Una de las inspiraciones más inquietantes de Alien no nació en un estudio de Hollywood, sino en una consulta médica. Durante años, el guionista Dan O’Bannon sufrió la enfermedad de Crohn y describía algunos episodios como la sensación de tener algo vivo intentando abrirse paso desde su interior. Aquella experiencia acabaría convirtiéndose en la semilla de una de las imágenes más perturbadoras de la historia del cine.

La escena que cambió el terror. En 1979, Ridley Scott tomó una decisión poco habitual incluso para los estándares del cine de terror: ocultar a sus propios actores buena parte de lo que iba a ocurrir durante una de las secuencias clave de Alien. El director estaba convencido de que el miedo interpretado nunca podría igualar al miedo real. 

El guion apenas indicaba que “algo emerge”, pero el aspecto exacto de la criatura, la cantidad de sangre, la violencia de la escena y la forma en que todo iba a desarrollarse permanecieron deliberadamente ocultos para la mayor parte del reparto. Aquella apuesta por la sorpresa acabaría dando lugar a una de las escenas más impactantes, imitadas y estudiadas de toda la historia del cine.

El origen de la pesadilla. La famosa secuencia del chestburster no nació únicamente de la imaginación de sus creadores. Dan O’Bannon, guionista de Alien, llevaba años fascinado por los parásitos y por algunos de los mecanismos reproductivos más brutales del mundo de los insectos. Avispas que depositan huevos dentro de otros animales, larvas que crecen alimentándose de un huésped vivo y organismos capaces de controlar el comportamiento de sus víctimas sirvieron como inspiración para la criatura. 

A ello se sumó una experiencia mucho más personal: los fuertes dolores intestinales derivados de la enfermedad de Crohn que padecía el propio O’Bannon. La sensación de tener algo creciendo y luchando por salir de su interior terminó transformándose en la idea central del monstruo que acabaría aterrorizando al público.

La batalla por el alien perfecto. Una vez concebida la idea, O’Bannon sabía exactamente quién debía darle forma visual. Durante su experiencia en el fallido proyecto de Dune de Alejandro Jodorowsky había descubierto la obra del artista suizo H.R. Giger, cuyas ilustraciones biomecánicas mezclaban sexualidad, muerte, huesos y maquinaria de una forma nunca vista. 

El problema era que los productores y el estudio consideraban aquellas imágenes demasiado perturbadoras y se resistieron durante meses a contratarlo. Todo cambió cuando Ridley Scott se incorporó al proyecto, vio los diseños de Giger y quedó completamente fascinado. Su apoyo fue decisivo para incorporar al artista, una decisión que acabaría definiendo la identidad visual de Alien y buena parte de la ciencia ficción posterior.

Un monstruo inspirado por la naturaleza. La criatura tampoco fue concebida como un simple extraterrestre agresivo. O’Bannon quería que su ciclo vital resultara tan inquietante como plausible. El facehugger, encargado de implantar el embrión en el cuerpo de la víctima, nació de la combinación entre las ideas del guionista, los diseños de Giger y el trabajo de varios artistas y técnicos. 

El objetivo era crear un organismo que utilizara a los humanos como huéspedes involuntarios, reproduciendo en clave de terror algunos comportamientos observados en insectos reales. El auténtico horror de Alien no procedía solo de la violencia física, sino de la pérdida de control sobre el propio cuerpo y de la sensación de convertirse en un recipiente para algo desconocido.

Preparando el gran shock. Ridley Scott era consciente de que la secuencia del nacimiento del alien decidiría el éxito o el fracaso de la película. Si el público se la tomaba a broma, toda la amenaza desaparecería. Por eso dedicó semanas a perfeccionar el diseño de la criatura y a planificar minuciosamente el rodaje. Se construyó un torso artificial para John Hurt, el actor que interpretaba a Kane, y se instaló un complejo sistema hidráulico bajo la mesa. 

