Cine y Tv
El rudo y el niño: una fórmula para salvar la inocencia
La fórmula del niño y el antihéroe rudo, mejor conocida con el nombre de «badass and child duo«, es uno de los tropos más populares en la ficción. La fascinación que provoca es comprensible al tratarse de dos mundos radicalmente opuestos que se cruzan hasta tornarse inseparables. Alianzas espectaculares y emotivas, que además están dotadas de una fortísima carga simbólica, pues el objetivo central de salvar al pequeño invariablemente conduce a la redención del guardián.
En la teoría, la fórmula del niño y el antihéroe rudo aplica para todos aquellos individuos cuya existencia violenta es interrumpida temporalmente para ayudar a un pequeño en una situación de peligro extremo. Tal sería el caso de Eliot Ness (Kevin Costner) y George Stone (Andy García) exponiéndose para salvar una carriola cayendo en medio de un tiroteo en la mítica secuencia de las escaleras vista en Los intocables (1987). Más impactante es cuando la fórmula es mostrada en estado puro, con personajes cuya rudeza extrema les torna mortíferos, que dejan todo atrás para centrarse en la protección de infantes con los que no guardan ningún vínculo inicial y que están dispuestos a aprovechar todas sus habilidades para alcanzar el objetivo… aun cuando esta tarea les cueste la vida.
El niño
El valor simbólico de los niños en peligro varía según las propiedades de cada narrativa. Jenny Matrix (Alyssa Milano) en Commando (1985) no es más que un macguffin que requiere ser rescatado por John Matrix (Arnold Schwarzenegger); el deceso de Will Castle (Marcus Johns) en The Punisher (2004) sirve como detonante para que Frank Castle (Thomas Jane) se convierta en un violento vigilante; la brutal revelación en torno a David (Michael Caloz) de Screamers: Asesinos cibernéticos (1995) adentra en un mundo tan corrupto que ha visto distorsionada toda su inocencia.
Los infantes de la fórmula del niño y el antihéroe rudo tienden a compartir atributos de personalidad. Se trata de pequeños cuya pureza pende de un hilo ante la posesión de alguna característica especial que es codiciada por un mundo violento que no vacilará en corromperlos para obtener un beneficio. Su fragilidad infantil es enfatizada con una serie de arquetipos de edad, género y soledad, pero también es continuamente desafiada con una fortísima personalidad, conocimientos puros sobre el bien y el mal, así como una serie de valores morales bien establecidos.
La fórmula es fundamental para entender la confianza ciega que permitirá la conexión emocional entre el niño y el badass o antihéroe rudo. Esto porque los pequeños pueden distinguir la bondad que los propios protectores consideran perdida, pero también de aceptar que la agresividad de sus métodos es necesaria para garantizar la supervivencia.
El protector
Más que simple héroes de acción, los guardianes concebidos en la fórmula del niño y el antihéroe rudo suelen ser una rama del one-man army o «ejército de una sola persona». Ambos comparten características como la soledad en el campo de batalla, las habilidades de combate que les permiten salir avante hasta de las situaciones más extremas, así como las imperfecciones propias de un pasado turbulento. La gran diferencia radica en que, mientras el one-man army tiene autorizada la búsqueda con fines egoístas, el badass en cuestión realiza un viaje que parte del individualismo a la abnegación más pura al arriesgarlo todo por un infante con el que rara vez tiene vínculo alguno.
La misión nunca es sencilla. No sólo por los villanos a vencer, sino porque la fórmula siempre dicta que el trabajo impacte de lleno la vida de un antihéroe rudo acostumbrado a la soledad y renuente a vigilar la conducta del niño acompañante como si de una niñera se tratase. Irónicamente, la personalidad del pequeño en cuestión, que tantos dolores de cabeza representa en un inicio, no sólo conquista al conflictuado adulto, sino que se gana su respeto y admiración hasta que termina viéndolo como un igual. O incluso como algo más.
Aunque el encargo suele partir de promesas materiales, la aceptación de la tarea sólo es posible porque estos antihéroes tienen propiedades ocultas que ellos mismos desconocen o que consideraban perdidas tras años de una existencia violenta. Heroicidad, nobleza e incluso una sensibilidad impropia de su rudeza que les convierte en guardianes de una inocencia en peligro, pero también en un símbolo es esperanza. El reflejo de un mundo oscuro que alcanza la redención tras abrazar una pureza al borde del abismo. Sujetos de armas tomar que centran sus esfuerzos en el resguardo de niños, ignorantes que con esto están salvándose a sí mismos.
