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10 discos que cumplen 10 años en 2025
Lo que necesitas saber:
En este 2025, hay varios discos icónicos que cumplen 10 años. Aquí uno de nuestros especiales de aniversarios de álbumes.
Sí, lo sabemos… Los recuerdos del 2015 se sienten tan frescos que parece irreal que haya pasado ya una década. Y cuando se trata de música, no podemos creer que algunos discos icónicos ya estén cumpliendo 10 años en este 2025.
Sobre todo, porque son álbumes que a día de hoy aún se sienten nuevos, recientes. Son materiales que marcaron una tendencia ya por su producción o que marcaron época gracias a una, dos o más canciones.
10 discos que cumplen 10 años en el 2025
¿Ustedes recuerdan cuál fue el álbum que más escucharon en el 2015? Y además, ¿lo siguen escuchando después de una década? Acá les traemos un trancazo de nostalgia con 10 discos que cumplen 10 años en el 2025.
‘Currents’ de Tame Impala
Este disco significó un parteaguas para el proyecto liderado por Kevin Parker. Con su tercer disco, Tame Impala se convirtió en un fenómeno masivo de reconocimiento mundial.
No es como que Innerspeaker y Lonerism no tuvieran impacto internacional, pero es justo decir que ese par de álbumes, en su momento, se escuchaban en nichos específicos porque estaban más inclinados hacia la textura más rockera del compositor australiano.
Currents no abandonó esa línea del todo, pero amplificó las influencias de Parker mostrándonos su capacidad para componer canciones de corte más pop, todo en un disco que hablaba sobre dejar que la vida –en todos sus aspectos– siga su curso, sea para bien o para mal.
“Let It Happen” era el sencillo que ejemplificaba mejor que nada ese concepto, con todo y su video musical. “Eventually” también mostraba esta idea desde el punto de vista de una relación amorosa que ya no da más, diciéndonos que así como el amor, la tristeza es pasajera.
Y claro, el gran impacto de este disco de Tame Impala no se puede medir sin tomar en cuenta “The Less I Know The Better”, que se convirtió en un clásico absoluto de la década del 2010 ofreciéndonos también uno de los videos musicales más icónicos de la última época.
Además, Currents fue el disco que le abrió las puertas a Kevin Parker para ser considerado como un compositor/productor de alto perfil para figuras como Kanye West, Rihanna, Mark Ronson, Lady Gaga o Travis Scott, que no dudaron en recurrir a él para colaborar en sus discos posteriores al 2015.
‘To Pimp a Butterfly’ de Kendrick Lamar
En este punto, ya con el beneficio de la perspectiva, es justo decir que Kendrick Lamar es uno de esos artistas que no tiene un solo disco malo. Por algo es considerado el mejor rapero de su generación y con seguridad, entra ya en la conversación de los mejores de todos los tiempos.
Si nos remontamos 10 años atrás, muchos tal vez se habrán preguntado cómo Kendrick podría, cuando menos, igualar el éxito y el impacto que obtuvo con Good Kid MAAD City del 2012, que lo convirtió en una figura de altísimo perfil dentro del hip-hop… Con To Pimp a Butterfly se reafirmó como tal.
Mientras Good Kid era un ejercicio inspirado en la vida de Lamar en Compton y cómo eso lo moldeó, Butterfly se amplió en concepto con la idea de celebrar la identidad afroestadounidense a través del ‘rap consciencia’ y los diferentes estilos musicales que han marcado a esa misma comunidad.
Como señala UDiscoverMusic, Kendrick Lamar entregó un disco conceptual sobre un rapero que ha alcanzado la fama, pero que empieza a lidiar con la tentación y la presión de su nueva e influyente posición, algo que lo empieza a hacer sentir desorientado y fuera de sí.
Es así que este personaje realiza una exploración sobre la historia afroestadounidense para conectar de nuevo con sus raíces y mantenerse humilde, real y cercano a la comunidad a la que perteneció alguna vez, esto antes de la riqueza. Para no perder el piso, pues.
To Pimp a Butterfly es un disco con muchas lecturas sociales en ese sentido, celebrando la riqueza cultural afrodescendiente y recordando también las heridas que esta comunidad ha atravesado a lo largo del tiempo.
