¿Qué tienen que ver los hongos con la exhibición cinematográfica? En apariencia nada, pero la edición 2024 del Seminario El Público del Futuro se ha inspirado en ellos para, una vez más, abordar la exhibición de cine partiendo de rutas de reflexión inesperadas. Puede que una pequeña sala alternativa de cine sea completamente ajena al reino fungi, pero quién dice que la primera no puede aprender del segundo. Sobre todo cuando se trata de buscar nuevos tipos de organización colectiva, que le permita a los exhibidores sobrevivir y resistir, al crear redes simbióticas de sustento. Sí, justo como lo hacen los hongos.

Después de que la edición pasada tuviera como concepto y punto de partida la palabra «germinar» (¿cómo germinar dentro de un sector cultural que está en crisis?), este año, El 14 Seminario El Público del Futuro (SPF) recurre nuevamente al lenguaje y las sabidurías del mundo vegetal para abrir el debate y la discusión en torno a la compleja tarea de llevar el cine a los públicos. Del 14 al 16 de junio, este espacio de formación, enmarcado cada año dentro del Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM), reunirá a especialistas, exhibidores, distribuidores, cineastas y público en general para indagar sobre el oficio de la exhibición, programación, formación y distribución de cine, través del testimonio y las experiencias de sus protagonistas.

«Para este seminario, a lo que apostamos es a volver a la raíz», explica Isabel Rojas, directora artística del SPF. «Una parte medular de nuestro quehacer es cómo nos organizamos, cómo hacemos para que funcione esa sala de cine, para conseguir esas películas, entonces lo que queremos proponer aquí es aprender sobre formas de organización desde otros campos de estudio para ver de qué podemos contagiarnos, y también aprender sobre la importancia de la interconexión, de las interdependencias, y saber que nada de lo que hacemos es individual».

Bajo el tema «horizontes afectivos, futuros colectivos», en esta edición del seminario, el público podrá acceder de forma gratuita a mesas de diálogo, conferencias magistrales, proyecciones y presentaciones de libros en sus sedes principales: el auditorio del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) y el Cine Tonalá.

La conferencia inaugural tiene por título «Seamos hongos: sobre la simbiosis y el intercambio mutuamente beneficioso”, y será impartida por la escritora e investigadora de arte y ecología Yasmine Ostendorf-Rodríguez. En ella, la pensadora platicará sobre las enseñanzas del micelio, la estructura de tejidos que las comunidades de hongos usan para darse sostenimiento mutuo, y cómo puede servir de referencia para la comunidad cultural y artística. ¿Cómo es que el mundo natural puede inspirar a organizaciones, colectivos y asociaciones culturales interesadas en la justicia social y medioambiental?

Por primera vez, el seminario se realizará en Ciudad de México, pero también en el Festival Internacional de Cine DocLisboa, que tendrá lugar del 17 al 27 de octubre de 2024. Puedes revisar su página oficial para consultar el programa completo de actividades en la CDMX, pero aquí te presentamos también algunos de los eventos destacados.

Seamos hongos; sobre la simbiosis y el intercambio mutuamente beneficioso

14 de junio 11:00hrs.
Conferencia de apertura por Yasmine Ostendorf-Rodríguez

¿Dónde? Auditorio MUAC

Ante las narrativas de lo establecido, raíces móviles

14 de junio 12:45 hrs.
Una conversación entre Cíntia Gil (programadora) y Carlos Gutiérrez (Cinema Tropical)

¿Dónde? Auditorio MUAC

Indisciplinar los estudios cinematográficos. Vacíos fértiles y otras epistemologías

15 de junio 12:45 hrs.
Participan: Ana Nahmad (Ciencias Políticas, UNAM), Tania Ruiz (UDIR, UNAM), Jesse Lerner (cineasta) y Pablo Martínez-Zárate (Universidad Iberoamericana), Virginia Rico (Historia del Arte, UNAM).

¿Dónde? Auditorio MUAC

*Actividad aliada de Cine PREMIERE

Contextos relacionales y necesidades actuales: exhibir cine hoy

15 de junio 13:15 hrs.
Participan: Ricardo Cantor (Cinemateca de Bogotá), Claudio Pereira (Insomnia), Sofía Ochoa (Faro Quintana Roo) y Emiliano Escoto (FECIBA)

¿Dónde? Auditorio MUAC

*Actividad aliada de Cine PREMIERE

Proyección: La hora de la liberación ha llegado + conferencia magistral en línea Filmar debajo las bombas, por Heiny Srour

16 de junio 17:30 hrs.
Presenta: Bani Khoshnoudi (cineasta y artista visual)

¿Dónde? Cine Tonalá

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Martin Scorsese, nacido en Nueva York en 1942, es un director, guionista y productor de cine estadounidense que ha marcado la historia del séptimo arte. A lo largo de su carrera, que abarca más de cinco décadas, ha creado obras maestras aclamadas por la crítica y el público. Su estilo cinematográfico, caracterizado por su intensidad visual y complejos personajes, lo ha convertido en uno de los cineastas más influyentes de todos los tiempos.

