Musica
Recordemos “Lago en el cielo”, la canción con la que Gustavo Cerati se despidió para siempre
Hay momentos en la vida que se convierten en despedidas, incluso sin que lo tengamos pensado como tal. Y muchos de esos instantes, a su vez, parecen estar diseñados por el destino para que el último adiós sea imborrable. Quizá, algo así sucedió con Gustavo Cerati cuando en 2010 dio su último concierto, ese que lo vio cerrar el set en Venezuela de manera magistral con “Lago en el cielo”.
Esta canción, cargada por sí sola de una estela de magia inigualable, es recordada por ser la última que el ídolo argentino tocó en vivo antes del fatídico accidente cerebrovascular que lo dejaría en coma por cuatro años.
En todos los sentidos, fue el tema con el que el mítico ángel eléctrico de Buenos Aires se despidió y uno que sin duda, nos sigue llevando a un mejor lugar a través de sus melodías.
El duro camino de Gustavo Cerati hacia un nuevo disco
Para entender mejor “Lago en el cielo” y toda la mística que conlleva, es justo hablar un poco del disco en el que se encuentra: el aclamado Ahí vamos del 2006. Porque no es casualidad que una de las canciones más recordadas de su etapa solista, se encuentre en uno de los discos más recordados del astro argentino de la música.
Gustavo Cerati lanzó este material tras cuatro años de ausencia de su propio proyecto personal. Después de Amor amarillo, Bocanada y Siempre es hoy inspirados en las producciones electrónicas más innovadoras de la época, el músico bonaerense se preparó para regresar a su raíz más rockera; esa que alguna vez experimentó con Soda Stereo y el frenético Canción Animal.
Pero en medio del trajín del 2002 al 2006, a Cerati le pasó de todo. Iba de arriba para abajo y viceversa. De experimentar el éxito con sus primeros trabajos solistas, a sufrir algunas críticas de la bancada más cercana a Soda que no le perdonaban el cambio de aires.
Pasó de un divorcio con Cecilia Amenábar a reencontrar el amor en Deborah Del Corral, quien para muchos –incluso la propia madre de Gustavo– fue el gran amor del ex Soda Stereo. Y fue esta última quien de hecho, puso punto final a la relación con el compositor.
Ni siquiera en los momentos previos al lanzamiento de Ahí vamos, Gustavo Cerati tuvo algo de calma. El cantante incluso debió pausar momentáneamente la presentación del disco debido a una tromboflebitis causada por un coágulo, lo que le obligó a dejar por un periodo largo de tiempo el consumo de cigarro, del que era un asiduo consumidor.
Los golpes de la vida se dejaron venir y los avisos de una salud deteriorada por los años de excesos comenzaban a ser evidentes. Pero la música no debía dejar de sonar. Y entonces…
“Lago en el cielo” y su lugar en ‘Ahí vamos’
Ahí vamos significó una revolución musical total para la carrera de Gustavo Cerati de muchas maneras y hay muchos detalles que hacen de este un disco único. Se trata de un material en el que el argentino retomó la textura rockera como punto central, con guitarras cargadas de distorsión. La portada, con Cerati levantando una guitarra, es la esencial del trabajo musical hecha imagen.
En la placa también colaboran muchos viejos conocidos como Tweety Gonzáles e incluso Benito, el hijo de Gustavo, quien tiene créditos como compositor en la icónica “Adiós”.
Y si a los premios nos vamos, Gus arrasó con varios Grammys Latinos, también con los Premios MTV (cuando estos valían algo de reconocimiento) y los Premios Gardel en Argentina. Ningún disco, ni siquiera de Soda, le había válido tantos galardones al ya legendario astro de Buenos Aires.
“Sin que tuviera un preconcepto, eliminé naturalmente todos aquellos lugares raros o ambientales que había utilizado en discos anteriores; simplemente porque las canciones no lo necesitaban”, dijo Gustavo Cerati sobre Ahí vamos en declaraciones recogidas de El Clarín.