Los mejores representantes de la fórmula del niño y el antihéroe rudo
Dick Tracy / Kid (Dick Tracy, 1990)
Los integrantes de la fórmula del niño y el antihéroe rudo no suelen tener una relación previa, por lo que es común que el adulto se refiera al pequeño simplemente como niño o chico. Tal fue el caso de Kid, un ladronzuelo cuya labor es entorpecida por el detective, quien lejos de arrestarlo, busca un modo de reconducirlo para que se convierta en un ciudadano de bien. El tropo no se cumple en su totalidad porque la misión central de Tracy no es la protección del muchacho, pero aun así funciona porque el héroe considera la salvación del pequeño como un rescate simbólico de una ciudad pervertida por el dominio de ‘Big Boy’ Caprice. El niño corresponde al ayudarle en una situación de vida o muerte, convirtiéndose así en su único apoyo cuando todo parece perdido. La relación se estrecha tanto que ambos terminan integrando una familia al lado de Tess Trueheart, pareja sentimental del personaje titular y con el redimido pillo adoptando el nombre de Dick Tracy Jr.
Robert ‘Butch’ Haynes / Philip Perry (Un mundo perfecto, 1993)
Otra versión modificada surgida de dos reos que escapan de prisión y toman a un niño como rehén y que empieza a tomar forma cuando uno de ellos, ‘Butch’ Haynes, mata al otro para evitar que haga daño al pequeño. Un crimen que se vuelve considerablemente más complejo cuando la autoridad que toma el caso rememora el pasado del delincuente, quien fuera maltratado por su padre hasta que encontró refugio en el encierro de la cárcel. El sujeto no tiene la mínima intención de dañar al chico, pero se ve obligado a huir para garantizar su propia seguridad; lejos de padecer miedo, el niño toma el viaje como aventura lejos de una familia cuyo fervor religioso le ha privado de experiencias tan básicas como celebrar la Navidad o el Halloween. Esto hace que ambos encuentren consuelo uno en el otro, con el adulto descubriendo un mundo de inocencia perdida y el infante gozando de una libertad desconocida que se ve plasmada en un modesto disfraz de Gasparín.
Arya Stark / Sandor Clegane ‘el Perro’ (Game of Thrones, 2011)
Es bien sabido que en el juego de tronos se gana o se muere. Sin embargo, existen ocasiones en que la brutalidad y la intriga que caracterizan a los Siete Reinos se difuminan ante el surgimiento de alianzas improbables. Tal es el caso de Sandor Clegane, quien luego de renunciar a ser el perro de los Lannister, centró sus esfuerzos en la seguridad, primero de Sansa Stark y luego de la pequeña Arya. Fue con esta última con la que pasó más tiempo al tratar de llevarla a casa con la mira puesta en una recompensa económica, pero los percances del camino propiciaron una extraña conexión basada en el respeto, pero manchada de resentimiento. Esto provocó que la joven loba lo abandonara a su suerte luego de que el guerrero quedara malherido tras una cruenta batalla con Brienne de Tarth, lo que no impidió que ambos se reencontraran en vísperas de la batalla final por Westeros, esta vez como iguales.
Ellen Ripley / Rebecca ‘Newt’ Jorden (Aliens, 1986)
A diferencia de su antecesora, Aliens no es una película de terror, sino de acción, lo que concedió nuevos valores simbólicos para Ellen Ripley, quien dejó de ser una sobreviviente para convertirse en toda una guerrera. La conversión inicia cuando la oficial del Nostromo acepta ir a LV-426 para asegurarse de que las criaturas ahí sean exterminadas y continúa cuando se cruza con una pequeña cuya familia fue aniquilada por los extraterrestres y con la que forma un lazo inmediato. El círculo se completa cuando la niña es capturada y la heroína no duda en rescatarla con un exoesqueleto de carga que le permite librar un combate cuerpo a cuerpo con la feroz reina de la colonia alienígena. Aunque logró su cometido, los esfuerzos fueron en balde a largo plazo, pues la chica perdió la vida en los primeros minutos de Alien 3 (1992), en la que es considerada una de las decisiones más controvertidas de toda la franquicia.
