Musica
Phil Collen nos cuenta sobre los shows de Def Leppard con Mötley Crüe en México y más
En un concierto que será imperdible por la reunión de dos grandes, Def Leppard y Mötley Crüe llegan al Foro Sol el sábado 18 de febrero (ACÁ les contamos todos los detalles). Estamos ansiosos por ver a ambas bandas, pero tuvimos la oportunidad de platicar con Phil Collen, guitarrista de la agrupación británica y uno de los más icónicos del glam rock, que ha creado riffs legendarios solos pegadorsísimos y que también le ha hecho a los vocales de apoyo y composición de letras junto a Joe Elliot.
Como un aficionado absoluto a la música, Phil nos mostró su equipo para grabar en casa –pues actualmente reside en California– y nos platicó cómo ve las cosas en el mundo musical hoy en día. Por si esto no fuera suficiente, nos dio bastantes detalles sobre las sorpresas que traen preparadas para este show que nos tiene muy emocionados, así que aquí les dejamos nuestra plática con Phil.
Platicamos con Phil Collen de Def Leppard sobre su show en México y mucho más
Sopitas.com: Hola Phil, gracias por tomarte el tiempo para platicar con nosotros.
Phil Collen: “Es un placer, ¿Cómo están?”.
Sopitas.com: Bien, ¿Tú?
PC: “Maravilloso, ¡Es mi cumpleaños hoy! Estoy siendo flojo”.
sopitas.com: ¡Feliz cumpleaños! Es un honor hablar contigo. Es un privilegio que la presentación el Foro Sol en febrero es el inicio de la gira mundial en Latinoamérica con Mötley Crue, respecto a eso, sin arruinarnos la experiencia, con casi seis años de ausencia en México: ¿Cuáles son algunas de las principales sorpresas o cambios que el público puede esperar de este show?
PC: “Pienso que como hemos estado ausentes por tanto tiempo por COVID hay un poder distinto en la presentación, más energético. El show es mejor, somos mejores cantantes, mejores intérpretes. Esto viene con que si tocas todo el tiempo, estos son algunos de sus efectos secundarios. De lo que nos dimos cuenta en el tour en Estados Unidos, tuvimos una reacción muy entusiasta. México, en especial la Ciudad de México, siempre ha sido uno de los mejores públicos en el mundo, estamos muy ansiosos, será asombroso. Cantamos mejor, tocamos mejor, la tecnología, las luces, los láseres, todo. Esperamos algo fenomenal de México”.
Sopitas.com: Esperamos mucho el show. Def Leppard suele hacer covers de otras bandas, ¿Cómo eligen las canciones para hacer un cover, un popurrí o una versión acústica? ¿Cuál es el proceso?
PC: “Solo surge de vez en cuando, alguien sugiere algo, puede ser quien sea, ¿Sabes? Hicimos una canción de Depeche Mode (“Personal Jesus”), Vivian sugirió eso. Escuchamos esa canción diario en el soundcheck porque Ronan, nuestro tipo de sonido, la reproduce en el audio y dijo: “Esa sería una buena canción.” Dijimos “Sí, genial.” Y la grabamos. Así es como surge, si alguien es un fan o piensa que podemos hacer una buena versión”.
Sopitas.com: El nuevo disco Diamond Star Halos mantiene la energía clásica de Def Leppard, pero ¿Cómo vino “This Guitar” a su mente y cómo fue trabajar con Alisson Krauss para ésta canción?
PC: “Hay una historia graciosa acerca de eso. Tenía diecisiete o dieciocho años, la escribí con mi amigo, sí hace dieciocho años, C.J. Vanston, que es un productor, tecladista, y todo. Tina Turner, Dolly Parton, todo. ¡Prince! Ha tocado con Prince, ha hecho todas estas cosas. Así que, escribimos esta canción, y Joe dijo: ‘Amo esta canción’. Por años ha estado diciendo: ‘¿Podemos hacerla?’. Sonaba un poco a country, y de vez en cuando pensábamos: ‘¿Qué tal ahora? Sigue sonando country’. Cuando comenzamos a darnos cuenta que estábamos grabando un álbum, y toco todas mis guitarras y vocales justo aquí, de hecho, estoy sentado frente a mi computadora en casa. Joe dijo: ‘¿Puedes hacerme un demo de esa canción para que pueda cantarla? Sonará diferente, no sonará tan country’”.