“La diferencia que veo es que este álbum es más rockero, más guitarrero y posiblemente menos disipado en cuanto a las vertientes; va más al punto, tiene como un sonido vector que viene por el lado de la guitarra. Y veo al título como arengador, como un grito de batalla“, complementó.
Pero dentro del disco y esas guitarras llenas de distorsión, había una canción más suave e hipnótica que los otros 12 tracks que la acompañan. “Lago en el cielo” era la balada emotiva del disco, la que se hizo para erizar la piel.
La que de hecho marcaría la pauta y se convertiría, junto a “Crimen” y la ya mencionada “Adiós” en los sencillos más memorables del compilado; una canción clásica de la que el propio Gustavo hablaba con cariño especial.
El tema, con todo lo ambigua que puede parecer la letra, tiene un mensaje específico: es la idea de reencontrarse con el amor, de conocer a alguien y conectarse sin tener miedo, pero sí con paciencia. Es la invitación a dejar el pasado y aventurarse a “sentir alguno que nunca sentiste”.
El video musical de “Lago en el cielo”
El video musical –dato curioso– se realizó con varios clips enviados por fans mediante un concurso que Gustavo y su equipo lanzaron. Más 400 seguidores concursaron y solo 34 tuvieron la fortuna de ver sus imágenes en pantalla. ¿Y por qué era tan especial esta canción para Cerati? Bueno, el mismo lo dice en el fragmento de alguna entrevista que ronda por internet:
“‘Lago en el cielo’ para mí es la perla del disco. Lamentablemente tomo partido por ese tema… esa es una canción que salió así, de una. Es la canción de amor del disco aunque tiene algo muy potente sonoramente.
“Y es una cosa que a veces uno siente que ante una relación, uno le pone mucho gas, la empuja mucho, quiere que sea determinada la manera y la canción me sirvió un poco para reforzar algunas ideas de decir: ‘bueno, vamos despacio. Yo sé que todo esto está bien increíble, que vamos para el mismo imaginario, que vamos para el mismo lugar. Pero vamos despacio’”.
La última canción que Gustavo Cerati tocó
Durante la gira de Fuerza Natural, Gustavo Cerati dio su último concierto el 15 de mayo del 2010 en el Estadio Simon Bolívar de Caracas, Venezuela. Era el cierre de un agotador pero exitoso tour y la vuelta de página para Cerati y su equipo. Pero como dijimos, al principio de esta nota, las despedidas a veces llegan sin que así lo queramos.
En aquel show, “Lago en el cielo” fue la canción que cerró el set y cuando todos estaban en camerinos, Gustavo tuvo una descompensación de la que se informó en un primer momento, se recuperaba favorablemente.
La situación no evolucionó así y luego de ser trasladado a Argentina, pasó lo que todos conocemos: un accidente cerebrovascular que eventualmente lo llevó a estar en como durante cuatro años, hasta su fallecimiento el 4 de septiembre del 2014.
“El universo se va disponiendo de cierta manera. Si uno no se contrapone a ello, no fuerza demasiado las cosas, es cuestión de estar con los ojos abiertos. Por algo ocurren las cosas. Lo digo más allá de un sentido místico; es real. Realmente siento que el cosmos se confabula... Si uno no se pone en contra de eso, las cosas te llevan…”, decía Cerati en el documental de Ahí vamos.
Quizá ahora más que nunca, esa declaración hace sentido sobre una despedida que no esperábamos y que tiene a “Lago en el cielo” como la última joya sonora que la leyenda musical argentina dejó en un escenario.
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Es casi medio día en el hotel que colinda con la famosa Avenida Sunset Boulevard. Ringo Starr, el más juguetón de The Beatles y su baterista legendario, no da tregua, sabe que tiene el tiempo en sus manos y en estos meses lo ha utilizado para revisitar un género que había dejado 50 años atrás: el country.
