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10 discos que cumplen 30 años en el 2025
Lo que necesitas saber:
Desde Blur y Pulp hasta Smashing Pumpkins y Oasis, acá repasamos algunos álbumes que salieron en 1995 y que cumplirán 30 años.
¿No les ha pasado que sienten que la década de los 90 no está tan lejana como parece? Y de repente, viene el trancazo de realidad cuando nos damos cuenta que prácticamente son tres décadas desde entonces. Por eso, nos pone nostálgicos recordar estos discos que cumplen 30 años en el 2025.
10 discos que cumplen 30 años
Además, si se trata de los 90, hablamos de una época que nos entregó muchos álbumes que marcaron la historia en ámbitos como el britpop, el rock alternativo anglo, el rock en español y más. Así que démosle a un repaso de 10 discos de 1995 que estarán cumpliendo 30 años en este entrante 2025.
‘(What’s The Story) Morning Glory?’ de Oasis
Este disco no solo es un estandarte del britpop, sino que confirmó a Oasis como una de las bandas más importantes de la época tras el éxito de Definitely Maybe…. con todo y que al inicio recibió críticas bastante mixtas.
Pero el éxito comercial y la aclamación universal no tardaron en venir, elevando a los hermanos Gallagher al estatus de superestrellas. Curiosamente, fue el álbum que surgió en medio de la ‘Batalla del Britpop’ (contra Blur) gracias al sencillo “Roll with It”, aunque esta es una de las canciones sumamente memorables del disco.
Aún así, Morning Glory, que en los rankings de fans constantemente pelea el puesto como el mejor disco de Oasis, tiene varias de las canciones más emblemáticas y conocidas de la banda: “Some Might Say”, “Champagne Supernova”, “Wonderwall” como la balada que los lanzó al estrellato mundial absoluto, y “Don’t Look Back In Anger” como esa pieza única de tintes legendarios que se ha convertido en su himno por excelencia.
No por nada, esta última canción ha trascendido la propia cultura de Manchester y el Reino Unido en general, elevándose a la calidad de clásico para entonar en algunos eventos deportivos como los partidos del Manchester City, o como un himno de resiliencia y unidad como fue tras los atentados terroristas en aquella ciudad en 2017.
Sin este disco, no se entendería el legado de Oasis… Y como el propio Noel Gallagher diría en una entrevista de 1995: “el primer álbum trata sobre soñar con ser una estrella en una banda… Morning Glory se trata sobre ser realmente una estrella en una banda“.
‘The Great Escape’ de Blur
Y en el otro lado ‘Batalla del Britpop’, estaba Blur con The Great Escape, un disco que reafirmó el éxito que el grupo liderado por Damon Albarn luego de sus primeros dos álbumes… aunque no fue precisamente muy fácil de llevar a cabo.
Para ese momento, la banda ya era un fenómeno masivo en el Reino Unido casi al grado del acoso, ya sabes, de esas veces que los fans están afuera de la casa de los artistas. “Damon era la cara más famosa del país y no podía comprar una botella de jugo sin causar sensación”, decía el bajista Alex James en su biografía Bit Of a Blur (vía Dig!).
El agobio de la fama, según se dice, había hecho a Damon empatizar con Kurt Cobain de Nirvana, quien constantemente expresaba su desencanto por la fama y quien tan solo un año antes se había quitado la vida. Aquí la historia.
Un poco de ello inspiró canciones como “Country House”, misma que también encontraba encontraba inspiración en otra anécdota curiosa. De nuevo, Alex James dijo alguna vez que este sencillo se escribió a manera de broma luego de que David Balfe, dueño de Food Records (donde Blur estaban firmados), vendió su disquera a EMI.
Con las ganancias, Balfe compró una casa de campo –de ahí vendría el título de dicha canción– para alejarse de todo ese círculo mediático, prácticamente retirándose de la industria musical.
La retirada de David, el boom de la fama de Blur y otros factores fueron la base para componer The Great Escape, título que hace referencia a esa sensación de querer escapar, aunque sea por un momento, de todo ese momento de locura en medio del Cool Britannia y demás.
