Cine y Tv
Cine fuera de la CDMX: Nuevas salas, nuevas miradas

Este verano ya empieza a verse más verano que el anterior. Los cines están (casi todos) abiertos y mostrando películas con un número como parte del título. Todo cercano a lo normal. También, como cada verano, los espacios físicos y digitales que ofrecen nuevas experiencias, películas y actividades siguen activos y con una oferta que merece un empujoncito para llegar a más público, o simplemente, para reconocer su trabajo. Bienvenidos a nuestra cartelera alternativa de la primera mitad de julio 2021.
En esta ocasión no sólo coinciden algunas de mis películas y muestras favoritas, sino que la conclusión de junio trajo, por fortuna, la alentadora apertura de dos nuevos espacios de exhibición de cine fuera de la capital. Siempre es de celebrarse, pero adquiere un cariz especial en tiempos de COVID que siguen anunciando tormenta para el cine en México. Sigamos cuidándonos, pero también sigamos viendo cine por todos los medios posibles, participando en convocatorias y, por qué no, también formando nuestras miradas como audiencias o cineastas en desarrollo. Este mes hay para todo eso y las vacaciones nos quitan los pretextos.
¿QUÉ VER?
MODO PRESENCIAL.
Nuevas salas (Veracruz y Estado de México)
Empecemos con los dos nuevos espacios de exhibición cinematográfica en los municipios de Xalapa y Coacalco que ya están listos para recibir público con las medidas sanitarias pertinentes.
Cinema Nahual
Se trata de una sala veracruzana, ubicada en el centro de Xalapa, que conjuga los esfuerzos de varios colectivos de gestores, cineastas y exhibidores de la región. En ella, se promete una programación cuidadosa, hecha a mano por sus curadores y curadoras, donde se prescinde de los estrenos más grandes para dar especial atención al cine de la región, clásicos, festivales, muestras y lo mejor del cine internacional contemporáneo. Un cine de calidad y atractivo que, sin embargo, se ve poco en pantalla.
Como muestra, basta asomarse a la cartelera de esta semana: más de una decena de títulos de diferentes países, épocas y géneros. Desde clásicos internacionales (como Videodrome, Malena o Corre Lola, corre), hasta títulos contemporáneos mexicanos (La paloma y el lobo, La diosa del asfalto, Mano de obra), una breve retrospectiva de Arturo Ripstein (con El castillo de la pureza y El imperio de la fortuna), matinés infantiles (una función de cortos de Oftálmica Niños) y noches de anime (Belladonna of sadness y Perfect blue); todo en funciones rotativas de una sola oportunidad.
Puedes consultar más detalles sobre Cinema Nahual y comprar boletos (aunque algunas funciones serán gratuitas) en su página oficial y en su Facebook.
Cinedot
Por otro lado, también el primer complejo de Cinedot se encuentra ya en funciones en Coacalco, Estado de México, y cuenta con ocho salas. Esta nueva cadena planea reactivar complejos múltiplex de otras empresas que fueron cerrados durante la pandemia en Estado de México, Jalisco, Morelos, Guanajuato y la CDMX. Más adelante en este mismo mes, abrirán otro en el municipio Los Reyes de la Paz (también del Edo. Mex.).
A diferencia del caso anterior, la cartelera de Cinedot sí se guiará por los usuales estrenos semanales, por lo que en su apertura se verán cintas de verano como Un lugar en silencio 2 o El conjuro 3, pero también hay espacio para propuestas nacionales como Cosas imposibles (Ernesto Contreras, 2020) o el estreno de Te llevo conmigo (Heidi Ewing, 2020). Esperemos que en el futuro, Cinedot también se posicione como una opción para próximos estrenos mexicanos o independientes, que buena falta hace. Por ahora, no es noticia menor que se reactiven estos complejos y la entrada de un nuevo competidor como alternativa al duopolio de la exhibición.
Puedes consultar su sitio web y redes sociales para conocer más sobre su cartelera actual, así como la información que surja respecto a la nueva apertura de complejos en la República. Si tienen la oportunidad de asistir a Cinema Nahual o Cinedot, cuéntennos qué tal la experiencia que ofrece cada proyecto.