Esto no solo lo pone de manifiesto en las letras, sino en la música como tal. No por nada, las bases de hip-hop se complementan con elementos del funk o el jazz, estilos de origen afroamericano, esto con la participación de grandes músicos contemporáneos como Thundercat, Pharrell Williams y Kamasi Washington, entre otros
‘Carrie & Lowell’ de Sufjan Stevens
Si uno busca rankings de los mejores discos de Sufjan Stevens, encontrará de inmediato Carrie & Lowell en el puesto 1 o 2 de esos listados. En gran medida, esto se debe a lo minimalista, melancólico, catártico y honesto que es el disco. Y si lo ponemos sobre la mesa, este debe ser el que mejor proyecta todos esos calificativos.
Como sabrán los más fans, Sufjan escribió este material tras la muerte de su madre, Carrie, en el 2012. La relación con su madre no fue ni de cerca sencilla; era una mujer que experimentó el abuso de sustancias, que padeció de depresión y esquizofrenia, y que incluso abandonó repetidamente al artista en su juventud.
Por otro lado, el disco también nos habla sobre Lowell, el padrastro de Sufjan, quien fue una figura importante en la infancia del artista y que incluso lo apoyó como cofundador de Asthmatic Kitty, el sello discográfico que Stevens estableció en 1999.
En términos generales, Carrie & Lowell fue un disco que ayudó a Sufjan Stevens a sobrellevar la pérdida de su madre; a reflexionar sobre la complicada relación entre ellos y cerrar un capítulo de la vida de ambos. Como haciendo las paces de alguna manera, todo en un viaje musical duro y triste hasta los huesos que justamente inicia con la canción “Death with Dignity”.
Pero Sufjan también muestra momentos de brillo y habla de una ‘temporada de esperanza’, esto como referencia a los cinco años que Lowell estuvo casado con Carrie. Un momento que lo marcó y que convirtió a su padrastro en una figura de apoyo que hacia falta en su vida.
Tremendo discazo, por donde se le escuche.
‘Hasta la raíz’ de Natalia Lafourcade
Natalia Lafourcade siempre fue una artista reconocida en México, ya fuese como solista o con La Forquetina. Pero si hacemos un recorrido por su carrera, podemos decir que el 2015 fue el año que marcó un antes y un después para la artista, esto gracias al disco Hasta la raíz.
Dicho material significó su transición completa hacia el folk pop, además de estilos musicales tradicionales y folclóricos de Latinoamérica que han marcado la dirección musical de sus lanzamientos a partir de ese año… Y es ahí donde encontramos uno de los aspectos más geniales en el desarrollo de este material que entra a la lista de discos que cumplen 10 años en 2025.
Como ella misma contó al Chicago Tribune, todo comenzó cuando preparaba Mujer divina, el disco tributo a Agustín Lara que lanzó en el 2012. Trabajar con las canciones del llamado ‘Flaco de Oro’, la hizo sentir nuevamente una cercanía hacia la música tradicional mexicana.
“La música de Agustín Lara fue mi referencia más cercana e inmediata; quería escribir canciones tan bonitas como las suyas. Lara era mi referencia y una bastante exigente”, dijo al medio antes citado.
Después, en el 2014, viajó por diferentes partes de México, así como de Colombia, Cuba y otros países latinoamericanos como parte de un proceso personal de sanación, según cuenta. En estos lugares, encontró más fuentes de inspiración escuchando a compositores icónicos de la música folclórica latinoamericana.
Y gracias a todo ello, encontró una sensibilidad especial, casi poética, para escribir nuevas canciones. Todo eso se puede percibir en Hasta la raíz, dentro del cuál encontramos la canción homónima que, sin duda, fue un hit masivo que pasó a volverse un clásico de la música hispanoamericana de la década del 2010.
La repercusión de esa canción fue tanta que incluso se le dedicó un episodio en el popular programa estadounidense Song Exploder (la adaptación de Netflix del reconocido podcast conducido por Hrishikesh Hirway). Y a partir de ese disco, Natalia Lafourcade encontró su lugar como una de las artistas mexicanas más importantes de la última década.
‘The Magic Whip’ de Blur
No hay nada como la emoción de saber que tu banda favorita está de regreso luego de un largo rato de ausencia. En el caso de Blur, esa ausencia fue de 12 años (sin contar las reuniones esporádicas y un par de sencillos independientes entre 2010 y 2012) para lanzar The Magic Whip y marcar una de las vueltas triunfales definitivas del 2015.
