Cine y Tv
CinemAbility: (dis)capacidad, cine y representación
Hay cine para todos los gustos, de eso no hay duda. Lamentablemente, aunque hay una creciente diversidad de géneros narrativos, no se puede decir lo mismo sobre los protagonistas de las historias que forman dichos géneros. Hoy, las llamadas “minorías” se van abriendo paso en una industria que, por alguna razón, apenas está despertando a todo lo que hay allá afuera. No por nada la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos recientemente presentó sus –muy necesarias– reglas de inclusión para elegibilidad en los premios Óscar. Justamente, uno de estos grupos “poco representados”, y que figuran en dichos criterios, son las personas con discapacidad. Pensemos: ¿Qué tan seguido vemos a un personaje estelar que tenga algún impedimento físico?
Esa misma pregunta se hizo Jenni Gold hace varios años, cuando salió de la escuela de cine de la University of Central Florida. Ella utiliza una silla de ruedas debido a una distrofia muscular. Sin embargo, eso no le impidió encontrar la manera de operar una cámara y aventurarse a dirigir el documental CinemAbility: Art of Inclusion, pertinente relato de la manera en que Hollywood ha retratado la discapacidad a lo largo de la historia.
Tuve la oportunidad de platicar, en exclusiva para Cine PREMIERE, con esta cineasta, que forma parte del Directors Guild of America. En la conversación abordamos los retos que surgen al momento de levantar una producción, en un mundo que aún se pregunta si vale la pena abrirle las puertas del éxito a todas aquellas personas que le parece «diferentes». Afortunadamente, ella se robó las llaves y entró por la fuerza.
Necedad: el secreto del éxito
“Me ayudó ser obstinada. […] Es un negocio rudo. […] Alguien dijo alguna vez: ‘No te interpongas entre Jenni y su película’”, dice la realizadora entre risas.
Para Gold existe algo “más importante que el oxígeno”: las imágenes en movimiento. Desde que que tuvo su primer acercamiento con una película, supo que el cine eraa la mejor manera de conocer aspectos de la vida que no se podían experimentar en carne propia, dada su condición.
«Vi Rocky II en Miami, yo era muy joven. En la pelea con Apollo hay una escena en la que los dos están en el suelo. Noté como la gente gritaba y se emocionaba [en esa parte]. Me di cuenta de cómo el cine afecta a las personas».
Cuando la cineasta comenzó a hablar sobre sus motivos, aquello por lo que decidió dedicarse a la creación de proyectos audiovisuales, sus palabras hicieron un eco prolongado en mi cabeza. Yo soy periodista, mi película favorita es Rocky, de 1977 y también tengo una discapacidad. En mi caso fue causada por una pequeña parálisis cerebral de nacimiento. No tengo bien desarrollada la parte motriz, pero el área cognitiva quedó intacta.
Tenía 16 años cuando, impulsado por esa capacidad de pensamiento, se me ocurrió la idea más loca de mi vida: “Quiero dedicarme al cine” (suena The Fools Who Dream, de La La Land). Con ese sueño en mente, ingresé a estudiar la Licenciatura en Comunicación, de la cual ya llevo cursada poco más de un año. Además, estoy escribiendo estas líneas en un sitio alimentado por compañeros que tienen la misma pasión que yo. ¡Sí funciona ser persistente! Sería un eufemismo decir que me gusta el cine. Antes, las películas no me representaban más que simple entretenimiento. Sin embargo, ahora me sería imposible vivir sin ellas. Se han convertido en mi lenguaje preferido.
Después de consumir ávidamente las historias en la pantalla, un día me hice un cuestionamiento: “No puedo ser la única persona que se quiere poner tras una cámara aún con una condición médica, ¿o sí?” Entré a Google y tecleé: “disabled film directors”. Así, encontré a Jenni y a su historia. No niego que lo primero que me atrajo del texto en el que había clickeado fueron las fotografías que lo acompañaban; en ellas, Jenni posaba con Jane Seymour, Ben Affleck, Jamie Foxx, Gary Sinise, Marlee Matlin, Geena Davis y William H. Macy (todos dan entrevistas muy relevantes en el filme). ¿Cómo lo había logrado? Gracias a una maravillosa idea.
