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Fallece en Los Ángeles “el maestro orquesta”, Quincy Jones: “Nunca habrá otro como él”
AP.—Quincy Jones, el titán musical polifacético cuyo vasto legado abarcó desde producir el histórico álbum “Thriller” de Michael Jackson hasta escribir bandas sonoras premiadas para cine y televisión y colaborar con Frank Sinatra, Ray Charles y cientos de otros artistas, ha fallecido a los 91 años.
Jones falleció el domingo por la noche en su casa en la zona de Bel Air de Los Ángeles rodeado por su familia, indicó el publicista de Jones, Arnold Robinson.
“Esta noche, con el corazón lleno pero roto, debemos compartir la noticia del fallecimiento de nuestro padre y hermano Quincy Jones“, dijo la familia en un comunicado. “Y aunque esto representa una pérdida increíble para nuestra familia, celebramos la gran vida que vivió y sabemos que nunca habrá otro como él”.
Jones pasó de andar con pandillas en el lado sur de Chicago a las cumbres más altas del espectáculo. Se convirtió en uno de los primeros ejecutivos afrodescendientes en prosperar en Hollywood y acumuló un catálogo musical extraordinario que incluye algunos de los momentos más ricos del ritmo y la canción estadounidenses. Durante años, era improbable encontrar a un amante de la música que no poseyera al menos un disco con su nombre, o a un líder en la industria del entretenimiento y más allá que no tuviera alguna conexión con él.
Jones trató con presidentes y líderes extranjeros, estrellas de cine y músicos, filántropos y líderes empresariales. Fue de gira con Count Basie y Lionel Hampton, arregló discos para Sinatra y Ella Fitzgerald, compuso las bandas sonoras de “Raíces” y “In the Heat of the Night”, organizó la celebración inaugural del presidente Bill Clinton y supervisó la grabación de “We Are the World“, el disco benéfico de 1985 para la ayuda contra la hambruna en África.
Lionel Richie, quien coescribió “We Are the World” y fue uno de los cantantes destacados, llamaría a Jones “el maestro de orquesta“.
Influencia de Jones en la carrera de Michael Jackson
En una carrera que comenzó cuando los discos todavía se reproducían en vinilo a 78 revoluciones por minuto, los máximos honores probablemente sean para sus producciones con Jackson: “Off the Wall“, “Thriller” y “Bad” fueron álbumes de un estilo y atractivo casi universales.
La versatilidad e imaginación de Jones ayudaron a desencadenar los explosivos talentos de Jackson mientras pasaba de estrella infantil a convertirse en el “rey del pop“. En pistas clásicas como “Billie Jean” y “Don’t Stop ‘Til You Get Enough“, Jones y Jackson crearon un paisaje sonoro global a partir de disco, funk, rock, pop, R&B, jazz y cantos africanos. Para “Thriller“, algunos de los toques más memorables provinieron de Jones, quien reclutó a Eddie Van Halen para un solo de guitarra en “Beat It”, un tema que cruzaba las líneas entre géneros, y recurrió a Vincent Price para una narración espeluznante en la pista que daba título al álbum.
“Thriller” vendió más de 20 millones de copias sólo en 1983 y ha competido con “Greatest Hits 1971-1975” de Eagles, entre otros, como el álbum más vendido de todos los tiempos.
“Si un álbum no tiene éxito, todos dicen ‘fue culpa del productor’; así que si tiene éxito, también debería ser tu ‘culpa'”, dijo Jones en una entrevista con la Biblioteca del Congreso en 2016. “Las canciones no aparecen sin más de repente. El productor debe tener la habilidad, experiencia y capacidad para guiar la visión hasta su finalización.”
De vivir el riesgo en las calles a una vida galardonada
La lista de sus honores y premios ocupa 18 páginas en su autobiografía de 2001 “Q”, incluyendo 27 Grammys en ese momento (ahora 28), un Oscar honorífico de la Academia (ahora dos) y un Emmy por “Raíces”. También recibió la Legión de Honor de Francia, el Premio Rudolph Valentino de la República de Italia y un homenaje del Centro Kennedy por sus contribuciones a la cultura estadounidense. Fue objeto de un documental de 1990, “Listen Up: The Lives of Quincy Jones” y una película de 2018 de su hija Rashida Jones. Su autobiografía le convirtió en un autor superventas.
Nacido en Chicago en 1933, Jones citaba los himnos que su madre cantaba en casa como la primera música que recordaba. Pero veía con tristeza su infancia, y una vez le dijo a Oprah Winfrey que “hay dos tipos de personas: las que tienen padres o cuidadores que les hacen crecer, y las que no. No hay nada intermedio.”