“Así que la hicimos, y sonó asombrosa, y luego, completamente por coincidencia, nuestro manager estaba hablando con el manager de Alison Krauss y Robert Plant estaba hablando con Joe, y empezaron a hablar sobre que Alison Krauss es fan de Def Leppard, y le dijeron: ‘¿Quisieras hacer una canción del álbum como invitada?’ y ella dijo: ‘Sí’, nosotros contestamos que en dos canciones. Estábamos intentando de separarnos del country, y de pronto, ella la tomó y la hizo más… Ella es bluegrass, así que es una cosa distinta. Ella es la cantante más asombrosa allá afuera, es increíble. Y ella y Joe suenan asombrosos juntos. Fue gracioso como surgió, y como dije, fueron diecisiete o dieciocho años en la elaboración, algo que no pensamos estuviera bien para Def Leppard, terminó siendo con esta estrella del country y bluegrass haciendo los vocales con Joe. La amé, amé como resultó y gracias de nuevo porque les gustó”.
Sopitas.com: ¿Cómo te vino la idea de escribirle a tu guitarra y no a un interés romántico o a alguien más?
PC: “Bueno, C.J. es un tecladista y pianista brillante y cuando comenzamos, tenemos estas discusiones aún, lo ví el otro día, tenemos estas discusiones filosóficas acerca de la vida y todo. Él tocó para Dalai Lama y Muhammad Ali y escribió una pieza para ellos. Siempre hablamos de eso y qué pasó con nosotros más jóvenes. Nos adentramos en la música y empezamos a tocar nuestros instrumentos y se transformaron como una entidad, un espíritu que nunca te dejaría. Si te sentías triste o bien, como te sintieras, podías incorporar la guitarra o teclado o la entidad musical, el espíritu”.
“Es como el arte, todo tipo de arte. Puede ser la poesía, la pintura, hay algo sobre ella que te invita, es como una entidad viva y que respira. Es sobre lo que trata la canción, sobre supongo que es un espíritu que no te deja, el sentimiento que está contigo todo el tiempo. La guitarra es obviamente más sexy que un teclado o que un piano, así que la hicimos sobre la guitarra. ‘This Piano’, pues sí, puedes hacerlo pero no suena también como ‘This Guitar’”.
Sopitas.com: Def Leppard nunca ha descansado en más de cuarenta años, se han mantenido juntos. Durante el encierro: ¿Cómo lograron mantener intacta la fuerza creativa?
PC: “Fue lo opuesto, nos sentimos realmente inspirados y nos inspiramos el uno al otro, nos emocionamos mucho sobre estas canciones. Ni siquiera sabíamos que estábamos haciendo un disco. Y le envié una idea a Joe, creo que fue “Open Your Eyes”, el coro, y el me dijo: ‘Si cambias esta pequeña parte yo puedo cantar una gran idea que tengo para el verso’. Lo hice y en dos días teníamos esa canción. Él estaba en Irlanda, yo en California, y nos mandábamos ideas el uno al otro, los demos terminaron en el álbum, mi guitarra original, algunas de mis partes vocales originales. Nos emocionó e inspiró mucho. Y creo que eso fue lo que lo hizo, y cuando se lo pusimos al resto del grupo, ellos se inspiraron”.
“Tenemos una meta: ser como Queen o los Rolling Stones o ambos. Lo que Queen haría si alguien tenía una idea para canción, toda la banda pondría el cien por ciento. Si Freddie Mercury escribió “Bohemian Rhapsody”, no quitaría a los demás del camino, todos pondrían el cien por ciento. Eso es lo que pasó con nosotros en este álbum. La gente solo ponía ideas en la estructura de la canción y era como ‘¡Wow, obtuviste la mejor versión de Def Leppard!’. Así que pienso que nos inspiró a todos y especialmente, no teníamos la intención de grabar un álbum, pero cuando nos dimos cuenta que era lo que teníamos, lo hizo inclusive más especial. Amamos el proceso de este álbum, fue asombroso, esa energía se traduce en el show en vivo”.
