejarían entrar a nadie. Probablemente sería la última en la lista de ayuda del gobierno, así que tendrían que conseguir sus propias vacunas. Porque vemos que lo que sí tienen son nietos regados por todo el mundo con grandes contactos.
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La cinta de 2006 ya tiene una secuela que se encuentra en desarrollo. Esta es toda la información que se conoce (hasta ahora).
Sin exagerar, El diablo viste a la moda es la película sobre la industria de la moda más icónica de los años 2000. Estrenada en 2006 bajo la dirección de David Frenkel y con un inolvidable reparto liderado por Anne Hathaway, Meryl Streep y Emily Blunt, la cinta fue una mirada divertida y sospechosamente apegada a la realidad del mundo editorial. Ahora, a casi dos décadas de aquel momento, se ha confirmado que una secuela viene en camino.
Fuentes de Disney confirmaron a Deadline la noticia, asegurando que Aline Brosh McKenna, la guionista de la cinta de 2006, realizará el guion nuevamente, mientras que Frenkel se encuentra en conversaciones para replicar su rol como productor.
La película aún se encuentra en un estado de realización temprana. Según el sitio de noticias Puck –el primero en dar a conocer la realización de la secuela– Wendy Finnerman, productora del primer filme que vuelve a esta producción, recién está reuniendo las piezas para dar forma a la historia.
¿Quiénes protagonizarán El diablo viste a la moda 2?
La pregunta del millón, ¿vuelven Meryl Streep, Anne Hathaway y Emily Blunt? Aún no es posible confirmarlo. Puck aseguró que Wendy Finnerman ha convencido a Streep y Blunt para replicar sus papeles de Miranda Priestly y Emily Charter. Sin embargo, en una entrevista para E! News de este año, Hathaway dijo “no creo que la continuación de esa historia ocurra jamás”.
Por ahora, ninguna de las actrices ha confirmado su presencia en The Devil Wears Prada 2.
¿Qué pasará en El diablo viste a la moda 2?
Como bien recordarás, la primera película sigue la llegada de Andy Sachs a Runway, la revista más importante de la industria de la moda al mando de la temible editora, Miranda Priestly. En su travesía, Andy no solo lidia con la competencia feroz establecida por la primera asistente de Miranda, Emily Charter, también con los “demonios” de la industria, el ser fiel a sí misma y encontrar su verdadero camino.
Ahora, para El diablo viste a la moda 2, la sinopsis tampoco cuenta con una confirmación oficial, sin embargo, el mismo sitio previamente mencionado contó que se está planeando una historia centrada en Miranda Priestly en el declive de la publicación de revistas impresas, esta vez se enfrentará a Emily, que probablemente sea una alta ejecutiva de alguno de los conglomerados de lujo más grandes (LVMH o Kering).
Por ahora, solo queda esperar a que los detalles continúen revelándose.
Cine y Tv
AMACC: ¿Qué hace y por qué es importante la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas?
Al momento de su fundación el 3 de julio de 1946, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) adoptó un propósito que sobrevive hasta nuestros días: “promover la difusión, la investigación, la preservación, el desarrollo y la defensa de las artes y las ciencias cinematográficas”, en palabras de la propia organización.
No es sólo la instancia sin ánimo de lucro que hace posible la entrega anual del Ariel, galardón que reconoce lo mejor del cine hecho con manos mexicanas. Es una asociación civil con más de 2,500 miembros —profesionales activos de la industria— que desempeña infinidad de tareas; desde la formación, divulgación y fomento cultural, hasta la puesta en marcha de medidas que protejan a los cineastas en contextos adversos.
Con sede en Casa Buñuel (CDMX) y mediante un comité coordinador actualmente presidido por Armando Casas, conozcan a continuación las labores de la AMACC y algunos proyectos específicos recientes que dan fe de su enorme relevancia en el quehacer cinematográfico nacional.
Muestras, exposiciones y ciclos de cine
La AMACC ha impulsado muestras y ciclos de cine en distintos recintos de la República Mexicana; esto con el objetivo de dar a conocer la diversidad de miradas y propuestas fílmicas que enriquecen el panorama audiovisual de nuestro país.
