Musica
Leo Fender y Les Paul: Los hombres que le dieron voz al rock
A lo largo de los años, muchos han sido los músicos que han escrito la historia del rock, guitarristas, bajistas, bateristas, tecladistas y vocalistas, hicieron de este género algo único. Sin embargo, y a veces casi en las sombras hay personas que sin ellos no hubiera sido posible que las bandas y artistas pudieran llegar hasta donde están, y la gran mayoría le debe mucho a dos hombres en particular: Leo Fender y Les Paul.
Quizá los nombres no te suenen tanto, pero ellos movieron los hilos para crear las guitarras (y en el caso del primero, los bajos y hasta amplificadores) que muchos rockeros han utilizado por un montón de tiempo. Literal, ellos crearon el sonido que hasta la fecha mueve a multitudes, aunque su historia muchas veces pasa desapercibida, pero hoy le haremos honor a estos dos grandes hombres.
Una guitarra Gibson Les Paul colgada en una tienda para recordar a Les Paul, su creador/ Foto: Getty
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El hombre que revolucionó el rock con sus dotes de electricista
Clarence Leonidas Fender nació el 10 de agosto de 1909 en Anaheim, California. Desde chico se interesó por la música, aprendió a tocar el piano y luego el saxofón, pero nunca se vió tocando en el escenario. Es por eso que decidió dedicarse a su verdadera pasión, la electrónica, pues quedó impresionado cuando uno de sus tíos le mostró un radio que había construido con piezas de repuesto.
Desde entonces y apoyado por su familia, comenzó a reparar radios en una pequeña tienda que tenían sus padres. Para 1928, entró en el Fullerton Junior College como estudiante de contabilidad. Mientras estudiaba, siguió enseñándose a sí mismo electrónica y a manipular otra clase de aparatos electrónicos, aunque nunca tomó un curso referente a esta rama, todo lo hacía por inercia, como si estuviera destinado a hacer eso.
Foto de la fábrica de Fender a mediados de los 50/ Foto: Lou Ponsi
Tras graduarse con honores y aceptar un trabajo como contador en una compañía, en esa época el líder de una banda local se le acercó para preguntarle si podía construir un sistema de bocinas (PA) para que lo pudiera usar en un show de Hollywood. Leo Fender aceptó y construyó un equipo completo para ellos, siendo este su primer trabajo oficial en la música y el que lo guiaría por su verdadero camino.
La vida de plano no quería que Leo tuviera un trabajo de oficina y tras ser despedido en 1934, se mudó a Fullerton, California junto a su esposa. Gracias a un préstamo de 600 dólares (de aquella época) abrió su propio taller de reparación de radios, Fender Radio Service. Pronto, los músicos y los miembros de las bandas comenzaron a acudir a él para que construyera, vendiera y hasta rentara equipo de sonido.
Leo Fender en su taller/ Foto: Richard Smith
La Segunda Guerra Mundial le sirvió para crear su primera guitarra
Debido a un problema en la vista, Leo Fender no fue reclutado para servir en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, por ese tiempo conoció a Clayton Orr “Doc” Kauffman, un inventor y guitarrista de lap steel que había trabajado para otra marca grande de guitarras: Rickenbacker. Durante todos esos años, construyó y vendió guitarras de este estilo durante casi una década.
Después de platicar largo y tendido con él, Fender le convenció de que debían unirse y fundaron la K&F Manufacturing Corporation, para diseñar y construir guitarras hawaianas y amplificadores. En 1944, Fender y Kauffman crearon una lap steel con una pastilla eléctrica que Fender había construido años antes y hasta había patentado.
Guitarra lap steel creada por la marca Rickebacker/ Foto: Getty
En 1945, comenzaron a vender la lap steel en un kit con un amplificador diseñado por ellos mismos. Un año más tarde, “Doc” se retiró de K&F y Fender se quedó con la compañía, la rebautizó como Fender Manufacturing” y más tarde sería conocida como”Fender Electric Instrument Co.”. A partir de ahí, se dedicó en cuerpo y alma a la construcción de instrumentos de cuerda, que más tarde lo convertirían en un emblema del rock.