Y de paso, nos entregó más canciones memorables como “Charmless Man”, “The Universal”, “It Could Be You”, “Dan Abnormal”, entre otras.
‘Different Class’ de Pulp
Además de los dos anteriores, también tuvimos en 1995 otra joya británica de la talla del Different Class de Pulp. Y fue un detonante importante en la carrera de la banda.
Su primero disco lo lanzaron en 1983, pero tuvo que pasar más de una década para que la banda liderada por Jarvis Cocker recibiera una atención mediática importante.
Lo habían conseguido más o menos con el disco His n’ Hers, pero fue Different Class el álbum que los puso en el ojo del panorama britpop… aún cuando ellos preferían no identificarse en ese concepto que era más una etiqueta mediática que un verdadero movimiento cultural.
Y mientras Oasis y Blur eran enfrascados mediáticamente en una pelea hasta absurda, Pulp se encargaba de llevar a la mesa un tema importante: la división de clases en el Reino Unido, vista en un disco desde la perspectiva de aquellos que viven la vida cotidiana e incluso a través de la sátira.
La narrativa es destacada en ese sentido, con un Jarvis Cocker vuelto un genio de la lírica en canciones como “Common People”, la más conocida del disco. Como menciona la BBC, el sencillo se inspiró en una chica griega adinerada que el vocalista conocía…. Y ella, a manera de ‘turista de clase’, quería probar la vida en los barrios de clase media baja de Hackney.
“Common People” era una manera sutil pero perfecta de criticar a aquellos que buscaban dárselas de auténticos y originales romantizando a las clases trabajadoras menos favorecidas. Y esa solo era una de las tantas canciones que ponía énfasis en la división británica de clases. Como dijimos, una joya absoluta.
‘The Bends’ de Radiohead
The Bends de Radiohead llegó en 1995, tras la caída del grunge y en el apogeo del britpop. Y aunque algunos intentaron encasillarlo dentro de esta última etiqueta, el tiempo ha sacado de ahí a este disco. Porque al final, qué pereza estar metiendo todo en una misma bolsa.
En medio de todo eso, este llegó como un verdadero material de rock alternativo ajeno a las estructuras pop que las bandas contemporáneas que dominaban el panorama británico utilizaban. Era distorsionado y disonante, absolutamente melancólico, pesimista, distópico y oscuro… Pero también había ‘ternura triste’ en temas como “High and Dry” o “Fake Plastic Trees”.
Este álbum era ajeno a todo lo que Radiohead detestó luego de que alcanzaron el éxito con “Creep”… Y para muchos, The Bends fue el reinicio de la banda tras un disco debut como Pablo Honey que pasó mayormente desapercibido, de no ser por su hit más conocido.
‘Mellon Collie and The Infinite Sadness’ de Smashing Pumpkins
“I’m in love with my sadness” dice un verso de la canción “Zero”. Resulta curiosamente contradictorio decir que estamos enamorados de nuestra tristeza, pero esa frase en ese track es la esencia total de Mellon Collie and The Infinite Sadness de Smashing Pumpkins.
Si tuviéramos que definirlo, sería como una exploración de la tristeza, de la melancolía, de ‘bajoneo’ como un elemento natural de la condición humana. Y lo genial es que la banda nos explica todo ello a través de una versatilidad musical impresionante.
Hay canciones agresivas y siniestras como la propia “Zero”, Jellybelly” o “Bullet with Butterfly Wings”… Pero igual, hay otras más suaves y extrañamente inspiradoras como “Tonight, Tonight” o “1979”. Porque al final, también hay matices distintos en sentirse triste.
Si bien Billy Corgan dijo alguna vez que su objetivo era capturar el espíritu de la época y que es un disco imperfecto, la realidad es que es el trabajo más ambicioso que Samshing Pumpkins hayan trabajado la banda jamás.
Empezando porque luego de dos discos producidos con Butch Vig, en Mellon Collie decidieron probar nuevas técnicas de producción junto a Alan Moulder (Ride, My Bloody Valentine, Nine Inch Nails) y Flood (Nick Cave, New Order, Depeche Mode).
Además, este material tiene más de dos horas de duración, haciéndolo una experiencia maratónica pero increíble, todo en un disco que no podemos creer que cumplirá 30 años en este 2025.
