Cine y Tv
ENTREVISTA: Karla Souza habla sobre ‘La caída’ y los sistemas de abuso
En los últimos años las denuncias por casos de abuso sexual han cobrado mayor relevancia en todas las industrias. Después de muchos años de secretos, casos invisibilizados y víctimas con gritos acallados, por fin varias voces rompen el silencio. La película La caída, protagonizada por Karla Souza, es una de aquellas reflexiones cinematográficas que busca poner el tema sobre la mesa y con suerte lograr la empatía de la audiencia para generar un cambio.
La caída sigue a Mariel (Karla Souza), una clavadista mexicana que tiene frente a sí su última oportunidad de ir a Las Olimpiadas y obtener una medalla. Sin embargo, cuando un secreto oscuro sobre su entrenador de toda la vida sale a la luz, la atleta debe replantearse sus prioridades. ¿Es más importante la verdad o el éxito?
Para Karla Souza La caída es un proyecto sumamente personal. A través de las conversaciones con distintas víctimas de abuso sexual, dentro de la industria deportiva, la actriz creó con ayuda de otros una ficción que pudiera servir de denuncia colectiva. Su misión también fue poner al frente un tema por el cual se le ridiculizó hace cuatro años cuando ella misma confesó haber sido una víctima más en esta narrativa.
La película llegará a Amazon Prime Video el próximo 11 de noviembre y está dirigida por Laura Puenzo. Pero tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine Morelia (FICM) en donde Karla Souza platicó con Cine PREMIERE y otros medios. En la conversación también estuvieron presentes el actor Hernán Mendoza, la guionista María Renée Prudencio y la actriz Dèja Ebergenyi.
¿Cómo se decidió que Lucía Puenzo fuera la directora de la película?
Karla Souza (KS): Era importante escoger a alguien que no nada más fuera mujer. Yo necesitaba a alguien que conectara y había muchas mujeres con las que hablamos, que no conectaban con la historia.
Cuando vi las películas de Lucía, noté que tenían temas sobre la sexualidad tratados de manera compleja. Usaba muchísimo la simbología del agua también. Entonces yo me acerque a ella, leyó el guion que habíamos trabajado desde creo dos años antes y dijo ‘es como si yo lo hubiera escrito’. Y ella trabajaba con María Renée y Tatiana Merenuk. Ahí fue donde ellas lograron con toda la información que todos nosotros les vomitamos, esa sutileza, una elegancia, darle palabra y estructura a una historia y a muchas historias muy complejas. Y por eso es una ficción, porque justo hay muchas cosas que queríamos llevar, pero seguir siendo como específicos en el viaje emotivo del personaje de Mariel.
¿Qué similitudes encuentran con el mundo deportivo y el mundo de los actores, hay algún parecido en algunas cuestiones o nada qué ver?
KS: Creo que las similitudes serían en todos los ámbitos. Realmente lo que queríamos lograr es ser específicos. Porque lo específico de esta historia la hace universal. Porque como decías ayer en Sanborns, como en mi carrera o en la de los periodistas, esto existe en todas partes. Todo el mundo vive en estas sociedades de silencio. Y nuestra historia era esa. Encontrar de qué manera podemos ayudar a la gente a nombrar lo que les está sucediendo y que ni siquiera han podido concientizar.
Esto sucede en muchas industrias y en muchos ámbitos. Tu comentabas que tuviste una investigación muy amplia y previa de comentarios y testimonios de gente dentro del deporte para construir esta historia, ¿Cómo fue enterarte o saber todo eso?
KS: Pues sí, fue con muchos clavadistas, con doctores de antidoping, con especialistas de violencia de género. Y en realidad, María Renée, tú también puedes hablar de esto…
María Renée Prudencio (MR): Sí, tuvimos la enorme fortuna de tener personas muy generosas y valientes que compartieron sus historias con nosotras. Sin duda, no podríamos haber llegado a un retrato tan honesto sin esos testimonios absolutamente llenos de coraje de estas mujeres.
KS: Sí. Y creo que lo interesante fue que añoran que se cuente esta historia. O sea, porque los clavadistas son muy invisibles en este país y han tenido muchos problemas de esta índole y nadie los escucha. Entonces tengo muchísima empatía y admiración hacia ellos y espero que esto también logre visualizar los que ellos viven a diario.
Hernán, cómo fue la preparación de tú personaje, la creación, sobre todo. Porque en cierto momento es muy contenido. Y poco a poco vamos explorando y conociendo quién es. Lo ves y crees que es alguien que conoces, alguien cercano, alguien que ha estado junto a ti. Y de repente vas descubriendo esos matices, ¿cómo fue darnos este personaje?