Al final de la guerra, las Big Bands dejaron de estar de moda y en ese momento surgieron en Estados Unidos un montón de grupos de diferentes géneros, como boogie-woogie, rhythm and blues, swing occidental y honky-tonk. A pesar de que todos tocaban cosas sumamente distintas, algo en común los unía: todos habían decidido utilizar guitarras eléctricas porque le daba el sonido de varios músicos a uno sólo.
La orquesta de Glenn Miller en 1940/ Foto: Getty
El hombre que creó la guitarra de cuerpo sólido comercial
Los guitarristas de aquel entonces utilizaban guitarras semihuecas que tenían aberturas de resonancia, lo cual generaba una retroalimentación de sonido que no le gustaba escuchar a nadie, pues lastimaba los oídos. Además, los músicos tenían la necesidad de tener instrumentos más fuertes, más baratos y más duraderos, algo que en ese momento, casi nadie ofrecía.
Por aquellos años y aunque seguían siendo una novedad, ya existían algunas guitarras eléctricas de cuerpo sólido, como la Rickebacker española, la guitarra Bigsby Travis hecha por Paul Bigsby para Merle Travis y hasta el prototipo de ‘The Log’ que después materializaría Les Paul con el modelo que creó para Gibson (pero más tarde hablaremos de él). Sin embargo, Leo Fender tenía en mente un instrumento que le cambiaría por completo al rock.
El músico Tommy Steele usando una guitarra semihueca/ Foto: Getty
Este hombre tenía la idea de crear una guitarra eléctrica que fuera fácil de sostener, afinar y tocar, y sobre todo, que no hiciera ese sonido que venía de la retroalimentación. Para 1948, Fender terminó el prototipo de una guitarra eléctrica de cuerpo sólido delgado (algo que muchos estaban pidiendo), y fue lanzada por primera vez al mercado en 1950 como la Fender Esquire, con un cuerpo sólido y tan sólo una pastilla.
Poco a poco, se fue ganando fama y un año más tarde lanzaría un modelo con dos pastillas llamada Broadcaster. Después de un problema legal con la marca Gretsch porque tenían una batería con el mismo nombre, Leo Fender la rebautizó como Telecaster y de inmediato se convirtió en la guitarra más usada entre varios músicos de los Estados Unidos, y uno de los más populares de la historia.
Bruce Springsteen tocando una Fender Telecaster/ Foto: Getty
El nacimiento de la Stratocaster
Para 1953, la Fender Telecaster era todo un éxito, los músicos de un montón de géneros la utilizaban para dar sus presentaciones y grabar en el estudio. Sin embargo, no todos estaban contentos con eso y en lugar de actualizar este modelo, el buen Leo decidió basándose en los comentarios de sus clientes, que era el momento de diseñar una guitarra de cuerpo sólido casi de lujo que cumpliera con todas sus expectativas.
El guitarrista de swing, Bill Carson fue uno de los principales críticos de la Telecaster, afirmando que el nuevo diseño debería tener más pastillas y sobre todo, un cuerpo mucho más cómodo a la hora de tocar. Leo Fender se puso las pilas y al final entregó un modelo que quizá es el más icónico en la historia del rock, la Stratocaster, la cual fue un invento que revolucionó por completo la música.
Jimi Hendrix tocando su icónica Fender Stratocaster blanca/ Foto: Getty
Los ídolos del rock que se han colgado una guitarra Fender
Gracias a su sonido tan versátil (porque les permitía tener diferentes opciones de tono) y a su apariencia, la Stratocaster se convirtió en el modelo más copiado en la historia del rock, y las guitarras que creó Leo Fender las han utilizado infinidad de músicos de rock, metal, punk, funk y más.
Además, músicos de la talla de Jimi Hendrix, David Gilmour, Eric Clapton, John Frusciante, Keith Richards, Bruce Springsteen, Kurt Cobain, Jeff Beck, Stevie Ray Vaughan e Yngwie Malmsteen solo por mencionar algunos, han tenido en sus manos alguna de las guitarras creadas por Leo Fender, aunque las favoritas de la gran mayoría siempre son estas, las Stratocaster y Telecaster.