Un ejemplo tradicional es el ciclo “Rumbo al Ariel”. Su edición de 2023 abarcó 1 de agosto de 2023 al 30 de septiembre, teniendo como propósito exhibir ante un amplio público los largometrajes y cortometrajes nominados para la 65° entrega de los premios Ariel. Además de funciones presenciales, este ciclo recurrió nuevamente a su propia plataforma en línea donde las películas ostentaron visualizaciones gratuitas a las cuales podían acceder internautas de todo México.
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En materia de exposiciones y difusión de acervos fotográficos, la Academia estuvo detrás de muestras como “La persistencia de la máquina sensible” (conformada por carteles de películas ganadoras del Ariel) y “Héroes anónimos: técnicos y artistas del cine mexicano” (un homenaje a los creadores cinematográficos que operan detrás de cámaras y que difícilmente obtienen el reconocimiento que merecen).
Conversatorios y clases magistrales
Varias acciones de la AMACC han buscado fomentar el encuentro y diálogo entre las y los profesionales del sector cinematográfico; además de llevar esas charlas y conferencias al público en general. Por ejemplo, en el marco de los ciclos “Rumbo al Ariel” y “Voces y temas del cine mexicano” de 2023, la Casa Buñuel acogió conversatorios con histriones, cineastas y personal creativo involucrado en las cintas exhibidas; pláticas grabadas en video y que pueden consultarse libremente en el canal de YouTube oficial de la Academia.
Convocar talento de otros países —sumado a procurarles un espacio en el que puedan compartir sus conocimientos— ha sido otra misión de la organización. De los últimos años, destacan clases magistrales impartidas respectivamente por el director de arte Paul Harrod (Isla de perros) y el diseñador de vestuario Ángel Amor, integrante del equipo de producción de afamados títulos como Maléfica y La favorita.
De la AMACC, en colaboración con la Filmoteca de la UNAM, tampoco debe olvidarse el programa de conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel”. Este consistió en extensas charlas videograbadas —a modo de tertulias— que protagonizaron laureados miembros de la industria fílmica mexicana y prestigiosos comunicadores, investigadores y gente destacada del gremio. Hubo un total de 34 charlas, repartidas a lo largo de tres temporadas y publicadas digitalmente entre abril de 2020 y julio de 2021.
Labor editorial
Entre las tareas de la Academia destaca también “la edición de libros que hablan sobre el desarrollo de la industria del cine mexicano” (vía).
En 2021, la primera temporada de los conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel” motivó que la AMACC y las instancias asociadas lanzaran una colección editorial; es decir, una serie de libros donde se transcribieron las charlas sostenidas con distintas personalidades en el transcurso del programa.
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Respecto al ámbito de las letras, la AMACC también ha publicado ocho números de una colección denominada “Textos de la Academia”; una conjunto de escritos que en su mayoría rinden tributo a la vida y trayectoria de veteranas personalidades que fueran acreedoras del Ariel de Oro, como la actriz María Rojo, la guionista Paz Alicia Garciadiego y el histrión Héctor Bonilla. La versión digital de cada número está disponible de manera gratuita en el sitio web de la organización.
Preservación y restauración
En complicidad con la Filmoteca de la UNAM, la AMACC ha sido partícipe de la restauración y preservación de cinco películas mexicanas de antaño y con enorme valor histórico, que son:
- La mujer del puerto (Dir. Arcady Boytler, 1933)
- El tren fantasma (Dir. Gabriel García Moreno, 1926)
- El puño de hierro (Dir. Gabriel García Moreno, 1927)
- La barraca (Dir. Roberto Gavaldón, 1945)
- Tepeyac (Dir. José Manuel Ramos, Carlos E. González y Fernando Sáyago, 1917)
Cabe agregar que el proceso de restauración en torno a La barraca inspiró el primer número de la colección “Textos de la Academia”. Por otro lado, los casos de Tepeyac y El tren fantasma dieron pie a la ilustrativa serie de textos Cuadernos de Restauración de la Filmoteca, cuyos primeros dos volúmenes fueron publicados con el apoyo de la AMACC.