Hernán Mendoza: Bueno, como actor lo que a mí me gusta es representar seres humanos y a veces te tocan seres humanos con sus debilidades, sus defectos, Braulio, es alguien que, aunque es muy bueno en lo que hace, tiene un conflicto que tenemos la gran mayoría de los seres humanos cuando tenemos poder. No sabemos qué hacer, para qué sirve.
El poder en vez de usarlo para el beneficio de un grupo y que este grupo se sienta motivado y tengamos éxito, lo usa más bien para beneficio personal. Para satisfacer sus propias necesidades, sus propias debilidades, sus propias fantasías. Pero no por ello dejan de ser seres humanos, entonces yo quería que se viera así, que se viera un tipo como tu tío, como el vecino, como cualquier otra persona que tú dices es un buen tipo. Sin embargo, tiene sus debilidades y una de ellas es esa. Cuando tú ves a un asesino en serie, hasta hay simpáticos, no, hay gente muy agradable, entonces a mí, ese tipo de actuación es la que me interesa, la que me gusta, y cuando leí el guion dije ahí está, perfecto, se puede retratar justamente eso.
KS: Hizo un casting fenomenal. O sea, en realidad muchos actores de renombre no querían ni tocar ni acercarse a la historia. No querían hacer este personaje.
¿Por qué crees que no querían?
KS: Sí hacen asesinos, sí hacen a todo eso, pero este no. Así que es un gran aliado tener un actor de su calibre. Eso es ser aliado, o sea, ponerse en situaciones vulnerables como persona y como actor para ayudar a la causa. Y yo necesitaba a alguien así. Además, improvisó muchísimas cosas en la película.
Cuando nos venden la historia de Caperucita Roja, te venden al lobo, te venden todo esto. Cuando yo salí a hablar, todo el mundo me decía es que no, es que es buena persona, es un tipazo. Oye, pero es que tiene una esposa, pero tiene una hija. Entonces le pusimos a su hija, le pusimos todas las cosas que todo el mundo te cuenta.
Es un personaje que está blindado por todas las medallas de oro. Está blindado de cualquier castigo, por todas las medallas que trae a México, ¿sabes? Eso lo blinda de cualquier castigo y la investigación que le hicieron es… la investigación fue más bien ¿cómo decía Lucía? Fue una investigación a la madre, o sea, no fue una investigación hacia Braulio. Fue una investigación más a la madre y a que fuera ella madre. Y que en su casa las cosas estuvieran funcionando. No le preguntaron nada a él, nada.
Pero sí estamos muy agradecidos de que Hernán se haya metido al quite.
Tu personaje tiene estas dos vertientes, la parte emocional muy fuerte con muchos conflictos y también la parte física, porque obviamente es una clavadista. Entonces quiero que me cuentes para ti qué fue lo más retador ¿conseguir la parte emocional del personaje o la parte física?
KS: Las dos, en realidad lo veo como un conjunto. O sea, una no existe sin la otra. En la parte física para mí era importante sentirme fuerte como ellas, no era una cosa de estética, sino de poder hacer los clavados. Yo lo quería hacer porque además admiro y respeto muchísimo a los deportistas. Yo era atleta de joven y dije yo tengo que poder simular la fuerza que ellos tienen para poder saltar. Entrar al cemento, o sea, es cemento en el que pegas cuando saltas de la de 10 metros. Sí es muy fuerte hacer eso.
Entonces cuando me tiré mi primer clavado mi admiración creció y creció al estarme preparando con los clavadistas, que fueron también súper generosos con su tiempo. Me dejaron entrenar con ellos como una atleta más. El primer día que me tire de la de 10 metros yo estaba embrazada y no lo sabía. Luego volví a tener otro hijo y a los 9 meses de haber parido yo estaba en la película. Entonces la dieta y todo fue aún más difícil porque después de 2 hijos, no se logra lo que mi cuerpo lograba antes. Y mantener esa dieta durante toda una película, estábamos en traje de baño toda la película, entonces, afectaba mucho mis emociones no poder comer carbohidratos. Pero a la vez ayudaba mucho al mundo en el que estaba Mariel, o sea, como que se complementaba muchísimo la preparación física.
