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La música en tiempos de pandemia: Una entrevista con Erlend Øye
La pandemia de coronavirus provocó que varios conciertos programados en México para este 2020, se cancelaran. Y siendo sinceros si hubo una banda que nos dolió saber que no veríamos en vivo, esa fue The Whitest Boy Alive, la agrupación comandada por Erlend Øye que este 2020 planeaba regresar a nuestro país después de una década de ausencia.
Si bien Erlend y compañía no consiguieron realizar ninguna de sus fechas programadas en México, para el músico noruego el tiempo en tierras mexicanas –que fue más largo de lo que pensaba– no fue en vano. Lo decimos porque hace unos meses él y Sebastian Maschat, baterista de TWBA, lanzaron el disco ‘Quarantine at El Ganzo’, el cual grabaron durante su tiempo de encierro en un hotel de Baja California Sur.
Foto: Especial
Justamente hace unos días tuvimos la oportunidad de platicar con Erlend Øye, quien nos contó más detalles sobre su más reciente disco hecho en México, el proceso creativo detrás de la última canción de The Whitest Boy Alive y además, sobre sus planes de lanzar nueva música con otros proyectos como Kings of Convenience o Erlend Øye & La Comitiva.
Foto: Getty Images
La llegada de Erlend Øye que sin saberlo, dio inicio a “Quarantine at El Ganzo”
A principios de marzo y varios días antes de sus conciertos acá, Erlend Øye llegó a nuestro país después de modificar su ruta debido a la pandemia de COVID-19, pues el cantante tenía en mente viajar a Italia y posteriormente a México. Sin embargo, la situación del coronavirus en el primer país lo orillaron a omitir esa parada en su ruta.
“Cambié mis planes y fui directamente a México porque tenía miedo de que no pudiera entrar debido a las restricciones del coronavirus. En Italia en ese entonces la pandemia comenzó a estallar y no quería viajar para allá, así que me fui directo a México y realmente me sorprendió que me dejaran entrar al país”, nos comentó Erlend.
Foto: Cortesía
Erlend y Sebastian ya no pudieron salir de México debido a la pandemia
Ya estando acá, el cantante noruego aprovechó su visita para promocionar la canción “Serious”, un track que además de ser el primero que The Whitest Boy Alive lanzaba después de 10 años, también motivó al cantante noruego a ofrecer un pequeño show sorpresa a las afueras de una tienda de discos ubicado en la colonia Roma, de la CDMX, a pesar de no estar con sus compañeros de banda.
Posteriormente la pandemia de coronavirus comenzó en México y Erlend se trasladó a San José del Cabo, en Baja California Sur, donde el único de sus compañeros que pudo alcanzarlo fue Sebastian Maschat, baterista de TWBA y con quien Øye pasó dos meses en cuarentena. Ambos hospedados en el Hotel El Ganzo, el cual vio nacer su primer disco juntos.
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A pesar de que en algún momento Erlend y Sebastian tuvieron la oportunidad de regresar a Europa, el dúo decidió quedarse y explotar su creatividad. De acuerdo con Øye, esto no le causó mucha molestia, pues aunque en México vio cómo todo su mundo se encerraba a sólo algunos muros y pasillo de hotel, de igual forma le permitió comenzar a materializar creaciones musicales pendientes.
“Vimos la cuarentena venir, ¿sabes? Sabíamos que venía y estábamos en el hotel. Ahí teníamos un estudio y tuvimos la oportunidad de regresar a Europa, pero en esos momentos comenzamos a grabar estas nuevas canciones y ambos (Sebastian Maschat) nos dimos cuenta de que no podríamos hacer algo mejor que quedarnos ahí y grabar todo el material que teníamos y podíamos terminar”, explica el líder de TWBA
El encierro en México sacó la creatividad de ambos (sobre todo para Sebastian Maschat)
“Era una situación buena en la que estábamos, nos encontrábamos frente a San José del Cabo. La cuarentena y el encierro no fueron muy severos o difíciles de estar ahí, siempre podíamos caminar por ahí, podía salir a dar una vuelta por la playa”, afirmó el líder de The Whitest Boy Alive al retratar la realidad que vivió durante el aislamiento por COVID-19.