Gracias a Fender tenemos los bajos eléctricos modernos
Aunque las guitarras se le daban y muy bien, no eran lo único que le interesaban a Leo Fender. Durante este tiempo, también escuchó los problemas de los músicos que tocaban contrabajo acústico, que no podían competir en volumen con sus demás compañeros. Por si esto fuera poco, los contrabajos también eran grandes, voluminosos y difíciles de transportar.
A pesar de que ya había algunos bajos con pastillas, Leo decidió ir más allá para crear un instrumento único. Pensando en todos ellos, en 1951 Fender lanzó al mercado un invento revolucionario, el Precision Bass, el cual era un bajo eléctrico pequeño y portátil, pero sobre todo, le daba el mismo sonido que un guitarrista gracias a un amplificador que él mismo construyó, el Bassman.
John Entwistle de The Who tocando un Fender Precision Bass/ Foto: Getty
Con el paso de los años, este bajo tuvo algunas modificaciones en cuanto al cuerpo y la electrónica, aunque no cambiaba en nada el objetivo por el que fue creado. El Precision Bass de Leo Fender se convirtió en un verdadero éxito para todos aquellos precursores del rock que dejaron sus viejos y pesados contrabajos para pasarse a esta nueva maravilla.
Años después, Fender lanzó el Jazz Bass, un bajo más elegante y actualizado que sin duda fue el favorito de muchos por la combinación de tonos que salían de él. Bajistas como Jaco Pastorious, Flea, Sting, Steve Harris, Geddy Lee, Roger Waters, Adam Clayton y más encontraron en estos instrumentos su sonido característico. Sin duda, le debemos y mucho al gran Leo Fender.
Jaco Pastorious tocando su icónico Fender Jazz Bass/ Foto: Getty
Les Paul: El hombre que se volvió famoso por una guitarra
Por su parte, la historia de Les Paul también tuvo un montón de sube y bajas, que sin quererlo quizá lo convirtieron en un verdadero ícono del rock y de la música en general. Lester William Polsfuss nació el 9 de junio de 1915 en Waukesha, Wisconsin, en un hogar donde todo el tiempo estuvo rodeado de instrumentos musicales, pues su madre era maestra de piano, aunque le recomendó a su hijo no dedicarse a la música.
Afortunadamente hizo caso omiso, pues aprendió a tocar la armónica, el banjo y la guitarra con gran habilidad. Para los 13 años, Les Paul ya era semiprofesional como guitarrista de música country, y se estaba haciendo de un nombre dentro de la escena musical de Wisconsin. No fue hasta la década de los 30 cuando comenzó a trabajar en la radio, siendo músico de acompañamiento para algunos artistas.
Les Paul en su juventud/ Foto: Getty
Poco a poco se fue ganando el reconocimiento de los músicos, pues en ese entonces ya había grabado algunos discos de blues y jazz. Sin embargo, había algo que no le encantaba de todo, su instrumento, pues en aquel entonces el músico era aficionado de las guitarras Gibson y Epiphone, y aunque le encantaba cómo se escuchaban, tenían un problema que también Leo Fender había descubierto, el feedback o retroalimentación de sonido.
Es por eso que Les Paul comenzó a trabajar en un prototipo que sería parteaguas para el rock. Cansado de este sonido molesto, se puso a experimentar con los instrumentos que tenía a la mano para crear una de las primeras guitarras de cuerpo sólido en el mercado. A su invento le puso The Log (porque parecía un tronco) y era básicamente un bloque macizo de madera de pino, con un puente, dos pastillas y un mástil Gibson.
Este fue el primer prototipo que Les Paul llamó ‘The Log’/ Foto: Getty
Su invento no resultó como él esperaba
Para 1948 y como mencionamos antees, Leo Fender presentó la Broadcaster (que más tarde se convertiría en la Telecaster). Pero un año después, Paul A. Bigsby construyó una guitarra eléctrica de cuerpo sólido a medida para Les Paul, la cual mantuvo en secreto porque quería presentarle su invento a Gibson. Lamentablemente, los ejecutivos lo mandaron muy lejos porque su guitarra distaba mucho de lucir estética.