‘Post’ de Björk’
El art-pop moderno y la música bailable experimental con letra, le deben mucho a Björk en su etapa del disco Post, un material que llevó al siguiente nivel lo que la islandesa venía haciendo desde su primer álbum.
Bien se sabe que luego de alcanzar un éxito mediano con The Sugarcubes, Björk sintió la necesidad de experimentar en algo que no fuera completamente rock. De hecho, si era posible, habría que deshacerse de todos esos estereotipos de la música de guitarra como la única que tiene un valor importante.
Así que, después de unos pocos años de vivir en Londres, se fascinó con la electrónica y sus estilos diversos. Pero no la música de club genérica para bailar mientras a lo ‘punchis punchis’ ni el dance pop madonnesco… Sino aquello más experimental, menos tradicional.
El trip-hop, la electrónica industrial, la música jungle… La escena electrónica underground de Londres se convirtió en la influencia definitiva para Björk. Y para poder concretar todo lo que necesitaba, se rodeó de grandes productores y compositores como Nelle Hopper de The Wild Bunch (el proyecto que luego se convertiría en Massive Attack) Tricky de Massive Attack y Graham Massey de 808 State, entre otros.
Por supuesto, no se deshizo por completo de los arreglos y composiciones orgánicas. Y eso es uno de los valores más grandes de Post: la perfecta combinación entre la música electrónica y aquella hecha con instrumentos orgánicos.
Todo lo que es este disco en concepto, se mantiene en Björk a día de hoy. Porque ella sigue haciendo música experimental, poco convencional, acompañada de artistas distintos en estilo (un día colaboras con Thom Yorke y otro con Arca o Rosalía) sin importar nada.
‘Exit Planet Dust’ de The Chemical Brothers
En un gran artículo de Stereogum para celebrar el disco, el periodista Tom Breihan describe a la perfección Exit Planet Dust de The Chemical Brothers como uno de los discos de los 90 que allanó el camino para que el público más a fin al rock, pudiera escuchar electrónica sin sentirse culpables (o algo así).
¿De dónde viene esa descripción? Bueno, Breihan menciona que este es una especie de disco de rock psicodélico compuesto como un rave instrumental. A algunos les puede parecer una locura, pero una vez que lo escuchas de nuevo, de inicio a fin, te das cuenta de que es así.
Exit Planet Dust, aunque es su disco debut, provocó que The Chemical Brothers se cambiaran el nombre (antes eran Dust Brothers y su antiguo nombre es referenciado en el título del álbum). Y si Björk había logrado combinar la electrónica underground con composiciones instrumentales, Ed Simmons y Tom Rowlands lograron algo similar, pero con música rock más en forma de la mano de llamado big beat y un techno más ‘fiestero’.
Además, los ChemBros demostraron con maestría lo que es utilizar samples en canciones de forma sutil sin abusar de la composición de donde se toman esas muestras. En este discazo, hay samples de Kraftwerk, Beastie Boys, Dead Can Dance y más… qué combinación, eh.
El disco homónimo de Garbage
El disco debut de Garbage llegó casi de la nada. Y es que solo hay que recordar que la banda, aún sin el nombre que les conocemos. y sin Shirley Manson como vocalista, se tardó en asentar debido a los diferentes compromisos de Butch Vig y compañía como productores.
Luego, la llegada de Shirley se dio también casi de forma fortuita ya que ella, antes de 1995, estuvo haciendo lo suyo en bandas como Goodbye Mr Mackenzie y Angelfish que nunca cosecharon un éxito demoledor ni mucho menos.
Y todo se dio medio trompicado. Steve Marker, guitarrista de Garbage, vio en la televisión una tocada de Angelfish y de inmediato la banda pidió que localizaran a la vocalista. Shirley, que no creía que el productor de Nevermind de Nirvana (Butch Vig) la estuviera buscando, al final accedió a asistir a una audición, la cual fue todo menos buena.
Es decir, Garbage no podía avanzar ni nada por el estilo, esto mientras Shirley continuaba con su gira por Estados Unidos a lado de Angelfish. Pero esta banda se disolvió una vez que terminaron ese tour y ahí fue cuando a Shirley se le ocurrió pedir una segunda audición ya que, a pesar de no haber logrado entrar en la primera, había hecho buena amistad con Marker Vig.