“Escribieron un artículo sobre mí –una directora en silla de ruedas– para Los Angeles Times. Entonces unos amigos vinieron a verme y me dijeron: ‘Queremos hacer un documental sobre ti, y yo dije: ‘¡No! ¿Qué van a hacer, seguirme a todos lados? Yo no he hecho nada. Eso es tonto’. Y luego les dije: ‘Si quieren hacer una película sobre discapacidad, ¿por qué no hacerla sobre la historia de la discapacidad en el cine? […] Guardé esa idea en un cajón de mi oficina en el lote trasero de los estudios Universal, pero tengo un amigo que es publicista, entonces lo invité para platicarle sobre todos mis proyectos y que me aconsejara para saber en cuál me debía enfocar. Él encontró esta idea en el cajón y dijo: ‘¿Por qué no estás haciendo esto?’, y yo le dije: ‘Bueno, no quiero que piensen que todo en mí es sobre discapacidad’. Él respondió: ‘Si no eres tú, ¿quién más lo va a hacer?’”.
Las piezas comenzaron a encajar
Cuando por fin se convenció de que la idea para el documental CinemAbility: Art of Inclusion tenía potencial, Jenni se puso manos a la obra. La primera persona a la que acudió fue al actor Danny Murphy, quien quedó cuadripléjico después de un accidente. Coincidentemente, él era amigo de dos directores que lo reclutaron para sus películas Loco por Mary o Irene, yo y mi otro yo.
“¡Danny se involucró y los hermanos Farrelly se involucraron! […] Se fue creando un efecto de bola de nieve, de pronto, se hizo más y más grande y [de repente] ya lo estaba haciendo”, nos platica la cineasta.
Existimos
Después de dos minutos de estar leyendo el artículo, me di cuenta de una cosa. No me había fijado bien en cómo era Jenni. Al observarla más detenidamente, casi pego un brinco de alegría. Resulta que en su silla de ruedas, ella tiene montado un dolly (el aparato que permite mover la cámara sobre un eje para obtener las tomas). Es un sistema futurista, pero sobrio a la vez: cuando capta tu atención te produce sorpresa, pero poco a poco te vas acostumbrando a verlo como algo orgánico.
Inmediatamente comencé a buscar toda la información posible acerca del proyecto, pues vi el éxito de Jenni como una validación de mi sueño. La realidad es que, por idílico que suene, nunca pensé que no iba a poder lograr lo que yo me había planteado como objetivo; sin embargo, verla a ella en un set, con una sonrisa de oreja a oreja, al frente de su propio trabajo, se sintió como una palmadita en la espalda, como si una voz me dijera: «Vas por buen camino».
Hay un momento del documental en el que los entrevistados se debaten sobre si es aceptable que se reclute a actrices y actores que no tienen una discapacidad en roles de personajes discapacitados. Obviamente, las respuestas varían: mientras unos no consideran que haya mayor problema, otros lo comparan con el blackface, la práctica de maquillar con color oscuro a alguien para «disfrazarlo» de una persona negra. Sin embargo, también es cierto que hay una cuestión de disponibilidad de talento, y también de temporalidad: cuando Sinise encarnó al teniente Dan en Forrest Gump, en 1994, no había muchas cosas que alentaran a las personas con impedimentos físicos a perseguir una carrera actoral. Él fue el elegido para darle vida a alguien que perdió ambas piernas en la guerra de Vietnam y lo hizo con dedicación y respeto.
Y es que ese es el poder de la representación: permite que hagamos conexiones duraderas, que sintamos empatía unos por otros. Así como yo conecté con alguien igual a mí gracias a un largometraje, puede ser que otras personas necesiten verse reflejadas en un medio para sentir que están siendo tomadas en cuenta. Al menos así lo veo yo, y parece que Gold también:
“Creo que la gente siempre busca historias con las que se puedan sentir identificados. […] En el mundo, hay un gran número de personas con discapacidad. Somos más que la población de China. Creo que, si comenzamos a ser más vocales y a unirnos, los demás se darán cuenta que no deben descartarnos. Mientras tengamos más oportunidades de empleo [en la industria], las cosas van a empezar a mejorar para las siguientes generaciones”.