Sin embargo, y al ver la popularidad de Fender con su instrumento, se tragaron sus palabras y accedieron a patrocinar el extraño prototipo del músico. Ted McCarty fue el diseñador principal de la guitarra que más tarde se llamó Gibson Les Paul, y llegó a un acuerdo promocional y financiero con él para pagarle regalías sobre la venta. Paul hizo sugerencias de diseño muy mínimos, pues prácticamente la idea estaba completa.
Les Paul cantándole a su esposa y cantante, Mary Ford con la guitarra que lleva su nombre/ Foto: Getty
La guitarra salió a la venta en 1952 y así como las demás fue un éxito, pero Les Paul no estaba satisfecho con el instrumento, pues según él había problemas con el cuerpo y el mástil. A todo esto hay que sumarle que las cosas a nivel personal tampoco le estaban saliendo bien, pues en aquel año comenzó a divorciarse de su esposa, Mary Ford, lo que lo llevó a poner fin a su aprobación y al uso de su nombre para las guitarras de Gibson.
No fue hasta 1966 que el pleito marital terminó y Les Paul se acercó de nuevo a la popular marca de guitarras para volver a trabajar juntos, aunque su invento se había popularizado y los rockeros ya habían utilizado el instrumento que llevaba su nombre para crear algunas de las mejores canciones de la historia.
Keith Richards de los Rolling Stones tocando una Gibson Les Paul/ Foto: Getty
Cualquier rockero que se respete se ha colgado una Les Paul
Con el paso de los años, Les Paul siguió mejorando ese invento loco, aunque con mínimas modificaciones que casi siempre son meramente estéticas. Sin quererlo, creo el estándar de la guitarra para el rock, pues grandes leyendas del género se han colgado uno de estos instrumentos, como Jimmy Page, Slash, Eric Clapton, Pete Townshed, Billie Joe Armstrong, Joe Bonamassa, Robert Fripp, Mark Knopfler y más.
Así como Leo Fender, a Les Paul le debemos muchas cosas. Para empezar, fue un maestro en las técnicas de grabación, pues fue el pionero de las pistas multitrack. Sin embargo, su principal aportación en la música fue haber persistido hasta crear una de las guitarras más emblemáticas en la historia. Si algo nos queda claro con todo esto es que sin ellos, el rock no hubiera tenido una voz, un sonido.
Jimmy Page tocando su Gibson Les Paul/ Foto: Getty
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La Secretaría de Cultura reactivará durante abril dos de sus programas más representativos: Martes Musicales y Miércoles Literarios, ciclos que buscan acercar al público a la música de cámara y a la creación literaria mediante actividades gratuitas en distintos recintos culturales de la ciudad.
Los conciertos de Martes Musicales se llevarán a cabo en la Sala Higinio Ruvalcaba del Ex Convento del Carmen, mientras que los encuentros de Miércoles Literarios tendrán como sede la biblioteca del Edificio Arroniz. Ambos programas reunirán a músicos, escritores, ilustradores y especialistas con trayectoria consolidada.
Con más de cinco décadas de historia -sus orígenes se remontan a 1973-, los Martes Musicales se han consolidado como uno de los principales espacios para la difusión de la música académica en Guadalajara. Las presentaciones están programadas para los días 14, 21 y 28 de abril, a las 19:30 horas.
La apertura del ciclo, el 14 de abril, estará a cargo del Ensamble de Metales de la Orquesta Filarmónica de Jalisco. Integrado por músicos de alto nivel, el grupo combina repertorio universal con obras de compositores mexicanos y jaliscienses, además de promover la equidad de género en la música.
El 21 de abril se presentará Ars Antiqua, conjunto fundado en 1977 y dirigido por Eduardo Arámbula. Dedicado a la investigación e interpretación de música antigua y barroca, el grupo cuenta con seis producciones discográficas y presentaciones tanto en México como en el extranjero, lo que lo posiciona como referente nacional en este repertorio.