En defensa del cine y sus trabajadores
En contra de toda censura y agravio, la AMACC jura defender la libertad creativa y laboral de cineastas mexicanos. Además, fue de armas tomar para asistir a los trabajadores de la industria más afectados por la suspensión de actividades durante la pandemia. Así surgió en 2020 —y con la mediación de la Academia— el Fondo de Apoyo COVID-19 para la Industria Cinematográfica y Audiovisual, gracias a una alianza con Netflix, y Sifonóforo, Fondo de Emergencia Audiovisual, resultado de la suma de esfuerzos de diversas figuras, incluidas Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, Issa López y Salma Hayek.
Ese mismo año, en plena discusión por la desaparición de fideicomisos, la AMACC calificó de preocupante la extinción del Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad (FOPROCINE). También defendió a capa y espada la permanencia del Fondo de Inversión y Estímulos al Cine (FIDECINE), que durante veinte años apoyó la producción, posproducción, distribución y exhibición fílmica en nuestro país.
Asimismo, la lucha de la organización está enfocada en impulsar las reformas a la Ley Federal de Cinematografía y el Audiovisual. Así lo dijo la presidenta Leticia Huijara en la pasada edición de los premios Ariel:
Premios y representatividad en el extranjero
Bien sabido es que la AMACC otorga anualmente el prestigioso premio Ariel, que reconoce lo mejor del cine mexicano e iberoamericano. Por ende, es responsable de llevar la batuta en la logística de la ceremonia, la publicación de convocatorias, los procesos de selección y votación, la fabricación de las estatuillas, etcétera. Siempre con plena consciencia de que el magno evento no consiste solamente en repartir trofeos. Sobre esto, la Academia define su premiación como “un foro público para escuchar las voces de nuestro cineastas en momentos fundamentales de nuestra historia”.
Cada año, la misma instancia es la encargada de elegir la producción nacional que represente a México en la carrera para la categoría de Mejor película internacional de los premios Óscar; lo mismo para los Goya de España, los Macondo de Colombia y los Colibrí de Ecuador, en sus respectivas ternas de Mejor película iberoamericana.
Y por si fuera poco, la AMACC presume ser parte de la Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas (FIACINE); un organismo que reúne a las homólogas asociaciones de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, España, Guatemala, Paraguay, Perú, Portugal, República Dominicana y Venezuela, con el objetivo de impulsar conjuntamente relaciones y mecanismos a favor del quehacer fílmico en tales territorios.
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Como miembro de la comunidad LGBT+ que ha dedicado tres décadas de su vida al desarrollo de ficción televisiva, Jorge Tijerina dice sentirse esperanzado con los cambios de perspectiva que ha notado en la industria mexicana y latinoamericana. Desde 2021 lidera el desarrollo de las producciones de ficción para Warner Bros. Discovery México y Colombia, en donde asegura ha encontrado un ambiente de apertura y diálogo, dentro del corporativo, pero también dentro de las comunidades creativas de cada país (compañías productoras, guionistas, cineastas, etc.), que ha permitido impulsar representaciones cada vez más diversas en los últimos años.
Su experiencia se alinea con las medidas y aspiraciones empujadas durante los últimos años por el conglomerado –fusionado con Discovery en 2022–, que mantiene a la inclusión como uno de sus ejes empresariales. Y es pertinente sobre todo cuando el nuevo y reconfigurado gigante de la industria audiovisual ha confirmado su intención de centrar mucha de su producción original en México y Latinoamérica, y quizá producir menos, pero con mayor calidad (está interesado en explotar, sobre todo, el ámbito de las teleseries).
A cuatro meses de la llegada a Latinoamérica de su plataforma Max (evolución de HBO Max), y mientras la marca alista producciones mexicanas como la serie Como agua para chocolate, Jorge Tijerina nos platica sus reflexiones sobre la evolución de la industria televisiva en temas LGBT+, y cómo es que Warner Bros. Discovery se asegura constantemente de caminar en la dirección correcta.
En junio se celebra el orgullo LGBT y como marcas siempre queremos, por su puesto, celebrarlo y sumarnos a la fiesta, pero al mismo tiempo nos obliga a examinarnos. ¿Cómo crees que va Max y Warner Discovery en estos temas en el frente de desarrollo de contenidos?
