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M de México: La lluvia de Motosimis y todo lo que pasó en el concierto de Rosalía
A mediados de marzo, Rosalía liberó su tercer disco de estudio titulado Motomami. En la portada, la cantante española aparece desnuda con un casco negro del que salen dos enormes coletas. Con el estilo de un graffiti, se ven leen “M” que simulan la forma de una mariposa.
Y qué no es la mariposa un símbolo de transformación, una metamorfosis que Rosalía reflejaría en el disco para sorpresa, buena y mala, de todos. Primero, porque la mayoría de las personas esperaban algo parecido a El Mal Querer, el cual le dio fama internacional y la convirtió en el nuevo icono femenino de la música en español.
Y en segundo, en respuesta a esto, la misma Rosalía ha dicho varias veces que eso no sólo es imposible, sino contrario a una de las cualidades que ella más admira de las personas: siempre estamos en constante cambio, no podemos permanecer de la misma manera. Motomami, en ese sentido, presenta a la nueva Rosalía.
¿Y quién es? Una que se arriesga más. Si con el disco pasado incorporó el flamenco con sonidos pop y de electrónica, ahora reúne varios géneros como bachata, bolero o reggaetón, en un mismo lugar. Unas canciones más “serias” que otras, unas más largas, unas excesivamente cortas, otras declaraciones y no tanto canciones. Todas bajo un mismo sentido de simpleza.
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La primera vez de la Rosalía en la CDMX
Y esa última palabra es la que trae Rosalía al escenario con el Motomami World Tour, el cual llegó al Auditorio Nacional con su primera noche el domingo 14 de agosto (y una segunda para el 15). Esta sería la primera vez de la artista en la Ciudad de México luego de su presentación en el Ceremonia de 2019 (en el Estado de México).
En palabras de Rosalía, ver que su primera vez en la capital reunió en sold out a más de 10 mil personas, fue un asombro, mas no una sorpresa. Como dijimos, lleva años construyéndose como la artista más popular del momento. Y si hay una palabra para describirla en el escenario, nos vamos con que Rosalía es un icono.
El escenario más simple, pero el más significativo
El escenario del Auditorio estaba relativamente vacío. No había una banda en vivo, y sólo vimos algunos instrumentos para la interpretación de canciones como “Dolerme” con una guitarra, el piano para “HENTAI” y “SAKURA”, y un órgano en “COMO UN G”.
El fondo era blanco, lo mismo que el piso. Había dos pantallas, ocho bailarines y Rosalía, quien nunca tuvo cambio de vestuario (pero sí de imagen en uno de los momentos más intensos del concierto, ahorita les contamos). Pero eso fue todo, y aún así, sin un juego de luces o algo extraordinario, el concierto es una de las mejores experiencias en lo que va del año.
Rosalía salió con sus motopapis y sus cascos neon para dar paso a “SAOKO”, la canción que abrió el concierto de manera enérgica, y que al mismo tiempo chocó con lo suave de “CANDY”. Volvió a subir el tono con “BIZCOCHITO” y la colaboración de la cantante con The Weeknd, “LA FAMA”.
Y acá es importante mencionar que en las colaboraciones que sumó a su setlist, como “LA FAMA”, “LA NOCHE DE ANOCHE” con Bad Bunny, “TKN” con Travis Scott, “Yo x ti, tú x mí” con Ozuna y “Con Altura” junto a J Balvin, ella tomó la batuta de las partes que correspondían a ellos. Y sonaron sensacional, no hicieron falta.
Rosalía, parece, estaba tan segura de la participación de sus fans con las rolas del Motomami, que incorporó varios momentos especiales fuera del disco como un remix de reggaetón que incluyó “Gasolina” de Daddy Yankee, o incluso un par de covers como el de “Blinding Lights” de The Weeknd y “Perdóname” de La Factoria.