El cierre del ciclo, el 28 de abril, estará a cargo de la pianista Catherine Andrea Mendoza González, de 11 años. A su corta edad, ha obtenido reconocimientos en concursos nacionales y latinoamericanos, destacando por su técnica y madurez interpretativa, desarrolladas bajo la guía del maestro Pablo Haro Legaspi en la academia Danubio Azul.
Por su parte, Miércoles Literarios centrará su programación en el libro como herramienta para fomentar la imaginación y el diálogo entre lectores, en el contexto del Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor, que se conmemora el 23 de abril.
Las sesiones se realizarán los días 15, 22 y 29 de abril, a las 19:00 horas. El ciclo iniciará con la escritora Cecilia Magaña, quien ofrecerá la lectura en voz alta “Entre lo cotidiano y lo siniestro”, una selección de textos que exploran las tensiones presentes en su obra narrativa.
El 22 de abril participará Alberto Ruy Sánchez, reconocido poeta, narrador y ensayista, cuya obra ha sido traducida a diversos idiomas y galardonada a nivel internacional. Su intervención se centrará en una celebración en torno al libro y su papel en la cultura contemporánea.
El programa concluirá el 29 de abril con el taller “Historias que pudieron ser: laboratorio de finales alternativos”, impartido por el autor e ilustrador José Cruz. La actividad está dirigida a adolescentes y adultos interesados en experimentar con la escritura creativa a partir de relatos.
Cita con el sonido y las letras
Martes Musicales en la Sala Higinio Ruvalcaba (Av. Juárez 638, Centro, Guadalajara), 19:30 horas. Entrada libre.
- 14 de abril: Ensamble de Metales de la Orquesta Filarmónica de Jalisco.
- 21 de abril: Ars Antiqua.
- 28 de abril: Catherine Andrea Mendoza González, piano.
Miércoles Literarios (Zaragoza 224, colonia Centro). 19:00 horas, entrada libre.
- 15 de abril: Cecilia Magaña: entre lo cotidiano y lo siniestro. Lectura de obra narrativa en voz de su autora.
- 22 de abril: Celebración en torno al libro con Alberto Ruy Sánchez.
- 29 de abril: Taller de escritura para adolescentes y adultos. Imparte: José Cruz.
CT
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Felipe Staiti, guitarrista y fundador del grupo de rock argentino Enanitos Verdes, murió este lunes 13 de abril del 2026 a los 64 años tras estar internado en un hospital de Mendoza por severas complicaciones de salud, informó su mánager William Ramírez.
¿Qué se sabe de la muerte de Felipe Staiti, el icónico guitarrista de Enanitos Verdes?
“Con profundo pesar lamentamos el sensible fallecimiento de Felipe Staiti, histórico guitarrista de Enanitos Verdes, gran persona y amigo”, escribió Ramíerez en la red social Instagram.
 
“Su talento, entrega y pasión por la música dejaron una huella imborrable en generaciones enteras y en la historia del rock en español”, prosiguió el mensaje.
De acuerdo con medios argentinos, el músico de rock padecía de una enfermedad autoinmune que afectaba su sistema digestivo, principalmente el intestino; sin embargo, hasta el momento no se ha confirmado de manera oficial la causa de su fallecimiento.
 
¿Por qué la muerte de Felipe Staiti se viralizó en redes?
Fundado en 1979, Enanitos Verdes se consagró como un referente del rock latinoamericano, publicando 14 álbumes de estudio y cuatro más en vivo y dejando himnos como “Lamento Boliviano” y “La muralla verde”.
Con la muerte de Staiti, sobrevive el baterista Daniel Piccolo como miembro original de la banda, de la que se retiró en 2009, mientras el vocalista y bajista Marciano Cantero falleció en 2022.
JM
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La vida musical de Zapopan suma un nuevo capítulo a su programación cultural con la presentación oficial de la Sinfonietta de Zapopan, una agrupación que se integra a la red de orquestas del municipio y que busca establecer una ruta formativa continua para las y los músicos del municipio. La creación de esta nueva orquesta responde a un proyecto con miras al futuro: fortalecer la estructura musical del municipio y abrir un espacio profesional para intérpretes que han transitado por los distintos niveles de formación existentes en Zapopan.
