Musica
8 nuevos iconos de la comunidad LGBTQ+ en la música que debes conocer
La música es uno de los muchos medios por los cuales podemos expresar e identificarnos con sentimientos y emociones derivadas de cualquier tema. Esto sin duda es un aspecto muy importante para los miembros de la comunidad LGBTQ+, quienes a través de la música tienen un medio para alzar la voz y hablar con orgullo de su orientación sexual.
A través de las décadas han existido decenas de cantantes y que se han convertido en iconos para la comunidad LGBTQ+, ya sea porque apoyan el movimiento y todo lo que tenga que ver con éste, o bien por el hecho de que los cantantes pertenecen a la comunidad y han utilizado su talento y difusión para alzar la voz en pro de sus derechos.
Lady Gaga durante su residencia en Las Vegas/ Foto: Getty
Si bien en la lista ya conocemos a íconos como Lady Gaga, Years & Years, Kylie Minoge y más, este mes del orgullo gay decidimos enlistar a 10 artistas LGBTQ+ que ya son o están convirtiéndose en los nuevos íconos de la comunidad.
1.- Lil Nas X
Nacido en Atlanta, Georgia, Lil Nas X se ha convertido en uno de los cantantes LGBTQ+ más reconocidos en los últimos años. La carrera del rapero comenzó en diciembre de 2018 cuando lanzó la canción “Old Town Road”, aunque meses después estuvo bajo el ojo público gracias al debate que abrió sobre la homofobia en el mundo del hip hop, esto después de ‘salir del clóset’.
Actualmente es uno de los artistas que más expresan su orientación sexualidad a través de su música y videos. Basta con ver y escuchar “Montero (Call Me By Your Name)” para comprobar eso.
2.- Hayley Kiyoko
Quizá muchos conozcan a Hayley por interpretar a Velma en las películas live action de Scooby-Doo, sin embargo, Kiyoko también tiene una trayectoria en el mundo de la música. Fue en el año 2015 cuando la cantante estadounidense lanzó ““Girls Like Girls”, un himno en el que se sinceró sobre el miedo que le provocaba el rechazo de las chicas al conocer su orientación sexual, ya que ella es lesbiana.
“Sentí que finalmente estaba contando mi historia por primera vez. Los sentimientos de anhelo que tenía y también la sensación de estar tan sola. Creo que es por eso que la gente se conecta con la música”, indicó la cantante en una entrevista con la revista Paper en el año 2016.
3.- Kim Petras
Una artista no necesariamente debe estar en el ‘hype’ de la industria musical para comprobar que desborda talento y una prueba de ello es Kim Petras. Se trata de una cantante y compositora transgénero, de origen alemán, que desde 2017 comenzó a hacer ruido gracias a su primer canción “I Don’t Want It at All”, la cual la llevó a liderar las listas de popularidad en ese entonces.
Gracias a su electropop y su voz, Kim ha sido considerada como una de las promesas en la música pop de los últimos años, algo que la llevó a formar parte del cartel para Coachella 2020 que lamentablemente no se realizó por la pandemia de COVID-19.
4.- Rina Sawayama
Rina Sawayama lleva poco más de 30 años en la industria musical, pero es verdad que la cantante británico-japonesa apenas ha comenzado a recibir el reconocimiento que merece y todo gracias a su música que mezcla ritmos como el pop, nu-metal y rock.
Rina se ha declarado como pansexual y es por sus creaciones musicales que se ha convertido en un icono para la comunidad LGBTQ +, pues a través de ellas habla sobre lo asombrosas que son las amistades queer y el poder que existe en aceptarte como eres, sin prejuicios y con total libertad.
5.- Remi Wolf
Acá en Sopitas.com ya les habíamos hablado sobre Remi Wolf, que a sus 25 años es una estrella de la música en potencia. La joven, quien es abiertamente bisexual, ha logrado enamorar al mundo gracias a sus canciones con ritmos de funk y el dream pop que ha creado gracias a sus claras habilidades como compositora, productora y cantante.