El músico estrena hoy “Time on my hands”, parte del álbum “Look up”, que incluye 11 canciones (nueve de ellas escritas por T-Bone Burnett), a estrenarse en enero próximo. ¿Su particularidad? Regresa al género que plasmó en el disco “Beaucoups of blues” (1970).
A sus 84 años, Ringo no da señas de parar. Su chaqueta y pantalones de tela de jeans, sus tenis y gafas oscuras de rockero, visten a un músico que sigue disfrutando de componer, cantar y tocar la batería frente a todo tipo de generación.
—Recién estuvo este verano en México en el Auditorio Nacional con su gira, ¿qué recuerdos se trajo?
—¡Fue tan maravilloso tocar en México! El escenario estuvo genial. Toda la gente de la audiencia se la pasó cantando y bailando de pie. ¡Fantástica experiencia!
—¿Cree en la frase de que “no existe un minuto en el mundo en que no se escuche una canción de The Beatles”?
—Sí, sí lo creo. Y nuestras canciones de The Beatles siguen siendo bajadas en billones en streaming. No millones… ¡billones cada año! Y lo maravilloso es que suenan actuales. En 10 años más se seguirá escuchando el “sonido Beatle” como contemporáneo.
—Tras 50 años de no cantar country, ¿por qué abordar ahora este género tradicional de Estados Unidos?
—Se remonta a Liverpool, donde crecí, que es la capital del country en Inglaterra. Los jóvenes de 18 años iban y venían en barcos de América como parte del ejército naval. Regresaban con discos y muchos los escuchaban por BBC radio. Nosotros nos enganchamos con el rock & roll porque Luxemburgo tenía la torre de transmisión más potente en el mundo, difundiendo el programa de Alan Freed Music Show desde Estados Unidos, quien popularizó la palabra rock & roll, pero que también hacía sonar canciones country.
“Fue interesante que cuando finalmente nos conocimos John Lennon, George Harrison y Paul McCartney, descubrimos como The Beatles que todos escuchábamos la misma música. Liverpool era un gran lugar para estar musicalmente hablando”.
—La canción “Look up”, que da también título al álbum dice: “…Mantén la vista en el cielo y no voltees abajo donde están las sombras…”, ¿de dónde proviene ese sentimiento positivo para Ringo?
—A mí siempre me ha gustado la idea de ver siempre hacia arriba en vez de abajo. Siempre será mejor, porque puedes superar la locura que sucede en tu cabeza y al ver hacia arriba todo lo demás queda atrás de ti. Me sonó como un gran título y entonces le dije a T-Bone que lo destacáramos.
—El álbum también tiene “Time on my hands”, que apela más al lamento de las canciones country. Habla de a una mujer que se fue…
—“La mujer se fue, el perro se murió y no tenemos dinero para la rockola”, era la frase que decíamos antes describiendo al country. Esa es una manera simple de describir al country, pero esa sencillez nos lleva a canciones muy emotivas.
—Seguimos viviendo en tiempos de guerra como la de Vietnam o la Guerra Fría que le tocó a The Beatles, ¿cree usted que la música es una manera para “a la paz darle una oportunidad”?
—Le seguimos dando “a la paz una oportunidad” como John (Lennon) lo dijo hace años. Yo siempre en mis conciertos voy con la señal de mis manos de “amor y paz”. No puedo forzar a nadie a hacer lo mismo, pero si tú lo haces y yo lo hago ya somos dos y así podemos ir sumando.
—¿Cómo ve usted la escena de la música actual?
—Ahora todos están bailando sobre el escenario. Todas las famosas lo hacen. Desde Taylor Swift hasta Madonna, que acaba de dar concierto. Tal vez podría poner a alguien de mi banda (Ringo Starr & His All-Starr Band) a bailar.
—¿Qué opinión le da que muchos jóvenes ahora componen en sus teléfonos celulares y tabletas?