Tiene mucho sentido que la cineasta haya mencionado el aspecto generacional. La primera vez que vi el documental CinemAbility: Art of Inclusion, me llamó la atención que la mayoría de las cintas y series a las que se hace alusión no son muy recientes. Por ejemplo, Freaks, dirigida por Tod Browning, fue lanzada en 1932, y en su momento fue considerada una película de terror, puesto que osó mostrar personas con enanismo en roles cuasi protagónicos. Es casi seguro que haya permanecido en el olvido porque nadie la publicitó lo suficiente, ya que en su tiempo las «personas pequeñas» no tenían la misma aceptación que ahora.
Lo mismo sucedió con el programa Ironside, transmitido por NBC de 1967 a 1975. El show se centraba en un consultor de la policía de San Francisco que, después de un accidente, comienza a depender de una silla para moverse. Con el estilo camp que dominaba todo en aquella época, ¿ustedes piensan que los episodios son un melodrama? ¡Para nada! Esta era una aventura de acción. Todo un espectáculo. Pero quedó enterrada en la historia… hasta que Jenni y sus entrevistados la rescataron con ayuda de su buena memoria.
¿Por qué no?
En los primeros minutos de metraje del documental, Ben Affleck aparece a cuadro mencionando que hay muy poca cabida para la discapacidad en el Hollywood actual. Que hay que hacer algo para cambiar eso. Durante el resto de la cinta nos recuerda que sí hay cosas que se pueden cambiar.
Para ejemplificar esto me gustaría poner unos ejemplos: hay una sitcom que me encanta –y que además es aludida en CinemAbility–, llamada Speechless. Se centra en JJ DiMeo, un adolescente con una parálisis cerebral que, como el título lo dice, le impide hablar. Salvo por el hecho de que no se comunica con sonidos, su vida se parece mucho a la mía, ya que va a la escuela, tiene amigos, una familia que lo apoya y, por si fuera poco, es muy listo: por eso, se comunica apuntando con una luz a un tablero con el abecedario. JJ es interpretado por Micah Fowler, un actor con la misma condición que su personaje.
Precisamente, creo que ese es el camino que se debe tomar: apuntar a que haya retratos que se enfoquen en una verdad universal, y esa no es otra sino que todos podemos aportarle algo al mundo. Nadie es inútil.
«Mi parte es mostrarlo en películas para que se sepa lo que las personas con discapacidad podemos hacer», comenta Jenni Gold.
Mientras tanto, espero que siga habiendo cine por mucho tiempo para que estas demostraciones nunca terminen. A las audiencias les queda mucho por descubrir y, a los realizadores , mucho por ofrecer. Lo interesante del asunto es que, para ambas partes, siempre habrá una forma de continuar haciendo lo que les apasiona: si no hay ojos, hay oídos; si no hay oídos, hay tacto; si no hay manos, hay piernas. La creatividad y la determinación nunca se acaban.
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El documental CinemAbility: Art of Inclusion se puede rentar en Apple Movies. O bien, se puede conseguir en DVD en este enlace.
Actualmente, Gold está en posproducción de su próximo proyecto, la comedia de horror Aaah! Roach!, que va sobre unos universitarios que son aterrorizados por cucarachas gigantes en su fraternidad. Está protagonizada por Casper Van Dien (Starship Troopers) y Jason Mewes (Jay and Silent Bob).
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La cinta de 2006 ya tiene una secuela que se encuentra en desarrollo. Esta es toda la información que se conoce (hasta ahora).
Sin exagerar, El diablo viste a la moda es la película sobre la industria de la moda más icónica de los años 2000. Estrenada en 2006 bajo la dirección de David Frenkel y con un inolvidable reparto liderado por Anne Hathaway, Meryl Streep y Emily Blunt, la cinta fue una mirada divertida y sospechosamente apegada a la realidad del mundo editorial. Ahora, a casi dos décadas de aquel momento, se ha confirmado que una secuela viene en camino.