Me ha tocado pertenecer a diferentes compañías durante mi carrera y esto me permitió ver una evolución de cómo la industria en general ha ido transformando realmente sus puntos de vista. Todavía hay mucho que hacer y me parece que Max está haciendo mucho para lograrlo. Tenemos, por ejemplo, grupos internos de voluntarios en donde se invita a empleados de la compañía para hablar de temas sensibles que pueden ser de diversidad, diversidad de género, etc. Yo empecé [a trabajar en esta industria] en una época cuando esto no sucedía. Las dinámicas eran otras, donde se censuraba la aparición de personajes LGBT en los contenidos. Donde no era posible siquiera tratar estas temáticas en las historias. Después entré a HBO Latinoamérica en 2009 y me tocó trabajar en Capadocia, la primera serie de ficción que se hizo fuera del sistema de televisión abierta en México. Y tuvo un personaje de una mujer trans muy importante dentro de la trama y eso le valió mucho reconocimiento. No se había hecho, fue una pequeña gota en el océano que ha ido creciendo, creo yo. Y pues Max tiene ya muchos contenidos a los cuales podemos señalar como ejemplos, en donde me parece que el mundo se ve reflejado con todas sus aristas.
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Aquí, Jorge enlista algunos de esos ejemplos, entre los cuales se encuentra la serie Ugly, estrenada en 2023, en donde Juan Daniel García Treviño interpreta a un joven bisexual, una dimensión que asegura se explorará más en la segunda temporada a estrenarse el próximo año. También menciona a Las Bravas F.C., serie estrenada en 2022 que sigue a un equipo de futbol femenil, en donde Mauricio Barrientos, el Diablito, interpreta a un coach gay. De acuerdo con el ejecutivo, la siguiente temporada planea explorar la historia de un personaje femenino que mantiene una relación con otra mujer.
¿Cuál crees que es el rol y las capacidades reales de las plataformas y sus departamentos de desarrollo en esta lucha por la diversidad y su representación? ¿Qué está dentro de tu control, qué no y cuáles son aún los retos que enfrentas desde tu posición?
En principio tenemos que ser muy fieles a nuestra misión como empresa de entretenimiento, y ese es crear un contenido que haga eso: que entretenga, o sea, eso debe de ser nuestra primera misión, porque claro, es muy fácil a veces querer dejar llevarse por temas que son tan necesarios, pero que luego el público los puede percibir como un tipo de activismo. Y la verdad es que tenemos que seleccionar, desarrollar y producir historias que al público le den un respiro de aire después de un día largo en el trabajo. Una historia que tenga un carácter emocional muy profundo. Nuestro primer encuentro sí es preguntarnos si una historia puede entretener a una audiencia, como la de nuestra plataforma, que es masiva. Una vez que encontramos esa conexión general, por supuesto que es bien importante que dentro de ese mundo de ficción haya elementos que conecten con la sociedad de hoy. No vivimos en una sociedad donde todas las personas son blancas, no vivimos en una sociedad donde todas las personas son heterosexuales, tampoco en una ciudad donde todos sean hombres. Y siempre ha sido así, solo que ahora, afortunadamente, tenemos la apertura que nos da la conversación cultural.
El reto es mantener todo lo que te comentaba al inicio, pero también encontrar cómo las personas LGBT forman parte de estos universos. Que sea orgánico, porque nosotros, pues somos personas que andamos por la vida sin un panfleto en la cabeza. Nos enamoramos, cuidamos de nuestros papás, buscamos trabajo, a veces tenemos éxito, a veces no, somos personas. Es esa normalidad la que debe de haber.
¿Cuáles son los procesos o las dinámicas que implementan para lograr eso que comentas, la inclusión y normalización de estas experiencias en las historias?