—Muy bien. Déjenlos hacerlo. Es la manera de componer ahora.
—¿Qué escucha ahora Ringo Starr?
—Música country (¡ríe!) Para ser honesto, no estoy muy atento a lo que está pasando en la música hoy en día, aunque sí escucho algunas de las bandas. También amo a Taylor Swift, a quien conocí cuando ella tenía 14 años.
CT
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Cada vez son más los artistas emergentes que van ganando popularidad a través de las redes sociales. Hoy en día, la fama dejó de ser un sueño inalcanzable para convertirse en una realidad a tan solo unos clics de distancia, y este grupo mexicano lo sabe muy bien.
Latin Mafia es una agrupación conformada por tres hermanos, la cual ha ido adquiriendo fama desde el año 2020 gracias a la plataforma de TikTok. Muchos de sus sencillos se han hecho virales en la red social, llevándolos a tener casi un millón de seguidores y 12.4 millones de likes en este mismo espacio.
Después de un año y medio de estar trabajando en el proyecto, la agrupación compartió que ya tienen listo su nuevo disco, el cual llevará el título de “Todos Los Días Todo El Día”.
Del mismo modo, dieron a conocer una dinámica para que sus fanáticos de Ciudad de México puedan escucharlo antes del lanzamiento oficial al público.
Latin Mafia permitirá a sus seguidores escuchar el nuevo disco el próximo domingo 20 de octubre en el Palacio de los Deportes, y lo mejor de todo es que será un evento con acceso completamente gratuito.
No obstante, se trata de una oportunidad con acceso limitado, por lo que los interesados deberán aplicar a un link de registro, el cual se abrirá el día de hoy, 17 de octubre.La publicación estaba planeada para hacerse a las 4:00 de la tarde, pero debido a algunas complicaciones técnicas, tuvo que retrasarse un poco.
El link será compartido a través de las redes sociales oficiales de la agrupación.
“De verdad es algo que nos llena mucho, hemos trabajado un año y medio en esto entonces queremos regalarles esto a ustedes. Los queremos mucho Gracias por tanto perdón por tan poco, nos vemos este domingo ❤️” expresaron en su cuenta oficial de Instagram.
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CM
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La Inteligencia Artificial ha llegado para revolucionar bastantes aspectos en el ámbito tecnológico y a su vez resulta bastante eficaz al momento de solucionar las dudas que le pueden surgir a las personas.
Bajo ese contexto se le ha preguntado respecto a la mejor canción de Antonio Aguilar, quien ha sido un gran exponente de la música ranchera mexicana y con ello ha dejado un legado importante en este género musical.
De acuerdo con ChatGPT, Inteligencia Artificial consultada, Aguilar no solo fue un músico talentoso sino también destacó como actor y productor que se encargó de promover la cultura mexicana a nivel internacional.
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¿Cuál es la mejor canción de Antonio Aguilar según la IA?
Entre su vasta discografía, algunas canciones destacan por su popularidad y significado, no obstante, ChatGPT señala que una de las canciones más emblemáticas de Antonio Aguilar es “La Culebra”
Esta canción se ha convertido en un clásico, resonando no solo en México, sino en comunidades latinas alrededor del mundo gracias a que captura ampliamente la esencia de la música ranchera con su melodía pegajosa y letras que narran historias de amor y desamor.
También menciona que una de sus obras más apreciadas es “El Hijo Desobediente,” la cual aborda la relación entre padres e hijos, un tema que resuena universalmente y ha conmovido a muchas generaciones. Al igual que en “La Culebra,” este tema muestra la capacidad de Aguilar para narrar historias a través de su música, estableciendo una conexión profunda y emocional con su audiencia.
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Ambas canciones son solo una muestra del talento de Aguilar y su contribución a la música ranchera, un género que continúa siendo un símbolo de la cultura mexicana.
YC
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