El pecho falso fue rellenado con órganos reales obtenidos en carnicerías y mataderos, además de marisco y vísceras que aportaban una textura imposible de reproducir con los efectos de la época. Para que nos hagamos una idea, el olor era tan intenso que el propio reparto recordaría décadas después la mezcla de formaldehído, sangre y carne en descomposición que impregnaba el plató.

Giger pintando con aerógrafo un jeroglífico alienígena que muestra el violento y parasitario ciclo de vida del Alien

El secreto mejor guardado. Los actores sabían que algo iba a salir del pecho de Kane, pero ignoraban prácticamente todo lo demás. Mientras los técnicos trabajaban durante horas preparando el efecto especial, el reparto permaneció apartado del plató. Cuando finalmente fueron llamados para rodar, encontraron un escenario cubierto con plásticos, cámaras protegidas por lonas transparentes, cubos repartidos por todas partes y miembros del equipo vistiendo impermeables. 

Nadie les explicó el motivo. Aquella atmósfera extraña generó una tensión creciente que Scott buscaba deliberadamente. Quería que las cámaras captaran incertidumbre real, no simples interpretaciones.

El primer intento fallido de Giger de crear un alienígena que revienta el pecho, inspirado en Francis Bacon

La realidad superó a la actuación. La filmación tampoco fue tan sencilla como suele recordarse. Los primeros intentos fallaron porque la criatura no conseguía atravesar correctamente la camiseta de Kane y algunos sistemas de sangre se bloquearon. Sin embargo, esos errores tuvieron un efecto inesperado: aumentaron todavía más la ansiedad de los actores, que veían cómo algo parecía intentar abrirse paso desde el interior del cuerpo de su compañero sin comprender exactamente qué estaba ocurriendo. 

Cuando finalmente el diminuto bicho logró emerger y los chorros de sangre comenzaron a dispararse en todas direcciones, las reacciones fueron auténticas. Veronica Cartwright recibió un impacto directo en la cara que no esperaba y terminó desbordada emocionalmente. Sigourney Weaver confesó que en aquel momento ni siquiera estaba pensando en la película, sino en John Hurt. Yaphet Kotto quedó tan afectado que, según varios testimonios, se aisló durante horas después del rodaje.

La escena que nadie olvidó. Qué duda cabe, Scott obtuvo exactamente lo que buscaba. Las expresiones de asombro, horror y repulsión que aparecen en pantalla pertenecen en gran medida a personas que estaban viviendo algo inesperado delante de sus ojos. El director resumió años después su filosofía de trabajo con una idea sencilla: cuando un actor se sorprende de verdad, la cámara captura algo imposible de fingir. 

Esa autenticidad convirtió la secuencia en una experiencia traumática para el reparto y en una de las escenas más memorables de la historia del cine. Décadas después, sigue funcionando porque no apela únicamente al miedo a los monstruos, sino a algo mucho más profundo: el terror a que nuestro propio cuerpo deje de pertenecernos.

El legado. La importancia de aquella escena va mucho más allá de un simple efecto especial. Alien transformó la manera en que el cine representaba a las criaturas extraterrestres, introdujo una nueva forma de horror biológico y consolidó la reputación de Ridley Scott como uno de los grandes directores visuales de su generación. También convirtió a Giger en una figura de referencia dentro del diseño cinematográfico y demostró que las pesadillas más eficaces suelen surgir de miedos reales. 

Todo comenzó con un guionista obsesionado por los parásitos, un artista fascinado por la muerte, un director empeñado en capturar reacciones auténticas y un reparto que nunca llegó a saber exactamente qué iba a salir del pecho de Kane. 

Y quizá esa sea la razón por la que, casi medio siglo después, la escena sigue provocando la misma mezcla de fascinación y horror que el primer día.