Cosas que no hacemos
Jalisco, Estado de México, Veracruz, Morelos, Nuevo León, Chiapas y Nayarit
En una comunidad costera entre Nayarit y Sinaloa, una adolescente llamada Dayanara juega y baila con los niños y niñas del lugar. La sencillez y belleza de la infancia contrasta con la violencia que irrumpe en la comunidad y con las dudas de Dayanara sobre anunciarle a su familia su verdadera identidad, pues aún la conocen como Ñoño y no saben que se oculta para ponerse vestidos.
Cosas que no hacemos (2020) es un documental que la acompaña descubriéndose a sí misma, con ternura y sin prejuicios. En varios momentos se hace evidente la amistad de Bruno Santamaría (director) con Dayanara y las infancias que aparecen, la horizontalidad cómplice desde la que se cuenta su historia. Una de las películas mexicanas más destacadas del año pasado por su sensibilidad, su belleza y la valentía con la que asume una posición empática y de soporte para las personas que retrata.
Acaba de estrenarse en algunas salas de Cinemex y cines independientes en Jalisco (Cineteca FICG, sala Cineforo y el Museo Cabañas, así como funciones en el proyecto itinerante Docu al Parque), Chiapas (Kinoki San Cristobal), la Cineteca de Nuevo León, Tepoztlán (Baticine), Xalapa (Cinema 21), Estado de México (Cineteca Mexiquense) y Nayarit (Cinemex y Nayarlab Cinema). Puedes consultar las redes de cada espacio o bien, las de la distribuidora Pimienta Films para más información sobre proyecciones. Además, se espera que en las próximas semanas puedan sumarse más estados y salas a su ruta de exhibición; ya saben, acá les estaremos informando para que no se la pierdan.

69° Muestra de Cine de la Cineteca Nacional
Puebla, Baja California y Zacatecas
La quincena pasada les informábamos sobre la gira de la Muestra por varios estados, y este programa de lo mejor del cine internacional con títulos como Days (Tsai Ming-liang), Sobre lo infinito (Roy Andersson) o 8 ½ (Fellini), entre otras destacadas películas, puede verse en las próximas semanas en la Cineteca Tijuana (Baja California), la Cineteca Zacatecas y el Cine Luis Buñuel (Puebla). Consulta las redes de cada espacio para saber más de las funciones en cada sede.
Ciclo Segundas Vueltas
Querétaro, Chiapas y Estado de México
Esta quincena, como parte de este ciclo de reestrenos documentales en salas alternativas (del que venimos hablando hace un par de ediciones), llega Me llamaban King Tiger, película dirigida por Ángel Estrada Soto que se exhibirá en el Kinoki (Chiapas) del 9 al 11 de julio y en la Cineteca Mexiquense (Estado de México) del 10 al 15, así como la llegada del ciclo a la Cineteca Rosalío Solano (Querétaro) con Ya me voy (6 y 7 de julio), Witkin & Witkin (8 y 9 de julio) y Rush hour (14 y 15). Consulta el sitio de cada espacio y el de Segundas Vueltas para saber más.

CINE A DISTANCIA
Harley Queen
En II° DAIMON
Daimon, Muestra Internacional de Cine en Streaming, emprende su segunda edición con una programación muy valiosa para hacer llegar un cine muy propositivo a todo el país de forma gratuita, a través de la plataforma FilminLatino.
Dividida en dos bloques (Exterior, con largos y mediometrajes e Interior, para cortos), la apuesta de Daimon tiene espacio para animación, documental, ficción y experimentaciones de todo tipo, siempre tratándose de obras que miran hacia nuevos horizontes, con formas atípicas e historias insólitas. Así, del 30 de junio al 16 de julio podremos ver cintas como Río turbio (Tatiana Mazú), La casa de plástico (Alison Chhorn), Don’t rush (Elise Florenty & Marcel Türkowsky) o el clásico mexicano El automóvil gris (Enrique Rosas), por primera vez en su versión restaurada íntegra en línea.
Una de mis películas favoritas de lo que va del año se presentará también en DAIMON. Es la chilena Harley Queen (Carolina Adriazola y José Luis Sepúlveda), documental donde acompañan a Carolina Flores, habitante de Bajos de Mena (uno de los barrios más marginados de la región) y cuya identidad vemos desenvolverse en pantalla: Madre, proletaria, feminista militante, cazafantasmas y stripper. La película nunca la mira con desprecio ni señala su identidad como contradictoria, sino que la muestra como complejidad y mira con admiración. La dupla de cineastas hace un seguimiento cercano a Carolina por tres años, con imágenes crudas y poéticas que incluso combinan elementos de la ficción.
Harley Queen se exhibirá en DAIMON del 6 al 10 de julio, junto a varios títulos imperdibles. Consulta sus redes y su sección en FilminLatino para no perderte ninguna.