Sopitas.com: Como un guitarrista, ¿cómo trabajas en las guitarras a distancia de los demás?
PC: “Uso esta cosa llamada Guitar Rig, y es un software, literalmente me conecto, en esta computadora desde la que les estoy hablando donde hice el disco completo (‘Diamond Star Halos’). Me conecto, tengo algunos preestablecidos que hice en dos mil once, y estoy usando los mismos sonidos, solo uso diferentes guitarras”.
“Sé que es un desastre aquí, pero tengo esos altavoces, tengo unas pocas guitarras, y es básicamente eso. Hago eso, y es el cielo para tocar la guitarra. Solo me conecto y no debo preocuparme de conseguir el sonido, porque ya está ahí, creo pistas de batería, uso loops y combino todo y consigo un sonido asombroso. Eso es lo que lo comienza, se lo mando a Joe y a Ronan, nuestro productor y él lo hace mejor, mejora la batería, y al final entra Rick y cambia y pone remates. Todos se involucran y es iniciarlo e inspirarse en primer lugar”.
Sopitas.com: Se cumplen 30 años de Adrenalyze, ¿Cómo ves esos álbumes ahora? ¿Piensas en ellos? ¿Los tocas y piensas qué hubieras hecho distinto?
PC: “Lo pienso. Todo artista siempre piensa: ‘Deseo que hubiera hecho esto, que hubiera cambiado eso’, pero me gusta el hecho de que son una cápsula del tiempo, son casi como una máquina del tiempo. Son relevantes. Hicimos ‘Adrenalize’ y el siguiente álbum fue ‘Slang’, y amo también ese álbum, pero no hubiera pasado si no hubiéramos hecho ‘Adrenalize’. Creo que cada álbum es un es una tónica, un tipo de respuesta al álbum que hicimos antes. Para nosotros, es importante y emocionante cambiarlo un poquito, esos dos álbumes son drásticamente distintos”.
“‘Adrenalize’ es un poco extraño, porque acabábamos de perder a Steve, tenía cierta tristeza. No puedo explicarlo, pero definitivamente había tristeza, teníamos que reproducir sus partes que habíamos hecho en los demos y todo eso. Salió en un tiempo muy extraño, salió y fue número uno en Estados Unidos por seis semanas le fue muy bien, fue nuestro álbum más grande en muchos países. Son tres álbumes: ‘Pyromania’, ‘Hysteria’ y ‘Adrenalize’, todos tienen un sonido similar. Pienso que por eso cuando hicimos ‘Slang’ lo hicimos muy distinto, porque era una trilogía y ‘Adrenalize’ fue el último de los álbumes que sonó así”.
Sopitas.com: ¿Hay alguna banda contemporánea o proyectos o inclusive guitarristas que te parezcan sobresalientes? ¿Por qué?
PC: “Sí hay, pero tiendo regresar a Jimi Hendrix y cosas así, obviamente amo a Joe Satriani ,es asombroso melódicamente. Y Jeff Beck, regreso a reproducir algo de su trabajo. Solo diferentes etilos y me gusta mucho el jazz, blues y rock viejo. Hasta funk y soul de los setentas, amo eso. Así que, es un constante bombardeo de esto, tengo playlists que creo y son realmente diferentes. Me acabo de meter en esta cosa de jazz lo-fi, que es extraño, es algo realmente relajado, con jazz en el fondo, mucho groove, solos brillantes, tiene metales o piano. Cambia todo el tiempo y estoy en el glam rock por un tiempo, pero ahora mismo, siempre estoy escuchando, hay artistas asombrosos afuera, pero por el momento principalmente estoy escuchando lo viejo, es de donde tomo inspiración”.
