Usar la música como un elemento más para contar esta historia

Como ya lo mencionaron antes, la idea con la música para La Liberación no solo era componer melodías que acompañaran la serie o momentos en específico. En realidad, lo que Camilo Lara y Alejandra Márquez Abella buscaban era que esas canciones formaran parte de la narrativa de esta historia, como una herramienta más para que su mensaje resonara con el público que viera la trama.

Y vaya que lo consiguieron, porque a lo largo de los episodios de esta producción, la música se siente como un personaje más que por instantes, tiene más protagonismo que el mismo elenco. Al respecto, la directora y el encargado del score nos contaron un poco del proceso creativo y el concepto de esta decisión que fue un gran acierto.

Alejandra: “Yo soy una iletrada musical, o sea, soy una melómana. Siempre Joe me dice eso, pero no tengo lenguaje. O sea, no puedo llegar ahí y decir ‘ah, siento que…’, no lo tengo (…) pero sí creo que soy buena con los conceptos. Y para mí la música, como decía Camilo, siempre es un elemento cinematográfico más, que tiene que incidir, tiene que decir, tiene que estar. Y el concepto tiene que estar abrazado por, obviamente, todo lo que venga. La idea siempre de tener un coro griego en mis pelis es importante, siempre lo ha sido. Con coro griego me refiero a algo que te está diciendo, que te interrumpe o que te dice ‘mira, ven’ te agarra de la mano y te dice, ‘ven, vamos a echarnos por esta resbaladilla que no estás entendiendo qué onda, pero va a llegar a algún lugar’. Lo que decía Camilo, que (la música de la serie) te comenta, que te niega o te afirma, junto con el sonido, además. O sea, no dije, ‘creo que (deberíamos usar) voces’, ¿no? Camilo generó los ‘sí’, los ‘no’, la idea de las voces también. Entonces, yo creo que llegué con algo así”.

Camilo: “Lo que pasa es que empiezas a trabajar desde el guión, desde que es una idea. Entonces, es cuando se hace algo que yo le llamo ‘paleta de ideas’, que es como si vas a una tienda de tapetes y agarras de ‘ah, me gusta este rasposo, me gusta este que está todo rico’ y tal. Entonces, tomas todo esto y con eso empiezas a hacer el sonido. Y creo que es muy importante como poner las reglas del juego, o sea, es muy bonito este score porque está delimitado muy claramente cuáles son las reglas del juego. Y fue muy emocionante decir ‘vamos a utilizar solo voces, solo sintetizadores, solo tambores’ (…) Con eso se empieza a desarrollar temas y cosas, y empiezas ya a hacer la narrativa, pensar qué queremos contar. Pero eso no pasa cuando tienes un director que no entiende de música, no hay forma de poder compaginar tanto. Ahí sí no coincido con Ale porque, tal vez no saber notas no quiere decir que no sepas de música. Al contrario, yo creo que la intuición de Ale en todas las películas, en todo su trabajo, siempre va muy la música, es un jugador más. Y creo que eso habla de la musicalidad que tienen las películas y de la forma de abordar como una voz más de las muchas que tiene, de las muchas ideas que hay ahí en una película o en una serie”.

“Creativamente es un reto y creo que todos nos divertimos mucho (3:18) haciéndolo y entendiendo, creando este mundo (…) Y pues se vuelve en este momento aquí donde estamos, un hechizo, una magia, un momento como de comunión en donde coinciden varias cosas. Es muy emocionante cuando se logra hacer algo así. Cuando hace uno un proyecto, luego encontrar algo que tenga tantas conexiones es increíble, porque logras hacer lo que haces por pasión con una intención última. Para mí eso fue lo más emocionante, esa es la magia de la que hablo. La serie tiene además hechizos, ¿no? Y esa es otra idea (…) Pero es un proceso, son muchos meses de trabajar, de haber estado los tres sentados aquí discutiendo, hablando, oyendo (…) Es muy artesanal, es muy hecho a mano y eso lo ves en la serie, tiene mucha humanidad. Ojalá el mundo fuera tan hecho a mano como esta serie”.

Alejandra: “Lo que pienso luego con respecto a la música en los proyectos audiovisuales es que, o sea, la música… Te enseñan en la escuela de cine que la música es muy peligrosa, que no la debes usar, y es como una cosa no de artistas, ¿no? Musicalizar de más, y yo estoy muy en contra de esa idea. Pero entiendo por qué te lo enseñan así, porque la música genera emoción instantáneamente. La literatura o el cine requieren de tiempo, requieres de dos horas o de una hora para llegar a una construcción emocional (…) Pero con la música, oyes tres notas y ya estás conectado emocionalmente. Y eso es muy peligroso porque te ahorra mucho trabajo como cineasta. El ejemplo fácil es ‘quiero unos violines para que se emocionen aquí’. Claro, pero no hiciste tu trabajo emocional con el espectador, entonces entiendo por qué hay temor. Creo que cuando logras asumir ese poderío que tiene la música y darle la vuelta, que siento que eso es lo que hizo Camilo brutalmente, y usarlo como a tu favor, para justamente no nada más emocionar, sino generar incomodidad o inconformidad también. La música te lo está diciendo y te está avalando ese sentimiento(3:37) que estás teniendo como espectador. Eso, creo que es como entrarle a una construcción más compleja musical y no dejarte llevar como por esta forma de musicalizar que luego es muy edulcorante”.