Theo Faron / el bebé (Niños del hombre, 2006)
Es común que los infantes de la fórmula del niño y el antihéroe rudo tengan alguna característica que les haga deseables para el mal. En el caso de Niños del hombre, se trata de su existencia misma. Aquí, un bebé que ni siquiera ha nacido es un símbolo de esperanza para una humanidad corrupta, pero también significa poder para los movimientos políticos que desean aprovecharlo para sus intereses. La protección corre a cargo de Theo Faron, antiguo activista que ha perdido la vocación y quien es buscado por su exesposa para el resguardo de quien parece ser una simple inmigrante, cuando realmente lleva consigo al futuro del ser humano.
Din Djarin a.k.a. Mando / Grogu (The Mandalorian, 2019)
Aquellos pequeños que guardan una gran conexión con la Fuerza han jugado un rol fundamental para la galaxia lejana. Mientras Anakin Skywalker selló su propia caída tras asesinarlos a sangre fría, Mando alcanzó la redención tras resguardar a uno de los remanentes del Imperio. Este último caso ha sido motivo de sorpresa y alabanza, al tratarse de un mandaloriano que opera como cazarrecompensas y que ha demostrado ser sumamente respetuoso con sus códigos. Ni siquiera esto impidió romper sus propias reglas al encariñarse con ‘el niño’ que responde al nombre de Grogu. O como él mismo dijera en un amenazante mensaje a Moff Gideon, “significa más para mí de lo que nunca sabrás”. Su heroísmo promete ser clave para el porvenir de todos al tratarse de un ser que, a pesar de su fragilidad infantil, está dotado de un enorme poderío.
Logan / Laura (Logan, 2017)
Uno de los atributos más importantes de Wolverine es su empeño por resguardar a los indefensos. El cómic plasmó la cualidad con Jubilee, mientras que su salto cinematográfico hizo lo propio con Rogue. La imagen quedó sellada en el imaginario colectivo con Logan, que muestra al personaje titular resignado a la extinción mutante, hasta que la pequeña y muy feroz Laura, concebida a partir de una muestra de su ADN, le permite comprender el valor de una familia y un legado. El resguardo de la chica a territorio seguro donde podría crecer con normalidad sin ser entrenada como un arma viviente resultó en la muerte cinematográfica del guerrero, quien aprovechó su último aliento para dar una importante lección de vida a la que terminó considerando como una auténtica hija: “no seas para lo que te crearon”.
Leon / Mathilda (El perfecto asesino, 1994)
Luc Besson siempre ha mostrado un gran interés en la exploración de la inocencia en un mundo corrupto, siendo El perfecto asesino la mejor exponente de la tendencia. Una película sobre una niña cuya familia es ejecutada y que encuentra protección, consuelo y guía con un peculiar asesino a sueldo con el que intentará consumar su venganza, aun cuando éste se empeñe en que la pequeña no pierda el rumbo de su vida. Más significativo aún es que mientras la chica es educada en las artes de matar, ella educará a su propio mentor en temas de la vida cotidiana, lo que resultará en el surgimiento de una singular familia plasmada en una modesta planta que busca un sitio para echar raíces.
T-800 / John Connor (Terminator 2: El juicio final, 1991)
El T-800 se convirtió en uno de los villanos más temibles del cine con Terminator (1984), mientras que la secuela alteró diametralmente su concepción al mostrarlo como uno de los grandes héroes de todos los tiempos. Una máquina diseñada para matar y reprogramada para la protección absoluta de un John Connor destinado a convertirse en el líder de la resistencia humana tras el ascenso de Skynet. Su letalidad no le impide estar en todo momento con el joven, de quien aprende toda clase de expresiones, pero también el valor de la vida y el significado de una lágrima. “Al ver a John con la máquina, de repente fue tan claro”, asegura Sarah Connor. “El exterminador nunca se detendría. Nunca lo dejaría, y nunca lo lastimaría, nunca le gritaría, ni se emborracharía y lo golpearía, ni le diría que estaba demasiado ocupado para pasar tiempo con él. Siempre estaría ahí. Y moriría para protegerlo. De todos los futuros padres que vinieron y se fueron a lo largo de los años, esta cosa, esta máquina, fue el único que estuvo a la altura. En un mundo loco, fue la elección más sensata”.