Imagen | 20th Century Fox

En Xataka | Antes de que llegara el tiburón de Spielberg, una película sembró el pánico en España con algo más simple: quedarte encerrado

En Xataka | El día que España quiso ser Spielberg haciendo ciencia ficción. Fue tal disparate que Tarantino terminó reivindicando la película

Cuando llega el verano, es fácil ver cómo los termómetros rozan los 40 ºC, o incluso antes, como estamos sufriendo ahora mismo. Aquí el aire acondicionado de la oficina, de casa o incluso del coche se convierte en nuestro mejor aliado, puesto que a simple vista se ve como un salvavidas indispensable. Sin embargo, la literatura científica nos apunta que tiene efectos también bastante negativos que van más allá del clásico resfriado por los cambios de temperatura extremos a los que nos enfrentamos. 

Los efectos más generales. Los sistemas de climatización centralizados son un problema, como ha quedado documentado por la propia ciencia, ya que se ha visto que son fuentes directas de problemas de salud si la calidad del aire interior no es óptima. Y las consecuencias están bastante claras: sequedad de ojos, dolor de cabeza, fatiga y dificultad para concentrarse. 

Con datos concretos. Un estudio publicado en 2023 con 400 adultos en la India comparó a personas que estaban expuestas a aire acondicionado frente a las que usaban ventilación natural en su día a día. Lo que se vio es que los usuarios que estaban con aire acondicionado de manera habitual sufrieron muchos más casos de ojos secos, faringitis y congestión nasal que los que estaban en condiciones más naturales. 

Pero además, las pruebas médicas mostraron que la función pulmonar era significativamente menor en las personas bajo aire acondicionado constante. Concretamente, un 35% de ellos desarrolló rinitis, frente a solo un 9% en entornos de ventilación natural.

Las consecuencias. Este impacto en la salud se traduce en días perdidos, ya que las personas que trabajan con aire acondicionado faltaron una media de 22 días al año, frente a los apenas 13-15 días de aquellos en oficinas sin climatización artificial. 

Dolores musculares. Algo que he escuchado personalmente bastante, sobre todo en las personas más mayores, es que el aire acondicionado les hace tener fuertes ‘dolores de huesos’ sobre todo si les da de manera directa. Y la realidad es que el frío directo desencadena un mecanismo de defensa en el cuerpo para aumentar la temperatura y mantenerse en sus 36-37 ºC a través de una contracción de la musculatura. 

Entonces, si la exposición del músculo al frío del aire acondicionado produce una contracción muscular, hace que aquellas personas que ponen el aire acondicionado a 18 °C ven como su fuerza máxima de agarre disminuye en un 20% y desploma la velocidad de desarrollo de esa fuerza en un 50%.

En las cervicales es donde se ha visto claramente que el enfriamiento superficial aumenta la tensión del músculo esternocleidomastoideo, por lo que explica las clásicas tortícolis. Pero incluso explican las parálisis faciales que se dan por exposición a estos chorros de aire helado y que nosotros denominamos de manera coloquial como ‘le ha dado un aire’. 

Contaminación. Si el aire acondicionado enfría, pero sus filtros no se mantienen, el aparato se convierte en un difusor de patógenos. Esto es sobre todo importante en los centros hospitalarios donde se puede aumentar la prevalencia de enfermedades nosocomiales. Pero en España el peligro más grave tiene nombre y apellidos: Legionella pneumophila. 

Esta es una bacteria que encuentra su ecosistema perfecto en torres de refrigeración y generadores de aire acondicionado, causando legionelosis, que es un cuadro de neumonía atípica bastante importante. 

El carácter protector. Si el aire acondicionado cuenta con filtros de alta eficiencia, el panorama cambia radicalmente al acabar con estos patógenos. Pero el punto más interesante está en un estudio de 2017 donde participaron 200 participantes en Taipéi y que demostró que la filtración del aire mejora la salud cardiovascular al reducir las partículas finas y los compuestos orgánicos volátiles del exterior. 