Me despertaba a las 5 de la mañana antes de filmar para entrenar. Luego íbamos a la alberca y hacíamos todo eso, era como una cosa que nunca he vivido. Lo difícil que fue esta filmación por todas las cosas que conllevó y la parte emocional, obviamente era volverme a desnudar emocionalmente en algo. Pero esta vez arropada de mucha gente y de un guion muy bien estructurado para que yo me sintiera segura.
La película también habla de esas últimas oportunidades, donde lo tienes todo o no lo tienes nada. Hay hasta ese nivel de frustración. Quería preguntarles a ustedes ¿cómo lidian con eso en el medio en el que se dedican? En donde también está muy cercano a poder vivir el todo o nada ¿Cómo aprenden a lidiar para no vivir todo el tiempo en esta constante frustración?
MR: Lo que estaba pensando es que el abuso existe dentro de un esquema de sociedad de abuso en general. La misma búsqueda de la excelencia a ese costo, en el deporte de alto rendimiento, la búsqueda del éxito en el cine o en la farándula, con ese nivel de exigencia y de sacrificio son sistemas de abuso. Nuestra sociedad está construida para no buscar necesariamente la calidad de vida y la paz del alma y el desarrollo emocional saludable. Sino estos éxitos que están a costo de nuestras emociones, de nuestra salud. Entonces, creo que eso es interesante también. Y una de las razones por la que era interesante situar esta historia de abuso que sucede en todos lados. Porque la sociedad está construida sobre ese precepto. Justamente en el deporte de alto rendimiento esa búsqueda es brutal, ese sacrificio evidencia un problema de abuso todavía más grande.
KS: Y creo que era más para mí, obviamente como actriz, uno es sexualizado de alguna manera. Como atletas no. En mi investigación descubrí estas historias y fue así como se hizo, Por eso lo metí al rubro que yo conozco que es el cine para contar y alzar la voz más alto. Pero creo que es algo que justamente hemos aprendido que nuestras carreras, que seamos esclavos de nuestras carreras y no que nuestras carreras nos sirvan a nosotros.
Nosotros cuando escribimos el final, mucha gente no lo entendía. Una clavadista me decía ‘es que yo no sé si yo podría hacer eso’. Y yo le dije ‘créeme que es lo que hiciste, no lo ves, pero tú al alzar la voz y al haberte ido de México es lo que hiciste’. Pero lo estoy retratando de una manera cinemática, pero eso tú lo hiciste.
Lo hicimos y al mes Simone Biles dijo que no a competir por cuidarse a sí misma. O sea, lo escribimos soñando en mundo donde nos escogemos a nosotros antes de ponernos al servicio de todas las cosas que nos ponen. El logo que nos ponen enfrente. Entonces sí fue como impresionante ver que una atleta en Nueva Zelanda dijo no voy a ir a las olimpiadas, esto fue después de haber escrito nuestro final.
MR: La tenista también.
KS: La tenista. O sea los actores que están diciendo ya no. Jonah Hill está diciendo ya no voy a hacer entrevistas, porque me cuesta mi salud mental, mi ansiedad. Ya estamos viendo un cambio. En Estados Unidos están pensando hacer de un crimen abuso infantil, por cómo están entrenando a los niños. No tienen todavía ni razón de escoger su deporte y los están metiendo a cosas. Es un abuso, eso es un abuso, por una medalla, porque Estados Unidos sea el mejor lugar, o lo que tú quieras, pero siempre existe y está existiendo eso y está empezando a cambiar.
Y nosotros cuando escribimos el final de esta película, costó a mucha gente, hasta querían que filmáramos otro final porque todo el mundo estaba muy nervioso con el final. Pero cuando el mundo empezó a contestarnos de una manera tan especial de que sí para allá vamos, fue como que lo apuntamos hacia una visión, hacia dónde queremos ir como sociedad.
Hablabas hace rato de que esta historia siempre habla mucho sobre el silencio y el tratar de silenciar. Y también comentabas que hubo muchas puertas cerradas para este proyecto, quiero que me cuentes un poco de eso. Creo que es importante que sepamos por qué hubo tantos problemas para sacar este proyecto a flote.
KS: Si, cualquiera pensaría, pero ¿por qué? Yo, antes de llegar con María Renée, antes de llegar con Ana, yo ya llevaba 3 años de llegar con productores, con cineastas, con escritores, de contarles la historia. Y a unos no les interesaba, otros me decían que no querían tocarlo porque hay muchas empresas que no quieren evidenciar el tema. Muchas sociedades que ni siquiera piensas, están ligadas con el deporte y todo el mundo tiene miedo. Temen perder su trabajo y no darle de comer a sus hijos. Entonces mucha gente no quería tocar esta historia por el tema.