El cambio de Rosalía
De 30 rolas, Rosalía sólo sumó en su setlist dos canciones de El Mal Querer, y desde luego, eran las más potentes: “Pienso en tu mirá” y “Malamente”. El público supo apreciarlas, pero lo que sucedió fue que el disco de Motomami ha tenido un impacto tan grande, que todos se reunieron para escuchar este tercer material, no el segundo ni el primero.
Lo mencionamos porque no es tan usual. Cuando viene un artista, esperamos escuchar el repertorio completo, dejando de lado las “nuevas” canciones para abrazar las más viejas. Pero con Rosalía es diferente, pues íbamos específicamente a escuchar todo lo que se pudiera de Motomami. ¿Por qué? Porque como dice en “BIZCOCHITO”, ella sentó las bases, y cada canción es un hit que sonó y se vio como soñamos.
La voz de Tokisha sonó con “Linda” y “LA COMBI VERSACE” (a diferencia de la ausencia de voz de Bad Bunny, por ejemplo, o Travis Scott). De Motomami también escuchamos “DE AQUÍ NO SALES/BULERÍAS”, “MOTOMAMI” y “G3 N15”, de la cual Rosalía explicó que la había escrito después de dos años de no estar en casa y sentirse atormentada por la idea de que una persona que quería, estaba envejeciendo.
El cambio dcon “DIABLO”
Hubo dos momentos altos en un concierto que de por sí rebasó las expectativas. El primero fue cuando la artista, con un piano, tocó “HENTAI” de un modo emocional y sensible. Y cada vez que terminaba un verso, el coro de la gente era tan fuerte, que sonreía y se reía.
Y el segundo, el que creemos es más interesante, llegó una canción antes con “DIABLO”. Con luces rojas, al centro del escenario pusieron una silla de barbero. Rosalía se sentó, cantó, tomó unas tijeras, y se cortó las trenzas de su coleta (extensiones). Comenzó a deshacer su peinado para quedar “desgreñada”. Tomó una toalla blanca y retiró el maquillaje de su rostro.
La vimos en el escenario desde varias perspectivas. Desde que arrancó la gira, la ha acompañado un camarógrafo que la sigue entre sus coreografías y movimientos, dándonos a entender que en un futuro veremos el material de sus presentaciones en vivo. Pero no sólo es eso.
Toda la idea del disco o esta nueva etapa, visualmente hablando, pone al espectador en el lugar donde esta Rosalía. Si le echan un ojo a videos como “DELIRIO DE GRANDEZA”, “CHICKEN TERIYAKI” o “DESPECHÁ” (su más reciente sencillo que emocionó al público), la española deja de lado sus uñas, los diamantes en los dientes, las joyas. La cámara hace movimientos que parecen torpes, pero por eso más naturales.
Esta misma idea se traduce en el escenario con las cámaras que la siguen, pero también las que su equipo puso como en el patín del diablo que ella y sus bailarines sacaron. Estas tomas, volvemos a lo mismo, reflejan algo simple, pero funcional y divertido.
M de México y de Motomami, Motomami, Motomami
Todos estábamos a la expectativa de repasar el abecedario con Rosalía. Y el momento llegó con “Abcdefg” donde ella mencionaba a letra, y permitía que los fans gritaran la palabra. Sorprendida de la respuesta, reconoció que los mexicanos habían repasado el tema.
Fue así que cuando llegó a la letra “M”, y todos gritaron sin sincronía tres veces “motomami”, ella dijo que no. Que la “M” le correspondía primero a México, y luego a Motomami. En nuestro país tiene más fechas pendientes que incluyen una noche más en la CDMX, más su paso por Guadalajara y Monterrey.
Rosalía (@rosalia) pone a todos a corear diciendo “M de México y de Motomami Motomami Motomami”
??#Rosalia #MOTOMAMITOUR pic.twitter.com/A6CBXvJBLB
— SopitasFM (@sopitasfm) August 15, 2022
El tour de Motomami es el más grande para Rosalía hasta ahora, y la llevará a recorrer más de 15 países de aquí a diciembre entre Latinoamérica como una de las regiones principales, pero también Estados Unidos y Europa. Sin embargo, estamos seguros que su entrada con México (arrancó en varias ciudades en España, y nuestro país es su primer escenario internacional con este tour), será una de las más especiales.