Fuentes de Disney confirmaron a Deadline la noticia, asegurando que Aline Brosh McKenna, la guionista de la cinta de 2006, realizará el guion nuevamente, mientras que Frenkel se encuentra en conversaciones para replicar su rol como productor.
La película aún se encuentra en un estado de realización temprana. Según el sitio de noticias Puck –el primero en dar a conocer la realización de la secuela– Wendy Finnerman, productora del primer filme que vuelve a esta producción, recién está reuniendo las piezas para dar forma a la historia.
¿Quiénes protagonizarán El diablo viste a la moda 2?
La pregunta del millón, ¿vuelven Meryl Streep, Anne Hathaway y Emily Blunt? Aún no es posible confirmarlo. Puck aseguró que Wendy Finnerman ha convencido a Streep y Blunt para replicar sus papeles de Miranda Priestly y Emily Charter. Sin embargo, en una entrevista para E! News de este año, Hathaway dijo “no creo que la continuación de esa historia ocurra jamás”.
Por ahora, ninguna de las actrices ha confirmado su presencia en The Devil Wears Prada 2.
¿Qué pasará en El diablo viste a la moda 2?
Como bien recordarás, la primera película sigue la llegada de Andy Sachs a Runway, la revista más importante de la industria de la moda al mando de la temible editora, Miranda Priestly. En su travesía, Andy no solo lidia con la competencia feroz establecida por la primera asistente de Miranda, Emily Charter, también con los “demonios” de la industria, el ser fiel a sí misma y encontrar su verdadero camino.
Ahora, para El diablo viste a la moda 2, la sinopsis tampoco cuenta con una confirmación oficial, sin embargo, el mismo sitio previamente mencionado contó que se está planeando una historia centrada en Miranda Priestly en el declive de la publicación de revistas impresas, esta vez se enfrentará a Emily, que probablemente sea una alta ejecutiva de alguno de los conglomerados de lujo más grandes (LVMH o Kering).
Por ahora, solo queda esperar a que los detalles continúen revelándose.
Cine y Tv
AMACC: ¿Qué hace y por qué es importante la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas?
Al momento de su fundación el 3 de julio de 1946, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC) adoptó un propósito que sobrevive hasta nuestros días: “promover la difusión, la investigación, la preservación, el desarrollo y la defensa de las artes y las ciencias cinematográficas”, en palabras de la propia organización.
No es sólo la instancia sin ánimo de lucro que hace posible la entrega anual del Ariel, galardón que reconoce lo mejor del cine hecho con manos mexicanas. Es una asociación civil con más de 2,500 miembros —profesionales activos de la industria— que desempeña infinidad de tareas; desde la formación, divulgación y fomento cultural, hasta la puesta en marcha de medidas que protejan a los cineastas en contextos adversos.
Con sede en Casa Buñuel (CDMX) y mediante un comité coordinador actualmente presidido por Armando Casas, conozcan a continuación las labores de la AMACC y algunos proyectos específicos recientes que dan fe de su enorme relevancia en el quehacer cinematográfico nacional.
Muestras, exposiciones y ciclos de cine
La AMACC ha impulsado muestras y ciclos de cine en distintos recintos de la República Mexicana; esto con el objetivo de dar a conocer la diversidad de miradas y propuestas fílmicas que enriquecen el panorama audiovisual de nuestro país.
Un ejemplo tradicional es el ciclo “Rumbo al Ariel”. Su edición de 2023 abarcó 1 de agosto de 2023 al 30 de septiembre, teniendo como propósito exhibir ante un amplio público los largometrajes y cortometrajes nominados para la 65° entrega de los premios Ariel. Además de funciones presenciales, este ciclo recurrió nuevamente a su propia plataforma en línea donde las películas ostentaron visualizaciones gratuitas a las cuales podían acceder internautas de todo México.