Y cuando decimos que está enamorando a muchos no exageramos, pues a su corta edad Remi ya logró cautivar a artistas como el mismísimo Nile Rodgers, así como Beck, Hot Chip, Kimbra, L’Impératrice y muchos otros más.
6.- girl in red
Marie Ulven Ringheim, su nombre real, ha acaparado la atención de grandes productores como FINNEAS (el hermano de Billie Eilish) y con justa razón. La cantante originaria de Noruega no solamente ha representado una bocanada de aire fresco para el género del dream pop, sino que también se ha convertido en la voz de miles de mujeres lesbianas.
Girl in Red es de esas artistas que no temen plasmar sus vivencias personales en cada canción que compone: desde sueños, hasta emociones y problemas por las que toda adolescente de la comunidad LGBTQ+ atraviesan, quienes por cierto ya la comenzaron a tomar como una especie de referente.
7.- Orville Peck
Directamente desde Canadá tenemos a Orville Peck, un músico de country abiertamente gay que desde el año 2019 ha comenzado a hacer ruido gracias a su álbum debut Pony y también, su personalidad secreta escondida a través de una mascara del llanero solitario que va adornada con algunos flequillos. Algo que él hace para que la gente tome en serio su música sin basarse en su aspecto físico.
Para ser un artista relativamente nuevo, Peck ha cosechado varios logros como el de haber autoproducido su álbum debut y hasta participar en el disco que Lady Gaga lanzará para celebrar el décimo aniversario de ‘Born This Way’.
8.- King Princess
Fue hace casi tres años, en 2018, cuando King Princess lanzó su sencillo debut “1950”, una canción tributo a la novela ‘Carol’, de la novelista estadounidense Patricia Highsmith, que se convirtió en un himno a la comunidad LGBTQ+. Al igual que otras creaciones de King Princess, quien al ser abiertamente gay no tiene miedo de hablar de feminismo y amor lésbico en sus creaciones.
¿Ustedes a quién más agregarían a la lista?
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La banda virtual británica Gorillaz lanzó este viernes 27 de febrero en su canal de YouTube un cortometraje animado titulado “The Mountain, The Moon Cave and The Sad God”, con el propósito de celebrar el estreno de su noveno álbum de estudio “The Mountain” y, con ello el comienzo de su nueva gira mundial.
El material audiovisual de 8 minutos de duración está dirigido por el artista y co-creador de la banda Jamie Hewlett en colaboración con el estudio londinense The Line; muestra a los integrantes de la agrupación atravesando la selva, escalando montañas y sobreviviendo en cuevas rigurosas como parte de una aventura caricaturesca.
En las imágenes se pueden ver a Noodle, Murdoc, 2D y Russel emprendiendo un viaje en dirección a la India luego de llegar a Mumbai con la ayuda de cuatro pasaportes falsos. Los 4 personajes se embarcan en las diferentes temáticas del proyecto musical: la espiritualidad, la inspiración creativa y la búsqueda de ritmos mágicos.
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Este cortometraje está inspirado en la estética y referentes visuales de las películas animadas clásicas de la década de 1960, tales como “101 dálmatas”. El video se enfoca en las técnicas de animación tradicionales y artesanales hechas a mano, como forma de oponerse a los proyectos masivos elaborados mediante softwares digitales.
Con trazos caseros, texturas orgánicas y movimientos naturales y cálidos, el cortometraje hace una destacada alusión a “El Libro de la Selva”, película de Disney estrenada en 1967 y basada en los cuentos de Rudyard Kipling. La trama sigue a Mowgli, un niño salvaje que busca su lugar en el planeta en compañía de la pantera Bagheera y el oso Baloo.
La narrativa empleada en el corto es una mezcla de criaturas místicas, paisajes exuberantes y una naturaleza salvaje, que construye un material reflexivo y auténtico. Según lo explicado por Jamie Hewlett para BBC Radio 2, la película ofrece “una explicación condensada sobre lo que se canta en el disco, que es esencialmente la historia de la vida”.