Fue en ese lapso de tiempo cuando Erlend Øye también descubrió que Sebastian Maschat, su compañero en TWBA, llevaba años componiendo canciones. Algo que lo sorprendió de manera positiva, pues pudo ver el talento oculto que Maschat tenía al momento de componer canciones y además, la disposición del baterista de hacer algo con sus creaciones.
Foto: Sebastian Maschat (Instagram)
“Fue él mismo quien lo sugirió, porque nos dimos cuenta de que teníamos mucho tiempo en el estudio del hotel. Necesitábamos canciones para grabar y algo que hacer, así que Sebastian sintió que era un buen momento para sacar sus letras y hacerlo”, reveló Erlend Øye al hablar sobre el trabajo de Maschat como compositor de ‘Quarantine at El Ganzo’.
“Para mí fue una de las mayores sorpresas de mi vida. Maschat es alguien a quien conozco desde hace tiempo y vamos por ahí haciendo música con otros amigos en común. Pero en esta ocasión, él ha estado escribiendo canciones que nunca tocó para mí. Es sorprendente y estoy muy feliz con este descubrimiento”. agregó.
Foto: Sebastian Maschat (Instagram)
Un disco hecho en México, con talento mexicano y bastante optimismo
Además de Maschat, ‘Quarantine at El Ganzo’ también contó con colaboradores especiales, como fue el caso de músicos de Baja California y los dueños del mismo hotel, quienes participaron y armonizaron el álbum que tomó dos meses en ser grabado dentro de los estudios del complejo, donde Maschat y Øye tuvieron que trabajar con instrumentos y personas que tuvieran a la mano.
“Debido a la situación tuvimos que usar a cada músico que tuviéramos. Fue muy agradable, realmente fue una situación liberadora en la que estuvimos. La gente estuvo feliz de ser parte de algo positivo durante la cuarentena de coronavirus. Todos querían convertir la pandemia en algo positivo, pues muchos estaban sufriendo por el hecho de que no había turismo”, dice el compositor noruego.
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Erlend y Sebastian aprovecharon su estadía en el Hotel El Ganzo para participar en proyectos de otros artistas mexicanos, con quienes se metieron al estudio más tiempo del que alguna vez se imaginaron cuando planeaban visitar nuestro país:
Teníamos cuatro días en el estudio para usarlo con “The Whitest Boy Alive”, ese era el plan original. Pero luego arribamos ahí por el encierro de coronavirus y se supone que otros músicos llegarían en la siguiente semana, pero al final todos cancelaron. Entonces el estudio y el hotel estaban disponibles de manera indefinida, y eso hizo posible que estuviéramos ahí más tiempo. Si bien grabábamos una canción al día, hubieron muchas otras que no son del álbum, pues eran de otros artistas y personas de el Cabo con las que grabamos, así que hicimos bastante.
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people think producing music is a very exiting job to do but in fact sitting around in the studio can be very boring
El regreso de The Whitest Boy Alive a los escenarios
The Whitest Boy Alive sorprendió a propios y extraños cuando este 2020 lanzó una canción llamada “Serious”, la cual la agrupación grabó a finales de año y mientras estuvieron de paso por Argentina, donde uno de los amigos de Erlend, sin querer, reunió al cuarteto dentro de su estudio en la capital de dicho país:
Fue una canción que comenzó como una idea muy pequeña, la hice mientras estaba en casa, en Italia y antes de salir de gira por Argentina. Tiempo después todos (The Whitest Boy Alive) estábamos en Buenos Aires y un amigo me invitó a ir a su estudio, donde él estaba grabando una canción. Su nombre es Paco Galván.