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En materia de exposiciones y difusión de acervos fotográficos, la Academia estuvo detrás de muestras como “La persistencia de la máquina sensible” (conformada por carteles de películas ganadoras del Ariel) y “Héroes anónimos: técnicos y artistas del cine mexicano” (un homenaje a los creadores cinematográficos que operan detrás de cámaras y que difícilmente obtienen el reconocimiento que merecen).
Conversatorios y clases magistrales
Varias acciones de la AMACC han buscado fomentar el encuentro y diálogo entre las y los profesionales del sector cinematográfico; además de llevar esas charlas y conferencias al público en general. Por ejemplo, en el marco de los ciclos “Rumbo al Ariel” y “Voces y temas del cine mexicano” de 2023, la Casa Buñuel acogió conversatorios con histriones, cineastas y personal creativo involucrado en las cintas exhibidas; pláticas grabadas en video y que pueden consultarse libremente en el canal de YouTube oficial de la Academia.
Convocar talento de otros países —sumado a procurarles un espacio en el que puedan compartir sus conocimientos— ha sido otra misión de la organización. De los últimos años, destacan clases magistrales impartidas respectivamente por el director de arte Paul Harrod (Isla de perros) y el diseñador de vestuario Ángel Amor, integrante del equipo de producción de afamados títulos como Maléfica y La favorita.
De la AMACC, en colaboración con la Filmoteca de la UNAM, tampoco debe olvidarse el programa de conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel”. Este consistió en extensas charlas videograbadas —a modo de tertulias— que protagonizaron laureados miembros de la industria fílmica mexicana y prestigiosos comunicadores, investigadores y gente destacada del gremio. Hubo un total de 34 charlas, repartidas a lo largo de tres temporadas y publicadas digitalmente entre abril de 2020 y julio de 2021.
Labor editorial
Entre las tareas de la Academia destaca también “la edición de libros que hablan sobre el desarrollo de la industria del cine mexicano” (vía).
En 2021, la primera temporada de los conversatorios “Jueves de Cine en Casa Buñuel” motivó que la AMACC y las instancias asociadas lanzaran una colección editorial; es decir, una serie de libros donde se transcribieron las charlas sostenidas con distintas personalidades en el transcurso del programa.
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Respecto al ámbito de las letras, la AMACC también ha publicado ocho números de una colección denominada “Textos de la Academia”; una conjunto de escritos que en su mayoría rinden tributo a la vida y trayectoria de veteranas personalidades que fueran acreedoras del Ariel de Oro, como la actriz María Rojo, la guionista Paz Alicia Garciadiego y el histrión Héctor Bonilla. La versión digital de cada número está disponible de manera gratuita en el sitio web de la organización.
Preservación y restauración
En complicidad con la Filmoteca de la UNAM, la AMACC ha sido partícipe de la restauración y preservación de cinco películas mexicanas de antaño y con enorme valor histórico, que son:
- La mujer del puerto (Dir. Arcady Boytler, 1933)
- El tren fantasma (Dir. Gabriel García Moreno, 1926)
- El puño de hierro (Dir. Gabriel García Moreno, 1927)
- La barraca (Dir. Roberto Gavaldón, 1945)
- Tepeyac (Dir. José Manuel Ramos, Carlos E. González y Fernando Sáyago, 1917)
Cabe agregar que el proceso de restauración en torno a La barraca inspiró el primer número de la colección “Textos de la Academia”. Por otro lado, los casos de Tepeyac y El tren fantasma dieron pie a la ilustrativa serie de textos Cuadernos de Restauración de la Filmoteca, cuyos primeros dos volúmenes fueron publicados con el apoyo de la AMACC.
En defensa del cine y sus trabajadores
En contra de toda censura y agravio, la AMACC jura defender la libertad creativa y laboral de cineastas mexicanos. Además, fue de armas tomar para asistir a los trabajadores de la industria más afectados por la suspensión de actividades durante la pandemia. Así surgió en 2020 —y con la mediación de la Academia— el Fondo de Apoyo COVID-19 para la Industria Cinematográfica y Audiovisual, gracias a una alianza con Netflix, y Sifonóforo, Fondo de Emergencia Audiovisual, resultado de la suma de esfuerzos de diversas figuras, incluidas Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, Issa López y Salma Hayek.
