Musica
El concierto perfecto para un regreso esperado
Lo que necesitas saber:
Luego de una larga década de espera, Fall Out Boy regresó a México y desquitó el tiempo con un concierto épico en el Palacio de los Deportes.
La primera vez que pude ver a Fall Out Boy en vivo fue en 2009, cuando una estación de radio los trajo para tocar en la Plaza de Toros México. En ese entonces, eran una de las bandas más famosas del momento, gracias al vuelo que les dieron en MTV (que por cierto, gracias a ese canal los conocí) y a que traían toda la onda emo/pop punk, que era muy popular en la primera década de los 2000.
Por esa época en que logré verlos –pues un amigo de la secundaria me regaló los boletos porque no le gustaba esa música–, Patrick Stump, Pete Wentz, Joe Trohman y Andrew Hurley ya habían sacado discazos como Take This to Your Grave, From Under the Cork Tree, Infinity on High y Folie à Deux, e incluso eran verdaderos rockstars y celebridades importantes para la cultura pop dosmilera.
Sin embargo, luego del lanzamiento de Save Rock and Roll en 2013 y para ser muy honesto, dejé de seguirle la pista a Fall Out Boy. Como cualquier persona a la que le interesaba enterarse de lo que pasaba en la música, sabía que seguían estrenando álbumes, pero la realidad es que no conecté con la evolución de su sonido ni con lo que hicieron después. Es por eso que de plano me desentendí por completo de ellos.
Aunque eso sí, ya sea en el iPod o en las plataformas de streaming, siempre he cargado con algunas de mis rolas favoritas de la banda y las ponía precisamente para recordar con nostalgia y cariño la adolescencia, pues junto a Green Day, My Chemical Romance y más, Patrick Stump y compañía forman parte del soundtrack de ese momento específico de mi vida. Ya saben, cuando éramos felices y de plano no lo sabíamos.
Fall Out Boy regresó a México para retumbar al Palacio de los Deportes
A pesar de que de plano ya no soy tan fan com en la secundaria, no voy a negar que cuando se anunció que Fall Out Boy regresaría a México junto a Jimmy Eat World (y como a la gran mayoría), me emocionó mucho. En particular porque después de una década sin pisar este lado de la frontera, significaba tener la una oportunidad de volver a verlos en mi país casi 15 años después de aquella vez en la Plaza de Toros y reconectar con mi yo que le encantaba la música sad pero no era emo.
Después de 10 años y unas cuantas semanas de espera tras esta noticia, finalmente la banda originaria de Chicago regresó con bombo y platillo a tierra azteca y vaya que valió por completo la pena cada maldito segundo, pues sin exagerar, dieron uno de los mejores conciertos en lo que va del 2024 en nuestro país... así como lo leen, no es broma. Pero vamos por partes.
Como ya lo sabemos, la CDMX siempre es caótica y para la fecha de Fall Out Boy no fue la excepción, pues el camino al lugar del concierto estuvo medio complicado y para colmo, Tláloc empezó a hacer “de las suyas”. Al final llegamos “a tiempo”, pero al caminar hacia el acceso me di cuenta de algo extraño para esta zona: casi no había vendedores de playeras ni merch pirata, lo cual no era un buen augurio para el show…
Luego del show de Jimmy Eat World, que de plano puso a todos en el mood, el ambiente nostálgico se podía sentir en el Palacio de los Deportes (que por cierto, no se llenó, pues por ahí se alcanzaban a ver zonas de gradas vacías), ya que sonaron algunos temazos de Avril Lavigne e incluso de Alanis Morissette. Así que todo pintaba para que esta fuera noche llena de nostalgia y un montón de recuerdos del pasado.
Con una enorme producción con la cual verdaderamente tiraron la casa por la ventana y donde hicieron un repaso por todos sus discos, Fall Out Boy nos hizo recordar nuestros días de adolescencia en un concierto donde el Palacio de los Deportes se volvió una máquina del tiempo. De plano, nos hicieron vivir un The Eras Tour para los que decíamos que ser emo no era una etapa, jiar jiar jiar.
“Buenas noches, Ciudad de México. Gracias por venir a vernos y estar con nosotros esta noche”, dijo Pete Wentz, quien más adelante aceptó que no tenía idea por qué habían tardado tanto en volver, pero que estaban contentos por reunirse de nuevo con sus fans mexicanos. Y eso de plano se notó durante todo el tiempo que estuvo sobre el escenario.