Hay muchos detalles que hacen espectacular este disco. Por un lado, la banda volvería a trabajar en el estudio con Stephen Street, el productor que los acompañó en su etapa más brillante a lo largo de los 90. Y por otro lado, también significaba el regreso de Graham Coxon en la guitarra luego de que este último se había separado de la banda en el 2003.
Pero The Magic Whip tiene un componente ‘mágico’ (valga la redundancia) que lo hace muy especial: fue un disco que ni siquiera estaba en el radar de la banda y que empezaron a realizar de la manera más inesperada posible.
Blur, en una de sus esporádicas reuniones, hizo un viaje a mediados del 2013 para tocar en un festival en Japón que se canceló de la nada. Entonces, a la banda le quedaron algunos días libres en su agenda y decidieron establecerse en Hong Kong para armar algunas sesiones de estudio improvisadas.
Los tracks que trabajaron eran maquetas de canciones en las que estaba trabajando Damon Albarn. Las cosas salieron bien con la banda en el estudio, pero no lograron terminar las canciones en ese momento por el limitado tiempo de agenda que tenían. Damon dijo alguna vez que The Magic Whip pudo ser un disco de esos que se quedan en la bóveda para nunca ver la luz.
Sin embargo, Graham Coxon, que tenía la espina de clavada de no haber contribuido en el disco Think Tank del 2003, se involucró completamente en este nuevo álbum. De hecho, él fue quien se aferró a seguir produciendo el disco para luego mostrar las canciones a Damon, quien escuchó los demos terminados y se dedicó de lleno a escribir las letras y otros arreglos.
‘What Went Down’ de Foals
Foals es una de esas bandas que ha moldeado su sonido con el paso de los años. Y si en sus inicios tenían una carga importante de math-rock e indie rock de corte dance, fue a partir del 2013 con Holy Fire que su estilo se hizo más diverso, experimentando con la música disco o incluso progresiones musicales más pesadas.
Dos años después, la banda lanzó What Went Down, que en palabras de los integrantes fue una especie de seguimiento de lo que venían haciendo desde el álbum pasado. Es decir, un equilibrio ideal entre temas suaves y otros mucho más agresivos, donde encontramos algunos de los más pesados de su discografía.
Así, pasamos de las relajantes y nostálgicas secuencias de “Birch Tree” o “Mountain At My Gates”, a la parte más experimental y psicodélica con “A Knife in the Ocean”… Y después, hay una descarga de adrenalina con temas potentes como la propia “What Went Down” o “Snake Oil”, que tienen toques de stoner rock y garage rock.
En su momento, el disco fue precisamente señalado por presentarnos esta característica más pesada de Foals. Y en una entrevista con Coup de Main Magazine, Yannis Philippakis dijo que esta influencia más áspera y enérgicas la quisieron recrear en este disco ya que les encantó la energía en vivo que provocaban canciones como “Inhaler” (una de las rolas ‘pesadas’ del Holy Fire).
‘Caracal’ de Disclosure
Settle fue una muy buena carta de presentación para Disclosure, que en su momento provocó algo similar a Daft Punk (guardando distancias por supuesto): encontrar un punto para gustarle tanto a los clavados de la música electrónica, así como a los oyentes pop radiales casuales y al público más ‘alternativo’.
Ese primer disco también ayudó a establecer las carreras de los artistas invitados como Sam Smith (“Latch) o AlunaGeorge (“White Noise”) que también apenas estaban empezando a hacer ruido… Y bueno, la cosa cambió enormemente en el 2015 cuando los hermanos Lawrence lanzaron Caracal.
A diferencia de su primer disco que tenía algunas canciones puramente dance y más rápidas, Disclosure apostó en Caracal por la incorporación de más estilos como el R&B, el soul, por ahí hay algo de house de rollito disco, un poquito de synth-pop… Vaya, es un álbum muy diverso en ese sentido.
Además, si algo tiene este material, es que mostró a los hermanos Lawrence como potenciales productores de éxitos pop masivos con canciones como “Nocturnal”, “Omen”, y “Magnets”, las cuales lanzaron en colaboración con estrellas que estaban en pleno ascenso para hacerse en figuras pop mundiales como The Weeknd, el ya mencionado Sam Smith o Lorde.