Ese mismo año, en plena discusión por la desaparición de fideicomisos, la AMACC calificó de preocupante la extinción del Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad (FOPROCINE). También defendió a capa y espada la permanencia del Fondo de Inversión y Estímulos al Cine (FIDECINE), que durante veinte años apoyó la producción, posproducción, distribución y exhibición fílmica en nuestro país.
Asimismo, la lucha de la organización está enfocada en impulsar las reformas a la Ley Federal de Cinematografía y el Audiovisual. Así lo dijo la presidenta Leticia Huijara en la pasada edición de los premios Ariel:
Premios y representatividad en el extranjero
Bien sabido es que la AMACC otorga anualmente el prestigioso premio Ariel, que reconoce lo mejor del cine mexicano e iberoamericano. Por ende, es responsable de llevar la batuta en la logística de la ceremonia, la publicación de convocatorias, los procesos de selección y votación, la fabricación de las estatuillas, etcétera. Siempre con plena consciencia de que el magno evento no consiste solamente en repartir trofeos. Sobre esto, la Academia define su premiación como “un foro público para escuchar las voces de nuestro cineastas en momentos fundamentales de nuestra historia”.
Cada año, la misma instancia es la encargada de elegir la producción nacional que represente a México en la carrera para la categoría de Mejor película internacional de los premios Óscar; lo mismo para los Goya de España, los Macondo de Colombia y los Colibrí de Ecuador, en sus respectivas ternas de Mejor película iberoamericana.
Y por si fuera poco, la AMACC presume ser parte de la Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas (FIACINE); un organismo que reúne a las homólogas asociaciones de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, España, Guatemala, Paraguay, Perú, Portugal, República Dominicana y Venezuela, con el objetivo de impulsar conjuntamente relaciones y mecanismos a favor del quehacer fílmico en tales territorios.
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Como miembro de la comunidad LGBT+ que ha dedicado tres décadas de su vida al desarrollo de ficción televisiva, Jorge Tijerina dice sentirse esperanzado con los cambios de perspectiva que ha notado en la industria mexicana y latinoamericana. Desde 2021 lidera el desarrollo de las producciones de ficción para Warner Bros. Discovery México y Colombia, en donde asegura ha encontrado un ambiente de apertura y diálogo, dentro del corporativo, pero también dentro de las comunidades creativas de cada país (compañías productoras, guionistas, cineastas, etc.), que ha permitido impulsar representaciones cada vez más diversas en los últimos años.
Su experiencia se alinea con las medidas y aspiraciones empujadas durante los últimos años por el conglomerado –fusionado con Discovery en 2022–, que mantiene a la inclusión como uno de sus ejes empresariales. Y es pertinente sobre todo cuando el nuevo y reconfigurado gigante de la industria audiovisual ha confirmado su intención de centrar mucha de su producción original en México y Latinoamérica, y quizá producir menos, pero con mayor calidad (está interesado en explotar, sobre todo, el ámbito de las teleseries).
A cuatro meses de la llegada a Latinoamérica de su plataforma Max (evolución de HBO Max), y mientras la marca alista producciones mexicanas como la serie Como agua para chocolate, Jorge Tijerina nos platica sus reflexiones sobre la evolución de la industria televisiva en temas LGBT+, y cómo es que Warner Bros. Discovery se asegura constantemente de caminar en la dirección correcta.
En junio se celebra el orgullo LGBT y como marcas siempre queremos, por su puesto, celebrarlo y sumarnos a la fiesta, pero al mismo tiempo nos obliga a examinarnos. ¿Cómo crees que va Max y Warner Discovery en estos temas en el frente de desarrollo de contenidos?