No sólo por la respuesta del público mexicano, que siempre es distinta y especial. Sino por la lluvia de peluches del Dr. Simi o “Motosimi”, como ha sido bautizado, que le cayeron a Rosalía después de “Linda” y mientras interactuaba con la gente directamente para reconocer: “me gusta mucho tu tierra”.
Setlist
- “SAOKO”
- “CANDY”
- “BIZCOCHITO”
- “LA FAMA”
- “Dolerme”
- “DE AQUÍ NO SALES/BULERÍAS”
- “MOTOMAMI”
- “G3 N15”
- “Linda”
- “LA NOCHE DE ANOCHE”
- “DIABLO”
- “HENTAI”
- “PIENSO EN TU MIRÁ”
- “Perdóname” (cover La Factoria)
- “Abcdefg”
- “LA COMBI VERSACE”
- “Relación”
- “TKN”
- “Yo x ti, tú x mí”
- “DESPECHÁ”
- “AISLAMIENTO”
- “Blinding Lights (Remix)”
- “DINERO Y LIBERTAD”
- “COMO UN G”
- “MALAMENTE”
- “DELIRIO DE GRANDEZA”
- “Con Altura”
Encore
- “CHICKEN TERIYAKI”
- “SAKURA”
- “CUUUUuuuuuute”
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Catorce canciones cargadas de recuerdos de juventud del exbeatle Paul McCartney componen el último álbum que el músico británico publica este 29 de mayo, titulado ‘The Boys of Dungeon Lane’, un homenaje a su familia, sus amigos y a su temprana vida en las calles del Liverpool que le vio nacer.
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Con un estilo íntimo y nostálgico, como en la canción ‘Days We Left Behind’ (Los días que dejamos atrás) o la dedicada a su madre ‘Mamma Gets By’ (Mamá se las arregla), el legendario cantante saca su decimoctavo disco en solitario, producido por Andrew Watt y con la colaboración de su antaño compañero en los Beatles, el batería Ringo Starr.
El título del disco hace referencia a un camino que estaba cerca del que fue su primer hogar y en sus canciones hay reflexiones que McCartney nunca antes había compartido con el gran público. En este álbum, el exbeatle explora una variedad de instrumentos -el piano y en especial la guitarra-, además de estilos -hay pop y rock, con ecos del jazz y del country-, lo que demuestra su ya conocida versatilidad musical. A sus 83 años, su voz ya carece del brillo de juventud, pero aún no suena a la de un anciano.
Una mirada introspectiva del exbeatle
En las letras que componen las diferentes canciones, McCartney tiene una mirada introspectiva, reviviendo los determinantes años que moldearon su vida antes de que él y sus tres amigos de Liverpool: John Lennon, George Harrison y Ringo Starr saltaron a la fama y se convirtieron en los “cuatro fabulosos” y en iconos británicos.
El disco arranca con la canción ‘As You Lie There’ (Mientras yaces ahí), en la que McCartney habla de una mujer a la que vio una vez a través de una ventana y que no sabía si ella pensaba en él. Los temas transportan al oyente al origen de todo, como la segunda canción del disco ‘Last Horizon’ (El último horizonte), que habla del sonido distante procedente de un patio de recreo que le “levanta el ánimo” y le hace “volver” a sus años formativos.
Los temas dejan también ver la sinceridad de McCartney al escribir con franqueza sobre su infancia y adolescencia y lo que veía en la calle Dungeon Lane, con bares llenos de humo y la venta de guitarras baratas, tras pasar una tarde junto al río Mersey -en Liverpool-. En la canción ‘Home to Us’ (Hogar para nosotros), McCartney celebra la amistad al contar con Ringo y habla del afecto y del reencuentro.