Al final, Manson entró y de inmediato empezaron a componer lo que sería el disco debut homónimo de Garbage, uno que surgió para revitalizar el rock alternativo estadounidense tras la caída del grunge.
Un par de joyas latinas en los discos que cumplen 30 años
‘Sueño Stereo’ de Soda Stereo
El último disco de estudio de Soda Stereo y es también la prueba de que uno puede decir adiós en lo más alto… Y claro, es otro ejemplo de esta capacidad enorme que tenía la banda para reinventarse constantemente.
Sueño Stereo estaba pensado como un álbum doble, lo que hubiera sido una maravilla en su momento, pero pues por cosas de las disqueras no se hizo así. Y aún con eso, hay mucha maestría en este material que brilló no solo por el obvio genio de los integrantes, sino de su producción trabajada a detalle.
La experimentación con arreglos electrónicos, referencias que recuerdan a The Beatles (según la visión de Cerati) y la maravillosa producción en la que igual participó Clive Goddard (ingeniero que mezcló álbumes de Paul McCartney, INXS y Happy Mondays), son solo algunos de los detalles que hacen de este disco único.
Resulta curioso cómo Sueño Stereo es comúnmente designado como uno de los mejores discos del rock latino de todos los tiempos. Porque, la verdad, escoger un disco de Soda Stereo para ello es una tarea casi imposible.
‘Rey azúcar’ de Los Fabulosos Cadillacs
Hubo un momento en el que el rock latinoamericano (y en especial el rollo del alterlatino) empezó a hacer gran ruido en el ámbito internacional, al menos para leyendas de la música anglo. Eso pasó a mediados de los 90 con discos como Rey azúcar de Los Fabulosos Cadillacs.
Y es que no todos tienen la fortuna de que Chris Frantz y Tina Weymouth de Talking Heads te produzcan un disco. Y después, que Mick Jones de The Clash (una banda que influenció enormemente a LFB) o Debbie Harry de Blondie colaboren en canciones como “Mal bicho” o el cover a “Strawberry Fields Forever” de The Beatles.
Según cuenta Chris en una entrevista con Revista Factum, todo se dio gracias que Thomas Cookman, manager de Los Fabulosos, lo llamó con la propuesta de producir el álbum. El ex Talking Heads no estaba seguro porque, de inicio, él y Tina no hablaban español… pero Cookman insistió en que vieran a la banda en un concierto en Puerto Rico.
Frantz voló, vio a la banda y no la pensó dos veces para aceptar la propuesta de producir el disco que, eventualmente, también sería uno de los discos con mayor carga política del legendario grupo liderado por Vicentico. ¿Pueden creer que este disco cumple 30 años en 2025?
Menciones honoríficas de discos que cumplen 30 años en 2025
Adrenaline de Deftones
Tragic Kingdom de No Doubt
To Bring You My Love de PJ Harvey
El disco debut homónimo de Foo Fighters
A Northern Soul de The Verve
I Should Coco de Supergrass
El disco debut homónimo de Elastica
Amor chiquito de Fobia
La espada y la pared de Los Tres
El dorado de Aterciopelados
A Typical and Autoctonal Venezuelan Dance Band de Los Amigos Invisibles
Jagged Little Pill de Alanis Morissette
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Con un sombrero texano, lentes oscuros y barba poblada, es como aparece el que fuera baterista de The Beatles, Ringo Starr en su nuevo álbum “Look Up”, un disco completamente country donde, sin embargo, el baterista mantiene su estilo y los mensajes románticos en sus letras.
Las guitarras punzando en todo momento, y la voz melancólica que Ringo ha tenido desde que era miembro del cuarteto de Liverpool son elementos que mantiene el disco, así como las letras, que desde el primer tema “Breathless”, jadeando, sin aliento se enfocan en el amor.
“Cada vez que pienso en ti, nunca quiero vivir sin ti y, cada vez que vienes, estoy hechizado, estoy hechizado”, dice el inicio de la canción.