Él quería que tocara algún ukelele en sus canciones. Llegamos ahí y llevaba el teclado y a Daniel Nentwig, por lo que él también puso algunos sonidos en la canción.Después Paco me preguntó “¿Conoces a algún bajista?” y le dije “Sí, tengo un gran bajista en The Whitest Boy Alive”, así que le hablé a Marcin.
Él vino y después, fue un “Ya tenemos un bajista, ahora necesitamos a alguien en la batería”, así que hablé a Maschat y le dije que necesitábamos algunos tambores. Básicamente todos fuimos al estudio y todos grabamos en la canción de mi amigo Paco. A todos nos gustó mucho el lugar, entonces le preguntamos a Paco “¿Está libre mañana?” y nos dijo que sí.
Volvimos al otro día y comenzamos a grabar esa canción (Serious). Ya la habíamos tocado durante la prueba de sonido, así que básicamente arreglé la canción y le hice todo en Buenos Aires, en un estudio llamado Estudio El Mar.
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Grabando algo nuevo de @loswhitest en casita Que loca la vida
Aunque no precisamente es el regreso de la banda al plano musical
El regreso de The Whitest Boy Alive como banda fue una sorpresa muy grata para muchos de sus fans, sin embargo, Erlend Øye y compañía no están muy enfocados en lanzar un disco de la banda próximamente, pues si antes era complicado el poder juntarse para realizar un álbum, ahora con la pandemia lo es aún más.
“Es muy difícil para todos nosotros el imaginar un disco, porque fue casi un milagro el haber conseguido hacer una canción. No teníamos un plan maestro, sólo queríamos lanzar la canción antes de nuestros shows en México, para tener una nueva canción afuera”, indica Erlend. “Y estábamos muy emocionados por tocar esa canción en los shows que se supone íbamos a tocar, pero que desafortunadamente se cancelaron”.
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Eso tampoco quiere decir que no escuchemos música nueva de Erlend Øye
Lo anterior no significa que no escucharemos nada nuevo por parte de Erlend Øye y cualquiera de sus proyectos. Al contrario, el artista noruego está aprovechando el aislamiento social para seguir trabajando en los pendientes musicales que tiene, los cuales lanzará en los próximos meses. Así que les recomendamos estar muy atentos.
Por el momento, estoy tratando de enfocarme en terminar de grabar y lanzar un álbum antes de volver a los escenarios. Hay mucha música con Kings of Convenience. The Whitest Boy Alive, Erlend & La Comitiva... Hay mucho material que me gustaría terminar. Eso es básicamente lo que estoy haciendo ahora y no pensar mucho en lo que se hará en vivo, sino pensando en los próximos discos”.
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Lo que necesitas saber:
Muchas bandas y artistas han gastado una lanota para crear sus álbumes. Y aquí les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado.
En la actualidad, gracias a la tecnología, cualquier artista o banda puede grabar música en una computadora, sin la necesidad como tal de entrar a un estudio de grabación profesional y cubrir los gastos que eso implica. Sin embargo, a lo largo de la historia aparecieron discos que fueron tan caros que con eso se pudieron comprar varios supers.
Hace muchos años, era normal que un cantante o un grupo tuviera a su disposición una buena cantidad de dinero para producir y grabar sus proyectos. Aunque desde entonces, ya habían materiales discográficos cuyos presupuestos rayaban en la locura, pues nadie podía creer que gastaran tanto en crear un álbum de estudio.
Y para que chequen que hay artistas y bandas que eran capaces de poner una verdadera millonada con tal de crear las canciones y conceptos que tenían en la mente, a continuación les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado en la historia de la música (con todo y cifras actualizadas con el precio del dólar en 2024).
Estos son 10 de los discos más caros de grabar de la historia
Fleetwood Mac – ‘Tusk‘
Arrancamos esta lista con una banda que tiene una historia complicada. Así es, nos referimos a Fleetwood Mac, que aparece en el conteo de los discos más caros de todos los tiempos con Tusk, su doceavo álbum de estudio cuya grabación salió en la asombrosa cantidad de casi 6 millones de dólares de la actualidad.