Y a la vez la forma en la que se me criticó y se me crucificó a mí por alzar la voz en dado momento hace 4 años, no era cool estar conmigo, no era cool hablar de la historia de una mujer que encuentra su voz y alzar la voz. Al contrario. Pero fue el regalo más grande evidenciar lo que necesitaba yo contestar. Y lo contesté 4 años después, pero lo contesté a través de esta película.
Todo lo que hablaron en dado momento de que ‘¿por qué te tardaste?’, o ‘¿por qué no dices tal?’ o ‘¿por qué?’ es como mi contestación más fuerte y más elocuente. A través del cine. Porque es mi pasión y es lo que hago. Y no lo iba a contestar en un tweet. No iba a saciar el morbo de la gente por entrar a este circo mediático que se hizo y era algo en donde yo encontré fuerza justo en las historias de estas clavadistas. Donde yo me refugié y yo sabía que podía contestarlo de una manera mucho más contundente y no y tanto por contestarles. Sino por realmente avanzar la conversación porque me di cuenta de que se necesitaba urgentemente avanzar la conversación en México. Y siento que ya estamos como logrando que justamente sí se hable de una manera más elevada este tema.
La caída es protagonizada por Karla Souza, Hernán Mendoza, Dèja Ebergenyi, Claudia Lobo, Enrique Singer, Mabel Cadena, Christian Vazquez y María Renée Prudencio. Está dirigida por Laura Puenzo. Llegará a Amazon Prime Video el 11 de noviembre.
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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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En conferencia de prensa, esta mañana del 15 de febrero 2026, el Gobierno de México anunció una política integral de fortalecimiento para el sector cinematográfico y audiovisual, centrada en la implementación de un nuevo estímulo fiscal y una reforma a la Ley de Cine. El objetivo central de estos nuevos incentivos para la industria del cine es consolidar a México como un nodo competitivo a nivel internacional, evitar la fuga de producciones nacionales hacia otros países con mejores condiciones fiscales y democratizar el acceso a los apoyos gubernamentales.
Los pilares de esta iniciativa de nuevos incentivos para la industria del cine incluyen un crédito fiscal de hasta el 30% sobre gastos realizados en territorio nacional, la obligatoriedad del 10% de tiempo de exhibición para el cine nacional en salas comerciales, y una expansión masiva de la educación técnica gratuita a través del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Se proyecta que estos incentivos generen un efecto multiplicador económico de entre tres y nueve unidades por cada unidad de apoyo invertida, además de fortalecer la soberanía cultural y la narrativa auténtica del país.
Presente en el evento de presentación de la nueva ley de cine e incentivos, estuvo Salma Hayek, quien, relató las dificultades históricas para filmar en México debido a la falta de incentivos, señalando que proyectos concebidos como «cartas de amor a México» terminaban filmándose en otros países. Destacó que el apoyo gubernamental actual permitirá aprovechar la «ventaja competitiva» inigualable de México en cuanto a diversidad de locaciones y talento técnico. Por su lado, la productora Inna Payán subrayó que este mecanismo promueve un «reequilibrio estructural» en la industria, protegiendo la soberanía cultural y permitiendo que la inversión privada, tanto nacional como extranjera, tenga un cauce sólido dentro del país.
El nuevo marco de incentivos fiscales para la industria del cine
El mecanismo central de esta política es un incentivo diseñado en coordinación con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, enfocado en atraer inversiones y retener el talento nacional.
Detalles técnicos del estímulo
- Naturaleza: Crédito fiscal contra el Impuesto sobre la Renta (ISR).
- Monto: Equivalente a hasta un 30% del gasto realizado en territorio nacional.
- Tope máximo: 40 millones de pesos por proyecto.
- Requisito de proveeduría: Para acceder al beneficio, se debe acreditar que el 70% de la proveeduría sea nacional, asegurando que la derrama económica beneficie a las empresas y trabajadores locales.
Formatos elegibles:
- Largometrajes y series de ficción.
- Largometrajes y series de animación.
- Largometrajes y series documentales.
- Procesos específicos de postproducción, efectos especiales y animación.
Objetivos de los nuevos incentivos para la industria de cine
- Competitividad internacional: Equiparar a México con países como Colombia, República Dominicana o Australia, que han captado proyectos mexicanos debido a sus estructuras de incentivos.
- Fomento a la producción independiente: Facilitar que creadores nacionales cuenten con recursos para desarrollar sus visiones sin depender exclusivamente de capital extranjero.