“Hay algo sobre la industria, que es difícil producir artistas, porque creo que la motivación para ser músico, es muy diferente a lo que era antes. Es muy distinto decir Bob Dylan, los Beatles, Jimi Hendrix, estaban intentando crear algo, y ahora hay una motivación ligeramente distinta, hacerlo, lograrlo, ser grande, o ser relevante. Y lo entiendo, todos queremos algo de eso, pero ha cambiado un poco, y creo que lo escuchas en alguna de la música. Hay grande cosas, hay grandes híbridos, hay gran R&B, hip-hop, mixes, que son maravillosos. Y hay gran rock, pero poco, aún no escucho algo como cuando escuchas a Zeppelin por primera vez y dices: ‘Woah’”.
Sopitas.com: Gracias Phil, te veremos en febrero, estamos ansiosos.
PC: “Yo también, sé cómo es el público en México, siempre es como: ‘Wow!’. Así que siempre esperamos eso, ¡Los vemos ahí!”.
Recuerden que Def Leppard y Mötley Crüe se presentarán en el Foro Sol de la Ciudad de México el sábado 18 de febrero de 2023 y en el Estadio Banorte de Monterrey el martes 21 de febrero. Si todavía no tienen sus boletos, pueden comprarlos POR ACÁ.
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A sus casi 60 años, Joselo Rangel asegura que todavía hay preguntas que no termina de responderse. La fe, la familia, la paternidad, el paso del tiempo y la imaginación son algunos de los temas que atraviesan “Final feliz”, su nuevo libro de cuentos publicado por Seix Barral, una obra donde el músico y escritor mexicano explora historias marcadas por el humor negro, la fantasía y la ciencia ficción, pero también por inquietudes profundamente humanas.
El volumen reúne 12 relatos que van desde hombres disfrazados de Charly García convertidos en líderes de culto hasta pilotos alcohólicos convencidos de que los aviones vuelan gracias a milagros. Aunque la imaginación domina el libro, Joselo reconoce que muchas de las historias nacen de experiencias personales llevadas al extremo.
“Siento que cada uno de los libros que he publicado tiene algo de mí, pero siempre hago la aclaración porque mucha gente me pregunta si todo lo viví. A mí me gusta usar la ficción al escribir. Se me haría un desperdicio contar solamente cosas que ya me sucedieron”, dice en entrevista con EL INFORMADOR.
El integrante de Café Tacvba explica que su proceso creativo suele partir de una experiencia cotidiana o de una idea mínima que después crece a partir de la imaginación.
“Si algo en la realidad me desata imaginarme algo, pues lo llevo hasta el final”.
Sin proponérselo del todo, “Final feliz” terminó convirtiéndose en un libro atravesado por las relaciones familiares. Padres, madres, hijos y matrimonios aparecen constantemente en las historias. Para Joselo, eso tiene que ver con el momento de vida en el que se encuentra.
“Lo que estoy viviendo no es lo mismo que vivía hace 10 o 20 años. Ahora tengo una familia, llevo 20 años con mi esposa, tenemos dos hijas, mis papás ya murieron. Somos cuatro hermanos y, de hecho, les dediqué el libro a ellos. Ya somos los que quedamos hasta arriba; para arriba ya no hay nadie”.
Deja que la escritura fluya
Joselo asegura que no suele dirigir deliberadamente los temas de su escritura, sino que deja que las ideas fluyan hasta que encuentra conexiones entre ellas.
“En cierto momento me di cuenta de que tenía muchas ideas relacionadas con familias, con papás, con mamás. Entonces pensé que estaría buenísimo hacer un libro cuyo hilo conductor fuera ese. Pero también me gustó que hubiera cuentos distintos, porque cuando hay diferencias ciertos temas resaltan más”.
Además de la familia, otro de los temas que terminó apareciendo de forma inesperada fue la fe. Al revisar los cuentos ya terminados, el músico encontró reflexiones relacionadas con la religión, las creencias y hasta con el propio acto artístico.
“El arte también es un acto de fe. ¿Quién dice que una caja de zapatos vacía puesta en una galería es arte? Hay un acto de fe tanto del que la expone como del que la observa. De repente me di cuenta de que ese tema estaba dentro del libro y creo que tiene que ver con la edad”.