Point and Line to Plane
En 4° FRONTERA SUR (Chile)
Este Festival Internacional de Cine de No Ficción vuelve a encontrarnos en línea y con disponibilidad para toda Latinoamérica en la mayoría de los títulos y actividades que conformarán su cuarta edición, del 1° al 14 de julio.
Reúne más de un centenar de películas entre retrospectivas y secciones no competitivas, por lo que veremos un cuidadoso trabajo curatorial de lo más destacado del cine internacional documental, híbrido y experimental, así como algunos cruces ficcionales. Una excelente opción para hacer funciones dobles junto a la programación de Daimon. Entre lo más destacado, sin duda resaltan los focos dedicados a la cineasta checa Vera Chytilová (una de las más importantes realizadoras de aquella región) y el de John Gianvito, director documental radical estadounidense del que ya hemos hablado antes aquí.
En el resto de sus secciones no competitivas destacan películas contemporáneas como Luz nos trópicos (Paula Gaitán, de quien también se presenta una retrospectiva), Maggie’s farm (James Benning), Luces en el desierto (Félix Blume) o La muerte está en los catres (Ronnie Fuentes).
Mi invitación es a que se acerquen a este Festival con el cortometraje Point and line to plane, de Sofia Bohdanowicz. Aquí, la cineasta canadiense cuenta un instante autobiográfico a través de una ficción que muestra a una joven en duelo por la muerte de un amigo suyo, a quien recuerda al obsesionarse con el trabajo pictórico de Hilma af Klint y Wassily Kandinsky. Filmado en 16mm, es una película llena de texturas y sensibilidad, sobre la forma en la que nos relacionamos con el arte para hallar sentido y del cine como un mecanismo de la memoria. Una película que cautiva tanto al público más especializado como a quienes estén teniendo sus primeros acercamientos a este tipo de cintas.
Junto al resto de la programación, se exhibirá en el sitio de Frontera Sur del 1 al 14 de julio.

2° Muestra de cine en defensa del territorio y el agua.
Hasta el 15 de julio, esta muestra de cine documental de la que hablamos hace unas semanas tendrá emisiones televisivas locales en Aguascalientes, Chiapas, Colima, Durango, Hidalgo, Jalisco, Michoacán, Morelos, Nayarit, Nuevo León, Oaxaca, Puebla, Querétaro, San Luis Potosí, Tabasco, Veracruz y Zacatecas. La información de la cartelera televisiva la encuentras aquí.
EXPERIENCIAS
Fanzine: Proyectar el encuentro: Rastreo (inter)nacional de cineclubes
Nunca hemos ocultado aquí nuestro entusiasmo por el cineclubismo, aunque lo que sí no habíamos hecho era proponer una lectura como parte de las experiencias a las que podemos acceder. Sé que es raro, pero el fanzine digital de la Cátedra Bergman “Proyectar el encuentro” es más que pertinente para esta sección descentralizadora, porque ofrece un mapeo de más de 50 cineclubes (físicos, híbridos y digitales) a los que podemos acudir a lo largo de la república mexicana, así como buena parte de Latinoamérica.
Una investigación como esta nunca será definitiva (o eso esperamos: que sigan proliferano espacios así), pero sí necesaria: es una guía valiosa para acercarnos a salas diversas, pues cuenta con enlaces a redes, sitios y ubicación de cada cineclub. Así que si estás en Baja California, Chihuahua, Sinaloa, Durango, Tamaulipas, Jalisco, Aguascalientes, Guanajuato, Colima, Michoacán, Morelos, Puebla, Guerrero, Veracruz, Chiapas, Campeche, Oaxaca o Quintana Roo, este fanzine puede ser la puerta de entrada a tu nuevo cine favorito. Consúltalo en este enlace.