La temperatura ideal. Sabiendo todo esto, ¿cuál es el punto de equilibrio? El consenso de expertos y estudios clínicos apunta a que el termostato debe estar entre los 24 °C y los 25 °C. La evidencia médica señala que bajar de los 20 °C garantiza la aparición de problemas musculoesqueléticos importantes y también irritaría la mucosa bronquial, que sería un problema importante para los pacientes que tienen alguna enfermedad pulmonar. 

Y ya si se quiere tener una nevera en casa bajando de los 17 ºC, la literatura clínica apunta a una exposición importante a problemas respiratorios y también articulares. 

Imágenes | lifeforstock en Magnific

En Xataka | Tenemos un problema en Europa con el aire acondicionado. Hay razones para usarlo poco, pero cuando aprieta el calor todo cambia

Que el verano no te pille por sorpresa: pese al calor y a la tentación de quedarse debajo del aparato de aire acondicionado más cercano, hay motivos de sobra para entretenerse. Películas, series, videojuegos y libros que nos ayudarán a hacer más llevaderos estos meses que para muchos son sinónimos de viajes y descerebre, pero para otros muchos lo son de descanso, sombrita y desconexión. Tenemos los mejores atajos para conseguirlo.

Videojuegos

007 First Light

Llevamos sin videojuegos de Bond desde ‘007 Legends’ de 2012 y la posterior pérdida de licencia de Activision en 2013, lo que convierte este título en una apuesta muy esperada por los fans del personaje. IO Interactive ha querido equilibrar con ambición la accesibilidad del mainstream y la profundidad del sigilo. El Bond de Patrick Gibson es el puente entre el 007 de Daniel Craig y el futuro cinematográfico en manos de Villeneuve, y el resultado es sencillo y directo, sin excesivas mecánicas de RPG y centrándose en la acción.

• Ya a la venta en PS5, Xbox, Switch 2 y PC

Star Fox

Tercer remake, nada menos, de ‘Star Fox 64’ (1997), después de ‘Star Fox 64 3D’ (2011) y ‘Star Fox Zero’ (2016). La estructura de niveles del original se respeta en la nueva portátil de Nintendo, aunque con gráficos significativamente mejorados. Las adiciones más interesantes son un cooperativo para dos jugadores donde uno pilota y el otro controla el armamento, y un modo Batalla completamente nuevo con enfrentamientos de hasta cuatro contra cuatro, tanto en local como en línea. Los nuevos controles tipo ratón mediante los Joy-Con 2 permiten alternar entre el sistema tradicional y un apuntado más intuitivo. Sin duda, el regreso de un clásico más sonado del verano.  

• A la venta el 5 de junio en Switch 2

Assassin’s Creed Black Flag Resynced

Está claro que ‘Black Flag’ es uno de los títulos recientes más queridos de la franquicia de Ubisoft, lo que hace especialmente extraño que la compañía haya decidido hacer un remake en vez de una secuela. Pero aquí está: desarrollado principalmente por Ubisoft Singapore, que diseñó la tecnología naval del juego original, el juego viene con la inevitable mejora técnica del original. Se han eliminado multijugador y DLCs, y la historia del presente ha sido modificada (habrá que ver cómo gestionan el desenlace original). Tendremos también nuevas tramas para personajes secundarios como Barbanegra y Stede Bonnet, así que a recuperar parches y garfios, grumetes. 

• A la venta el 9 de julio para PS5, PC y Xbox

Marvel Tōkon: Fighting Souls

PlayStation Studios, Arc System Works y Marvel Games han unido fuerzas en una alianza que refleja el deseo de Sony de tener un juego de lucha de primer nivel en su catálogo first-party. Los creadores de ‘Dragon Ball FighterZ’ aportan la estética manga aplicada a personajes Marvel, y la profundidad mecánica que los acredita como uno de los grandes del género. La propuesta más arriesgada es el sistema 4 contra 4 que permite alternar entre un personaje principal y tres ayudantes. Quizás demasiado complejo para el jugador casual que llegue atraído por los personajes Marvel, pero sin duda, junto a ‘Invincible VS’, uno de los títulos de lucha del año. 