Luego del éxito del icónico Rumours, la banda –a petición de Lindsey Buckingham– empezó a trabajar en un álbum más experimental y conceptual, donde jugaron con sonidos del punk rock y del new wave. El resultado fue un disco que tuvo una alta producción en las canciones en las que incluso contaron con la participación del exguitarrista del grupo, Peter Green.
A pesar de lo arriesgado que era buscar salirse de su zona de control para explorar otros géneros, Tusk se consideró como un fracaso comercial por su sello discográfico, vendiendo cuatro millones de copias en todo el mundo. De cualquier manera, se ganó buenas críticas y sobre todo, el gusto de su público, que lo convirtió en un clásico de culto.
Pero hablando de números, se estimó que los costos de producción del álbum inicialmente estaban en alrededor de 1 millón de dólares de la época, pero muchos años después se reveló que eran de aproximadamente 1.4 millones (equivalente a $ 5.88 millones de 2024), lo que lo convierte en uno de los discos de rock más caros de grabar hasta la fecha.
Billy Idol – ‘Charmed Life‘
Billy Idol es toda una leyenda de la música y por supuesto que se puede dar el lujo de desembolsar una lanita para grabar sus discos. Sin embargo, llevó todo al límite con Charmed Life, su cuarto material discográfico, pues para pagar todo este proyecto se gastó la nada despreciable cantidad de 3 millones y medio de dólares.
A finales de los 80, Billy andaba buscando nuevos aires. Es por eso que decidió que en esta ocasión no trabajaría con el guitarrista Steve Stevens (como en sus tres discos anteriores) para colaborar con Mark Younger-Smith, quien en palabras de Idol le “dio un eje, alguien con quien podía trabajar para formar un sonido y una idea para este álbum”.
Billy Idol terminó las sesiones para el álbum el 5 de febrero de 1990 y después de recoger las mezclas finales de Charmed Life resultó gravemente herido en un accidente de motocicleta. El 30 de abril de 1990 vio la luz este material discográfico y no le fue nada mal, pues recibió certificación platino por sus ventas.
Este disco incluye temazos, como “Cradle of Love” y el cover a “L.A. Woman” de The Doors. Pero si esto no fuera suficiente, los videoclips de los primeros dos sencillos del álbum contaron con la dirección del mismísimo David Fincher. Así que probablemente en eso se fue gran parte del presupuesto para este proyecto.
Aerosmith – ‘Rock in a Hard Place‘
Se sabe que en los 70 y 80, Aerosmith era una de las bandas más importantes del planeta y gastaban dinero a lo loco en excesos. Sin embargo, esa lana también la ponían para sus discos, tal es el caso de Rock in a Hard Place, su séptimo álbum de estudio, el cual les salió en poco más de 4 millones de dólares de estos tiempos.
Durante esa época, la banda estaba pasando por un momento complicado, tras la salida de Joe Perry y Brad Whitford. De cualquier manera, Steven Tyler (quien andaba lidiando con el abuso de drogas) y compañía buscaron reemplazos para grabar este material discográfico. Es por eso que durante dos años trabajaron en el disco sin conseguir el sonido y concepto que andaban buscando.
El 27 de agosto de 1982, Aerosmith lanzó Rock in a Hard Place y definitivamente, no tuvo el recibimiento que ellos esperaban. La crítica lo destrozó, pues a pesar de señalar que se atrevieron a experimentar con riffs más pesados, perdieron por completo la esencia que tenían con ese sonido blusero que tanto los caracterizaba.
Tras este descalabro en su carrera, las cosas cambieron dentro de la agrupación. Perry regresó y retomaron el camino musical por el que se hicieron famosos. Pero de todos modos, no podemos dejar de lado el hecho de que Steven Styler y los demás miembros probablemente se pudieron ahorrar unos dólares si no grababan este disco.