El artista reconoce que, con el paso del tiempo, comenzó a cuestionarse aspectos que antes daba por sentados.
“Naces en una familia que ya viene con una religión, con un contexto sociocultural; todo viene dado desde que naces. Y luego puedes o no cuestionarlo. Hay gente que sigue ahí toda la vida y hay otros que rechazan todo eso”.
Influencias que van de Philip K. Dick a José Agustín
En la exploración literaria, la ciencia ficción sigue ocupando un lugar central para Joselo. Desde niño encontró en autores como Philip K. Dick y Ursula K. Le Guin una puerta para imaginar otros mundos posibles.
“Mucho de lo que vemos ahora en películas o series, Philip K. Dick ya lo estaba planteando hace muchísimo tiempo”.
Sin embargo, el autor que realmente le hizo pensar que él también podía escribir fue José Agustín. Lo mismo ocurrió al leer Tiempo transcurrido, de Juan Villoro.
“Yo veía la literatura como algo lejano, pero cuando leí a José Agustín supe que también podía escribir. Porque hablaba de música, de lo cotidiano, de temas cercanos a mí”.
En los últimos años también ha seguido de cerca el trabajo de autores argentinos como Pedro Mairal, Mariana Enríquez y Samanta Schweblin, escritores que, considera, han ayudado a romper prejuicios sobre géneros como el terror o la ciencia ficción.
“Antes se veía a la ciencia ficción o al terror como géneros menores y ahora todo eso está cambiando. Eso me gusta mucho”.
Más que un músico
La literatura y la música han convivido desde hace años en la vida de Joselo Rangel. Antes de “Final feliz”, publicó “Crócknicas Marcianas” en 2011, el libro de cuentos “One Hit Wonder” en 2015, la novela “Los desesperados” en 2018 y “La niña aburrida” en 2020. Sin embargo, durante mucho tiempo sintió que el público seguía viéndolo únicamente como músico.
“Creo que ya se están equilibrando las cosas. Sí hay gente que todavía se sorprende de que escriba, pero tampoco le doy mucha importancia. Hay personas a las que simplemente no les interesa leer”.
Para el guitarrista, esa sorpresa también refleja cierta idea reduccionista sobre los músicos y los artistas.
“Es como si alguien dijera: ‘¿Cómo un roquero va a escribir?’. Hay muchísimos músicos que escriben, pintan o hacen otras cosas. Pensar que una persona solo puede ser una cosa en la vida es muy triste”.
Parte de su proceso creativo ocurre en una libreta que carga desde hace años a todos lados. Ahí conviven ideas para canciones, cuentos, dibujos y anotaciones cotidianas.
“Siempre cargo una mochila o un morral y ahí llevo una sola libreta para todo. Luego las reviso y encuentro cosas que ya había olvidado. Tener distancia con las ideas me sirve muchísimo”.
Incluso recuerda que esa costumbre nació cuando leyó “Nadie sale vivo de aquí”, la biografía de Jim Morrison.
“Decía que él cargaba una libreta para todos lados y yo pensé: ‘Yo quiero ser así’. Un amigo me dijo: ‘Yo también leí ese libro, pero yo me fui por las drogas y no por el cuaderno’”, cuenta entre risas.
Aunque reconoce similitudes entre escribir cuentos y componer canciones, Joselo considera que ambos procesos parten de lugares distintos. Mientras las canciones nacen desde la emoción inmediata, la narrativa requiere disciplina y trabajo constante.
“Las canciones son más sentimentales. De repente estoy tocando guitarra y sale una palabra, luego otra, y descubro que estaba triste o enojado. En cambio, escribir cuentos sí empieza con una idea más clara, pero es mucho más trabajo. Tengo que obligarme a sentarme a escribir”.
CT
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La emoción por el Mundial 2026 no terminó con la ceremonia inaugural. Luego de presentarse ante miles de aficionados durante el arranque del torneo, Danny Ocean sorprendió a sus seguidores al anunciar un concierto gratuito en la Ciudad de México, una noticia que rápidamente comenzó a generar expectativa entre los fanáticos del cantante venezolano.