La madre de Jones sufría de problemas emocionales y terminó ingresada en un centro, una pérdida que hizo que el mundo pareciera “sin sentido” para Quincy.
Pasaba gran parte de su tiempo en Chicago en las calles, con pandillas, robando y peleando. “Me clavaron la mano en una cerca con una navaja, hombre”, le dijo a la AP en 2018, mientras mostraba una cicatriz de su juventud. La música lo salvó.
De niño, se enteró de que un vecino en Chicago tenía un piano y pronto él mismo lo tocaba constantemente. Su padre se mudó a Washington cuando Quincy tenía 10 años y su mundo cambió en un centro recreativo del vecindario. Jones y algunos amigos habían irrumpido en la cocina y se habían servido un pastel de limón y merengue cuando Jones vio una pequeña sala cercana con un escenario. En el escenario había un piano.
“Subí allí, me detuve, miré y luego toqué un poco”, escribió en su autobiografía. “Ahí es donde comencé a encontrar paz. Tenía 11 años. Sabía que esto era para mí. Para siempre.”
En pocos años estaba tocando la trompeta y haciendo amistad con un joven músico ciego llamado Ray Charles, quien se convirtió en un amigo para toda la vida. Era lo suficientemente talentoso como para ganar una beca en el Berklee College of Music en Boston, pero abandonó cuando Hampton lo invitó a hacer una gira con su banda.
Jones pasó a trabajar como compositor, director, arreglista y productor independiente. De adolescente, acompañó a Billie Holiday. A mediados de la veintena estaba de gira con su propia banda.
“Teníamos la mejor banda de jazz del planeta, y sin embargo, literalmente estábamos muriendo de hambre”, dijo más tarde a la revista Musician. “Fue entonces cuando descubrí que estaba la música, y estaba el negocio de la música. Si iba a sobrevivir, tendría que aprender la diferencia entre los dos”.
Como ejecutivo musical, superó las barreras raciales al convertirse en vicepresidente de Mercury Records a principios de los años 60. En 1971 se convirtió en el primer director musical negro para la ceremonia de los Oscar. La primera película que produjo, “El color púrpura”, recibió 11 nominaciones al Oscar en 1986 (aunque, para su gran decepción, ninguna victoria).
En asociación con Time Warner, creó Quincy Jones Entertainment, que incluía la revista de cultura pop Vibe y Qwest Broadcasting. La compañía se vendió por 270 millones de dólares en 1999.
“Mi filosofía como empresario siempre ha provenido de las mismas raíces que mi credo personal: tomar a las personas talentosas en sus propios términos y tratarlas de manera justa y con respeto, sin importar quiénes sean o de dónde vengan”, escribió Jones en su autobiografía.
Se sentía cómodo con prácticamente todas las formas de música estadounidense, ya sea acompañando el “Fly Me to the Moon” de Sinatra o con el ritmo pegadizo y cambiante de una flauta melancólica o abriendo su producción del entregado “In the Heat of the Night” de Charles con un solo de saxofón tenor lleno de lujuria.
Trabajó con gigantes del jazz (Dizzy Gillespie, Count Basie, Duke Ellington), raperos (Snoop Dogg, LL Cool J), estrellas de la balada (Sinatra, Tony Bennett), cantantes pop (Lesley Gore) y estrellas de rhythm and blues (Chaka Khan, la rapera y cantante Queen Latifah).
Sólo en “We are the World”, los intérpretes incluyeron a Michael Jackson, Bob Dylan, Billy Joel, Stevie Wonder y Bruce Springsteen. Coescribió éxitos para Jackson – “P.Y.T (Pretty Young Thing” – y Donna Summer – “Love Is in Control (Finger on the Trigger) – y sus canciones fueron utilizadas como base por Tupac Shakur, Kanye West y otros raperos. Incluso compuso la canción tema para la comedia “Sanford and Son”.
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Con 10 estatuillas en los Premios Annie, “Kpop Demon Hunters” consolida su avance rumbo a los Óscar
EFE.- La película coreana “Kpop Demon Hunters”, dirigida por Maggie Kang y Chris Appelhans, se convirtió en la gran triunfadora de la edición 53 de los Premios Annie al alzarse con 10 estatuillas, consolidando así su impulso en la carrera hacia los Premios Óscar.
La producción de Netflix obtuvo los galardones más codiciados de la noche, entre ellos mejor película, mejor dirección y mejor animación de personaje, reafirmando su condición de favorita en unos premios considerados los más prestigiosos del cine de animación.
