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Trilogías no oficiales: Descubrir el mundo entre hermanas

Esta columna nueva pretende –el lector deberá decidir si con éxito o fracaso– formar trilogías no oficiales; es decir, películas que dialogan entre sí: que aunque fueron realizadas por personas distintas y en diferentes momentos de la historia, pueden ser vistas como parte de una sesión temática. La primera de dichas trilogías se la dedicaremos a las hermanas: Las vírgenes suicidas (1999) de Sophia Coppola, Mustang: Belleza salvaje (2015) de Deniz Gamze Ergüven y la reciente versión de Mujercitas (2019) configurada por Greta Gerwig; tres obras que conversan entre ellas por sus visiones de la juventud femenina y sus discursos sobre el papel de la mujer en sociedades distnitas.
Si de coming of age se trata –género que se centra en el crecimiento de uno o más protagonistas durante la transición de la juventud a la adultez–, y sin duda estas tres películas, en conjunto, tienen mucho que decir al respecto.
Mustang: Belleza salvaje (2015)

La directora Deniz Gamze Ergüven es oriunda de Turquía, pero residente de y crecida en tierras francesas. Su educación le permitió convertirse en la cineasta internacional que es en la actualidad, sin embargo, quizás de permanecer en su lugar de nacimiento las cosas habrían sido muy distintas. Su película debut responde a la necesidad de reflexionar sobre la represión patriarcal que se «mantiene» en muchos lugares del mundo bajo preceptos políticos y, sobre todo, religiosos. En Mustang, un grupo de hermanas que recién terminan una etapa escolar de la adolescencia salen con otros amigos varones a una velada y allí se suceden los acercamientos propios de las hormonas. Su abuela y su tío, con quienes viven, se enteran de esta situación por lo que deciden en guardarlas celosamente en casa, mientras les buscan esposos a cada una de ellas para desposarlas lo más pronto posible, antes de que sus virtudes sean mancilladas.
De pronto, las vidas de estas mujeres transforman: en represión y encierro. Pero esta dinámica no será aceptada de buena gana por las jóvenes, quienes con sus acciones colectivas harán eco de muchas otras voces femeninas que se niegan a la sumisión. El título de la película se refiere a los mustangos, una raza de caballos que se niegan a ser amaestrados. La metáfora funciona para dos propósitos dentro de la cinta: narrar el paso a la adultez de un grupo de jóvenes, para darle el giro al situarlas en un contexto cultural y social que por costumbre construye situaciones de juventud interrumpida.
Las vírgenes suicidas (1999)

Uno de los mayores atinos del primer filme de Sophia Coppola es su constante estética onírica y preciosista para retratar un argumento que en realidad resulta en lo contrario. La narrativa tiene al centro a cinco jóvenes hermosas, pero se construye a partir de los recuerdos de varios hombres que las anhelaban. Sin embargo, el suicidio de la menor de ellas decanta en un alteración de la cotidianidad, tanto para la familia protagonista de la tragedia, como para todos los chicos que les circundan.
Coppola aprovecha la oportunidad para hablar del despertar sexual y de esas primeras veces que se rompe el corazón. Además, la película invita al espectador a reflexionar sobre el conservadurismo extremo. Luego de la muerte de la más joven, sus padres opinan que lo mejor es sobreproteger a sus hijas restantes, antes que arriesgarse a perderlas y las dinámicas familiares revelan que aquí existe una crítica hacia la represión de todo un lote de mujeres que pierde la oportunidad de experimentar y descubrir el mundo por sí mismas.
Mujercitas (2019)

A pesar de que la cinta está basada en una novela del siglo XIX, escrita por Louisa May Alcott, y de que su contexto probablemente se perciba «superado» de cierta forma, la directora Greta Gerwig ha sabido darle ese toque de vitalidad y modernidad a un clásico que nunca ha dejado de editarse ni de considerarse fresco. Su enfoque en la creatividad y autoría femenina, en una sociedad que dictamina el papel de la mujer, se perciben como algo característico de nuestra actualidad. Triunfa en su forma y fondo porque es ingeniosa para narrar la historia, mientras resulta profundamente emocional en cada uno de los conflictos de sus personajes.
Sus personajes son un grupo de hermanas que se enfrentan al mundo, ante la ausencia de un padre proveedor. Sus lazos fraternales, alimentados por una madre que las instruye a los valores, y la complicidad innata de su condición como hermanas, serán el arma con la que tratarán de conquistar sus sueños Todas ellas demuestran diversos anhelos: desde el amor y la necesidad de construir una familia, hasta la devoción por alimentar el talento y aplicarlo en una profesión. Sus enseñanzas también lo son para el espectador y por ello Mujercitas resulta relevante.
¿Por qué verlas juntas?

Si bien las películas comparten la característica de un grupo de hermanas descubriendo el mundo, su inclusión en esta trilogía no oficial resuena sobre todo por sus discursos: mujeres que luchan por apropiarse de su lugar en el mundo. El hecho de tener a tres grupos de hermanas le brinda al espectador una diversidad de opiniones y miradas, que además sirven para ejemplificar diversas situaciones cotidianas. En Mujercitas a Joe March se le recuerda que una mujer no puede ser una exitosa escritora de novelas; en las Vírgenes Suicidas a Lux y sus hermanas se les sobreprotege de las maldades del mundo imponiéndoles así una exagerada cuarentena; en Mustang se menciona que las mujeres no deben reír y su misión es aprender a cocinar.
Las tres películas afirman que todas las hermanas, como grupo y como entes individuales, aspiran a algo mayor y merecen mucho más de lo que el mundo les ofrece. Y ellas toman conciencia de ello, mientras se enfrentan a él por primera vez y conocen todas las virtudes de la vida y sus características dificultades.
En un visionado conjunto, la similitud de sus historias resuena con mayor potencia, gracias a la diversidad que existe entre las estéticas y narrativas cinematográficas de cada una de ellas. Mientras que el filme de Coppola se percibe como onírico y poético, construido a base de flashbacks, la película de Ergüven se acoge a un realismo estético que bebe mucho al género documental. Finalmente, la mano de Greta Gerwig ofrece un tono romántico y dramático, más convencional para el espectador promedio (aunque tampoco lineal). Ver cada una de ellas es una experiencia diferente.
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
Ten presente que hoy existen plataformas especializadas donde puedes comprar carros seminuevos baratos a crédito, con revisiones verificadas y financiamiento de instituciones bancarias reconocidas. No necesitas reunir el valor total del vehículo antes de comprarlo. Cuando eliges esta vía, puedes adquirirlo con un enganche accesible e ir pagando mensualidades que se ajusten a lo que ganas, sin afectar el presupuesto que ya tienes comprometido.
Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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