Phantom Blade Zero

Una nueva embestida de los estudios chinos al mercado AAA tras ‘Black Myth: Wukong’. Aquí se nos presenta un universo “Kungpunk” (mezcla de mitología china, artes marciales y fantasía oscura), con una identidad propia que lo distancia de los típicos soulslikes, aunque las sombras de ‘Sekiro’ y ‘Bloodborne’ son alargadísimas. No obstante, el juego es un título de acción con mecánicas de RPG ligeras, lo que lo hará más asequible que otros compañeros de generación y estética. 

• A la venta el 9 de septiembre para PS5 y PC

Marvel’s Wolverine

Ya en los ultimísimos estertores del verano, ‘Marvel’s Wolverine’ llega con una presión muy notoria: PlayStation lo ha posicionado como su gran apuesta exclusiva del año, y sin duda, junto a ‘GTA VI’, supone el lanzamiento AAA más esperado del otoño. Muchas dudas recaen sobre Insomniac Games, como si será capaz de repetir el éxito de sus juegos de Spider-Man, pero en un juego con personalidad propia. El estudio ha insistido en que la propuesta es más cruda, violenta y visceral que sus entregas anteriores de superhéroes, pero de momento en los avances no se ha logrado ver si estará a la altura de las circunstancias, solo sabemos que veremos a Logan deambular por Madripoor, Canadá y Tokio en busca de respuestas sobre su pasado.

Kane Parsons tenía 16 años cuando colgó en YouTube un cortometraje de nueve minutos grabado en primera persona con filtro VHS y basado en un meme inquietante de 4Chan, y lo que empezó como un experimento se ha convertido, cuatro años después, en una película que recaudó 81 millones de dólares en su fin de semana de estreno, una cifra que dice tanto sobre el estado del cine de terror independiente como sobre la capacidad de internet para incubar audiencias antes de que Hollywood se entere. La premisa se inspira en la idea de acabar atrapado en un espacio extradimensional infinito, lo que la conecta con una estética generacional muy específica: los espacios liminales como horror y angustia existencial, lo familiar convertido en amenaza. 

He-Man y los Masters del Universo

‘He-Man y los Masters del Universo’ llega al cine con un accidentado historial de fracasos, superior a cualquier franquicia de juguetes: los derechos cinematográficos han pasado por Warner Bros., Columbia Pictures y Netflix antes de aterrizar en Amazon MGM Studios, un periplo de décadas de intentos fallidos y guiones descartados. La elección de Travis Knight (responsable de ‘Kubo y las dos cuerdas mágicas’ y de ‘Bumblebee’) es la mejor decisión del proyecto: Knight entiende lo que hacía especial a la franquicia original y no hace una reinvención gritty, sino que recupera el espíritu colorido y aventurero del dibujo animado de los ochenta, una apuesta que en el contexto del blockbuster actual suena casi contracultural.

Scary Movie

‘Scary Movie ‘llega sin el 6 en el título que le correspondería en circunstancias normales, quizás porque esto es más un reboot que una secuela. La pregunta que tiene que resolver la película es: ¿sigue siendo relevante la parodia de terror en un momento en que el género, incluso en aportaciones “serias” y de prestigio como ‘Hereditary’ o ‘Los pecadores’ ya vienen bien surtidas de humor? Los hermanos Wayans regresan como guionistas y productores después de abandonar la serie por agotamiento, y Anna Faris y Regina Hall retoman sus papeles veintiséis años después. ‘Scream’, ‘M3GAN’, el terror elevado, los reboots, remakes y secuelas-legado serán algunas de sus víctimas. 