El resto de galardones que obtuvo fueron los de mejor música, mejor diseño de producción, mejor doblaje, mejor guion, mejor editorial, mejores efectos especiales y mejor diseño de personaje.
Por su parte, la película “Arco”, del director francés Ugo Bienvenu, también reforzó sus opciones de cara al Óscar tras imponerse en la categoría de mejor película independiente.
La cinta francesa se perfila así como otra de las aspirantes destacadas en el apartado de mejor película de animación en la próxima edición de los Óscar, donde competirá, entre otras, con la producción surcoreana.
En las categorías de televisión, el protagonismo fue para “Common Side Effects”, de Adult Swim, que sumó cuatro galardones: mejor serie para adultos, mejor guion, mejor dirección y mejor montaje, y para “Love, Death + Robots“, que se impuso en mejor diseño de personaje, mejor diseño de producción y mejor guion gráfico.
Asimismo, la miniserie animada de televisión “Win or Lose” de Pixar, se impuso en los apartados a mejor música, mejor miniserie y mejor animación de personaje en los apartados de TV/Media.
El galardón a mejor producción especial se lo llevó “Snoopy Presents: A Summer Musical”, de WildBrain Studios en asociación con Apple TV.
El evento se llevó a cabo en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA), y también se entregaron premios del jurado, incluyendo el Premio Winsor McCay a Michaël Dudok de Wit, Christopher Miller, Phil Lord y Chris Sanders, y el Premio June Foray a Sandy Rabins.
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Una marca de cosméticos surcoreana se vio obligada a pedir disculpas recientemente tras promocionar uno de sus coloretes describiendo el tono como las “adorables mejillas de un bebé mongol”. La polémica estalló cuando la creadora de contenido Khaliun denunció en Instagram, en un vídeo que superó las 270.000 visualizaciones, que la marca estaba explotando un estereotipo obsoleto. Ante la presión global, la empresa modificó el texto por “un hermoso color rosa moca intenso que parece calentado suavemente por el sol”.
Este incidente no es una anécdota aislada. Es el reflejo de una industria que exporta sus productos a todo el planeta, pero que históricamente ha diseñado sus cosméticos pensando en una única demografía, excluyendo sistemáticamente a la mayor parte de la población mundial.
La fascinación occidental por la belleza coreana comenzó en la década de 2010. Esta primera ola de la K-Beauty se centró casi exclusivamente en el cuidado de la piel, exportando conceptos como la doble limpieza o la codiciada “piel de cristal”. Al tratarse de rutinas faciales, la inclusión no suponía un reto evidente.
En paralelo, el K-pop y los K-dramas se convirtieron en el vehículo perfecto de soft power. “La visibilidad del K-pop y los K-dramas refuerza la percepción de la eficacia de la K-beauty”, explica la profesora Hye Jin Lee a CNN. La consecuencia fue inmediata: en 2024 Corea del Sur superó a Francia como principal exportador de cosméticos a Estados Unidos, con 1.700 millones de dólares en envíos.
El problema surgió con la llegada de la segunda ola, cuando la tendencia se expandió hacia los cosméticos de color y el maquillaje híbrido. Tradicionalmente, las marcas coreanas lanzaban sus bases de maquillaje en apenas tres a cinco tonos extremadamente pálidos, bautizados con nombres como “porcelana”, “marfil” o “arena”, diseñados para su mercado interno. Al dar el salto internacional, las consumidoras de piel más oscura se encontraron frente a un muro: la industria más innovadora del momento, simplemente, no fabricaba productos para ellas.
El estándar que excluye sin gritar
La industria del K-pop ha sido celebrada por desafiar normas de género —ídolos masculinos que usan maquillaje o prendas tradicionalmente femeninas—, pero no ha sido igual de disruptiva en términos raciales. Los estándares dominantes siguen enfatizando piel clara, rostro pequeño en forma de V, ojos grandes y cuerpo delgado.
Un reciente artículo académico, publicado por International Journal of Social Humanity & Management Research, define estos estándares como una forma de racismo cultural: no una discriminación explícita, sino un sistema simbólico que presenta una estética como natural y universal mientras excluye otras corporalidades. El mecanismo no necesita proclamar “no queremos pieles oscuras”. Basta con definir la belleza como algo incompatible con ellas.
En el contexto asiático, la preferencia por la piel clara tiene raíces históricas vinculadas al estatus social y a tradiciones neo-confucianas donde la blancura simbolizaba respeto por sus principios. Esto se resume en el término chino bai fu mei (blanca, rica, hermosa), que todavía se usa comúnmente para describir a una mujer perfecta. Pero cuando ese estándar se convierte en un producto de consumo global, la lectura cambia.