Me ha tocado pertenecer a diferentes compañías durante mi carrera y esto me permitió ver una evolución de cómo la industria en general ha ido transformando realmente sus puntos de vista. Todavía hay mucho que hacer y me parece que Max está haciendo mucho para lograrlo. Tenemos, por ejemplo, grupos internos de voluntarios en donde se invita a empleados de la compañía para hablar de temas sensibles que pueden ser de diversidad, diversidad de género, etc. Yo empecé [a trabajar en esta industria] en una época cuando esto no sucedía. Las dinámicas eran otras, donde se censuraba la aparición de personajes LGBT en los contenidos. Donde no era posible siquiera tratar estas temáticas en las historias. Después entré a HBO Latinoamérica en 2009 y me tocó trabajar en Capadocia, la primera serie de ficción que se hizo fuera del sistema de televisión abierta en México. Y tuvo un personaje de una mujer trans muy importante dentro de la trama y eso le valió mucho reconocimiento. No se había hecho, fue una pequeña gota en el océano que ha ido creciendo, creo yo. Y pues Max tiene ya muchos contenidos a los cuales podemos señalar como ejemplos, en donde me parece que el mundo se ve reflejado con todas sus aristas.
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Aquí, Jorge enlista algunos de esos ejemplos, entre los cuales se encuentra la serie Ugly, estrenada en 2023, en donde Juan Daniel García Treviño interpreta a un joven bisexual, una dimensión que asegura se explorará más en la segunda temporada a estrenarse el próximo año. También menciona a Las Bravas F.C., serie estrenada en 2022 que sigue a un equipo de futbol femenil, en donde Mauricio Barrientos, el Diablito, interpreta a un coach gay. De acuerdo con el ejecutivo, la siguiente temporada planea explorar la historia de un personaje femenino que mantiene una relación con otra mujer.
¿Cuál crees que es el rol y las capacidades reales de las plataformas y sus departamentos de desarrollo en esta lucha por la diversidad y su representación? ¿Qué está dentro de tu control, qué no y cuáles son aún los retos que enfrentas desde tu posición?
En principio tenemos que ser muy fieles a nuestra misión como empresa de entretenimiento, y ese es crear un contenido que haga eso: que entretenga, o sea, eso debe de ser nuestra primera misión, porque claro, es muy fácil a veces querer dejar llevarse por temas que son tan necesarios, pero que luego el público los puede percibir como un tipo de activismo. Y la verdad es que tenemos que seleccionar, desarrollar y producir historias que al público le den un respiro de aire después de un día largo en el trabajo. Una historia que tenga un carácter emocional muy profundo. Nuestro primer encuentro sí es preguntarnos si una historia puede entretener a una audiencia, como la de nuestra plataforma, que es masiva. Una vez que encontramos esa conexión general, por supuesto que es bien importante que dentro de ese mundo de ficción haya elementos que conecten con la sociedad de hoy. No vivimos en una sociedad donde todas las personas son blancas, no vivimos en una sociedad donde todas las personas son heterosexuales, tampoco en una ciudad donde todos sean hombres. Y siempre ha sido así, solo que ahora, afortunadamente, tenemos la apertura que nos da la conversación cultural.
El reto es mantener todo lo que te comentaba al inicio, pero también encontrar cómo las personas LGBT forman parte de estos universos. Que sea orgánico, porque nosotros, pues somos personas que andamos por la vida sin un panfleto en la cabeza. Nos enamoramos, cuidamos de nuestros papás, buscamos trabajo, a veces tenemos éxito, a veces no, somos personas. Es esa normalidad la que debe de haber.
¿Cuáles son los procesos o las dinámicas que implementan para lograr eso que comentas, la inclusión y normalización de estas experiencias en las historias?