Aunque Patrick Stump no se quedó atrás, ya que en cada oportunidad que tenía, dejaba claro que no podían creer el recibimiento de los chilangos luego de tanto tiempo sin tocar de este lado del charco. Es más, por ahí se animó a hablar un poquito de español (aunque se disculpó con la gente porque no le sale al 100% el idioma) y nos regaló un par de momentazos íntimos tocando “What a Catch, Donnie” y “Golden” solito en el piano.
Y hablando del setlist, ¿qué tal estuvo? Bueno, de plano fue una maravilla. Desde el arranque con “Grand Theft Autumn/Where Is Your Boy”, “Sugar We’re Down”, “Dance, Dance”, “Thnks for th Mmrs” y “This Ain’t a Scene, It’s an Arms Race”, pasando por “I Don’t Care”, “The Phoenix, “Uma Thurman”,“Centuries” y “Saturdays”, e incluso las canciones nuevas sonaron brutales. Quizá nos hubiera gustado escuchar rolas más viejitas, pero ya era pedir mucho.
El show estuvo acompañado de mucha pirotecnia, visuales impresionantes, bailarinas e incluso la escenografía cambiaba dependiendo del álbum que estaban tocando en ese momento. Todos estos elementos lo hicieron irreal, un espectáculo de hora y 40 minutos completamente digno de la enorme carrera de esta bandota
En conclusión, lo de Fall Out Boy en el Palacio de los Deportes superó por completo las expectativas que teníamos e hizo que se nos olvidaran esa década de ausencia en México, pues fue un concierto para el recuerdo y que seguramente no superaremos en un buen rato todos los nostálgicos que tuvimos la oportunidad de vivir esta experiencia en vivo y a todo color.
Setlist de Fall Out Boy en el Palacio de los Deportes de la CDMX
- “Disloyal Order of Water Buffaloes”
- “Chicago Is So Two Years Ago”
- “Grand Theft Autumn/Where Is Your Boy”
- “Sugar, We’re Goin Down”
- “Dance, Dance”
- “A Little Less Sixteen Candles, a Little More ‘Touch Me’”
- “Get Busy Living or Get Busy Dying (Do Your Part to Save the Scene and Stop Going to Shows)”
- “This Ain’t a Scene, It’s an Arms Race”
- “Thriller”
- “Bang the Doldrums”
- “Thnks fr th Mmrs”
- “Disloyal Order of Water Buffaloes”
- “I Don’t Care”
- “The Phoenix”
- “My Songs Know What You Did in the Dark (Light Em Up)”
- “Uma Thurman”
- “The Kids Aren’t Alright”
- “Inmortals”
- “The Last of the Real Ones”
- “What a Catch, Donnie”
- “Golden”
- “So Much (for) Stardust”
- “Love From the Other Side”
- “Fake Out”
- “The Patron Saint of Liars and Fakes”
- “Centuries”
- “Saturday”
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El arranque de la agenda de conciertos en Guadalajara tuvo como primer capítulo la presentación de Mr. Bungle, que este jueves llegó por primera vez a la ciudad. El Teatro Estudio Cavaret fue el punto de encuentro para una audiencia que respondió desde temprano a la expectativa de ver en el mismo escenario a Mike Patton, Scott Ian, Dave Lombardo, Trey Spruance y Trevor Dunn.
La visita marcó el debut local de la formación actual del proyecto, integrada por Patton, reconocido por su trabajo en Faith No More, Fantômas y Tomahawk; Scott Ian, fundador de Anthrax; Trey Spruance; Trevor Dunn, también parte de Fantômas; y Dave Lombardo, exbaterista de Slayer. Para el grupo, se trató de una fecha singular dentro de su recorrido reciente, al ser la primera ocasión en que esta configuración tocó en Guadalajara.
Mr. Bungle se formó en la década de los ochenta, cuando Spruance, Patton y Dunn comenzaron a experimentar dentro de la escena thrash metal californiana. Desde entonces, el proyecto se caracterizó por una combinación de estilos que incorporó elementos de funk, jazz, ska y otros géneros, rasgo que quedó plasmado en sus primeros tres discos de estudio: Mr. Bungle (1991), Disco Volante (1995) y California (1999). Tras ese periodo, la banda entró en una pausa que se prolongó durante dos décadas.
El regreso se concretó en 2020 con la regrabación de su primer demo, The Raging Wrath of The Easter Bunny Demo (1986). Este material retomó el enfoque metalero de sus inicios y marcó una nueva etapa para el grupo, reforzada por la incorporación de Scott Ian y Dave Lombardo, quienes desde entonces acompañan al proyecto tanto en estudio como en directo.