El día de la revelación

El regreso de Spielberg al cine de ciencia ficción de gran espectáculo está despertando una gran expectación, sobre todo porque ya hay críticos que hablan de lo mejor del director en dos décadas. El punto de partida es altamente spielbergiano: un experto en ciberseguridad confiesa haber robado información clasificada sobre seres no humanos que le habían contratado para mantener oculta, al mismo tiempo que una meteoróloga empieza a emitir clips ininteligibles en directo durante una retransmisión televisiva… clips que el ciberexperto asegura entender. Emily Blunt ha confirmado una conexión temática con ‘Encuentros en la tercera fase’, respondiendo preguntas que aquella película dejó abiertas. Guión de David Koepp, que ya escribió ‘Parque Jurásico’ o ‘La guerra de los mundos’. 

Toy Story 5

La secuela de la secuela que nadie quería se encuentra ante el posible agotamiento de la franquicia, pero Disney está en un momento en el que no se puede permitir poner pegas a marcas tan potentes como esta. Esta nueva entrega aborda el impacto de la tecnología en el juego infantil, y presenta a Lilypad, una tablet con aspecto amigable que capta por completo la atención de Bonnie, desplazando a los juguetes tradicionales. La película pondrá el foco sobre todo en Jessie, ya que Woody no regresa como personaje principal. Demasiadas dudas para un proyecto que tiene muchos obstáculos anunciados. 

Supergirl

La apuesta más arriesgada hasta la fecha del nuevo DCU de James Gunn adapta la aclamada miniserie de Tom King, conservando sus personajes y temas fundamentales. Hay una diferencia básica con Superman: su prima Kara Zor-El creció en un fragmento de Krypton y vio morir de formas terribles a todos los que la rodeaban durante sus primeros catorce años de vida. Milly Alcock da vida a una heroína más cínica, desconfiada y escéptica. La presencia de Jason Momoa como Lobo es una de las más esperadas de la película, aunque está por ver cómo funcionará la química entre ambos.

La Odisea

La película más ambiciosa de la carrera de Nolan en términos de escala, con un presupuesto de 250 millones de dólares. El director ha optado por una interpretación realista de la mitología griega, con un reparto que retoma todo el poema: Matt Damon como Odiseo, Tom Holland como Telémaco, Anne Hathaway como Penélope, Robert Pattinson como Antínoo, Zendaya como Atenea y Charlize Theron como Circe, una auténtica constelación de estrellas. El rodaje tuvo lugar en Marruecos, Grecia, Italia y Escocia durante seis meses, lo que deja claro que, a diferencia de otros blockbusters, vamos a ver muchos escenarios naturales y pocas pantallas verdes, lo que para empezar ya supone un excelente punto de partida. 

Spider-Man: Brand New Day

‘Spider-Man: Brand New Day’ llega dispuesta a superar a una de las películas de superhéroes más taquilleras de la historia, ‘No Way Home‘, que reunió a las tres versiones cinematográficas del personaje y generó una respuesta en los fans difícilmente repetible. La premisa arranca cuatro años después de aquel evento: Peter Parker es ahora un adulto que vive completamente solo, reconstruyendo su vida en el anonimato después de que el mundo olvidara quién es. La dirección corre a cargo esta vez de Destin Daniel Cretton, responsable de ‘Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos’.

El final de Oak Street

Una de las películas más intrigantes del año viene firmada por David Robert Mitchell, director de ‘It Follows’, que lleva su sensibilidad de autor indie al blockbuster de dinosaurios, en una película producida por J.J. Abrams. La premisa sitúa a una familia en un barrio residencial de los ochenta cuya calle completa es arrancada de su entorno por un fenómeno cósmico misterioso y transportada a la era prehistórica, con todo lo que eso implica. Una idea tan absurda como veraniega, que además no se quedará ahí: al parecer el tiempo se comporta de forma extraña y los paisajes cambian, así que con suerte la cosa irá más allá de la aventura de supervivencia al uso. 