CONVOCATORIAS
7° FIC Paracho (Michoacán)
El Festival Internacional de Cine de Paracho tiene convocatoria abierta para inscripción de trabajos que deseen formar parte de su séptima edición, que se llevará a cabo en línea durante noviembre de este año. Hasta el 20 de junio en el caso de películas internacionales y nacionales, y hasta el 20 de agosto para películas oriundas de Michoacán, podrán inscribirse cortos, largometrajes y cineminutos de ficción y documental.
Se conformarán tres secciones: Selección oficial (con trabajos internacionales y del interior de la república mexicana), Selección oficial Michoacán (para cintas del estado) y Selección oficial regional, con películas realizadas en las comunidades alrededor de Paracho, Cherán, Nahuatzen y Pichataro. En todas ellas se competirá por la presea principal del Festival.
Pueden inscribirse, sin costo, a través de la plataforma Festhome o por correo electrónico. Consulta la convocatoria completa aquí.

Polos virtuales segunda etapa
Aguascalientes, Campeche, Coahuila, Durango, Jalisco, Puebla, Tabasco, Tamaulipas y Yucatán
En la edición pasada les hablamos ya de Polos virtuales, un programa de capacitación audiovisual en línea que busca beneficiar 16 proyectos documentales en cada estado al que está dirigido, con clases y asesorías a distancia. La convocatoria cierra el próximo 16 de julio y puede consultarse por acá.
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Cinemex reabre su complejo Reforma 222 renovado, con nueva propuesta gastronómica y tecnología láser
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Cinemex reabrió las puertas de su complejo ubicado en Reforma 222, en la Ciudad de México, tras una renovación que actualizó tanto su infraestructura tecnológica como su oferta de alimentos y el diseño de sus instalaciones.
El complejo se integra ahora al formato «Market» de la cadena, un modelo que combina la proyección de películas con una zona de restaurantes y snacks de distintas marcas. Con esta incorporación, Cinemex suma nueve complejos bajo ese esquema en todo el país.
En materia gastronómica, el lugar alberga opciones como Mini Moshi, La Crepe Parisienne, Cielito Querido Café, Red Kitchen, Lucky Bones y Burk’s. Uno de los espacios que más destaca es el PopCorn Lab, una barra de palomitas con más de diez sabores que van desde opciones clásicas como mantequilla y caramelo hasta variantes como Oreo, chile limón y tamarindo.
En cuanto a tecnología, las salas incorporan proyección láser en formatos 2K y 4K, que permite mayor brillo y definición de imagen, acompañada de sistemas de sonido envolvente. El diseño interior fue reformado con butacas ergonómicas, mayor distancia entre filas e iluminación contemporánea.
La reapertura de Reforma 222 forma parte de un plan de modernización más amplio que la empresa inició en 2025. En el transcurso de este año, la compañía también prevé renovar los complejos de Patriotismo, Lindavista, Lomas Verdes, Fashion Drive y Paseo San Pedro, estos últimos en Monterrey.
Cinemex emplea actualmente a más de 7 mil personas de forma directa en el país.
Staff Cine PREMIERE Este texto fue ideado, creado y desarrollado al mismo tiempo por un equipo de expertos trabajando en armonía. Todos juntos. Una letra cada uno.
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Poncho Pineda: quiero que mis obras sean personales
Poncho Pineda, mexicano en nacionalidad y esencia, es el director de cine y televisión más visto en la historia de ViX. Sus proyectos (Es por su bien (2024), Profe infiltrado (2024), entre otras), han recibido buena apreciación en aquella plataforma. Desde su primer largometraje Amor, dolor y viceversa(2008) ha ido abriéndose camino a nivel internacional. Un hombre de cuarenta y siete años que remonta su trayectoria a los once, cuando se descubrió inventando historias que le permitían comprender las situaciones que iba atravesando. Sin embargo, no fue hasta que la afición se enfrentó con la técnica cuando Poncho encontró su pasión: uno de esos azares del destino que conducen a uno al resto de su vida. En su caso, una electiva de fotografía; la asignatura escolar que resultó determinante para la carrera del cineasta, que le brindó las herramientas para (re)presentar sus vivencias y su entorno.
“Terminé enamorado de la imagen, de lo que se podía hacer con una (imagen), de lo que representaba emocional o simbólicamente”.
La fotografía como elemento narrativo, que sugiere, que se arriesga y que intriga fue lo que despertó en Poncho una fascinación que le sirvió como motor para emprender el camino de la cinematografía y, que eventualmente, influyó en su propia manera de ver y de dirigir. Para él, el amor por esta profesión y la inspiración no surgieron en la academia, pues a pesar de haber realizado estudios en literatura, cine, dirección, guionismo y producción, su pasión tiene origen en su infancia: en el amor que sus padres tenían por el cine en blanco y negro y por las películas de Alfred Hitchcock.