- Efecto Multiplicador: Según datos de la industria, cada unidad de apoyo genera un impacto de 3 a 9 unidades de actividad económica agregada.
Reforma legislativa: la nueva ley de cine y el audiovisual
Se ha presentado una actualización del marco normativo que busca modernizar la industria frente a las nuevas tecnologías y garantizar derechos culturales.
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Descripción y alcance
- Certeza jurídica: se otorga permanencia normativa al FOSCINE, dándole estabilidad presupuestaria y convirtiendo el fomento al cine en una política de Estado integral.
- Cuota de exhibición: se regula un 10% obligatorio de exhibición de cine nacional en salas cinematográficas, con supervisión semestral y horarios equitativos.
- Preservación: se reconoce al cine como memoria cultural. La Cineteca Nacional resguardará un archivo de toda la producción nacional para proteger el patrimonio.
- Derechos del público: se actualiza la ley en función de los derechos de las audiencias y el acceso a la diversidad de visiones.
Infraestructura y formación profesional
La estrategia gubernamental de incentivos para la industria de cine enfatiza que el cine es un ecosistema que requiere desde formación técnica hasta espacios de exhibición de vanguardia.
Educación y capacitación
- Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): Se eliminaron las cuotas de inscripción en la licenciatura para garantizar la gratuidad. Se proyecta que para 2026 la matrícula crezca cinco veces, certificando a 2,000 estudiantes a través de la SEP.
- Enfoque en oficios: Se inauguró el CCC de Chapultepec, orientado a formación técnica especializada en guion, postproducción y animación, reconociendo que la industria depende de una base técnica sólida más allá de la dirección y actuación.
- Inversión en escuelas: Se reportó una inversión de aproximadamente 1,600 millones de pesos para la remodelación y equipamiento de escuelas vinculadas a la Secretaría de Cultura, el INBAL y el INAH.
Infraestructura
- Cineteca Chapultepec: un nuevo polo de exhibición con ocho salas de última generación y foros al aire libre, conectada mediante el Cablebús.
- Estudios Churubusco: se encuentran en un proceso de remodelación y reequipamiento para ofrecer servicios de filmación de alta calidad técnica.
- Proyecto Chapultepec Naturaleza y Cultura: incluye el Archivo Nacional de Arte y espacios gratuitos de trabajo y encuentro para creadores.
Impacto social, económico y narrativo
El fomento a la industria cinematográfica a través de estos incentivos para la industria de cine se presenta no solo como una estrategia cultural, sino como un motor de desarrollo regional y soberanía nacional.
- Desarrollo regional y turismo: La industria cinematográfica actúa como una «campaña publicitaria» para el país. Las filmaciones en estados como Veracruz y Quintana Roo han impulsado la creación de infraestructura local (como carreteras) y han dinamizado la economía de los ejidos y comunidades locales.
- Soberanía cultural: se enfatiza la importancia de que México tome el control de su propia narrativa frente a representaciones erróneas del extranjero. El objetivo es proyectar una «narrativa auténtica» que refleje la diversidad ecológica y cultural del país.
- Perspectiva de género: se destacó el papel de las mujeres en la toma de decisiones dentro de la actual administración y la industria, promoviendo una visión de inclusión y acompañamiento profesional.
El Gobierno de México ha incrementado el presupuesto del IMCINE en un 25% para este año, con el fin de asegurar que los apoyos lleguen a más territorios y pluralidad de voces. La publicación del decreto con los nuevos incentivos fiscales para la industria de cine en el Diario Oficial de la Federación se programó para dar inicio inmediato a esta nueva fase de fomento industrial, orientada a convertir a la cultura en un derecho accesible y en un pilar de cohesión social.
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Después de haber recibido el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes y reconocimientos y alabanzas que fueron coronadas con múltiples candidaturas al Premio de la Academia, la película Valor sentimental se coloca como favorita en al menos dos categorías: Mejor película internacional y Mejor actor de reparto para Stellan Skarsgård, quien interpreta al frío y distante cineasta Gustav Borg.
Durante la pasada edición del Festival de Cine de Cannes, Cine PREMIERE tuvo la oportunidad de entrevistar al actor sueco sobre su relación con su personaje, los cineastas como maniáticos peculiares y hasta el estado del cine contemporáneo.
Cine Premiere: Sabemos que tuviste un derrame cerebral alrededor de la época en la que estabas haciendo la segunda temporada de Andor y de lo difícil que fue volver a la actuación. ¿Qué tanto batallaste para hallarte a ti mismo delante de la cámara para Valor sentimental?