Este es un infaltable en los discos que cumplen 10 años en 2025 ya que marcó tendencia, como dijimos, con esta capacidad de hacer canciones que le pueden gustar al oyente más casual o al melómano clavado.
Y por supuesto, no podemos olvidar la trilogía de videos que nos mostraban una historia de ciencia ficción a través de las canciones “Holding On”, “Omen” (clips grabados en la Ciudad de México) y “Jaded”.
‘English Graffiti’ de The Vaccines
Hay discos que significan un cambio importante para las bandas que los hacen. Y en ese sentido, English Graffiti es el parteaguas con el que The Vaccines diversificaron lo que habían hecho en sus primeros dos discos.
What Did You Expect from the Vaccines? y Come of Age nos habían mostrado el lado enérgico de Justin Young y compañía, esto en una combinación de lo que sería el hijo divertido pero crudo de los Ramones y The Strokes.
Pero con su tercer álbum, la banda inglesa tomó por sorpresa a todos. No abandonaron del todo las canciones frenéticas, pero ya no eran el ADN del disco. Si acaso, dos canciones por ahí rescataban lo mejor de las primeras dos producciones.
Solo que ahora, la banda también hizo canciones más elaboradas, con más arreglos de teclados y sintetizadores, y de tempos más lentos como “Dream Lover” o “Minimal Affection”.
También hay baladas indie pop al estilo “Want You So Bad” o “Maybe I Could You”. E incluso, coqueteándole con la esencia pop de los 80, había rolitas de coros pegajosos como “Give Me a Sign”.
En términos generales, con English Graffiti, The Vaccines se cansó de estas reglas autoimpuestas del indie-rock más crudo sobre sonar ‘descuidado’ o ‘poco producido’. Y por el contrario, por primera vez en su carrera, decidieron meterse en la composición de arreglos para ser más ambiciosos… Y les quedó genial.
Seguro que a muchos fans no les habrá gustado del todo este cambio radical, pero ahora con una década… ¿Qué les parece el disco?
‘Depression Cherry’ de Beach House
A veces, quienes escribimos de música, abusamos de los términos ‘etéreo’ y ‘onírico’ para hablar de un disco repleto de capaz de sonido envolventes, llenas de eco, delay y reverberación, voces tenues, entre otras cosas. Realmente, pocos álbumes pueden llevarse esos calificativos… y Depression Cherry de Beach House es uno de ellos.
Para muchos, fue un gran regreso de Victoria Legrand y Alex Scally a las bases del dream pop que se les conocían antes de Bloom del 2012, un disco que tal vez no los dejó del todo satisfechos después de la gira de promoción correspondiente.
La banda ha dicho que la gira de Bloom no les agradó tanto en su momento porque se incorporó una batería en vivo. Esto supuso un contraste muy marcado con el sonido atmosférico de las canciones ya que la batería opacaba muchos momentos instrumentales de la ejecución en vivo. Algo no encajaba.
Entonces, para Depression Cherry, regresaron a las composiciones más simples utilizando cajas de ritmos que no le quitaran protagonismo a los sintetizadores ni a esas guitarras ‘etéreas’ y ‘oníricas’ que son el sello de la casa.
Al final este disco que cumple 10 años en 2025 le dio a Beach House no solo la certeza de qué es lo que realmente les gusta tocar y cómo… También les dio su mayor éxito con la inolvidable “Space Song”, un clásico total de la música alternativa de los 2010.
‘I Love You, Honeybear’ de Father John Misty
Para muchos, este es el mejor disco que Josh Tillman, alias Father John Misty, ha hecho en su carrera como solista. Y es curioso cómo funciona I Love You, Honeybear… porque sí, es un disco innegablemente cursi, pero no de una manera sumamente empalagosa y convencional.
Misty hizo de este un álbum conceptual, en parte inspirado por su matrimonio con su esposa Emma. La canción que da el nombre al disco, “When You Are Smiling and Astride Me”, “The Ideal Husband” y “Chateau Lobby #4” son las que hablan más explícitamente de su encantadora relación.
Pero este viaje de amor para ser el ‘esposo ideal’, Tillman también habla tanto de sus desventuras pasadas antes de enamorarse perdidamente, como también de los males del mundo, sobre todo de la cultura estadounidense.