Reuben ‘Rooster’ Cogburn / Mattie Ross (Temple de acero, 1969; 2010)
El western es el género que mejor ha ejemplificado un mundo que pierde su pureza ante el paso de la civilización. Quizá por ello no sorprende que también haya dado al que es considerado el mejor ejemplo de la fórmula del niño y el antihéroe rudo. Rooster es un veterano de la Guerra Civil y cuya posterior carrera como mariscal en territorio indio se caracterizó por la rudeza y el exceso de alcohol; Mattie es una niña cuyo padre fue asesinado en un viaje de negocios. Sus caminos se cruzan cuando la pequeña se percata de que nunca encontrará justicia con apoyo de la ley y decide contratar a Cogburn para ejecutarla de su propia mano. El trayecto es difícil para ambos, no sólo por la complejidad propia de la misión, sino por sus personalidades que colisionan en todo momento: ella se muestra desesperada por hallar al responsable, él se niega a cambiar su modo de trabajo. Al final ambos encuentran el modo de trabajar juntos en una relación, no sólo de respeto, sino de franco aprecio que alcanza su punto más alto con los esfuerzos del cowboy por salvar a la chica de una muerte segura tras la mordedura de una serpiente. Aunque las adaptaciones (la de 1969 con John Wayne y la de 2010 de los hermanos Coen) tienen distintos desenlaces, ambas coinciden en mostrar el enorme agradecimiento de la pequeña ante un hombre cuya oscura reputación no le ha impedido darlo todo de sí para ayudarla a encontrar la paz.
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La cinta de 2006 ya tiene una secuela que se encuentra en desarrollo. Esta es toda la información que se conoce (hasta ahora).
Sin exagerar, El diablo viste a la moda es la película sobre la industria de la moda más icónica de los años 2000. Estrenada en 2006 bajo la dirección de David Frenkel y con un inolvidable reparto liderado por Anne Hathaway, Meryl Streep y Emily Blunt, la cinta fue una mirada divertida y sospechosamente apegada a la realidad del mundo editorial. Ahora, a casi dos décadas de aquel momento, se ha confirmado que una secuela viene en camino.
Fuentes de Disney confirmaron a Deadline la noticia, asegurando que Aline Brosh McKenna, la guionista de la cinta de 2006, realizará el guion nuevamente, mientras que Frenkel se encuentra en conversaciones para replicar su rol como productor.
La película aún se encuentra en un estado de realización temprana. Según el sitio de noticias Puck –el primero en dar a conocer la realización de la secuela– Wendy Finnerman, productora del primer filme que vuelve a esta producción, recién está reuniendo las piezas para dar forma a la historia.
¿Quiénes protagonizarán El diablo viste a la moda 2?
La pregunta del millón, ¿vuelven Meryl Streep, Anne Hathaway y Emily Blunt? Aún no es posible confirmarlo. Puck aseguró que Wendy Finnerman ha convencido a Streep y Blunt para replicar sus papeles de Miranda Priestly y Emily Charter. Sin embargo, en una entrevista para E! News de este año, Hathaway dijo “no creo que la continuación de esa historia ocurra jamás”.
Por ahora, ninguna de las actrices ha confirmado su presencia en The Devil Wears Prada 2.
¿Qué pasará en El diablo viste a la moda 2?
Como bien recordarás, la primera película sigue la llegada de Andy Sachs a Runway, la revista más importante de la industria de la moda al mando de la temible editora, Miranda Priestly. En su travesía, Andy no solo lidia con la competencia feroz establecida por la primera asistente de Miranda, Emily Charter, también con los “demonios” de la industria, el ser fiel a sí misma y encontrar su verdadero camino.
Ahora, para El diablo viste a la moda 2, la sinopsis tampoco cuenta con una confirmación oficial, sin embargo, el mismo sitio previamente mencionado contó que se está planeando una historia centrada en Miranda Priestly en el declive de la publicación de revistas impresas, esta vez se enfrentará a Emily, que probablemente sea una alta ejecutiva de alguno de los conglomerados de lujo más grandes (LVMH o Kering).
Por ahora, solo queda esperar a que los detalles continúen revelándose.
Cine y Tv
AMACC: ¿Qué hace y por qué es importante la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas?
Al momento de su fundación el 3 de julio de 1946, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) adoptó un propósito que sobrevive hasta nuestros días: “promover la difusión, la investigación, la preservación, el desarrollo y la defensa de las artes y las ciencias cinematográficas”, en palabras de la propia organización.