Wu-Tang Clan – ‘Once Upon a Time in Shaolin‘
La historia del Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan es fascinante por sí sola. No lo decimos únicamente porque grabarlo costó más de 3 millones de dólares de estos tiempos, también lo mencionamos porque solo existe una única copia de este álbum y no está disponible para descargar ni mucho menos para escucha en plataformas de streaming.
El colectivo de rap trabajó en secreto en este disco durante seis años, desde 2007 hasta 2013, del cual como ya lo mencionamos, solo hicieron una copia de dos CD’s en 2014 y estuvo guardado en una bóveda segura. Un año después, a través de una casa de subastas, el álbum se vendió a un comprador llamado Martin Shkreli, el director ejecutivo de Turing Pharmaceuticals, que pagó unos 2 millones de dólares por él y firmó un acuerdo legal donde se comprometía a no explotarlo comercialmente hasta 2103.
En marzo de 2018, Shkreli fue condenado por fraude de valores. Es por eso que un tribunal federal confiscó los activos que le pertenecían, incluido Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan. En julio de 2021, el Departamento de Justicia de Estados Unidos lo vendió a un grupo de coleccionistas de NFT’s por 4 millones de dólares para cubrir las deudas de Martin.
Aunque no se puede publicar el disco con fines comerciales, el acuerdo que firmó Martin Shkreli le daba chance de ponerlo en fiestas de escucha. Es por eso que en 2024 se reprodujo el álbum por primera vez en el Museo de Arte Antiguo y Nuevo de Hobart, Tasmania. Por si esto no fuera suficiente, los dueños del material comenzaron a vender fragmentos como NFT. No cabe duda que este disco tiene una historia loquísima.
Kanye West – ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy‘
Otro caso de un rapero que despilfarró una marmaja jugosa para crear un disco. Así es, nos referimos a ni más ni menos que Kanye West, quien para grabar y producir su exitoso quinto material discográfico, My Beautiful Dark Twisted Fantasy, se gastó la enorme cantidad de 4 millones de dólares. Aunque quizá, ese gasto se puede justificar.
Después de una interrupción en su carrera, West trabajó en el álbum entre el 2009 y 2010. En este disco, siguió la idea de trabajar con muchos letristas, músicos y productores, entre ellos Jay-Z, Kid Cudi, John Legend, Pusha T, Bon Iver, Q-Tip, RZA, Pete Rock, Mike Dean, No I.D. y Jeff Bhasker. El resultado fue una colección de canciones que posicionó a Kanye como una de las mentes creativas más importantes de su generación.
El 22 de noviembre de 2010 salió a la venta My Beautiful Dark Twisted Fantasy y fue un golazo en la trayectoria de Kanye West, pues este disco incluyó temazos como “Power”, “Runaway”, “Monster” y “All of the Lights” que le valieron elogios tanto de la crítica especializada como de sus fans de hueso colorado.
No por nada, es considerado uno de los mejores álbumes de rap de la historia, así como uno de los mejores discos del siglo XXI e incluso de todos los tiempos. Es por eso que decimos que se puede justificar la lanota que Kanye invirtió en grabar y producir este impresionante material discográfico.
Korn – ‘Untouchables’
Aunque no lo crean, Korn se pasó con el presupuesto y ocupó una buena lana para la producción de Untouchables, su quinto material discográfico. Para que chequen el dato, se dice que gastaron poco más de 6 millones de dólares de la actualidad. Y en palabras de la agrupación, se debió al mantenimiento de su equipo de 15 personas durante los casi dos años que necesitaron para terminarlo.
A principios de 2001 comenzaron a crecer las tensiones entre los miembros de la banda, sobre todo por el abuso de drogas del bajista Reginald ‘Fieldy’ Arvizu. Finalmente, lograron escribir el álbum y lo grabaron, pero tardaron un buen rato en publicarlo, lo cual provocó que no existiera mucho interés tanto de la crítica como de los fans.