Y lo hace con mucho cinismo, humor y sátira, presentándose como un tipo quejumbroso e insoportable que parece odiar y burlarse de todo lo que le rodea. Pero como dice la canción que da el nombre al disco, este sujeto solo quiere estar con su amada mientras ven el barco hundirse, mientras ven las calles llenarse de muerte…
Este disco que cumple 10 años en 2025, es la prueba de que también los misántropos tienen buenos sentimientos, jeje.
Menciones honoríficas de discos que cumplen 10 años en el 2025
In Colour de Jamie xx
Vulnicura de Björk
Anthems for Doomed Youth de The Libertines
Blurryface de Twenty One Pilots
Wiped Out! de The Neighbourhood
Music Complete de New Order
Every Open Eye de CHVRCHES
Art Angels de Grimes
Sound and Color de Alabama Shakes
Beauty Behind the Madness de The Weeknd
GO:OD AM de Mac Miller
How Big, How Blue, How Beautiful de Florence + The Machine
Froot de Marina
Product de Sophie
Another One de Mac DeMarco
Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit de Courntey Barnett
Marks To Prove It de The Maccabees
Teens Of Style de Car Seat Headrest
Bahía Santiago de Technicolor Fabrics
Amor supremo de Carla Morrison
The Future Sugar de Rey Pila
The Desire Effect de Brandon Flowers
Vol. 1 de Mon Laferte
Beneath The Skin de Of Monster and Men
Uptown Special de Mark Ronson
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Majo Aguilar lleva relativamente poco tiempo en la escena musical profesional, sin embargo, ha logrado posicionarse entre las voces favoritas de la familia Aguilar y de la música regional mexicana.
El pasado 22 de febrero, la cantante y sus seguidores celebraron un buen momento luego de coronarse como Artista Femenina del Año de la Música Mexicana en los Premios Lo Nuestro 2025, evento en el que asistieron cantantes como Aida Cuevas, Ana Bárbara, Camila Fernández, Chiquis, Karina Sofia, Lila Downs, Lupita Infante, Yuridia y su prima Ángela Aguilar.
Pero algo que llamó la atención fue su discurso al recibir su premio, ya que que hizo pensar a sus seguidores que al parecer Majo Aguilar está siguiendo al pie de la letra un consejo que le dio su abuela, la también cantante Flor Silvestre fallecida el 25 de noviembre de 2020.
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Flor silvestre estuvo al lado de Majo Aguilar cuando cantó por primera vez en un programa de televisión, la animó a caminar por el sendero de la música mexicana y la apoyó cuando quiso lanzar su primer disco.
En una entrevista con Mara Patricia Castañeda, Majo Aguilar contó que tenía 10 u 11 años cuando recibió un consejo simple: “Canta para sentir y hacer sentir a la gente, no cantes para sonar bonito, cualquiera canta bonito”, eso fue lo que Flor Silvestre le aconsejó a su nieta Majo, quien admitió que al principio se enfocaba mucho en la técnica.
Majo dijo que aunque en el momento no entendió mucho aquel consejo, después sí, ahora no le molesta tanto desafinar un poco cuando está cantando con el corazón.
La cantante regional también compartió que cada que extraña a su abuela se toca las venas que pasan por su muñeca y recuerda que lleva su misma sangre. “La admiro como a pocas mujeres en mi vida, una mujer con mucho carácter y curiosamente con una sensibilidad y una dulzura absoluta, una combinación mágica de personalidad”, expresó.
Los seguidores de Majo coinciden con que tiene la voz parecida a Flor Silvestre, aunque la nieta de Antonio Aguilar dice que jamás se compararía con su abuela, quien es su máximo, sin embargo, agradece los elogios de sus fans.
Tras ganar como Artista Femenina del Año de la Música Mexicana en Premios Lo Nuestro 2025, Majo reconoció en su discurso que todas las cantantes que estaban en la terna merecían el galardón, sin embargo, admitió que había trabajado mucho para obtenerlo y destacó justo el consejo de su abuela: “Les he entregado puro corazón, eso es lo que necesitamos en la vida, mucho corazón, dar más alma y más amor”, dijo feliz.