La globalización de la K-Beauty ha provocado choques culturales evidentes. En YouTube, la serie de vídeos “Black Girl Tries Korean Makeup” visibilizó la frustración de las creadoras negras ante la falta de tonos oscuros y la omnipresencia de productos blanqueadores, señalando un sesgo de “anti-negritud”. En respuesta, parte de la audiencia coreana defendió a las marcas argumentando que Corea es un país monoétnico y que sus estándares no deben ser juzgados bajo “el prisma occidental”.
Otro estudio de la investigadora Andrea Gómez muestra cómo la “belleza asiática” se asocia en América Latina con juventud, salud y piel clara. El concepto de blanquitud no es solo cromático: implica estatus, modernidad y privilegio. En sus entrevistas, las vendedoras y maquilladoras reconocían que muchas clientas pedían tonos más claros que su piel real. No necesariamente para parecer coreanas, sino para acercarse a un ideal históricamente vinculado al ascenso social impuesto desde la época colonial.
Es aquí donde la K-beauty encaja como pieza perfecta: vende innovación científica y, al mismo tiempo, refuerza una aspiración de claridad y pulcritud que ya estaba instalada. Como señala Vogue Business, la industria global de la belleza “prospera gracias a la inseguridad y al atractivo de ‘mejoras’ alcanzables que privilegian la piel blanca”. Y en muchas culturas, la piel clara sigue funcionando como capital simbólico.
¿Una inclusión profunda o estratégica?
El cambio real llegó cuando se demostró que la diversidad es enormemente rentable. El caso más representativo es el de la marca TIRTIR. Cuando la youtuber afroamericana Miss Darcei probó su popular base en formato cushion en redes sociales, evidenció que la oferta inicial de tonos extremadamente pálidos la dejaba fuera. La marca respondió creando nuevos tonos y enviándoselos; en cuestión de meses ampliaron su gama a 40 colores. El resultado de escuchar a una audiencia diversa fue un asombroso aumento del 55.465% en las ventas de la marca en Estados Unidos.
Desde entonces, otras marcas han reaccionado. Dear Dahlia amplió la gama de tonos de sus rubores líquidos y bases para llegar a tez más profundas. K-Brown nació en Seúl enfocada exclusivamente en el cuidado de pieles ricas en melanina. Yepo Beauty lanzó bases diseñadas para tonos más oscuros bajo el lema “K-beauty inclusiva”. Además, el discurso corporativo también cambia. Los gigantes globales como Unilever y L’Oréal ya han anunciado la eliminación de referencias explícitas al “blanqueamiento” o aclarado de la piel en sus envases ante las críticas internacionales.
Pero no todo ajuste es virtuoso. Cuando la marca Youthforia lanzó un tono 600 descrito por los críticos como un negro puro sin subtonos que se asemejaran a la piel humana, el producto causó un gran revuelo y fue descontinuado. Una inclusión mal ejecutada puede convertirse rápidamente en una caricatura.
La tiranía de la belleza
El debate racial y estético se cruza con otro eje de opresión: la obsesión por la eterna juventud. La popularidad mundial del colágeno —en polvo, crema o cápsula— refleja una ansiedad y presión creciente por no envejecer. Esto ocurre a pesar de que expertos como el doctor Afshin Mosahebi cuestionan la solidez científica de muchas de estas ambiciosas promesas antiedad.
Esta exigencia de detener el tiempo recae desproporcionadamente sobre las mujeres. Psychology Today recuerda que los estándares de blancura y perfección corporal presentes en la K-Culture no son neutros, sino sistemas de poder cultural que moldean la autoestima de manera problemática. La K-beauty no inventó esta ansiedad por encajar, pero la ha empaquetado y vendido con una eficacia milimétrica.
Aun así, la exigencia estética coreana también enfrenta resistencia desde dentro. El movimiento surcoreano Escape the Corset (Escapar del corsé) es una rebelión de las mujeres del país contra las agotadoras y opresivas demandas patriarcales que las obligan a invertir un tiempo y dinero desmesurados en su apariencia. Resulta paradójico, además, que muchos de estos cánones coreanos considerados tradicionales tengan un fuerte arraigo occidental: la popularización de la cirugía de doble párpado, por ejemplo, se atribuye al Dr. Ralph Millard, un cirujano plástico militar estadounidense que la introdujo masivamente durante la Guerra de Corea.