De acuerdo con medios locales, el corto tardó aproximadamente 18 meses en desarrollarse, con miles de horas de esfuerzo y trabajo. Todo el trabajo de Damon Albarn y Jamie Hewlett fue totalmente análogo, evitando el uso de herramientas digitales y eligiendo la ilustración a mano frente a la automatización de la IA.
 
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A través de un TikTok, la directora de orquesta mexicana Alondra de la Parra reaccionó a los dichos polémicos del actor Timothée Chalamet sobre el ballet y la ópera con un video publicado en redes sociales junto a su orquesta.
El actor dijo que no estaba interesado en realizar papeles en esos escenarios porque no intentaba “mantener vivo” estos espacios que, quizá en consideración del nominado al Oscar por su rol protagónico en Marty Supreme, son anticuados.
Ante ello, diversas academias y agrupaciones artísticas de todo el mundo respondieron al juicio de Chalamet. Entre ellas se encontró Alondra de la Parra, quien mandó un mensaje grabado al actor. Y lo hizo con la batuta en la mano y dentro de la sala de conciertos, acompañada de su orquesta en un aparente ensayo. Esto dijo la directora mexicana:
“Oye Timothée, siento que no quieras ser parte de esto, quizá quieras reconsiderarlo. Y no estamos intentando ‘mantenerlo vivo’, está bastante vivo”. Tras estas palabras iniciales, de la Parra da media vuelta y comienza a marcar el ritmo de la Sinfonía No. 1 de Gustav Mahler “Titán”. La directora remató: “Así que si en algún día cambias de opinión, ven a Madrid y diviértete con nosotros”.
Alondra de la Parra es la Directora Artística y Titular de la Fundación ORCAM (Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid) desde 2024, en donde suele presentar distintos programas musicales en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, España.
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La nueva edición del Clásico Mundial de Béisbol dio un nuevo paso, pues este jueves se presentó la primera banda sonora oficial del torneo, con el objetivo de conectar la pasión de este deporte con la música.
La producción estará a cargo de grandes artistas internacionales, como Becky G, Young Miko y Myke Towers, entre otros, que acompañarán musicalmente al campeonato que se llevará a cabo en Estados Unidos, Puerto Rico y Japón.
El torneo, que es uno de los más importantes del béisbol, tiene lugar del 4 al 17 de marzo, en el que se reúnen las mejores selecciones de todo el mundo. Ahora, la música formará parte del importante evento.
La canción oficial del Clásico Mundial de Béisbol
“Make it count” es el título del tema principal de la banda sonora del torneo, el cual es una fusión entre pop latino, reggaetón y K-pop. La canción es interpretada por Yeonjun, integrante de la boyband surcoreana Tomorrow X Together, Becky G, cantante mexicoestadounidense y Myke Towers.
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La fusión de géneros musicales y artistas de diferentes nacionalidades refleja el estilo global del Clásico Mundial de Béisbol, esperando así que nuevas audiencias alrededor del mundo se sientan atraídas por el evento.
Otra de las canciones que confirman la playlist oficial del campeonato es “MVP”, interpretada por la puertorriqueña Young Miko, en la cual se plasma la conexión entre Puerto Rico y el béisbol, ya que es uno de sus deportes más representativos. “My place”, interpretada por el cantante japonés, Fujii Kaze, se enfoca en la influencia del torneo en Japón.
No es coincidencia la elección de estos artistas, pues son un claro guiño a las tres sedes del Clásico Mundial de Béisbol.
Quién es el productor detrás de la banda sonora
Detrás de la banda sonora se encuentra Tainy, productor discográfico y compositor puertorriqueño, de 36 años, quien ha sido galardonado con dos premios Grammy y es una de las figuras más importantes del género urbano. En 2021, la revista Billboard lo incluyó dentro de su lista de los mejores 50 productores del siglo XXI.
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El productor ha trabajado con artistas internacionales como Dua Lipa, Bad Bunny, Selena Gomez, Camila Cabello, Wisin y Yandel y Justin Bieber, lo que lo convierte en un aporte valioso dentro de la propuesta global musical del campeonato.
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