Danny Ocean extiende la fiesta del Mundial 2026
La inauguración de la Copa Mundial 2026 reunió a figuras internacionales de la música y el entretenimiento en el Estadio Ciudad de México, donde millones de espectadores siguieron uno de los eventos más esperados del año.
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Entre los artistas invitados destacó Danny Ocean, quien formó parte del espectáculo musical que acompañó el inicio oficial del torneo. Tras su participación en el evento, el intérprete sorprendió a sus seguidores con el anuncio de una nueva presentación en la capital del país.
La noticia llamó la atención debido a un detalle que rápidamente se volvió tendencia: el acceso será completamente gratuito para el público.
Un anuncio que emocionó a sus seguidores
El anuncio del concierto generó una inmediata reacción en redes sociales. Miles de usuarios comenzaron a compartir la noticia y a expresar su entusiasmo por la posibilidad de ver al cantante sin necesidad de adquirir boletos. La expectativa creció especialmente entre los seguidores que ya habían celebrado su participación durante la ceremonia inaugural del Mundial.
La combinación entre el ambiente futbolístico y la presencia de artistas internacionales ha convertido a la Ciudad de México en uno de los principales centros de atención durante los primeros días de la competencia.
¿Por qué el concierto ha generado tanto interés?
Danny Ocean es uno de los artistas latinoamericanos con mayor proyección internacional de los últimos años.
Canciones como “Me Rehúso” le permitieron alcanzar reconocimiento en distintos países y consolidar una amplia comunidad de seguidores en plataformas digitales y servicios de streaming.
Su participación en el Mundial 2026 reforzó aún más su presencia mediática, por lo que el anuncio de una presentación gratuita despertó el interés de quienes buscan extender la experiencia de la fiesta mundialista más allá de los partidos de futbol.
Además, los conciertos abiertos al público suelen convertirse en eventos de gran convocatoria, especialmente cuando involucran a artistas con una importante base de fanáticos.
LEE: Bailarines del Mundial 2026 hablan sobre la presunta “doble de Shakira”
La música, protagonista del Mundial 2026
La Copa Mundial no solo ha captado la atención por los encuentros deportivos. Desde su inauguración, el torneo también ha destacado por la participación de figuras reconocidas de la música internacional.
Durante la ceremonia inaugural participaron artistas como Shakira, Burna Boy, Lila Downs, Maná, Belinda, J Balvin y Andrea Bocelli, entre otros invitados. La presencia de estos artistas convirtió el espectáculo de apertura en uno de los temas más comentados en redes sociales.
Ahora, el anuncio realizado por Danny Ocean mantiene el vínculo entre música y futbol que ha caracterizado al torneo desde sus primeros días.
Ciudad de México, epicentro de la celebración
La Ciudad de México se ha convertido en uno de los principales escenarios del Mundial 2026.
Además de albergar partidos y actividades relacionadas con la competencia, la capital mexicana ha recibido a miles de visitantes nacionales e internacionales que buscan vivir de cerca la experiencia del torneo.
En este contexto, eventos musicales como el anunciado por Danny Ocean adquieren una relevancia especial al ofrecer opciones de entretenimiento complementarias para aficionados y turistas.
La combinación de futbol, conciertos y actividades culturales ha contribuido a mantener un ambiente festivo en distintos puntos de la ciudad.
Lo que se sabe del concierto
Hasta el momento, lo que ha generado mayor atención es la confirmación de que se tratará de una presentación gratuita.
La noticia ha sido suficiente para despertar interés entre seguidores del cantante y aficionados que se encuentran en la capital por motivos relacionados con el Mundial. El anuncio también ha impulsado conversaciones en redes sociales, donde numerosos usuarios han compartido mensajes celebrando la oportunidad de asistir a un evento sin costo.
El Mundial 2026 ha demostrado que su impacto va mucho más allá del terreno de juego.
La participación de artistas internacionales, los espectáculos musicales y los eventos abiertos al público forman parte de una experiencia que busca involucrar a millones de personas dentro y fuera de los estadios.