Corea del Sur se acerca progresivamente al umbral demográfico de una “sociedad multicultural”, con más del 5% de su población nacida en el extranjero. Sin embargo, un informe del Ministerio de Cultura de Corea del Sur reveló que más del 38% de los encuestados desconocía el significado de diversidad cultural, y un 54% había desarrollado estereotipos contra ciertos grupos a través de los medios de comunicación.
La industria cosmética se encuentra ahora en una encrucijada. Puede seguir expandiendo mercados mientras ajusta mínimamente su imagen, o puede asumir de verdad que si pretende vender en Brasil, Nigeria o Estados Unidos, el mundo entero debe poder encontrarse reflejado en su espejo.
La K-beauty revolucionó por completo la rutina de cuidado facial. Transformó el maquillaje híbrido. Convirtió la base cushion en un objeto de culto global. Ahora enfrenta una pregunta mucho más profunda: si la primera ola fue la piel perfecta y la segunda el maquillaje inteligente, ¿será la tercera la diversidad real? Porque la belleza global ya no admite tres tonos.
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MediaMarkt está a punto de finalizar sus dos campañas Techmanía y Semana Web, que terminan en unas horas: el 23 de febrero a las 09:00 horas. Por ello, en este artículo vamos a repasar los mejores chollos en tecnología que podemos aprovechar ahora mismo.
- Google Pixel 9a por 369 euros, el mejor precio que ha tenido la tienda hasta la fecha.
- Bose QuietComfort por 199 euros, unos auriculares de gama alta con un precio muy ajustado.
- Honor Magic8 Lite por 313,65 euros al añadirlo al carrito, un móvil con una gran batería.
- Samsung Music Frame por 249 euros, un altavoz que parece de todo menos un altavoz.
- Haier S80F por 551,65 euros al añadirlo al carrito, un televisor enorme con Google TV.
Google Pixel 9a
Google estrenará nueva generación de su móvil más económico, por lo que no hemos tardado en ver mejores ofertas en la anterior, el Google Pixel 9a. MediaMarkt lo tiene por 369 euros en lo que es su mejor precio hasta la fecha. ¿Merece la pena? No hay demasiados cambios entre ambas generaciones y este móvil está más barato.
Lo interesante de este modelo es que viene con una buena pantalla de 6,1 pulgadas y que hace muy buenas fotografías. Lo malo es que en este caso hablamos de 128 GB de almacenamiento interno, si quieres más la versión de 256 GB cuesta 449 euros. Aún así el móvil sale más barato que el Google Pixel 10a.
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Bose QuietComfort
Si lo que buscas son unos buenos auriculares, lo Bose QuietComfort han bajado de precio hasta los 199 euros. No es la mejor oferta que hemos visto, pero sí de las mejores. Son unos auriculares cómodos que tienen una excelente cancelación activa de ruido. Además, su batería ofrece una autonomía nada desdeñable de hasta 24 horas de uso.
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Honor Magic8 Lite
Honor estrenó hace muy poquito uno de los móviles más interesantes en lo que llevamos de año. El Honor Magic8 Lite puede presumir de precio, porque al añadirlo al carrito se puede comprar en MediaMarkt por 313,65 euros. Pero yo personalmente con lo que me quedo es con el diseño del modelo Reddish Brown (el que se puede ver en la imagen de arriba) y con su enorme batería de 7.500 mAh. O dicho de otro modo, en este caso la batería aguanta perfectamente entre dos y tres días hasta que tengamos que recargarla.
Honor Magic8 Lite (256 GB)
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Samsung Music Frame
De vez en cuando Samsung nos sorprende con algún diseño muy particular en sus dispositivos. Uno de los más interesantes es el Samsung Music Frame que en MediaMarkt ahora cuesta 249 euros, aunque si lo quieres más barato PcComponentes lo tiene por 219 euros.
¿Qué es este dispositivo? Parece una especie de cuadro, pero no lo es. Realmente se trata de un altavoz Bluetooth cuyo principal objetivo es pasar desapercibido en casa. Además, este altavoz es compatible con Dolby Atmos.
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Haier S80F
En cambio, si buscas una buena tele, esta enorme Haier S80F ha bajado de precio hasta los 551,65 euros, aunque para ver el descuento total hay que añadirla al carrito. En este caso viene con una pantalla QLED de 75 pulgadas, su sistema operativo es Google TV y el panel ofrece una tasa de refresco de 120 Hz, por lo que es ideal para videojuegos.
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Imágenes | MediaMarkt y Compradicción (cabecera), Google, Bose, Honor, Samsung, Haier
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