Elvis Presley dejó una huella imborrable en la música popular con su inconfundible estilo y su carisma. A lo largo de su carrera, Elvis experimentó con diversos géneros, desde el rock y el blues hasta el gospel y el country. Aunque cada uno de sus discos tiene algo especial, hay un álbum que sobresale, tanto por su calidad artística como por su impacto cultural: “From Elvis in Memphis” (1969).

Este disco es considerado por muchos críticos y fanáticos como una de las mejores obras de su carrera, y según un análisis realizado por inteligencia artificial, se lleva la corona como el más destacado de todos.

“From Elvis in Memphis” fue el resultado de su regreso al estudio tras un largo periodo dedicado principalmente a la industria del cine. En este disco, Elvis abandonó parcialmente el sonido más comercial y se sumergió de lleno en sus raíces musicales, explorando géneros como el soul, el rhythm and blues y el gospel. Con un sonido más maduro y emocional, el álbum es un testimonio de la capacidad de Elvis para reinventarse, mientras se mantiene fiel a su esencia. Es considerado un punto de inflexión en su carrera y un ejemplo de su enorme talento artístico.

El álbum incluye algunas de las canciones más icónicas de su repertorio, entre ellas “Suspicious Minds” y “In the Ghetto”, dos de sus temas más populares y emocionalmente poderosos. “Suspicious Minds”, con su mezcla de soul y pop, fue un éxito mundial y se convirtió en uno de sus mayores éxitos en la década de los 60. Por otro lado, “In the Ghetto”, una canción que habla sobre la pobreza y las dificultades de la vida, muestra una faceta más introspectiva y socialmente comprometida de Elvis, algo que no era común en sus trabajos anteriores.

Además de sus letras y su interpretación vocal, el disco destaca por la calidad de su producción. Grabado en los estudios American Sound Studio de Memphis, el álbum se beneficia de una increíble alineación de músicos de sesión, que aportaron una sonoridad rica y variada, con influencias del soul y el funk de la época. Este estilo único, más sofisticado y lleno de matices, marcó un contraste con el sonido más pulido y comercial de sus discos anteriores, lo que lo hace aún más especial en la discografía de Elvis.

SV

La música es tan poderosa que tiene la capacidad de generarnos toda clase de emociones al escucharlas. Para los artistas, también sirve como un espacio en el que pueden compartir con el mundo sus pensamientos y sentimientos. Sin embargo, hay quienes llevan esto al siguiente nivel, como el caso de David Bowie, quien utilizó esta herramienta para despedirse del mundo con “Lazarus”.

El 2016 inició de la ‘patada’, pues durante los primeros días de aquel año nos enteramos de la muerte de este legendario artista, quien sin lugar a dudas, marcó un antes y después en la historia de la música, el arte y la moda. Su fallecimiento tomó a la industria y a sus fans por sorpresa, pues nadie se imaginaba que lo perderíamos a los 69 años.

Aunque para todo el mundo esto fue algo inesperado, el propio David Bowie sí sabía que tenía los días contados y se acercaba su final. Es por eso que antes de partir de este plano y para aumentar su legado, nos entregó un último material discográfico en el que podemos encontrar una de sus canciones más desgarradoras, emotivas y reales: “Lazarus”.

Así surgió la idea de “Lazarus” de David Bowie

A finales de 2015 y luego de presentar “Blackstar” (su primera canción inédita en dos años que se convertiría en el primer sencillo de su vigésimo quinto álbum de estudio del mismo nombre), David Bowie lanzó “Lazarus”. Esta rola a diferencia de la anterior, estaba pensada dentro de un proyecto mucho más ambicioso que un disco, pero ambos temas compartían algo: un mensaje que parecía de despedida.

Durante las sesiones de grabación del que se convertiría en su último material discográfico, Bowie estaba desarrollando un musical llamado Lazarus, que serviría como secuela de su película clásica de culto, The Man Who Fell to Earth, donde interpretó al protagonista Thomas Jerome Newton. Los números estuvieron formados por algunas rolas clásicas de David, pero también compuso canciones nuevas, entre ellas la que le da nombre a esta puesta en escena.

Finalmente, el musical se estrenó en noviembre de 2015 y contó con Michael C. Hall como el protagonista, la cual se presentó en Nueva York y Londres (de hecho, la función de apertura fue la última aparición pública de David Bowie). Sin embargo, parece que el músico tenía la necesidad de incluir a “Lazarus” en su siguiente disco, es por eso que a finales de ese año la lanzó como sencillo y tiene mucho sentido que insistiera tanto en esto.

18 meses antes de que estrenara esta canción, Bowie fue diagnosticado con cáncer de hígado y aparentemente sabía que su vida estaba llegando a su fin. Sin embargo, en lugar de dejar que la enfermedad se lo llevara y esperar su inevitable final, David decidió hacer lo que más le gustaba y le daba fuerzas: crear música auténtica y de paso, dejarnos una última muestra de su enorme genialidad con Blackstar.