La Sinfonietta representa así una etapa intermedia entre la orquesta de cámara y una futura orquesta sinfónica profesional, objetivo que las autoridades culturales han planteado como siguiente paso en el desarrollo institucional.
Una orquesta mexicana y comprometida
El anuncio se realizó en una rueda de prensa en la que estuvo presente EL INFORMADOR, en la sala de conciertos del Centro Cultural Constitución, recinto que se ha convertido en uno de los principales puntos de encuentro para la actividad artística en la zona metropolitana. Durante la presentación, el director de la agrupación, el maestro Guillermo Salvador, subrayó el significado simbólico y artístico de este nuevo ensamble. La conformación de la orquesta, explicó, reúne a músicos con formación sólida y compromiso con su práctica artística, lo que permite proyectar un repertorio amplio y exigente.
“Estamos en presencia de una orquesta mexicana. Eso creo que es algo muy importante. Todos quienes estamos aquí, de alguna manera somos mexicanos. En esta formación hemos determinado que todos aquellos que lleguen a esta orquesta no solamente tengan el alto nivel artístico y musical para conformar y para ser parte de ella, sino que además sean músicos comprometidos con su país”, señaló el director.
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¿Quiénes integran la Sinfonietta de Zapopan?
La Sinfonietta de Zapopan está integrada por 35 intérpretes de todas las edades, entre quienes se encuentran músicos con trayectorias consolidadas y jóvenes que han surgido de las propias orquestas formativas del municipio. Esta mezcla generacional permite establecer un diálogo entre experiencia y renovación artística, al tiempo que garantiza la continuidad del aprendizaje musical.
El director general de Cultura de Zapopan, Christopher de Alba, destacó que la creación de esta agrupación responde a la necesidad de construir una ruta clara para quienes deciden estudiar música desde edades tempranas. La intención es que la formación artística deje de ser vista únicamente como una actividad recreativa y se consolide como una opción profesional viable. Explicó que el municipio ha trabajado en la construcción de un sistema escalonado de enseñanza musical que inicia en las escuelas de música y continúa en las orquestas infantiles y juveniles. La Sinfonietta se integra a esta estructura como un espacio profesional donde los músicos pueden desarrollar su carrera sin abandonar su comunidad.
“Muchos de los papás dicen: ‘Bueno, yo meto a estudiar a mi hijo o a mi hija música en Zapopan, pero ¿qué sigue?’. Antes se pensaba que lo hicieran como hobby. Aquí lo estamos buscando como una carrera, como algo que puede continuar y se está abriendo la puerta para todo esto“, expresó el funcionario.
Este planteamiento implica también una visión institucional orientada a la permanencia de los proyectos culturales. Las autoridades señalaron que se trabaja en mecanismos administrativos y presupuestales que permitan asegurar la continuidad de las agrupaciones musicales, independientemente de los cambios de gobierno que puedan presentarse en el futuro.
“Es un proyecto a largo plazo. Estamos a un año de cambio de gobierno. Esto lo estaremos trabajando con nuestra regidora para que se establezca como un acuerdo formal que garantice la continuidad de estas agrupaciones”, dijo de Alba. “Queremos que quede establecida la proyección y, sobre todo, el presupuesto para que la siguiente administración, sea quien sea, tenga candados institucionales que impidan desaparecer los grupos artísticos. Una de las cosas que más afecta a los gobiernos municipales es la falta de continuidad de los programas. Se pierde tiempo y se pierden recursos cuando se eliminan proyectos para empezar otros nuevos”.
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“Nosotros no estamos en una situación en la que podamos permitirnos perder tiempo ni recursos. Así que haremos lo propio para asegurar la permanencia de este proyecto. También será responsabilidad de la sociedad exigir que los buenos proyectos continúen”.