No es sólo la instancia sin ánimo de lucro que hace posible la entrega anual del Ariel, galardón que reconoce lo mejor del cine hecho con manos mexicanas. Es una asociación civil con más de 2,500 miembros —profesionales activos de la industria— que desempeña infinidad de tareas; desde la formación, divulgación y fomento cultural, hasta la puesta en marcha de medidas que protejan a los cineastas en contextos adversos.
Con sede en Casa Buñuel (CDMX) y mediante un comité coordinador actualmente presidido por Armando Casas, conozcan a continuación las labores de la AMACC y algunos proyectos específicos recientes que dan fe de su enorme relevancia en el quehacer cinematográfico nacional.
Muestras, exposiciones y ciclos de cine
La AMACC ha impulsado muestras y ciclos de cine en distintos recintos de la República Mexicana; esto con el objetivo de dar a conocer la diversidad de miradas y propuestas fílmicas que enriquecen el panorama audiovisual de nuestro país.
Un ejemplo tradicional es el ciclo “Rumbo al Ariel”. Su edición de 2023 abarcó 1 de agosto de 2023 al 30 de septiembre, teniendo como propósito exhibir ante un amplio público los largometrajes y cortometrajes nominados para la 65° entrega de los premios Ariel. Además de funciones presenciales, este ciclo recurrió nuevamente a su propia plataforma en línea donde las películas ostentaron visualizaciones gratuitas a las cuales podían acceder internautas de todo México.
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En materia de exposiciones y difusión de acervos fotográficos, la Academia estuvo detrás de muestras como “La persistencia de la máquina sensible” (conformada por carteles de películas ganadoras del Ariel) y “Héroes anónimos: técnicos y artistas del cine mexicano” (un homenaje a los creadores cinematográficos que operan detrás de cámaras y que difícilmente obtienen el reconocimiento que merecen).
Conversatorios y clases magistrales
Varias acciones de la AMACC han buscado fomentar el encuentro y diálogo entre las y los profesionales del sector cinematográfico; además de llevar esas charlas y conferencias al público en general. Por ejemplo, en el marco de los ciclos “Rumbo al Ariel” y “Voces y temas del cine mexicano” de 2023, la Casa Buñuel acogió conversatorios con histriones, cineastas y personal creativo involucrado en las cintas exhibidas; pláticas grabadas en video y que pueden consultarse libremente en el canal de YouTube oficial de la Academia.
Convocar talento de otros países —sumado a procurarles un espacio en el que puedan compartir sus conocimientos— ha sido otra misión de la organización. De los últimos años, destacan clases magistrales impartidas respectivamente por el director de arte Paul Harrod (Isla de perros) y el diseñador de vestuario Ángel Amor, integrante del equipo de producción de afamados títulos como Maléfica y La favorita.
De la AMACC, en colaboración con la Filmoteca de la UNAM, tampoco debe olvidarse el programa de conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel”. Este consistió en extensas charlas videograbadas —a modo de tertulias— que protagonizaron laureados miembros de la industria fílmica mexicana y prestigiosos comunicadores, investigadores y gente destacada del gremio. Hubo un total de 34 charlas, repartidas a lo largo de tres temporadas y publicadas digitalmente entre abril de 2020 y julio de 2021.
Labor editorial
Entre las tareas de la Academia destaca también “la edición de libros que hablan sobre el desarrollo de la industria del cine mexicano” (vía).
En 2021, la primera temporada de los conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel” motivó que la AMACC y las instancias asociadas lanzaran una colección editorial; es decir, una serie de libros donde se transcribieron las charlas sostenidas con distintas personalidades en el transcurso del programa.
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Respecto al ámbito de las letras, la AMACC también ha publicado ocho números de una colección denominada “Textos de la Academia”; una conjunto de escritos que en su mayoría rinden tributo a la vida y trayectoria de veteranas personalidades que fueran acreedoras del Ariel de Oro, como la actriz María Rojo, la guionista Paz Alicia Garciadiego y el histrión Héctor Bonilla. La versión digital de cada número está disponible de manera gratuita en el sitio web de la organización.