Bowie quería despedirse con esta canción y ‘Blackstar’

Según el mismísimo Tony Visconti (legendario productor que colaboró en un montón de discos junto al músico británico), la letra de “Lazarus” y otras canciones del álbum se supervisaron para que se convirtieran en una especie de auto-epitafio de David Bowie, un comentario sobre la propia muerte inminente de este multifacético artista. Y vaya que eso queda claro si analizamos la letra.

La canción abre con la frase “Look up here, I’m in heaven. I’ve got scars that can’t be seen” (“Mira aquí arriba, estoy en el cielo. Tengo cicatrices que no se pueden ver“), que sería una referencia precisamente al cáncer que estaba consumiendo a Bowie. Sin embargo, para la última parte de la rola, el propio David parece estar aceptando su final, cuando canta “This way or no way, you know I’ll be free. Just like that bluebird now, ain’t that just like me?” (“De esta manera o de ninguna manera, sabes, seré libre. Como ese pájaro azul, ahora, ¿no es eso propio de mí?)”.

Aunque no está confirmado, existe la teoría de que “Lazarus” estuviera influenciada de alguna manera en Lázaro, personaje del Evangelio de Juan que fue resucitado a los cuatro días después de su muerte por Jesucristo. No está claro por qué David Bowie haría referencia al nombre bíblico en el título de la canción, pero podría ser una metáfora de la resurrección del personaje de Thomas Jerome Newton o quizá, el músico estaba reflexionando y prediciendo el posible resurgimiento de su propia carrera y fama tras su muerte.

El impactante video de “Lazarus” y su evidente mensaje

De cualquier manera, si no había sido lo suficientemente claro con lo que quería transmitir con esta rola, Bowie le abrió los ojos a quien faltaba cuando estrenó el video oficial de la canción, el cual contó con la dirección de Johan Renck (cantautor que ha estado detrás de clips para artistas como Madonna, Kylie Minogue, The Libertines, Suede, New Order, Lana Del Rey, Chris Cornell, Robbie Williams y más).

En el visual, David Bowie canta desesperadamente en una cama de hospital caracterizado como el personaje Button-Eyes (el mismo que apareció en el video de “Blackstar”), con un vendaje que le cubre parte del rostro y botones cosidos sobre sus ojos. En un momento, el artista se levanta de lo que parece ser su lecho de muerte y podemos ver que lleva puesto el mismo atuendo que usó en la contraportada de su disco Station to Station.

El videoclip video termina con Bowie entrando en un ropero oscuro y cerrando la puerta: esa fue su escena final. Resulta que durante la filmación, los médicos le informaron al músico británico que el cáncer era terminal y que ya no había nada más qué hacer. Aunque Johan Renck mencionó que se enteró de la situación de David después de contarle su idea, lo que crearon para este visual refuerza esa despedida que una leyenda como él se merecía.

El 7 de enero de 2016, apareció el video oficial de “Lazarus” y un día después (en el que fue el cumpleaños 69 de David Bowie) vio la luz Blackstar, el cual contó con una portada minimalista a cargo de Jonathan Barnbrook (con quien trabajó en The Next Day) que muestra una estrella de color negro sobre un fondo blanco, pero en la parte superior se puede ver la descomposición de la estrella en cinco partes distintas, que al checarlas detalladamente forman la palabra “Bowie”.

Bowie no dejó de hacer arte hasta sus últimos días

Lamentablemente, el 10 de enero de 2016 y tras un par de días luego de lanzar este material discográfico, Bowie murió, dejando un enorme hueco y legado tanto en la industria musical como en las personas que marcó con su trabajo a lo largo de más de cinco décadas de carrera. Con este emotivo, críptico, estructurado y espontáneo disco, David se despidió como debía del mundo que lo vio brillar y en el que desarrolló su talento.

Aunque la muerte de David Bowie representó la pérdida de uno de los artistas más importantes de todos los tiempos, y a pesar de que sabía que no le quedaba mucho tiempo de vida, se mantuvo fiel a lo que siempre fue hasta sus últimos días, pues en Blackstar se negó a cumplir con las expectativas que habían sobre él. Y claro, “Lazarus” es la prueba de ello, un adiós lúgubre pero ideal para una figura de su tamaño donde nos recuerda que por fin será libre.

La mejor definición de esta canción y del último material discográfico lanzado por David Bowie la podemos ver en las palabras que Tony Visconti publicó en un comunicado en sus redes sociales, tras la muerte de quien fuera su amigo y compañero musical por muchos años.

“Siempre hizo lo que quiso hacer. Y quiso hacerlo a su manera y de la mejor manera. Su muerte no fue diferente a su vida: una obra de arte. Hizo Blackstar para nosotros, su regalo de despedida (…) Era un hombre extraordinario, lleno de amor y vida. Siempre estará con nosotros”.