El 11 de junio de 2002, Korn lanzó oficialmente Untouchables y, a pesar de las buenas críticas y los intentos de su sello discográfico por armar estrategias de ventas (ya saben, sacando una edición limitada con bonus tracks, ilustraciones, DVD y toda la cosa), este disco tan costoso fue un fracaso comercial para la banda.
El grupo culpó a la piratería por la caída de sus ventas en comparación con sus discos anteriores, pues una versión del álbum sin terminar se filtró en internet tres meses antes de su lanzamiento oficial. De cualquier manera, este material discográfico es considerado como uno de los mejores trabajos de Jonathan Davis y compañía.
Garth Brooks – ‘Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines’
En la lista tenemos que mencionar a un artista que quizá no hubieran imaginado que verían dentro de los discos más costosos de todos los tiempos. Se trata de Garth Brooks, quien en 1999 lanzó Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, un álbum que en precios actuales, costó unos 9 millones de dólares… no es broma.
En esa época, el artista de country estaba pasando por un momento importante de popularidad, así que se le ocurrió una gran idea para su siguiente álbum: hacer un disco conceptual en el que Brooks toma la personalidad y el alter ego de Chris Gaines, un cantante de rock australiano. Sin embargo, sus planes eran más ambiciosos.
Resulta que la música de este disco originalmente estaba planeado que fuera la banda sonora de una película llamada The Lamb, en la que Garth Brooks interpretaría Chris Gaines y recorrería los diferentes períodos de su vida. El álbum se lanzó un año antes de la fecha de estreno programada para la cinta para despertar el interés en que el cantante formaría parte del proyecto.
Pero debido al fracaso comercial de Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, problemas financiero y que nadie entendió lo que estaba haciendo, la película nunca se filmó. Así que definitivamente, no valió la pena los millones de dólares que se invirtieron para la grabación de este material discográfico.
Def Leppard – ‘Hysteria’
Entrando a los puestos de honor, tenemos uno de los discos más importantes en la carrera de Def Leppard y de la década de los 80. Así es, hablamos de Hysteria, el cuarto material discográfico de la banda británica que, ajustado a los precios de la actualidad y aunque no lo crean, salió en unos 12 y 13 millones de dólares.
Durante el proceso de grabación, la agrupación de hard rock pasó por momentos complicados y una serie de inconvenientes que atrasaron más de lo debido la producción de este álbum, por alrededor de casi cuatro años. Entre ellos el accidente donde Rick Allen perdió el brazo izquierdo, así como una serie de cambios de productor.
Después de mucha espera, el 3 de agosto de 1987 salió oficialmente Hysteria y fue todo un trancazo, pues es el disco más exitoso de la banda hasta la fecha con alrededor de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo. Eso sin contar que incluyó rolones como la canción homónima, “Women”, “Animal”, “Pour Some Sugar on Me”, “Love Bites”, “Armaggedon It” y “Rocket”.
Al parecer, el gasto que se hizo en la grabación de este álbum fue justificado, pues más allá de las certificaciones y las ventas, se convirtió en uno de los materiales más influyentes no solo del hard rock, sino de toda la década de los 80. Tanto así que Rolling Stone y Q lo incluyeron en sus listas de los mejores álbumes de todos los tiempos.
Guns N’ Roses – ‘Chinese Democracy’
Por supuesto que en esta lista no podía faltar uno de los discos más controversiales y costos de la historia: el famoso Chinese Democracy de Guns N’ Roses, un álbum que actualmente podemos decir que representó un gasto de cerca de 20 millones de dólares y que tardó más de una década en ver la luz.
A mediados de la década de 1990, tras el éxito que tuvieron con proyectos como Use Your Illusion y The Spaghetti Incident?, la banda empezó a tener diferencias creativas y personales. En este lapso, Slash, Gilby Clarke, Duff McKagan y Matt Sorum renunciaron o fueron despedidos. Solo quedaron Axl Rose y el tecladista Dizzy Reed, y con un nuevo equipo de músicos comenzaron a trabajar en su siguiente álbum.