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Nos clavamos a analizar la historia de la icónica Carpa Intolerante del Vive Latino, un escenario icónico que ha marcado el festival.
El Vive Latino se ha rifado a lo largo de 21 ediciones presentando actos y propuestas que se han vuelto icónicas dentro de la historia del festival. Dentro de los sitios más icónicos del festival encontramos la Carpa Intolerante, un escenario que se ha destacado por traer propuestas diversas y frescas, y muchas veces ha sido el lugar de inicio de carreras espectaculares.
La Intolerante ha sido un semillero de talento emergente y sede de la diversidad sonora, un lugar favoritos de los fans que quieren encontrar a su nueva banda favorita y curiosear sobre los nuevos sonidos año con año. Para el Vive Latino 2025, analizamos el origen, historia e importancia de la Carpa Intolerante.
El nacimiento de la Carpa Intolerante en el Vive Latino
Hasta el 2008, en el Vive Latino teníamos nada más los escenarios Verde, Azul y Rojo, (ya llovió) y nos sorprendieron para el 2009, con la aparición de una tal “Carpa Intolerante”, con actos como Gepe, Paté de Fuá, Silverio, y Anita Tijoux. Hoy, se trata de actos consolidados y en algunos casos, se han presentado varias veces en el Vive, creando un vínculo con los fans dentro del festival.
A partir de 2009, el Vive creó la Carpa Intolerante, que comenzó a dar voz a bandas independientes, que, por su propuesta arriesgada o su corta trayectoria, no encontraban espacio en los escenarios principales del festival. Nada detendría a actos como Pedropiedra, Diamante Eléctrico o Bratty, para colarse en algunos shows memorables que pudimos ver en la Intolerante.
Para el Vive Latino 2024, por remodelaciones en el ahora Estadio GNP Seguros, el Vive se trasladó al Autódromo Hermanos Rodríguez, por lo que la Carpa Intolerante se transformó por única ocasión en un escenario gemelo llamado Espacio Intolerante, en el que vimos a actos como RENEE, Vaquero e Yves Tumor.
Bandas que se presentaron en la Intolerante antes de convertirse en actos grandísimos
Seguramente se encuentran entre los afortunados que lograron ver en la Carpa Intolerante a alguna banda que eventualmente llegó a ser enorme, y que incluso se volvió headliner de festivales.
La Intolerante, colocada en la curva que da al acceso occidente al Estadio GNP Seguros, se ha vuelto también una gran opción para quienes están atentos a lo que pase en el escenario principal, pero quieren conocer propuestas novedosas.
Este escenario ha sido testigo del despegue de numerosas bandas que, tras su paso por este escenario, lograron consolidarse en la escena musical. Algunos ejemplos notables son Carla Morrison en 2011, Gepe y Anita Tijoux en 2009, Camilo Séptimo en 2015, y Alex Ferreira en 2023.
El rol crucial de la Carpa Intolerante en el Vive Latino
La Intolerante no solo ha impulsado a artistas emergentes, sino que también ha dado espacio a bandas consolidadas que buscan experimentar con nuevos sonidos o conectar con un público diferente. Algunos proyectos alternativos o participaciones sorpresa de integrantes de bandas como Fobia o Café Tacvba se han presentado en este escenario.
Una de las sorpresas memorables fue cuando Austin TV se presentó hace casi 16 años en la Carpa, y también subieron a Rubén Albarrán:
La idea detrás de la Intolerante es simplemente genial, y han habido Vive Latinos en los que nos la hemos pasado atentos a la Carpa, por lo que habría que pensar en que todos los festivales tuvieran un espacio tan abierto, sin que responda a un género en particular, sino que su razón de ser sea la sorpresa y variedad.
El papel de la Carpa Intolerante lo podemos resumir en ser una plataforma para bandas emergentes, promover la diversidad musical, provocar la curiosidad musical para ampliar nuestros horizontes musicales. Como parte de las bases del Vive Latino, también hay que tener presente que se han presentado proyectos de México, Argentina, Chile, Colombia, Guatemala, España y Costa Rica.
Parecen innumerables los actos memorables que hemos visto en la Intolerante, recordamos a Monocordio, Los Amantes de Lola y más recientemente Depresión Sonora.
¿Cuáles son algunos de sus momentos favoritos en la Carpa Intolerante del Vive Latino?
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