Preservación y restauración
En complicidad con la Filmoteca de la UNAM, la AMACC ha sido partícipe de la restauración y preservación de cinco películas mexicanas de antaño y con enorme valor histórico, que son:
- La mujer del puerto (Dir. Arcady Boytler, 1933)
- El tren fantasma (Dir. Gabriel García Moreno, 1926)
- El puño de hierro (Dir. Gabriel García Moreno, 1927)
- La barraca (Dir. Roberto Gavaldón, 1945)
- Tepeyac (Dir. José Manuel Ramos, Carlos E. González y Fernando Sáyago, 1917)
Cabe agregar que el proceso de restauración en torno a La barraca inspiró el primer número de la colección “Textos de la Academia”. Por otro lado, los casos de Tepeyac y El tren fantasma dieron pie a la ilustrativa serie de textos Cuadernos de Restauración de la Filmoteca, cuyos primeros dos volúmenes fueron publicados con el apoyo de la AMACC.
En defensa del cine y sus trabajadores
En contra de toda censura y agravio, la AMACC jura defender la libertad creativa y laboral de cineastas mexicanos. Además, fue de armas tomar para asistir a los trabajadores de la industria más afectados por la suspensión de actividades durante la pandemia. Así surgió en 2020 —y con la mediación de la Academia— el Fondo de Apoyo COVID-19 para la Industria Cinematográfica y Audiovisual, gracias a una alianza con Netflix, y Sifonóforo, Fondo de Emergencia Audiovisual, resultado de la suma de esfuerzos de diversas figuras, incluidas Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, Issa López y Salma Hayek.
Ese mismo año, en plena discusión por la desaparición de fideicomisos, la AMACC calificó de preocupante la extinción del Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad (FOPROCINE). También defendió a capa y espada la permanencia del Fondo de Inversión y Estímulos al Cine (FIDECINE), que durante veinte años apoyó la producción, posproducción, distribución y exhibición fílmica en nuestro país.
Asimismo, la lucha de la organización está enfocada en impulsar las reformas a la Ley Federal de Cinematografía y el Audiovisual. Así lo dijo la presidenta Leticia Huijara en la pasada edición de los premios Ariel:
Premios y representatividad en el extranjero
Bien sabido es que la AMACC otorga anualmente el prestigioso premio Ariel, que reconoce lo mejor del cine mexicano e iberoamericano. Por ende, es responsable de llevar la batuta en la logística de la ceremonia, la publicación de convocatorias, los procesos de selección y votación, la fabricación de las estatuillas, etcétera. Siempre con plena consciencia de que el magno evento no consiste solamente en repartir trofeos. Sobre esto, la Academia define su premiación como “un foro público para escuchar las voces de nuestro cineastas en momentos fundamentales de nuestra historia”.
Cada año, la misma instancia es la encargada de elegir la producción nacional que represente a México en la carrera para la categoría de Mejor película internacional de los premios Óscar; lo mismo para los Goya de España, los Macondo de Colombia y los Colibrí de Ecuador, en sus respectivas ternas de Mejor película iberoamericana.
Y por si fuera poco, la AMACC presume ser parte de la Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas (FIACINE); un organismo que reúne a las homólogas asociaciones de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, España, Guatemala, Paraguay, Perú, Portugal, República Dominicana y Venezuela, con el objetivo de impulsar conjuntamente relaciones y mecanismos a favor del quehacer fílmico en tales territorios.
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Como miembro de la comunidad LGBT+ que ha dedicado tres décadas de su vida al desarrollo de ficción televisiva, Jorge Tijerina dice sentirse esperanzado con los cambios de perspectiva que ha notado en la industria mexicana y latinoamericana. Desde 2021 lidera el desarrollo de las producciones de ficción para Warner Bros. Discovery México y Colombia, en donde asegura ha encontrado un ambiente de apertura y diálogo, dentro del corporativo, pero también dentro de las comunidades creativas de cada país (compañías productoras, guionistas, cineastas, etc.), que ha permitido impulsar representaciones cada vez más diversas en los últimos años.
Su experiencia se alinea con las medidas y aspiraciones empujadas durante los últimos años por el conglomerado –fusionado con Discovery en 2022–, que mantiene a la inclusión como uno de sus ejes empresariales. Y es pertinente sobre todo cuando el nuevo y reconfigurado gigante de la industria audiovisual ha confirmado su intención de centrar mucha de su producción original en México y Latinoamérica, y quizá producir menos, pero con mayor calidad (está interesado en explotar, sobre todo, el ámbito de las teleseries).
A cuatro meses de la llegada a Latinoamérica de su plataforma Max (evolución de HBO Max), y mientras la marca alista producciones mexicanas como la serie Como agua para chocolate, Jorge Tijerina nos platica sus reflexiones sobre la evolución de la industria televisiva en temas LGBT+, y cómo es que Warner Bros. Discovery se asegura constantemente de caminar en la dirección correcta.