En canciones como ‘Lost Horizon’ y ‘Come Inside’, McCartney muestra un lado más rockero, aunque el músico sobresale más en los temas melancólicos como ‘Life Can Be Hard’ (La vida puede ser dura), que aborda cómo superar las dificultades cotidianas y los problemas financieros a fin de evitar que la vida se vuelva un trago amargo.
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En ‘Down South’ (Hacia el sur), el músico se refiere en concreto al recorrido en autostop que hacía con un amigo, “siempre hacia el sur”, mientras hablaba de su futuro.
El recuerdo de sus padres
Una de las canciones más íntimas es la última del álbum, ‘Mamma Gets By’, la número 14, que con un estribillo sencillo pero directo habla de lo mucho que trabajaba su madre, “sin quejarse nunca”, cómo lo cuidó de pequeño y todas las oportunidades que le ofreció. También hay referencia a sus padres, Jim y Mary, en el tema ‘Salesman Saint’ (Vendedor santo), en la que McCartney narra el sacrificio de su familia ante la dura realidad económica de la posguerra en Liverpool.
Sobre su juventud, McCartney llegó a explicar recientemente, con motivo de la publicación de este álbum, que vivía en un barrio obrero llamado Speke y que su familia no tenía muchos ingresos, pero que eso no importaba porque “la gente era genial”. La discográfica Universal ha calificado estas catorce canciones como nacidas de un Paul “en un estado de ánimo sincero, vulnerable y profundamente reflexivo, escribiendo con una franqueza poco habitual sobre su infancia”. El músico empezó a dar vida a este disco hace cinco años, junto con Andrew Watt, en una sesión para intercambiar ideas, tras lo cual llegaron varias sesiones de grabación en el Reino Unido y EU.
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Katy Perry volverá a México para reencontrarse con sus fans con un concierto gratuito en la Feria Nacional Potosina 2026, uno de los eventos más importantes de San Luis Potosí.
La intérprete confirmó que se presentará el próximo 25 de agosto en el Foro de las Estrellas de la Fenapo y aseguró que prepara un espectáculo distinto especialmente pensado para el público mexicano.
“Estoy muy emocionada por este anuncio, yo les dije que iba a regresar, y ahora es así”, expresó la cantante en un video compartido en redes sociales.
Perry aprovechó para mandar un mensaje cariñoso a sus seguidores mexicanos, a quienes llamó “Katygatos”.
“Van a amar el concierto, es un nuevo show, muy divertido y realmente está hecho para ustedes, los fans, porque yo soy su mayor fan. Saben que los amo, siempre cumplo mis promesas”, afirmó.
El anuncio ya había sido adelantado por el gobernador de San Luis Potosí, Ricardo Gallardo Cardona, durante la presentación oficial de la Feria Nacional Potosina 2026.
La Fenapo se realizará del 7 al 30 de agosto y además de Katy Perry, el cartel incluye a Bizarrap, Los Tigres del Norte, Grupo Firme, Kenia Os, Santa Fe Klan, Yandel y Mötley Crüe.
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Con más de cuatro décadas de experiencia sobre los escenarios, Fher Olvera asegura que la participación de Maná en la inauguración del Mundial de Futbol 2026 representa un “momento inédito” en la trayectoria del grupo y espera que este encuentro, seguido por miles de millones de personas, sirva para “promover la paz” frente a las guerras y los conflictos internacionales.
“Se va a hacer una puesta en escena muy mexicana, muy prehispánica (…) con coreografías y cosas brutales. Creo que jamás se ha hecho un evento así en México, de esta forma y de esta magnitud dentro de la cancha. Será una delicia para los mexicanos y el mundo entero”, relata Olvera en una entrevista sobre este encuentro deportivo que será transmitido a más de 200 países.
México será una de las sedes del Mundial 2026 junto con Estados Unidos y Canadá, y albergará el partido inaugural el próximo 11 de junio en el Estadio Ciudad de México, donde Maná interpretará una canción inédita de dos minutos como parte del espectáculo organizado por la FIFA.