Se dice que la disquera de Guns N’ Roses le ofreció un millón de dólares de la época a Axl si terminaba el disco en 1999 y agregaría otro millón si el álbum estaba listo para antes del 1 de marzo de ese mismo año. Sin embargo, eso nunca pasó, pues Rose pasó por problemas legales, personales y encima, no estaba contento con lo que había grabado.
Fue hasta el 23 de noviembre de 2008 cuando Chinese Democracy llegó a las tiendas y para muchos, fue una enorme decepción, pues no estuvo a la altura de lo que esperaban los fans. Al menos, pudieron recuperar una lana de lo que invirtieron para la grabación, pues lograron vender más de 8 millones de copias en todo el mundo (un verdadero logro ya que poca gente seguía comprando discos físicos en esa época y encima, tenían el problema de la piratería).
Michael Jackson – ‘Invincible’
Fácilmente en los primeros puestos entrarían varios discos de Michael Jackson, como HIStory: Past, Present and Future, Book I y Dangerous (que costaron entre 20 y 22 millones de dólares respectivamente). Pero en el lugar de honor tenemos a Invicible, el décimo y último álbum del ‘Rey del Pop’ que ajustado a la actualidad, salió en unos 50 y 60 millones de dólares… así como lo leen.
En 1997, Michael inició las grabaciones del álbum. Sin embargo, se dice que tardó tanto en terminar estas canciones porque se tomó el tiempo de acomodar tanto los instrumentos como los ritmos, mezclas e incluso frecuencias hasta que estuviera satisfecho con el trabajo final. De hecho, el propio cantante declaró que le puso tanto empeño al proyecto porque no estaba seguro si iba a continuar haciendo más discos.
Finalmente, el 30 de octubre de 2001 salió a la venta Invincible donde incluso hubo apariciones de Carlos Santana, Slash y el difunto The Notorious B.I.G. Y aunque no tuvo hits memorables, le fue muy bien en cuanto a críticas y ventas e incluso consiguió la certificación de doble platino, así que no estuvo nada mal para Michael Jackson.
Sin embargo, tras varias discusiones con su discográfica (porque Michael se negó a hacer una gira para promover el álbum y el sello detuvo la promoción de este material), Jackson no volvió a publicar música nueva en vida. De cualquier manera y aunque han pasado los años, sigue teniendo el récord por grabar el disco más costoso de todos los tiempos.
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El Día del Músico es una festividad que se celebra cada 22 de noviembre como una manera de reconocer el impacto y la relevancia de los músicos en nuestra sociedad.
Además, la fecha también se presenta como un espacio de reflexión para repensar los desafíos contemporáneos que enfrentan quienes ejercen esta profesión artística hoy en día.
En este sentido, la efeméride resalta lo importante que es la música como un medio para expresar, comunicar y sentir. Es imprescindible valorar el trabajo de quienes logran transmitir emociones y conectar a las personas a través de su talento y los sonidos.
A lo largo de la historia, la música ha jugado un papel significativo en diversas civilizaciones. En el antiguo Egipto, la música estaba asociada a prácticas religiosas, siendo utilizada en rituales sagrados y reservada para los sacerdotes. En la antigua Grecia, tenía un lugar central en su mitología, donde se le atribuía un poder divino.
Asimismo, durante la Edad Media, la música estuvo estrechamente vinculada a la Iglesia, convirtiéndose en una herramienta de culto y devoción. Con el Renacimiento, la música floreció, particularmente con el auge de la polifonía, que dio lugar a nuevas formas musicales y técnicas compositivas.
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En 1997, la UNESCO proclamó el Día Internacional del Músico, como un medio para reconocer la influencia de la música y su papel esencial en las culturas de todo el mundo.
Esta fecha también invita a reflexionar sobre los desafíos contemporáneos que enfrentan los músicos. A pesar de los avances tecnológicos que han transformado la industria musical, los artistas siguen enfrentando dificultades económicas, la competencia por la visibilidad en un mercado saturado y la constante necesidad de adaptarse a las nuevas plataformas digitales de distribución.