En junio se celebra el orgullo LGBT y como marcas siempre queremos, por su puesto, celebrarlo y sumarnos a la fiesta, pero al mismo tiempo nos obliga a examinarnos. ¿Cómo crees que va Max y Warner Discovery en estos temas en el frente de desarrollo de contenidos?
Me ha tocado pertenecer a diferentes compañías durante mi carrera y esto me permitió ver una evolución de cómo la industria en general ha ido transformando realmente sus puntos de vista. Todavía hay mucho que hacer y me parece que Max está haciendo mucho para lograrlo. Tenemos, por ejemplo, grupos internos de voluntarios en donde se invita a empleados de la compañía para hablar de temas sensibles que pueden ser de diversidad, diversidad de género, etc. Yo empecé [a trabajar en esta industria] en una época cuando esto no sucedía. Las dinámicas eran otras, donde se censuraba la aparición de personajes LGBT en los contenidos. Donde no era posible siquiera tratar estas temáticas en las historias. Después entré a HBO Latinoamérica en 2009 y me tocó trabajar en Capadocia, la primera serie de ficción que se hizo fuera del sistema de televisión abierta en México. Y tuvo un personaje de una mujer trans muy importante dentro de la trama y eso le valió mucho reconocimiento. No se había hecho, fue una pequeña gota en el océano que ha ido creciendo, creo yo. Y pues Max tiene ya muchos contenidos a los cuales podemos señalar como ejemplos, en donde me parece que el mundo se ve reflejado con todas sus aristas.
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Aquí, Jorge enlista algunos de esos ejemplos, entre los cuales se encuentra la serie Ugly, estrenada en 2023, en donde Juan Daniel García Treviño interpreta a un joven bisexual, una dimensión que asegura se explorará más en la segunda temporada a estrenarse el próximo año. También menciona a Las Bravas F.C., serie estrenada en 2022 que sigue a un equipo de futbol femenil, en donde Mauricio Barrientos, el Diablito, interpreta a un coach gay. De acuerdo con el ejecutivo, la siguiente temporada planea explorar la historia de un personaje femenino que mantiene una relación con otra mujer.
¿Cuál crees que es el rol y las capacidades reales de las plataformas y sus departamentos de desarrollo en esta lucha por la diversidad y su representación? ¿Qué está dentro de tu control, qué no y cuáles son aún los retos que enfrentas desde tu posición?
En principio tenemos que ser muy fieles a nuestra misión como empresa de entretenimiento, y ese es crear un contenido que haga eso: que entretenga, o sea, eso debe de ser nuestra primera misión, porque claro, es muy fácil a veces querer dejar llevarse por temas que son tan necesarios, pero que luego el público los puede percibir como un tipo de activismo. Y la verdad es que tenemos que seleccionar, desarrollar y producir historias que al público le den un respiro de aire después de un día largo en el trabajo. Una historia que tenga un carácter emocional muy profundo. Nuestro primer encuentro sí es preguntarnos si una historia puede entretener a una audiencia, como la de nuestra plataforma, que es masiva. Una vez que encontramos esa conexión general, por supuesto que es bien importante que dentro de ese mundo de ficción haya elementos que conecten con la sociedad de hoy. No vivimos en una sociedad donde todas las personas son blancas, no vivimos en una sociedad donde todas las personas son heterosexuales, tampoco en una ciudad donde todos sean hombres. Y siempre ha sido así, solo que ahora, afortunadamente, tenemos la apertura que nos da la conversación cultural.
El reto es mantener todo lo que te comentaba al inicio, pero también encontrar cómo las personas LGBT forman parte de estos universos. Que sea orgánico, porque nosotros, pues somos personas que andamos por la vida sin un panfleto en la cabeza. Nos enamoramos, cuidamos de nuestros papás, buscamos trabajo, a veces tenemos éxito, a veces no, somos personas. Es esa normalidad la que debe de haber.
¿Cuáles son los procesos o las dinámicas que implementan para lograr eso que comentas, la inclusión y normalización de estas experiencias en las historias?