Premios de la Academia

Martin Scorsese ha sido nominado a los Premios de la Academia en múltiples ocasiones. Su primera nominación al Oscar llegó en 1980 por «Raging Bull», una película que sigue siendo una de las más aclamadas de su filmografía. Aunque no ganó en esa ocasión, la película cimentó su reputación como uno de los grandes directores de su generación.

En 2006, Scorsese finalmente ganó el Oscar a Mejor Director por «The Departed»; fue un momento culminante en su carrera, ya que muchos críticos y aficionados consideraban que había sido pasado por alto injustamente en varias ocasiones anteriores. Con «The Departed» también ganó el premio a la Mejor Película, consolidando aún más su estatus en Hollywood.

Globos de Oro

Los Globos de Oro han sido especialmente generosos con Martin Scorsese. A lo largo de su carrera, ha ganado el Globo de Oro al Mejor Director en varias ocasiones.

Su primera victoria fue en 2003 por «Gangs of New York», una épica histórica que retrata la violencia y la corrupción en la Nueva York del siglo XIX.

En 2011, Scorsese ganó otro Globo de Oro por «Hugo», una película que fue un homenaje al cine joven y a los pioneros del medio. «Hugo» no solo fue un triunfo técnico gracias a su innovador uso del 3D, también una obra profundamente personal que reflejaba el amor de Scorsese por la historia del cine.

Premios BAFTA

Los Premios de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (BAFTA) también han reconocido el talento de Scorsese. Su primera victoria en los BAFTA fue en 1991 por «Goodfellas», una película que muchos consideran su obra maestra. «Goodfellas» ganó el premio a la Mejor Película y al Mejor Director, y sigue siendo una de las películas de gánsteres más influyentes de todos los tiempos.

Influencia cultural y legado

El impacto de Martin Scorsese en la cultura popular va más allá de los premios y reconocimientos. Películas como «Raging Bull», «Goodfellas» y «The Wolf of Wall Street» son estudiadas en escuelas de cine de todo el mundo.

La influencia de Scorsese también se extiende a través de colaboraciones con otros artistas y su trabajo en documentales. Su amor por la música se refleja en documentales como «The Last Waltz» y «George Harrison: Living in the Material World», que exploran la vida y la carrera de músicos icónicos.

En el sector de las apuestas y el entretenimiento, incluso plataformas como Betsson Chile reconocen la importancia de la influencia cultural de figuras como Scorsese en la industria cinematográfica. Aunque el mundo del cine y el entretenimiento ha cambiado considerablemente durante la carrera de Scorsese, su dedicación a contar historias poderosas sigue siendo una constante.

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En la última función de Megalopolis en el Festival de Cannes, después de su muy turbulenta recepción por parte de gran parte de la crítica especializada, apareció de sorpresa el legendario Francis Ford Coppola para reivindicar la experiencia de compartir colectivamente del cine, que para Coppola, nos vuelve “casi familia”. Horas más tarde, Sean Baker se hizo acreedor a la Palma de Oro por su energética y verborreica película Anora y en su discurso, además de agradecer a Coppola y al cineasta canadiense David Cronenberg –quienes también estaban en competencia–, dijo que el futuro del cine se encontraba donde había nacido, es decir, en la sala de cine.

Ante una asistencia que se reduce año con año y un interés que también va decreciendo de forma gradual, las súplicas de cineastas y miembros de la industria por regresar a las salas en el contexto del festival de cine más importante parecieran retumbar en oídos sordos. Sobre todo cuando se habla de las “decepciones” en taquilla como Furiosa, de George Miller, que tuvo su estreno mundial en Cannes. Hoy, si una película no logra hacer una suma bestial de dinero en tres o cuatro días, automáticamente se le tilda de ser un “fracaso”. Al cine ya no se le tiene paciencia y si no cumple con requisitos cada vez más indescifrables para el más detallado y comprensivo estudio de mercado o simplemente para el gusto del espectador, automáticamente es desechado y la atención se dirige hacia el siguiente estímulo disponible.

Los hábitos de los espectadores actuales son diferentes y el reto ahora parece ser encontrar la forma de regresar a esa experiencia colectiva y familiar a la que aludía Coppola. En ese sentido, su Megalopolis es un fracaso absoluto de una singular pureza. Cabe decir que el hecho de que haya sido considerada un “fracaso” no es lo mismo a decir que la película sea “mala” ni que no merezca verse. Algo que sucede mucho con las reacciones desde Cannes es que crean una visión distorsionada de lo que las películas son. Dichas reacciones deben tomarse solo como eso: impresiones que vienen mediadas por una gran cantidad de factores y no como sentencias definitivas ni cerradas de lo que la película es, ni mucho menos de en lo que puede convertirse después.