Con el tiempo, este cariño lo hizo propio y Poncho terminó por encontrar a sus propios ídolos: grandes cineastas de distintas partes del mundo que lo inspiraron durante todo el proceso de creación de su primera cinta. “Yo realmente estuve muy inspirado por Quentin Tarantino, Paul Fitzgerald, David Fincher, Michael Haneke. Luego, cuando fui creciendo, Amores Perros (Iñárritu, 2000) me encantaba, la foto y lo visceral. Me encantaba lo que lograban comunicar con la cámara”. Fue todo el misterio que suscita la fotografía de esta icónica cinta mexicana en el espectador lo que, comparte Poncho, impulsó su primera película.
No obstante, es bien sabido que tras las inspiraciones llega uno mismo, que después de observar e intentar, uno encuentra su versión más auténtica, con su propio lenguaje y su propia esencia. Hoy, no cabe duda de que Poncho se encuentra en este lugar, en el punto de su carrera en el que sus seguidores son capaces de reconocer sus obras, de identificar las marcas personales del cineasta; por ejemplo, el constante retorno a las dinámicas familiares. Este director es consciente de que, como mexicanos, la familia es nuestro núcleo más importante a nivel social– algo que él mismo comparte– por lo que decide jugar con este elemento y presentar escenas y narrativas que toquen fibras en más de una persona.
No es casualidad de que, sin importar el género con el que Poncho esté trabajando, la dirección de sus películas esté enfocada en resaltar dichas nociones y conductas (familiares), pues él se mantiene firme en la idea de que la familia puede ser constructora, pero también limitante para el futuro y el avenir de cada individuo; un algo que trasciende lo comprensible: “dicen que antes de nacer hacemos un trato para ver a qué clan nos unimos”.
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Soltar. Entender. Resignificar.
Poncho sabe que su profesión abarca más allá de los límites del entretenimiento. Tiene presente que detrás de cada cortometraje o largometraje hay una anécdota, una profundidad y un contexto, que hay un alguien; una persona que fue protagonista de la misma historia que pretende ser contada. Ecos que vuelven de cada cinta una obra cargada de sentido y significado. Por eso, bajo esta perspectiva el cineasta mexicano no sólo tiene como objetivo ser consumido, sino ser escuchado y, en el proceso, entenderse a sí mismo.
En su estreno más reciente, Familia a la deriva (2026), Poncho hace esto mismo: a través de risas y buen humor, pretende provocar en la audiencia empatía hacia aquellas figuras que, aunque no son ausentes, tampoco desempeñan el papel que uno espera. Con esto, él comparte un poco de su historia a un público y una sociedad que sabe que no es ajena a este sentimiento, volviendo su profesión en un elemento transformador. “Logro resignificar esto, de decir “entiendo, pero yo no quiero esto”. Digo, es a nivel muy personal”.
El cine, su trabajo y su pasión se vuelven catárticos. Trascienden lo profesional para convertirse en duelo, para dar sentido a circunstancias que atraviesa y, que incluso a determinada edad, siguen causando incertidumbre. Poncho encuentra en la dirección una manera de jugar con fantasmas del pasado; del mismo modo que, experimentando con distintos géneros, una forma de interactuar con los fantasmas del presente. Este director nos comparte que su transición del thriller a la comedia surge de una situación familiar que azotó inesperadamente y que terminó por redirigirlo a un nuevo género en su trabajo, que le permitiera no sólo dar forma al dolor, sino a reconectar y externar.
“Todas esas cosas que uno empieza a vivir, de repente dices pues no soy el único que las está viviendo. Estoy en un lugar privilegiado para poder contar la historia y que uno diga, no pues yo estoy pasando por lo mismo”.