Tenemos la fortuna de que la compañía apoye estos grupos que te comentaba al inicio, a los que llamamos BRG, Business Resource Groups, que hacen un voluntariado para hablar de estos temas dentro de la empresa. Pero también tenemos un área de diversidad e inclusión, que es sumamente importante para nosotros, porque nos da una guía para darle más visibilidad a grupos como la comunidad LGBT en nuestras series originales. Yo formo parte de ella y es un área compuesta por personas contratadas para que la compañía enriquezca su visión. Me dan lineamientos para poder dirigirme con los equipos de escritura y de producción. Cuando hemos tenido contenidos, por ejemplo, sobre mujeres, para mí ha sido muy importante que quien escriba sea una mujer. Lo primero que valoramos es su talento, claro, su trayectoria. Pero si es una historia LGBT por ejemplo, buscamos escritores dentro de esa comunidad que tengan ese talento. No quiere decir que una persona heterosexual, un persona aliada –figuras importantísimas, para mí– no lo pueda hacer bien, pero es importante darle esa oportunidad a las personas de la comunidad, actores, actrices. La selección es importante para nosotros. Al final la audiencia la aprecia porque se transmite en algo genuino.
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Muchas veces las audiencias, y sobre todo en una sociedad en donde persisten muchos prejuicios, creen que la lucha por la diversidad en las pantallas solo puede tomar la forma de «cuotas», y que estas son «artificiales». ¿Qué le dirías a quienes piensan así?
Como compañía no debes perder tu misión que es hacer historias de calidad. Esa calidad te la dan profesionales que tienen un oficio, una trayectoria. Y sí, es difícil; al meter a las comunidades minoritarias en la ecuación, lo natural es pensar que no hay suficientes escritores LGBT, por ejemplo. ¿Cómo podemos meter más escritores LGBT aunque no tengan la experiencia? Yo creo que es un esfuerzo de encontrar cómo fomentar eso. Si un escritor LGBT no cuenta con la experiencia para entrar en un puesto de jefe de escritores, quizá pueda entrar en un puesto menor dentro del cuarto de escritores. Y entonces en unos años tendremos escritores LGBT experimentados y que sean valorados, en primera instancia, por su talento y experiencia. Y su punto de vista único, sus experiencias como parte de la comunidad, aportarán a ese talento. Lo importante es darles esos espacios para que puedan crecer y beneficiarnos todos como industria.
Como parte de la comunidad LGBT, ¿qué te ha dado más orgullo de trabajar en Warner Bros. Discovery y que te emociona más del futuro?
Me ha tocado atravesar… llevo más de 20 años haciendo ficción para TV y me ha tocado atravesar muchas etapas. Te puedo señalar el crecimiento que ha tenido este tema en la sociedad, desde mi punto de vista. Al inicio trabajé en una telenovela y recuerdo que censuraban a los personajes LGBT, y ahora son protagónicos. A mí me emociona mucho de trabajar en Warner esa completa apertura que se da y ese diálogo. Hemos hecho series en Argentina con estos temas, en Brasil, en México hicimos un documental sobre los muxes. Ha sido un esfuerzo que no solo ha tenido que ver con México, sino que se ha expandido a nivel panregional. Conectamos mucho con todas las comunidades creativas locales, y ellos son las que nos traen historias como estas. Se han dado porque nos hemos mostrado muy abiertos, a escuchar y a entender qué es lo que mueve a nuestros creativos de cada país. Es estar siempre muy atentos a saber por qué les mueve la historia. Dependemos de ellos, realmente: con ellos trabajamos. Las historias normalmente vienen de estas comunidades creativas de cada país. Ellxs están muy abiertos a crearlas. Entonces, el reto es seguir escuchándoles. A veces uno se desmoraliza mucho, cuando un gobierno avanza en temas LGBT y otro retrocede. Siempre habrá paredes que tumbar.
¿Consideras que, en temas de diversidad dentro de las plataformas, el papel de las comunidades creativas locales es clave?
Absolutamente, vengo de hecho de unas reuniones con una productora de hecho para un proyecto nuevo, y no son solamente esos diálogos los que nos ayudan a nosotros para generar historias nuevas. Ayer tuve una reunión con una editorial, para hablar de libros, por ejemplo, que toquen temas socialmente relevantes, y sean emocionantes, y que se puedan adaptar. Las ideas vienen de todos lados pero siempre surge de una mente creativa que nos mueve como sociedad y como empresa.
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