“Los ‘manás’ tenemos tanta ilusión por un evento de este tamaño en nuestro país que es como un sueño. Nos sentimos como si estuviéramos volando”, confiesa el artista, quien es parte del elenco invitado por la FIFA, así como Alejandro Fernández, J Balvin, Los Ángeles Azules y Belinda.
Un mensaje de paz
Como aficionado al futbol y a la Selección Mexicana, esta no es la primera vez que Olvera dedica su música a la pasión por el balompié, pues en 2018 compuso “El gladiador mexicano”, un himno de apoyo para México durante el Mundial celebrado en Rusia.
Casi diez años después, el cantante considera que el Mundial 2026, que tendrá como sedes a México, Estados Unidos y Canadá, representa una oportunidad para “promover la paz a través del deporte”, porque “últimamente han venido muchas guerras”, como en Palestina o el maltrato al pueblo ucraniano.
“No está bien todo eso, entonces el futbol reivindica todas estas causas. Aquí hay unión para una misma idea, una misma ideología de divertirse y sanar el corazón y el espíritu”, subraya.
A su juicio, el arte y el deporte son “lo más bonito que existe en la cultura planetaria”, ya que integran a la humanidad más allá de las nacionalidades y permiten a la sociedad alejarse de la idea de que solo estamos en este mundo “para darnos en la m…”.
Defender el español
En un contexto marcado por la polarización, el guitarrista celebra que la música sea ese puente para “reivindicar cada vez más la cultura latina en Estados Unidos y en el mundo”, como lo hizo el cantante puertorriqueño Bad Bunny en su pasada actuación en el Super Bowl LX, ya que “eso es lo que necesitamos todos al final del día”.
Aunque reconoce que esa lucha por defender las raíces latinas y el español viene de mucho antes, por ello, agrupaciones como Maná nunca aceptaron hacer canciones en inglés o “fusiones en ‘spanglish’”.
“Nunca tuvimos necesidad de abarcar ese mercado. Nosotros siempre hemos estado contentos de transmitir las historias de Latinoamérica y de Hispanoamérica a través de nuestras canciones”, sostiene Olvera, quien recientemente colaboró con Dua Lipa para interpretar una versión completamente en español de “Oye Mi Amor” (1992), un clásico de la banda e incluida en el álbum “Dua Lipa: Live from Mexico”.
Fher Olvera cuenta los días para el partido inaugural del Mundial entre México y Sudáfrica, en el que horas antes también se presentarán Lila Downs, Danny Ocean y Tyla.
“Ya no falta nada”, dice, aunque admite que su corazón, a 15 días del encuentro, late tan fuerte como si estuviera detrás de las bambalinas, a punto de ofrecer el concierto de su vida.
EFE
El poder latino
México será la primera sede en inaugurar la histórica trilogía de ceremonias de apertura del Mundial 2026, que continuará en Canadá y Estados Unidos. Producidas en colaboración con Balich Wonder Studio, las tres puestas en escena compartirán un mismo eje creativo: reinterpretar el Trofeo de la Copa Mundial de la FIFA desde la identidad cultural de cada país anfitrión.
En este contexto, la relación entre el futbol y la música alcanzará una de sus apuestas más ambiciosas, con la participación de uno de los nombres más emblemáticos de la música latina: Maná.
Con más de 50 millones de discos vendidos en el mundo, la agrupación mexicana ha conquistado escenarios en más de 30 países y roto marcas históricas, incluida la mayor cantidad de presentaciones en arenas de Los Ángeles. Su trayectoria ha sido distinguida con cuatro premios Grammy, nueve Latin Grammy, una histórica nominación al Rock & Roll Hall of Fame y una estrella en el Hollywood Walk of Fame.
Más allá de los escenarios, Maná ha consolidado un legado ligado a causas ambientales, sociales y de derechos humanos, posicionándose como un referente cultural cuya influencia trasciende generaciones, idiomas y fronteras.
Su participación en la Copa Mundial de la FIFA 2026 también representa un reconocimiento al alcance internacional del rock latino y al impacto de una generación de artistas mexicanos que convirtió la música en español en un fenómeno global.
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