Series

La leyenda de Vox Machina – T4

Por las lógicas del mercado no tiene ningún sentido que esta extraña y excéntrica apuesta haya llegado hasta aquí, pero lo ha hecho: una serie de animación para adultos basada en una partida de rol que se originó como emisión en Twitch, que se financió mediante crowdfunding y que Amazon convirtió en una gran producción animada sin perder su genuino espíritu original. Ya se ha anunciado una quinta y última temporada, pero esta cuarta arranca con el grupo disperso. El gran desafío de esta temporada: preparar el gran final de la siguiente con una propuesta lo suficientemente interesante como para que se sostenga por sí misma.

• En Prime Video desde el 3 de junio

Mis aventuras con Superman – T3

‘Mis aventuras con Superman’ llega a su tercera temporada tras casi dos años de pausa, y lo hace con una apuesta muy interesante: adaptar el arco de los cómics ‘Reinado de los Superhombres’, que gira en torno a la muerte aparente de Superman y la aparición de cuatro sustitutos con diseños y personalidades distintos. La serie quiere explorar qué significa ser Superman graciads a estos sustitutos que comparten poderes pero tienen valores completamente dispares. La serie seguirá centrándose en Clark, Lois y Kara, y es de esperar que, como en las anteriores, mantengan el equilibrio entre distintos personajes, haciéndolos evolucionar en direcciones inesperadas.

• En HBO Max desde el 13 de junio

La Casa del Dragón – T3

Nos espera una buena descarsga de acción y espectáculo con esta temporada, ya que como dice su showrunner Ryan Condal, hemos pasado de “los inicios de una guerra medieval” a una “guerra total”. Aunque George R.R. Martin es uno de los críticos más duros de la serie, lo cierto es que ésta continúa su camino incorporando nuevos personajes como Ser Roderick Dustin u Ormund Hightower. Eso sí, el núcleo sigue asentado firmemente en el fabuloso trío de Emma D’Arcy, Matt Smith y Olivia Cooke, que han demostrado ser perfectamente capaces de sostener ellos solos toda la carga dramática de la serie. 

La segunda temporada de ‘Avatar: La leyenda de Aang’ llega con la ventaja y el peso de adaptar el mejor tramos de la serie original: el segundo es el arco más oscuro y ambicioso de los tres que componen la aventura animada, con Ba Sing Se como escenario central, una ciudad cuyas dinámicas de poder funcionan como crítica política. Lo que hemos visto hasta ahora apunta a un tono más intenso que el de la primera entrega y pronto veremos si el conjunto funciona porque la temporada 3 ya se ha rodado para evitar que los actores envejecieran demasiado entre entregas. 

• En Netflix desde el 25 de junio

Silo – T3

De tapadillo, sin grandes despliegues publicitarios, ‘Silo’ llega a su tercera temporada con una audiencia fiel y con la ambición de ampliar su mitología incorporando una trama ambientada siglos antes de los eventos presentes, mostrando los orígenes de la sociedad que terminó viviendo bajo tierra. Tendremos, pues, una doble línea temporal: en el presente, Juliette sobrevive a su limpieza forzada pero regresa tras sufrir una pérdida de memoria, mientras el silo se enfrenta a una nueva amenaza; en los “tiempos anteriores”, una periodista y un congresista descubren la conspiración que lo desencadenó todo. 

• En Apple TV+ desde el 3 de julio

Lanterns

Nada menos que Chris Mundy (showrunner de ‘Ozark’), Damon Lindelof (creador de la serie de ‘Watchmen’) y Tom King (uno de los mejores guionistas de cómic de los últimos tiempos) están al frente de esta serie que tiene que demostrar si el Universo DC de James Gunn tiene algo que ofrecer más allá de la familia Superman. De momento ya se ha puesto como referente a ‘True Detective’, lo que resulta atractivo e intrigante. La presentación de Hal Jordan y John Stewart es esencial para el futuro de DC,  y vienen a la fiesta Guy Gardner y Siniestro, entre otras sorpresas. A ver si la mezcla de géneros le sienta bien.

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