Sin duda, Megalopolis fue la película que despertó los mayores niveles de anticipación antes de que iniciara el festival. Esto, por tratarse de un proyecto muy ambicioso y perseguido por Coppola durante años –gastó una cuantiosa cantidad de su propia fortuna para realizarlo–. El legado cinematográfico de Coppola está definido en gran parte por la saga de  El padrino (The Godfather, 1972) y Apocalipsis ahora (Apocalypse Now, 1979), títulos apreciados por millares de cinéfilos en el mundo, que al parecer no están muy familiarizados con los últimos trabajos del cineasta, como Youth Without Youth (2007), Tetro (20009) o Twixt (2011), películas con las que tienen más en común la forma y los temas de Megalopolis, que con esos ominosos hitos de los años 70.

El tiempo no pasa en vano y Coppola, ni ningún otro cineasta, puede ser el mismo, ni filmar igual durante décadas, ni tener los mismos intereses ni la misma visión, pero el deseo de replicar lo que ya se ha visto en lugar de darle un espacio a algo nuevo es parte de lo que ha hecho que la industria cinematográfica, incluyendo a los festivales de cine, se encuentren en un atolladero creativo. El público cada vez se muestra menos interesado y cada vez más desconectado.

En el caso concreto de Cannes, la programación de las secciones principales suele decantarse por películas que apelan al factor shock (Kinds of Kindness, de Yorgos Lanthimos), a la saturación visual (The Substance, de Coralie Fergaut), a la representación escandalosa, oportunista y controversial de problemas sociales vigentes (Emilia Perez, de Jacques Audiard, The Apprentice, de Ali Abbasi) y desde luego, a las inexplicables apariciones de cineastas que no son apreciados en ningún otro lado más que en el certamen francés (Marcello Mio, de Christophe Honore, Limonov, de Kirill Serevrennikov). Y en cada vez más raras ocasiones, el festival se abre a la cada vez más escasa belleza y gentileza que el mundo aún tiene por ofrecer, en películas como All We Imagine As Light, de Payal Kapadia; Caught by the Tides, de Jia Zhangke, o a la riqueza de las posibilidades cinematográficas presentes en The Shrouds, de David Cronenberg o Grand Tour, de Miguel Gomes.

Curiosamente, quizá Megalopolis sea la película que mejor engloba el espíritu actual de Cannes: excesos dionisíacos, los problemas del mundo contemporáneo convertidos en metáforas simples, una enorme pomposidad en su pretendida solemnidad y un sentido de espectacularidad abiertamente vulgar y pasado de moda, que busca apelar a la gloria de otros tiempos, pero que tiene dificultades para encontrar su lugar en el mundo contemporáneo.

Megalopolis es una película que va más allá de la recomendación (realmente no imagino a nadie recomendando la película) y lo más probable es que cuando se estrene en cines, se sume a los muchos “fracasos” que tendrán nuevamente a agoreros del desastre afirmando, otra vez, que las salas de cine están al borde de la muerte. Se dice que el cine ya no tiene nada que ofrecer frente a otras formas de entretenimiento audiovisual, sin embargo, ninguno de esos medios comparte la ambición y las posibilidades que el cine sigue ofreciendo. Tomemos como ejemplo una propuesta aparentemente sencilla como lo es Anora, una película de poco más de dos horas, con un ritmo frenético, empujado por la vivacidad de su ensamble actoral –que de tan sincrónicos en su disfuncionalidad parecen familiares–, y que no usa imágenes poderosas, ni sobre estilizadas, ni discursos políticos o sociales, ni efectos especiales, saturación, ni factor shock. Es decir, es una película que difícilmente veríamos programada en un festival como Cannes, pero que terminó siendo aclamada de manera casi  unánime entre los asistentes (fenómeno cada vez más raro) y se llevó el premio más importante del certamen.

Baker, conocido por ser un espectador ávido, curioso y muy activo en la red social Letterboxd, concede a mucha de su cinefilia, profundamente ecléctica y a veces hasta contradictoria, la capacidad adquirida para hacer que sus películas encuentren un ritmo tan armónico, que no es adecuado a ningún otro medio más que para el cine. Películas como Anora se disfrutan en la privacidad pero crecen a niveles monumentales en la colectividad, como se pudo constatar en todos las funciones que tuvo en Cannes, llenas totalmente y con reacciones eufóricas de los espectadores. Quizá por ello, el futuro del cine no está en imágenes espectaculares ni en los efectos grandilocuentes, sino en una experiencia absorbente que reanime una conciencia colectiva que al menos, los festivales de cine siguen ofreciendo. Que al menos con eso sean capaces de seguir justificando su existencia.

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