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Eterno por siempre, David Bowie. Pocas figuras como la del músico inglés se respetan tanto dentro de la industria musical. Y no es para menos: nos dejó tantos discos, canciones, estilos musicales y visuales, mismos que componen su infinito legado y siguen impregnándose –en mayor o menor medida– en la obra de otros artistas.

Precisamente, una de esas canciones de las que hablamos es “Let’s Dance”, tema que marcó en su momento un antes y un después en las aspiraciones artísticas del Duque Blanco de la música.

Y no nos malentiendan; hay tanto material del británico con el que fácilmente explicaríamos su virtuosismo y valor artístico, pero hoy es momento de hablar de la rola que terminó por confirmarlo como un ídolo pop masivo hacia la década de los 80.

Con todo el genio musical que tenía en la palma de su mano, Bowie estaba listo para reclutar a otro grande nombre como el de Nile Rodgers, con quienes armó este estupendo track que a día de hoy nos sigue moviendo cuando de bailar se trata…

David Bowie y los cambios en los 80

La década de los 80 debe ser sin duda una de las épocas más fructíferas para la industria musical. El boom de las grandes estrellas de pop se comenzaba a gestar con fuerza y, por supuesto, David Bowie estaba preparado para alzarse entre esas estrellas. 

El músico de Brixton ya tenía un recorrido demasiado importante detrás suyo, cimentado en su obra cercana al rock más experimental y un tanto glam de finales de los 60 que se extendió en gran parte de los 70. Pero él estaba preparado para decirle a los 80 que su nueva etapa allanaba el camino a un éxito sin precedentes.

De hecho, hubo muchas cosas en ese cambio. Una de las más significativas sería la firma en 1983 con EMI en Estados Unidos, disquera con la que oficialmente se alejaba de RCA Records y de su viejo colaborador, el productor Tony Visconti. Seguramente una decisión complicada… pero no había marcha atrás.

De acuerdo con Rolling Stone, Bowie se fue de vacaciones en el 1982 con una buena cantidad de discos de artistas como James Brown, Buddy Guy, Albert King y Little Richard, exponentes todos ellos del funk y el R&B de la época. “Me pregunté, ¿por qué elegí esta música para escuchar? Es música que no provoca tensión y por el contrario, causa una sensación de placer y felicidad. Hay entusiasmo y optimismo en esas canciones”, dijo en su regreso a su estudio en Suiza.

“Let’s Dance” de David Bowie y cómo entró Nile Rodgers a la grabación

David Bowie no dudó un segundo en quién quería como su próximo productor. El hambre artística del reconocido Starman quería explorar nuevos terrenos, tal vez uno más comercial. Y que mejor que proponerse con uno de los músicos y productores más importantes de la época como lo era Nile Rodgers.

Para que se den un idea, el guitarrista venía de hacer hits para Diana Ross y tras su tiempo con Bowie, sería el encargado del éxito de Madonna con Like A Virgin. Es decir, tener a Rodgers en su equipo era una buena garantía.

Entonces, luego de conocerse en Nueva York durante 1982, comenzaron las sesiones de grabación esta vez con un equipo de músicos renovado básicamente contratados por Nile, quien también hizo lo propio en el estudio. Dicen por ahí, Bowie no tocó un solo instrumento (o al menos no lo hizo como parte de un track) en toda la producción. Pero sin duda lo mejor estaba por venir por parte del propio David. 

Según recuerda Rodgers en una entrevista con The Telegraph, Bowie se le acercó un día y le dijo “Nile, cariño, creo que esto es un éxito” al tiempo que comenzó a rasguear una melodía en su guitarra de doce cuerdas. Eran los primeros resquicios de “Let’s Dance” de David Bowie, una melodía que en su primera forma a Rodgers le pareció muy folk como para que hablara sobre baile.

“Vengo de la música dance. No puedes llamar a esa cosa que acabas de tocar ‘Let’s Dance’”, dijo un desencajado Nile a Bowie. Entonces con algunos efectos, subiendo tonalidades, invirtiendo acordes y modificando rasgueos, aquella primera muestra ‘folk’ de Bowie, de mano suya junto a Rodgers, se convirtió en lo que hoy conocemos como esa rolita que nos invita a ponernos los zapatos rojos y bailar el blues.

De hecho, en 2018, dos años después del fallecimiento de Bowie y 35 tras su lanzamiento original, el afamado guitarrista de funk mostró al mundo una de las primeras maquetas de la canción. “Cambió mi vida, cambió la vida de David, y terminamos trabajando juntos en otros cinco proyectos durante el los próximos cinco años”, recapitula Nile en declaraciones recogidas por Open Culture.  Acá abajo te dejamos el demo.