Un conjunto musical versátil
En el plano artístico, la Sinfonietta de Zapopan abordará repertorios que abarcan distintos periodos históricos y estilos musicales. La configuración instrumental del ensamble permite interpretar obras del repertorio clásico y romántico, así como composiciones del siglo XX y música popular adaptada para formato orquestal. El maestro Guillermo Salvador explicó que esta flexibilidad programática permitirá llevar la música a distintos públicos y espacios, desde salas de concierto hasta escuelas, colonias y comunidades del municipio.
“Las posibilidades artísticas y musicales se presentan de una manera mucho más amplia. No solamente nos vamos a limitar a un género musical. Como ha sido históricamente con los grupos artísticos de Zapopan, hacemos música popular, hacemos conciertos didácticos, hacemos conciertos masivos, hacemos todo tipo de música. Las posibilidades y la capacidad de la orquesta permiten llegar a otros espacios”, indicó.
El programa inaugural de la Sinfonietta de Zapopan refleja esta diversidad estilística. La primera presentación incluirá obras representativas del repertorio europeo, así como piezas de tradición popular latinoamericana. La selección musical busca ofrecer una experiencia accesible para el público general sin renunciar a la calidad interpretativa. La apertura del concierto estará a cargo de la Danza Húngara Número 1 de Johannes Brahms, pieza que destaca por su vitalidad rítmica y su carácter festivo. A esta obra seguirá una obertura de Felix Mendelssohn y la Sinfonía Clásica de Sergei Prokofiev, composición que combina el lenguaje neoclásico con una escritura orquestal ágil y transparente.
El programa concluirá con dos piezas de carácter popular: el tango “La Cumparsita”, en un arreglo orquestal realizado por Mariana Rosales, y un danzón, género que forma parte de la tradición musical latinoamericana. Esta combinación de estilos busca establecer un puente entre la música académica y las expresiones populares, una línea de trabajo que el municipio ha impulsado en sus agrupaciones artísticas.
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“Quiero mencionar que todos los que forman parte de esta orquesta son profesionales. Ese es un requisito importante. Son músicos que han realizado sus estudios y que son remunerados a lo largo del año”, dice de Alba. “Con esta conformación, que denominamos sinfonieta —que es el paso previo a una orquesta sinfónica como tal—, ya realmente el repertorio sinfónico es el que se está abordando. Nosotros estamos muy contentos porque estamos generando el cambio a través del arte, a través de la cultura”.
“Quiero destacar una cosa bien interesante. No sucede normalmente en todo México lo que está sucediendo en Zapopan. Hicimos investigación y encontramos que no hay ninguna orquesta sinfónica municipal profesional en todo México. Es decir, esta sería la única en todo el país”.
Además de su actividad en la sala de conciertos del Centro Cultural Constitución, la Sinfonietta tendrá presencia en distintos puntos del municipio. Las autoridades culturales han señalado que uno de los objetivos principales es acercar la música a comunidades que tradicionalmente han tenido menor acceso a la oferta cultural. La estrategia contempla presentaciones en espacios públicos, escuelas y colonias, así como conciertos didácticos dirigidos a niñas, niños y jóvenes. Estas actividades buscan fortalecer el vínculo entre la música y la vida comunitaria, al tiempo que fomentan el interés por el aprendizaje artístico.
La creación de la Sinfonietta de Zapopan se inscribe en un contexto más amplio de crecimiento de la infraestructura cultural en el municipio. En los últimos años, el Centro Cultural Constitución se ha consolidado como sede de múltiples agrupaciones musicales y como un espacio de formación artística para la población local. La presentación oficial de la nueva orquesta marca así un momento significativo en la evolución del proyecto cultural de Zapopan, que apuesta por la profesionalización de sus artistas y la expansión de la oferta musical en la región.
Inauguración de la Sinfonietta de Zapopan
El concierto inaugural de la Sinfonietta de Zapopan se realizará el próximo miércoles a las 20:00 horas en la sala de conciertos del Centro Cultural Constitución, recinto que abrirá sus puertas al público para escuchar por primera vez a esta nueva agrupación. Con ello, el municipio busca consolidar un modelo de desarrollo musical que combine formación, profesionalización y acceso cultural para la comunidad.
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