Tenemos la fortuna de que la compañía apoye estos grupos que te comentaba al inicio, a los que llamamos BRG, Business Resource Groups, que hacen un voluntariado para hablar de estos temas dentro de la empresa. Pero también tenemos un área de diversidad e inclusión, que es sumamente importante para nosotros, porque nos da una guía para darle más visibilidad a grupos como la comunidad LGBT en nuestras series originales. Yo formo parte de ella y es un área compuesta por personas contratadas para que la compañía enriquezca su visión. Me dan lineamientos para poder dirigirme con los equipos de escritura y de producción. Cuando hemos tenido contenidos, por ejemplo, sobre mujeres, para mí ha sido muy importante que quien escriba sea una mujer. Lo primero que valoramos es su talento, claro, su trayectoria. Pero si es una historia LGBT por ejemplo, buscamos escritores dentro de esa comunidad que tengan ese talento. No quiere decir que una persona heterosexual, un persona aliada –figuras importantísimas, para mí– no lo pueda hacer bien, pero es importante darle esa oportunidad a las personas de la comunidad, actores, actrices. La selección es importante para nosotros. Al final la audiencia la aprecia porque se transmite en algo genuino.
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Muchas veces las audiencias, y sobre todo en una sociedad en donde persisten muchos prejuicios, creen que la lucha por la diversidad en las pantallas solo puede tomar la forma de «cuotas», y que estas son «artificiales». ¿Qué le dirías a quienes piensan así?
Como compañía no debes perder tu misión que es hacer historias de calidad. Esa calidad te la dan profesionales que tienen un oficio, una trayectoria. Y sí, es difícil; al meter a las comunidades minoritarias en la ecuación, lo natural es pensar que no hay suficientes escritores LGBT, por ejemplo. ¿Cómo podemos meter más escritores LGBT aunque no tengan la experiencia? Yo creo que es un esfuerzo de encontrar cómo fomentar eso. Si un escritor LGBT no cuenta con la experiencia para entrar en un puesto de jefe de escritores, quizá pueda entrar en un puesto menor dentro del cuarto de escritores. Y entonces en unos años tendremos escritores LGBT experimentados y que sean valorados, en primera instancia, por su talento y experiencia. Y su punto de vista único, sus experiencias como parte de la comunidad, aportarán a ese talento. Lo importante es darles esos espacios para que puedan crecer y beneficiarnos todos como industria.
Como parte de la comunidad LGBT, ¿qué te ha dado más orgullo de trabajar en Warner Bros. Discovery y que te emociona más del futuro?
Me ha tocado atravesar… llevo más de 20 años haciendo ficción para TV y me ha tocado atravesar muchas etapas. Te puedo señalar el crecimiento que ha tenido este tema en la sociedad, desde mi punto de vista. Al inicio trabajé en una telenovela y recuerdo que censuraban a los personajes LGBT, y ahora son protagónicos. A mí me emociona mucho de trabajar en Warner esa completa apertura que se da y ese diálogo. Hemos hecho series en Argentina con estos temas, en Brasil, en México hicimos un documental sobre los muxes. Ha sido un esfuerzo que no solo ha tenido que ver con México, sino que se ha expandido a nivel panregional. Conectamos mucho con todas las comunidades creativas locales, y ellos son las que nos traen historias como estas. Se han dado porque nos hemos mostrado muy abiertos, a escuchar y a entender qué es lo que mueve a nuestros creativos de cada país. Es estar siempre muy atentos a saber por qué les mueve la historia. Dependemos de ellos, realmente: con ellos trabajamos. Las historias normalmente vienen de estas comunidades creativas de cada país. Ellxs están muy abiertos a crearlas. Entonces, el reto es seguir escuchándoles. A veces uno se desmoraliza mucho, cuando un gobierno avanza en temas LGBT y otro retrocede. Siempre habrá paredes que tumbar.
¿Consideras que, en temas de diversidad dentro de las plataformas, el papel de las comunidades creativas locales es clave?
Absolutamente, vengo de hecho de unas reuniones con una productora de hecho para un proyecto nuevo, y no son solamente esos diálogos los que nos ayudan a nosotros para generar historias nuevas. Ayer tuve una reunión con una editorial, para hablar de libros, por ejemplo, que toquen temas socialmente relevantes, y sean emocionantes, y que se puedan adaptar. Las ideas vienen de todos lados pero siempre surge de una mente creativa que nos mueve como sociedad y como empresa.
La entrada Lo importante es apoyar el crecimiento de la comunidad creativa LGBT: Jorge Tijerina se publicó primero en Cine PREMIERE.
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