En ese contexto, el anuncio de Danny Ocean representa una nueva oportunidad para que los aficionados disfruten de la música en medio del ambiente festivo que rodea a la Copa Mundial. Mientras el torneo continúa desarrollándose, la expectativa por este concierto gratuito confirma que la combinación entre futbol y entretenimiento sigue siendo una de las fórmulas más atractivas para el público.
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Olivia Rodrigo nunca ha ocultado que su principal fortaleza artística radica en transformar las emociones más complejas en canciones capaces de conectar con millones de personas. Con apenas tres álbumes de estudio, la artista estadounidense ha construido una narrativa generacional basada en la vulnerabilidad, la honestidad y la capacidad de convertir experiencias personales en fenómenos globales. Ahora, esa historia suma un nuevo capítulo con el lanzamiento de “You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love”.
El tercer álbum de estudio de Rodrigo llega en un momento particularmente significativo de su carrera. Después de irrumpir en la industria con SOUR y consolidar su estatus internacional con GUTS, la cantante enfrenta el desafío de expandir su universo creativo sin perder la autenticidad que la convirtió en una de las voces más importantes del pop contemporáneo.
Desde su propio título, “You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love” plantea una paradoja emocional. La frase sugiere una tensión entre la felicidad que tradicionalmente se asocia al amor y las incertidumbres que pueden surgir incluso en los momentos de plenitud afectiva.
El álbum fue precedido por el éxito de “Drop Dead”, un sencillo que marcó un nuevo hito para Rodrigo al convertirla en la primera artista en la historia en debutar los sencillos principales de sus tres primeros álbumes directamente en el número uno. Más adelante, “The Cure” reforzó ese impulso al liderar diversas listas de Billboard, incluyendo Hot Rock & Alternative Songs, Hot Alternative Songs y Alternative Digital Song Sales.
Junto con la publicación del disco, la cantante también estrenó el video oficial de “Stupid Song”. Dirigido por Mitch Ryan y filmado en Nueva York, el visual incorpora la participación de bailarines del New York City Ballet bajo la coreografía de Tiler Peck, una colaboración que amplía el diálogo entre la propuesta pop de Rodrigo y disciplinas artísticas tradicionalmente asociadas con la danza clásica.
 
La llegada del álbum coincide además con un periodo de enorme visibilidad para la artista. Recientemente participó en Spotify Billions Club Live para celebrar que nueve de sus canciones superaron los mil millones de reproducciones, una cifra que confirma el alcance global de un catálogo que continúa creciendo.
También protagonizó uno de los momentos más comentados de Primavera Sound al interpretar por primera vez “What’s Wrong With Me” junto a Robert Smith de The Cure, quien participa oficialmente en la versión incluida en el álbum.
Más allá de los números, el lanzamiento reafirma una de las características más interesantes de la evolución de Rodrigo: su capacidad para expandir referencias sin abandonar la sensibilidad pop que la distingue.
La presencia de Robert Smith funciona como un puente simbólico entre generaciones y evidencia una búsqueda artística que dialoga tanto con la tradición alternativa como con las nuevas audiencias.
La publicación de “You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love” también se produce en medio de la expectativa por The Unraveled Tour, la nueva gira mundial que comenzará en septiembre.
Con más de un millón de boletos vendidos y fechas agotadas prácticamente de inmediato, la serie de conciertos ya perfila uno de los fenómenos de la industria en 2026 y 2027. La ampliación de cuatro a diez noches en el Barclays Center de Brooklyn y las diez presentaciones programadas en el Intuit Dome de Los Ángeles reflejan la magnitud de una artista que ha logrado convertir cada nuevo proyecto en un acontecimiento cultural.
Cabe señalar que el fenómeno no surge de manera espontánea. Con más de 36 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, catorce nominaciones al Grammy y reconocimientos que incluyen Mejor artista nuevo, Mejor álbum vocal pop y Mejor interpretación pop solista, Rodrigo ha construido una trayectoria poco común para una artista de su generación.
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