Además, Ringo decidió incluir en la producción de este nuevo disco a músicos que han rescatado las tradiciones musicales estadounidenses como Billy Strings, quien trabaja también en el primer tema del disco “Breathless”, un guitarrista de bluegrass género tradicional de la década de los 1940, característico por tener en sus sonidos banjo, y guitarra acelerada.
En la segunda canción del disco, la invitada fue otra estadounidense Molly Tuttle, también conocida en la tradición del bluegrass por su gran técnica en la guitarra acústica, principalmente en técnicas típicas de este género como el punteo plano, que es tocar las cuerdas simultáneamente, o rápidamente con plumilla, o el martillo, que es tocar las cuerdas golpeándolas con la mano izquierda en el “mango” o diapasón del instrumento.
Para “Look Up” las habilidades de Molly se expresaron más en la voz que en sus habilidades como instrumentista, en el tema que da nombre al disco, pero en el segundo tema que colabora, su guitarra puede escucharse, así como la armonía de su voz junto a la de Ringo.
Otras invitadas fueron Larkin Poe, dueto femenino mucho más cercano al rock que al country, pero que siguen siendo cercanas a los sonidos tradicionales que remiten a los paisajes desérticos de las carreteras norteamericanas.
Finalmente, para el tema “Thankful”, Ringo invitó a Alison Krauss, cantante conocida también en el bluegrass y country; así como por su ejecución intensa en el violín. Cabe señalar que en el disco de Ringo, aunque todo fue un homenaje a los sonidos norteamericanos, no hubo espacio para la ejecución de Krauss al violín y ella sólo se concentró en fusionar el country con el rock suave de Starr.
CT
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J-Hope, uno de los carismáticos integrantes de BTS, ha revelado las fechas de su esperada gira “Hope On The Stage”, dejando a las ARMY mexicanas eufórica al confirmar una parada en México. Los fanáticos podrán disfrutar de su increíble talento y energía en un espectáculo único que promete hacer historia en el país.
Tras cumplir con el servicio militar obligatorio en Corea del Sur, el rapero surcoreano se volvió tendencia en las últimas horas debido a los rumores sobre su gira mundial y la incertidumbre de si incluiría a México en ella. Sin embargo, hace unos minutos, las dudas se despejaron, pues las redes sociales no sólo confirmaron el tour; sino que, revelaron que su visita a México será de dos días.
La noticia fue dada a conocer a través de la cuenta de X BigHit Music, una de las principales promotoras surcoreanas y casa de la banda de K-pop. En la publicación, que ya es viral, revelaron el póster oficial de la gira y por tanto las fechas y recintos en los que el rapero se presentará.
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¿Cuándo vendrá J-Hope a México en 2025?
En México serán los días 22 y 23 de marzo, mientras que el escenario elegido es el emblemático Palacio de los Deportes. Hasta el momento se desconocen los precios de los boletos y hasta la fecha en que saldrán a la venta; pero se espera que en las próximas horas todos los detalles sean revelados.
¿Quién es J-Hope de BTS?
J-Hope, cuyo nombre real es Jung Ho-Seok, nació en febrero de 1994 en Gwangju, Corea del Sur. Reconocido como rapero, compositor, cantante, bailarín, coreógrafo, modelo y productor, debutó en 2013 como miembro del exitoso grupo BTS bajo la compañía BigHit Music.
Además de su trabajo con la banda, ha desarrollado una destacada carrera en solitario, marcada por el lanzamiento de su mixtape Hope World en 2018 y su álbum debut Jack in the Box en 2022. Antes de enlistarse, J-Hope ya había comenzado con su carrera en solitario.
Con el lanzamiento de su segundo álbum, “Hope on the Street”, y una presentación como solista en el festival Lollapalooza, el artista comenzaba a mostrar una faceta independiente lejos de BTS. Tras finalizar sus obligaciones militares, se le vio en un viaje a Los Ángeles, lo que generó especulaciones entre sus fans sobre nuevos proyectos en puerta.
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FP
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Lo que necesitas saber:
Lambrini Girls es una banda que les volará la cabeza con sus letras directas y riffs pesados. Aquí les contamos por qué deben escucharlas.