Un aspecto relevante de esta celebración es la relación entre el Día del Músico y Santa Cecilia, considerada la patrona de los músicos.
Según las tradiciones, Santa Cecilia fue una mujer de profunda fe cristiana que, mientras celebraba su matrimonio, escuchaba melodías instrumentales, pero en su interior cantaba a Dios en silencio. Este detalle la asoció con la música, considerando su canto una manifestación de devoción espiritual.
A pesar de ser perseguida por su fe, Santa Cecilia permaneció firme en sus creencias hasta su martirio, lo que le permitió convertirse en un símbolo de resistencia y fe.
En 1584, la Iglesia Católica la nombró oficialmente patrona de los músicos, y desde entonces, su figura ha estado ligada a la celebración del Día Internacional del Músico.
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Lo que necesitas saber:
Después de mucha espera y rumores, por fin tenemos el cartel del Coca-Cola Flow Fest 2024. Y por acá les contamos todos los detalles.
El cierre de este año ha estado leno de música y festivales, y todavía no termina, pues entre ellos tenemos el Coca-Cola Flow Fest 2024. Por acá les contamos todo lo que deben saber al respecto, como el cartel, boletos y más.
Como recordarán, fue en 2017 cuando nació este festival, con la intención de festejar la cultura urbana, promoviendo su música a través del rap, reggaetón, trap y hip-hop, con artistas nacionales e internacionales. Y vaya que a lo largo de este tiempo, han sacado lineups rifados para los fans de estos géneros, con los que se han armado verdaderas fiestotas (acá les contamos cómo se puso la edición 2023).
Este es el cartel oficial del Coca-Cola Flow Fest 2024
Sin embargo, después de mucha espera, a finales de mayo, el Coca-Cola Flow Fest dio señales de vida a través de sus redes sociales, anunciando con bombo y platillo que iniciarían la venta early bird para su edición 2024. Y como era de esperarse, muchos aprovecharon la oportunidad para armar sus boletos antes de la revelación del cartel, sin saber quiénes se van a presentar.
En este entonces también confirmaron que el festival es ya este 23 y 24 de noviembre de 2024 en el lugar que ha sido su casa desde hace varios años, el Autódromo Hermanos Rodríguez.
Pero bueno, volviendo al cartel oficial del Coca-Cola Flow Fest 2024, la cosa se pondrá buena este año. Para que se den una idea, entre los actos principales tenemos nombres como Rauw Alejandro, Becky G, Rels B, Arcángel, Sebastián Yatra, Chencho Corlone, Tiny
Aunque en “las letras chiquitas” también aparecen artistas mexicanos que vienen sonando durísimo, entre ellos El Bogueto, Snow Tha Product, El Malilla, Yoss Bones y muchos más. A continuación les dejamos el lineup completo para que le echen un ojo.
Boletos para el Coca-Cola Flow Fest 2024
Ok, después de checar el cartel oficial del Coca-Cola Flow Fest, estamos seguros de que quienes no tiene boletos, querrán tenerlos aunque sea de último momento. Bueno, la venta general inició el 12 de junio, pero todavía hay boletos. Sí, es a través de Ticketmaster y de este lado les dejamos el link de compra.
Habrá streaming oficial para seguir en vivo el Flow Fest 2024
Ahora que si ya de plano sientes que es tarde para conseguir boletos, descuida, podrás seguir completamente en vivo el Flow Fest 2024. Habrá streaming oficial a través de Twitch, así que échale un ojo los dos días.
¿Qué tal? ¿Están listos para darle macizo contra el piso en el el Coca-Cola Flow Fest 2024? De plano, nos esperan dos días de fiestota intensa en el Autódromo Hermanos Rodríguez. Mientras, y si ustedes jamás han ido al festival pero quieren ver cómo se pone, a continuación les dejamos el aftermovie oficial del 2023.
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