La noche en Guadalajara comenzó con la participación de la banda tapatía Descartes a Kant, que abrió el concierto por solicitud expresa de Mr. Bungle. La agrupación local fue la encargada de preparar el ambiente antes del acto principal, en un gesto que subrayó el vínculo entre ambas propuestas para esta fecha.
Poco antes de las 22:00 horas, los integrantes de Mr. Bungle subieron al escenario ante un público compuesto mayoritariamente por personas mayores de 30 años. Desde los primeros minutos, la respuesta fue constante, con una audiencia atenta a cada movimiento y a los cambios que fueron marcando el desarrollo del concierto.
El repertorio, de poco más de una hora de duración, se concentró principalmente en las canciones de The Raging Wrath of The Easter Bunny Demo, el trabajo más reciente del grupo. Se trata de un material que recupera composiciones escritas cuando los integrantes tenían entre 16 y 18 años y que mantiene una orientación directa hacia el metal, a diferencia de los contrastes estilísticos que definieron otras etapas de la banda.
Aun así, el concierto también ofreció momentos que remitieron a distintas fases del proyecto. Temas como “Retrovertigo” introdujeron pasajes de sonido más contenidos, mientras que “My Ass Is on Fire” apareció combinada con fragmentos de “Funky Town”, canción lanzada originalmente por Lipps Inc. en 1979. Estas transiciones marcaron algunos de los puntos de mayor reacción del público.
El setlist incluyó además una serie de versiones que ampliaron el espectro del concierto. Entre los covers interpretados estuvieron “I’m Not in Love”, de 10cc; “State Oppression”, de Raw Power; “I Don’t Need Society”, de D.R.I.; “True”, de Spandau Ballet; y “Hopelessly Devoted to You”, tema compuesto por John Farrar. Estas elecciones formaron parte central del recorrido musical de la noche.
El cierre llegó con “Refuse/Resist”, canción original de la banda brasileña Sepultura, que puso punto final a la presentación.
Sobre el escenario, Mike Patton se mantuvo activo durante todo el concierto, alternando registros vocales y desplazamientos constantes, además de dirigirse al público en español con frases como: “Cómo están, tapatíos, esta noche todos somos hermanos”. A su lado, Scott Ian sostuvo la ejecución en la guitarra, mientras que Dave Lombardo marcó el pulso desde la batería a lo largo de toda la presentación.
La visita no pasó desapercibida para otros músicos. Entre el público se pudo observar a José Fors, vocalista de Cuca, así como a Alex González, baterista de Maná, quien asistió al concierto por su cercanía con Lombardo, quien lo invitó a la presentación.
CT
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Cada 15 de enero se recuerda en México la figura del compositor y el marco institucional que sostiene su trabajo.
La fecha remite a la fundación, en 1945, de la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM), organización creada para el reconocimiento y la defensa de los derechos de autor. A partir de ese antecedente se consolidó una conmemoración que, con el paso de las décadas, ha servido para revisar la historia de la creación musical en el país, así como los mecanismos legales y colectivos que protegen a quienes escriben canciones y obras musicales.
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La celebración del Día del Compositor tuvo un proceso gradual. Aunque la SACM instituyó la conmemoración en 1965, fue hasta el 15 de enero de 1983 cuando la fecha obtuvo un reconocimiento formal a nivel nacional. En esa misma jornada se anunció la creación del Sindicato Mexicano de Autores, Compositores y Editores de Música (SMACEM), instancia orientada a la representación laboral del gremio. Desde entonces, el día se convirtió en un punto de referencia para reflexionar sobre la autoría, la propiedad intelectual y la circulación de la música.
La noción de compositor suele definirse de manera breve en los diccionarios como la persona que crea obras musicales. En la práctica, su función implica la generación de piezas originales que, al fijarse en un soporte, adquieren protección legal. En México, el autor es titular de los derechos patrimoniales y morales de su obra, lo que le permite recibir beneficios económicos derivados de su explotación comercial. Para ello, las composiciones deben registrarse ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor (Indautor), organismo dependiente de la Secretaría de Educación Pública encargado de salvaguardar los derechos autorales y de promover su conocimiento en distintos sectores.