El avenir
Aunque este malabarismo entre thriller y comedia no es fácil de explicar al público, Poncho decide que no está dispuesto a sacrificar ningún género. Encontró en ellos pasión, significado, retos y emoción; nuevos proyectos que llegan a su mesa y ya están en la mira de ejecución. Sin embargo, a pesar de que la comedia es algo que quiere seguir llevando de la mano, nos comparte que para el futuro cercano se están contemplando principalmente dos o tres thrillers y horrores.
Finalmente, Poncho responde a la pregunta sobre cómo definiría su trayectoria actual como director:
“Sé el camino y voy con un paso lento para poder llegar, sabiendo que voy a llegar y poder contar lo que me inquieta el alma”.
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Yrsa Roca Fannberg, sobre su documental La tierra bajo nuestros pies
Tras su paso por la gira de documentales Ambulante en la Ciudad de México, nos sentamos a platicar con la directora Yrsa Roca Fannberg sobre La tierra bajo nuestros pies, un íntimo retrato documental que nos invita a reflexionar sobre el final de la vida, el cuidado en las residencias de adultos mayores y el valor de acompañar con empatía los últimos días.
Cine PREMIERE: En tu película planteas un acercamiento a la muerte muy particular. ¿Qué significa para ti el final de la vida y cómo quisiste abordarlo?
Yrsa Roca Fannberg: Algún día nos vamos. Para mí, es muy importante poder compartir el momento, dar valor al tiempo que tenemos juntos y a la existencia del otro. Es algo muy bonito en la vida, especialmente cuando ya no queda mucho tiempo, porque luego se van y ya no los podemos retomar. La muerte es un momento muy final. A veces me gusta que los personajes queden callados, que sus frases queden inacabadas, porque en el silencio hay una enseñanza; si nos paramos a escuchar y a compartir su vida, no solamente dándoles los buenos días, se vuelve un acto de sentir y ver. El documental se trata mucho de escuchar, de la quietud.
CP: Al respecto, grabaste en formato analógico de 16 milímetros. En una época donde lo digital domina, ¿cómo fue este proceso y qué le aportó a tu obra?
YRF: Creo que filmar en celuloide es el momento de elegir. Si tuviera una cámara digital, tal vez me perdería grabando cosas innecesarias; pero con el 16 mm la focalización de encontrar momentos se vuelve algo casi mágico. Ahora estamos aquí filmando y es un proceso cotidiano, casi celebratorio. Cuando intentamos capturarlo todo, perdemos muchas cosas. Este formato me dio la belleza de esperar y de dar importancia a la filmación, sabiendo que ya no sabes de dónde viene el momento exacto que vas a registrar.

CP: Uno pensaría que el rol de dirección es solo dirigir, pero se nota que aquí fuiste muy partícipe. ¿Cómo lograste ese vínculo desde adentro con las y los residentes?
YRF: La primera escena de la que participé era para mostrar que somos un equipo que viene de adentro y no de fuera. Para mí, en esta residencia de 160 personas, fue importante tener una relación real. Había un trabajo previo de confianza y respeto con las personas. Yo no hago películas tanto para los espectadores como para quienes están ahí. Queríamos mostrar este vínculo real y no limitarnos a observar; el diseñador de sonido incluso puso un micrófono en el estetoscopio para escuchar el corazón, involucrándonos en algo muy íntimo. Conocer a las personas —yo sabía cómo le gusta hacer la cama a una de ellas— nos permitió compartir sin dirigir, sino creando circunstancias donde ellas pudieran ser.
CP: ¿Cómo surgió tu interés por retratar este ambiente y documentarlo en tu película?
YRF: Al principio quería hacer un documental sobre mi abuela en otra residencia, pero no se dio. Escribí esta película en un momento de maduración, de entender que la vida se va disminuyendo poco a poco. Empecé haciendo retratos fotográficos y conversando con la gente. Era importante mostrar esta etapa de la vida en una película que me parecía que debía ser un proceso lento para revelar que son obras de arte vivas.
CP: La película también evidencia el contraste entre la soledad de la vejez y la juventud del personal médico y de cuidados. ¿Cómo integraste este contraste?
YRF: Era esencial quitarle el peso a las rutinas del personal y observar cómo estas personas mayores han construido su propia convivencia y amistad, donde a veces se tiene a un amigo de 95 años. Hay mucha gente joven trabajando ahí y el contraste es muy marcado. Depende de todo el personal que este no sea solo un lugar de asistencia, sino un hogar. Hay personas a las que no les importa nada, pero muchos traen muebles de sus casas, se llevan sus cosas y mantienen su individualidad. Es crucial ser escuchado, incluso si solo es por una persona. A veces, me pregunto por qué la gente se emociona tanto y creo que es porque esta experiencia nos toca de manera muy personal, desde la identificación y no desde la lástima.
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