Tenemos la fortuna de que la compañía apoye estos grupos que te comentaba al inicio, a los que llamamos BRG, Business Resource Groups, que hacen un voluntariado para hablar de estos temas dentro de la empresa. Pero también tenemos un área de diversidad e inclusión, que es sumamente importante para nosotros, porque nos da una guía para darle más visibilidad a grupos como la comunidad LGBT en nuestras series originales. Yo formo parte de ella y es un área compuesta por personas contratadas para que la compañía enriquezca su visión. Me dan lineamientos para poder dirigirme con los equipos de escritura y de producción. Cuando hemos tenido contenidos, por ejemplo, sobre mujeres, para mí ha sido muy importante que quien escriba sea una mujer. Lo primero que valoramos es su talento, claro, su trayectoria. Pero si es una historia LGBT por ejemplo, buscamos escritores dentro de esa comunidad que tengan ese talento. No quiere decir que una persona heterosexual, un persona aliada –figuras importantísimas, para mí– no lo pueda hacer bien, pero es importante darle esa oportunidad a las personas de la comunidad, actores, actrices. La selección es importante para nosotros. Al final la audiencia la aprecia porque se transmite en algo genuino.
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Muchas veces las audiencias, y sobre todo en una sociedad en donde persisten muchos prejuicios, creen que la lucha por la diversidad en las pantallas solo puede tomar la forma de «cuotas», y que estas son «artificiales». ¿Qué le dirías a quienes piensan así?
Como compañía no debes perder tu misión que es hacer historias de calidad. Esa calidad te la dan profesionales que tienen un oficio, una trayectoria. Y sí, es difícil; al meter a las comunidades minoritarias en la ecuación, lo natural es pensar que no hay suficientes escritores LGBT, por ejemplo. ¿Cómo podemos meter más escritores LGBT aunque no tengan la experiencia? Yo creo que es un esfuerzo de encontrar cómo fomentar eso. Si un escritor LGBT no cuenta con la experiencia para entrar en un puesto de jefe de escritores, quizá pueda entrar en un puesto menor dentro del cuarto de escritores. Y entonces en unos años tendremos escritores LGBT experimentados y que sean valorados, en primera instancia, por su talento y experiencia. Y su punto de vista único, sus experiencias como parte de la comunidad, aportarán a ese talento. Lo importante es darles esos espacios para que puedan crecer y beneficiarnos todos como industria.
Como parte de la comunidad LGBT, ¿qué te ha dado más orgullo de trabajar en Warner Bros. Discovery y que te emociona más del futuro?
Me ha tocado atravesar… llevo más de 20 años haciendo ficción para TV y me ha tocado atravesar muchas etapas. Te puedo señalar el crecimiento que ha tenido este tema en la sociedad, desde mi punto de vista. Al inicio trabajé en una telenovela y recuerdo que censuraban a los personajes LGBT, y ahora son protagónicos. A mí me emociona mucho de trabajar en Warner esa completa apertura que se da y ese diálogo. Hemos hecho series en Argentina con estos temas, en Brasil, en México hicimos un documental sobre los muxes. Ha sido un esfuerzo que no solo ha tenido que ver con México, sino que se ha expandido a nivel panregional. Conectamos mucho con todas las comunidades creativas locales, y ellos son las que nos traen historias como estas. Se han dado porque nos hemos mostrado muy abiertos, a escuchar y a entender qué es lo que mueve a nuestros creativos de cada país. Es estar siempre muy atentos a saber por qué les mueve la historia. Dependemos de ellos, realmente: con ellos trabajamos. Las historias normalmente vienen de estas comunidades creativas de cada país. Ellxs están muy abiertos a crearlas. Entonces, el reto es seguir escuchándoles. A veces uno se desmoraliza mucho, cuando un gobierno avanza en temas LGBT y otro retrocede. Siempre habrá paredes que tumbar.
¿Consideras que, en temas de diversidad dentro de las plataformas, el papel de las comunidades creativas locales es clave?
Absolutamente, vengo de hecho de unas reuniones con una productora de hecho para un proyecto nuevo, y no son solamente esos diálogos los que nos ayudan a nosotros para generar historias nuevas. Ayer tuve una reunión con una editorial, para hablar de libros, por ejemplo, que toquen temas socialmente relevantes, y sean emocionantes, y que se puedan adaptar. Las ideas vienen de todos lados pero siempre surge de una mente creativa que nos mueve como sociedad y como empresa.
La entrada Lo importante es apoyar el crecimiento de la comunidad creativa LGBT: Jorge Tijerina se publicó primero en Cine PREMIERE.
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