El punk es un género que, por más que pasa el tiempo, no desaparece. En parte porque muchas bandas y artistas lo ven como una herramienta eficaz y directa para hablar de cosas incómodas y molestas tanto del mundo como la sociedad en general. Y vaya que en la actualidad tenemos representantes interesantes de dicho sonido e ideología, entre ellas Lambrini Girls.
Este dúo originario de Brighton, Reino Unido, conformado por Phoebe Lunny en la voz y guitarra, y Lilly Maceria en el bajo, nació como un proyecto en pandemia. Rápidamente se colocó como uno de los proyectos más interesantes de la escena independiente británica y no es para menos, si con un par de años lograron impactar a muchos con sus mensajes crudos, ácidos y honestos acompañados de buenos guitarrazos.
Lambrini Girls es una de las bandas más interesantes de la actualidad y acá les contamos por qué deben escucharlas
Con tan solo un EP y un álbum de estudio, Lambrini Girls han logrado presentarse en festivales importantes, como SXSW en Estados Unidos así como Glastonbury y Reading & Leeds en su país natal. Gracias a su energía sobre el escenario y sus canciones poderosas, se han ganado fans del tamaño de Iggy Pop e incluso han salido teloneras de bandas que nos encantan como IDLES.
Pero, ¿por qué trae tanto hype este proyecto? ¿Qué es lo que hace especiales o diferentes a las demás agrupaciones que también tocan punk en el Reino Unido? Bueno, pues no se preocupen que acá les contaremos por qué deben escuchar y la razón por la que han hecho tanto ruido en la escena británica.
Una banda que no tiene “pelos en la lengua”
De entrada, como ya lo mencionábamos antes, las integrantes de Lambrini Girls se han caracterizado por tomar el punk y el rock como armas para hablar de las cosas que les molestan y odian a su alrededor. Y vaya que han dejado claro que no tienen miedo de decir lo que sienten y piensan como va, sobre todo cuando se trata de señalar las cosas malas de la sociedad e incluso de la escena en la que se desarrollaron.
Ejemplos hay muchos, en su primer EP, You’re Welcome, vienen canciones como “Boys in the Band” (que habla sobre el comportamiento abusivo en los foros de conciertos), “Terf Wars” (donde critican al sector del feminismo radical que tiene actitudes de transfobia) o “White Van” (en la que se quejan del comportamiento machista de cierta parte de la población del Reino Unido).
Como verán, las integrantes de Lambrini Girls no tienen “pelos en la lengua” ni tampoco miedo de tocar temas que para algunos podrían resultar desagradables. Gracias a eso y la recomendación de “boca en boca” de quienes las veían en vivo, Phoebe y Lilly comenzaron a llamar la atención del público –sobre todo de las chicas que buscaban una banda punk que les hablara dentro de esta nueva ola británica–.
Sin embargo, en su álbum debut, Who Let The Dogs Out, llevaron su discurso al siguiente nivel. Lo decimos porque en este disco encontramos rolas que critican la corrupción y la brutalidad policial (“Bad Apple”), los trastornos alimenticios y los estándares de belleza (“Nothing Tastes as Good as It Feels”), la homofobia que sigue dentro de muchas personas (“No Homo”), el machismo tóxico (“Big Dick Energy”), la xenofobia radical (“You’re Not From Around Here”), el acoso laboral (“Company Culture”) e incluso la idea que tenemos del amor (“Love”).
En pocas palabras, Lambrini Girls le tiran parejo a todo a través de letras que, si bien, tienen un tono divertido y sarcástico, nos invitan a reflexionar sobre lo que están diciendo en cada canción. A esto le suman melodías potentes y distorsionadas que sin lugar a dudas, amplifican por completo lo que tratan de comunicar.
Lambrini Girls fomentan un espacio seguro para las chicas y la comunidad queer
Otra de las cosas que hacen de Lambrini Girls un proyecto único es la responsabilidad que tienen con sus fans. Más allá de usar la música como una plataforma para hablar a favor de las mujeres y la comunidad queer, están comprometidas en que estos sectores se sientan seguras y representadas en sus conciertos.