Stellan Skarsgård: No me gusta la idea de enfatizar que sobreviví o que estoy luchando con las secuelas de un derrame… En aquella época también estaba haciendo Duna 2 y en ocasiones tenía problemas para recordar mis líneas y para ello usaba apoyos visuales, como el prompter o un apoyo auditivo. También lo hice en ésta película. Quizá por ello me volví mejor actor, porque ¡los tres proyectos que hice después de ese ataque se convirtieron en grandes éxitos! (risas) Pero realmente no creo que eso me haya hecho mejor, no me gusta el efecto que tuvo en mí.
CP: Has trabajado con varios cineastas a lo largo de tu carrera, me preguntaba si basaste tu interpretación o tomaste algún gesto de alguno de ellos para tu papel en Valor sentimental…
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SS: No para ésta película. El problema es que si quieres hacer algo “basado” en alguien más, se tiende más bien a hacer una parodia de la persona y no quería hacer eso. Quería que mi personaje se sintiera como un ser humano auténtico. Lo interpreté como si fuese un panadero, plomero o cualquier otra profesión u oficio. Pero lo específico de su labor tiene que ver con la relación que tiene con sus hijas, porque está obsesionado como cualquier otro director.
No hay directores “normales”… Todos son maniáticos de alguna manera, pero yo soy actor y me encanta estar en el set con otras personas. Esa pasión, esa adicción es muy difícil de vivir cuando tienes una familia. Yo tengo 8 hijos y solo trabajo 4 meses al año y Gustav (mi personaje) no tiene los problemas que yo tengo, yo soy más moderno que él. Gustav está peleando con roles tradicionales masculinos. Tiene esa creencia arraigada de que el padre es mejor, que sabe más, pero realmente eso no es necesariamente cierto.
CP: Uno de los detalles más llamativos de tu personaje es su incapacidad para lidiar con aspectos de la vida cotidiana muy simples. Como aquella escena con la toalla de la cocina o cuando no sabe dónde colgar la ropa…
SS: Sí, esos detalles estaban en el guión. Joachim no deja escapar nada…
CP: Decías anteriormente que los cineastas son “maniáticos”, en ese sentido, ¿qué tipo de maniático es Joachim Trier?
SS: Es el maniático más dulce y encantador. Es muy rígido en algunos aspectos de su película pero no permite que eso destruya su relación con las personas. El otro Trier (Lars Von Trier) es un tipo de maniático diferente, pero ambos son personas sumamente gentiles en el set. Es maravilloso trabajar con ellos porque la atmósfera incita a la creatividad y hay confianza suficiente para poder proponer cosas. En el set de Joachim no hay por ejemplo jerarquías por que somos un equipo relativamente pequeño…algo muy escandinavo (risas)…¡que se jodan las jerarquías!
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CP: ¿Qué tan fácil fue para ti establecer un buen rapport con Elle Fanning o Renate Reisnve, considerando que son mucho más jóvenes y cercanas en edad a tus hijos?
SS: Diría que fue tan simple como lo es con cualquier actor, realmente. Se construye una relación cercana en solo segundos. Desde luego que tienes que confiar en ellos y viceversa, ¡pero yo confío en todos! (risas) Y esas chicas me conocen bien, no me tienen miedo (risas)
CP: En la película se hace burla de los junkets, de Netflix, incluso del cine mismo. ¿Cuál es tu postura personal sobre el estado del cine actual?
SS: La industria siempre ha dependido del dinero, dado que es muy caro hacer películas. Ahora las decisiones están basadas en ganancias, pero no hay una conexión real entre lo que haces y el mundo financiero y eso es atemorizante. Aquello que no encaja en moldes preconcebidos desaparece y cuando se trata de arte, se vuelve peligroso…
CP: Uno de los chistes más celebrados del festival fue cuando le regalas en la película a un niño DVDs de La maestra de piano de Michael Haneke e Irreversible de Gaspar Noé. ¿Tú hubieras metido alguna película en la que hayas trabajado?
SS: ¡Desde luego! Y aunque es un gran chiste, creo que revela algo importante sobre mi personaje. No sigue las reglas de la sociedad, no las reconoce. Pero yo pienso igual, puedo enseñarle a mis hijos una película pornográfica sin problema. Las convenciones sociales dirían que estoy loco. Hace un par de años en Nueva York me tocó presenciar un debate en el que se discutía a qué edad se debería decir a los niños ¡que las hamburguesas están hechas de vacas! Totalmente demencial…
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