El marco jurídico que rige esta materia se encuentra en la Ley Federal del Derecho de Autor. Esta legislación establece qué elementos son susceptibles de protección y cuáles quedan excluidos. Entre los aspectos no protegidos se encuentran las ideas en sí mismas, los métodos, los sistemas, las fórmulas, los esquemas o reglas para actos mentales, así como letras, dígitos o colores aislados, nombres y títulos cuando no presentan un grado de originalidad suficiente. La ley también delimita el uso industrial o comercial de las ideas contenidas en las obras, lo que resulta clave para la gestión de derechos en la industria musical.
Uno de los rasgos particulares del sistema mexicano es la duración del dominio público. En el país, una obra musical pasa a dominio público cien años después de la muerte de su autor. Este plazo coloca a México como un caso singular en comparación con otros marcos legales internacionales.
Talento jalisciense
Jalisco ocupa un lugar relevante en la historia de la composición musical en México. De esta entidad provienen autores vinculados tanto a la música popular como a la académica. Consuelo Velázquez nació en Ciudad Guzmán en 1916 y alcanzó proyección internacional con “Bésame mucho”. A lo largo de su carrera también escribió temas como “Amar y vivir” y “Cachito”. Fue reconocida en su estado natal con el Premio Jalisco en Música y falleció en 2005.
Gonzalo Curiel, originario de Guadalajara, desarrolló su carrera como compositor, guitarrista y violinista. Al frente de su orquesta difundió canciones como “Vereda tropical” y “Morena linda”. Además de su producción autoral, participó en la música de más de 140 películas y fue cofundador de la SACM.
Otro referente jalisciense es Manuel Enríquez, nacido en Ocotlán, cuya obra abarca cerca de 150 partituras en géneros que van del sinfónico a la música electroacústica. También compuso para cine, teatro y ballet, y promovió la música contemporánea desde la dirección del Foro Internacional de Música Nueva. Su formación incluyó estudios de violín en Guadalajara y presentaciones en ciudades de Europa.
Blas Galindo, originario de San Gabriel, integró elementos del mariachi y de tradiciones indígenas en su obra. Formó parte del Grupo de los Cuatro junto con José Pablo Moncayo, Daniel Ayala y Salvador Contreras, colectivo que impulsó una estética nacionalista en la música de concierto. Moncayo, nacido en Guadalajara en 1912, es conocido por “Huapango”, obra basada en sones veracruzanos, además de sinfonías y piezas orquestales. También fue director y maestro en diversas instituciones musicales antes de su fallecimiento en 1958.
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Grandes exponentes mexicanos
La historia musical del país está marcada por autores cuyas obras forman parte del repertorio popular y académico. Entre los nombres más citados se encuentran Agustín Lara, Consuelo Velázquez, José Alfredo Jiménez, Cuco Sánchez, Roberto Cantoral, María Grever, Francisco Gabilondo Soler, Joan Sebastian, Juan Gabriel y Armando Manzanero. Sus canciones han sido interpretadas por distintas generaciones y continúan generando derechos de autor décadas después de su creación.
Armando Manzanero desarrolló una trayectoria como compositor e intérprete y también ocupó la presidencia de la SACM. En distintas ocasiones señaló las dificultades que enfrentó al inicio de su carrera para obtener reconocimiento autoral, al relatar que algunas de sus canciones fueron atribuidas a otros intérpretes. Su catálogo incluye temas como “Contigo aprendí”, “Somos novios” y “Nada personal”, además de composiciones escritas para voces como Luis Miguel, Chavela Vargas y Alejandro Fernández.
José Alfredo Jiménez, por su parte, dejó un repertorio que incluye canciones como “El Rey”, “Si nos dejan” y “Ella”, piezas que forman parte del cancionero ranchero. Juan Gabriel registró más de 500 obras, entre ellas “Querida”, “Hasta que te conocí” y “Abrázame muy fuerte”, muchas de las cuales fueron interpretadas por él y por otros artistas en distintos géneros.
En blindaje por la IA
En el contexto actual, la SACM mantiene su actividad de gestión y representación. En octubre pasado presentó su informe anual 2025, en el que reportó un incremento del 14% en la recaudación y dio a conocer una propuesta de ley en materia de inteligencia artificial, elaborada junto con una coalición de organizaciones culturales y entregada a la Secretaría de Cultura. Durante ese encuentro, el director general Roberto Cantoral Zucchi señaló que las obras generadas con inteligencia artificial conservan un componente creativo humano, al basarse en catálogos construidos por autores, lo que abre un debate vigente sobre la protección de derechos en la creación musical contemporánea.
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