Para que se den una idea de cómo está el asunto, Phoebe Lunny declaró a NME que durante un concierto en Brighton, mientras estaba en el escenario, una chica se le acercó para decirle que un sujeto entre el público la había agredido. Sin embargo, la vocalista de la agrupación no se quedó con las manos cruzadas y tomó cartas en el asunto, pidiendo que sacaran al agresor de su show.
“Esta chica se me acercó justo antes de que la gente estuviera a punto de hacer un mosh y me susurró al oído que un tipo le había agarrado el trasero. Yo les dije: ‘¡Que todo el mundo se detenga!’. Y llamé a un guardia de seguridad y le dije: ‘¡Él, fuera, ahora!’. Y él simplemente sacó a rastras a este tipo. Fue una locura”.
“Queremos que las personas sepan que, si su abusador entra, literalmente las agarraremos por la nuca y las sacaremos. Ese fue el principal incentivo para crear la banda”.
A la vez, Lambrini Girls también han dejado claro su apoyo a la comunidad queer. Ya mencionamos rolas como “Terf Wars” o “No Homo”, en las que exponen el odio y los comentarios que lamentablemente enfrentar las personas LGBTQ+ a lo largo de su vida por el simple hecho de hacer públicas sus preferencias. Pero las propias integrantes han hablado sobre su experiencia e incluso una de ellas “salió del closet” con una rola.
Resulta que en una presentación en el Brighton Dome en 2020, antes de comenzar a tocar “Help Me I’m Gay“, Phoebe Lunny decidió confesarle a su madre –quien estaba en el público– que era gay, un tema del cual no había hablado con su familia. Y aunque su mamá reaccionó de la mejor manera (porque en palabras de la cantante, ella es una “persona normal”), dejaron claro que en sus shows, las personas queer son más que bienvenidas y tienen un espacio para expresarse y ser como son.
Así que si ustedes andaban buscando un proyecto que además de armar un buen moshpit y traer mensajes importantes, se preocupe por el bienestar de sus fans y darles voz en sus canciones, definitivamente deben entrarle a la propuesta de Lambrini Girls.
Siempre dan presentaciones únicas y poderosas
Dicen que una banda no es realmente buena si no tienen un gran show en vivo. Y si algo esta clarísimo es que uno de los fuertes de la propuesta que trae Lambrini Girls son sus conciertos, donde logran que quienes las ven sobre el escenario sientan toda la furia, irreverencia y vibra que transmiten en sus canciones.
Tanto Phoebe Lunny como Lilly Maceria son unas verdaderas rifadas cuando se trata de presentarse frente al público, pues además de prenderlos y electrizarlos con su actitud descarada y rolas poderosas, se ve que realmente están sintiendo lo que están gritando y tocando. De verdad, es uno de los actos que queremos ver pronto en México, porque se nota que ambas ofrecen una experiencia única.
Iggy Pop es el fan número 1 de Lambrini Girls
Si todo esto de plano no les ha convencido de escuchar a Lambrini Girls, entonces deberían hacerle caso a ni más ni menos que Iggy Pop. Y es que desde hace algunos años, en el programa que tiene en BBC 6 Music, esta leyenda de la música ha puesto regularmente la música de la banda británica, que siempre ha defendido a los proyectos independientes e incluso con temáticas queer.
Pero eso no es todo. En 2023, Iggy invitó a la agrupación a tocar en en Dog Day Afternoon, el festival que él mismo organiza en el Crystal Palace Park de Londres donde compartieron cartel con el propio cantante de “The Passenger” y artistazos del tamaño de Blondie, Billy Idol y Buzzcocks. Así que como verán, ya se están codeando con nombres muy grandes del punk y de la industria musical en general.
Además de ser la “nueva banda favorita” de Iggy Pop, Lambrini Girls también han tenido chance de abrir conciertos para IDLES en el Reino Unido, otra banda británica que vino para refrescar y transformar el punk rock en la actualidad. Esto demuestra la importancia, hype y emoción que han generado Phoebe Lunny y Lilly Maceria en cuestión de unos cuantos años, quienes son un proyecto incómodo pero necesario para hablar de esas cosas que están mal no solo en su país, sino en gran parte del mundo.
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