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El año y medio en que México fue el escenario de “Dune”: la historia detrás del filme de David Lynch
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AP.- En la filmografía del recientemente fallecido David Lynch destacan películas como “Blue Velvet” y “Mulholland Drive”, pero hay una que destaca por ser muy mexicana: “Dune”.
El largometraje fue filmado en los Estudios Churubusco de la Ciudad de México y en el desierto en Chihuahua. El cine tenía otros tiempos en la década de 1980 y los directores se podían mudar a otro país, como en el caso de Lynch, quien pasó un año y medio en tierra mexicana para materializar su visión.
La película tiene como protagonistas a Kyle MacLachlan, Virginia Madsen y Sting, pero detrás hubo todo un ejército de trabajadores manuales y extras locales que colaboraron.
No se trató de un éxito de taquilla y el mismo Lynch llegó a renegar de ella, pero con el tiempo se ha convertido en un filme de culto cuya atracción ha aumentado gracias a la versión contemporánea de Denis Villeneuve.
Producida por Dino de Laurentiis
“Dune” era un proyecto de Dino de Laurentiis, experimentado productor de “Barbarella”, “La strada” (“La calle”) y “Waterloo”, quien encontró en el entonces joven Lynch, director hasta ese momento de los largometrajes “Eraserhead” (“Cabeza borradora”) y “The Elephant Man” (“El hombre elefante”), al candidato perfecto para llevar la batuta.
La elección de rodar en México obedeció a varios factores: el país había pasado por una fuerte devaluación en 1982, lo que hacía que filmar con presupuestos en dólares fuera muy económico.
Además, su geografía ofrecía un desierto, como el que cubre el planeta Arrakis de la historia de “Dune”, lo cual los llevó a Samalayuca en Chihuahua, al estado central de Tlaxcala y a las escaleras del estacionamiento del Estadio Azteca.
Pero la gran mayoría se rodó en los Estudios Churubusco en la Ciudad de México, con decorados muy elaborados que ocupaban la totalidad de sus foros.
“No fue difícil que encontraran que México era el lugar ideal”, dijo en entrevista con The Associated Press Armando Casas, cineasta y presidente de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas. “Era lo que más convenía, estratégicamente estaba bien, no nada más era por ahorrar”.
Elenco y trabajadores mexicanos
Aunque no aparecieron en los créditos de la película, actores de renombre mexicanos fueron extras como Angélica Aragón, Honorato Magaloni, Claudia Ramírez, Ramón Menéndez y Humberto Elizondo, estos dos últimos en una escena como pilotos. Entre los mexicanos, el actor que tiene un papel más prominente es Ernesto Laguardia, quien muere a manos del barón Vladimir Harkonnen y quien posteriormente sería actor de telenovelas y presentador de televisión.
Miguel Cane era un niño actor de ocho años con experiencia profesional previa cuando, por coincidencia, fue elegido como extra para la película. Cane se convirtió eventualmente en crítico de cine.
“El set para mi escena era el set del palacio de los Atreides en Arrakis, donde es la batalla final entre los personajes de Kyle MacLachlan y de Sting”, dijo Cane a AP. “Para un niño de ocho años ver estas cosas era muy impresionante. Era como estar en otro mundo”.
Por su parte, Casas, quien entonces era un estudiante universitario de arte y literatura dramática, supo del rodaje porque estaban buscando extras altos, blancos y atléticos. Incluso algunos de sus compañeros participaron en el filme.
Pero sobre todo los profesionales mexicanos participaron como tramoyistas, electricistas, carpinteros, choferes y un largo etcétera. Anuar Badín fue coordinador de producción. El filme tuvo además una buena repercusión para el cine mexicano, trajo más producciones extranjeras y demostró la capacidad técnica de sus trabajadores.
Lynch en México
Durante su estancia, Lynch dio una conferencia de prensa en la que expresó su entusiasmo por filmar en la ciudad e incluso tuvo tiempo de organizar una exposición de sus pinturas en el país. Vivió en el barrio de Polanco donde presentó su obra.
“Él estuvo contento en esta ciudad, él lo declaró en más de una ocasión, declaró que fue feliz aquí”, dijo Cane. “Hizo varias amistades con gente del círculo cultural y social de la zona y con ellos se llevaba muy bien”
Después de filmar volvió al país con su entonces pareja, Isabella Rossellini.
“Le gustaba venir a vacacionar en México como incógnito, sobre todo en la costa de Sonora y en el Mar de Cortés”, dijo Cane. “A finales de los años 80 no era raro que vinieran a vacacionar”.
Fracaso en taquilla
Los efectos visuales del filme no lucen bien a pesar de que eran los mejores de la época y también existen quejas sobre la forma en la que se adaptó la novela de Frank Herbert.
El estreno se recorrió de diciembre de 1983 a diciembre de 1984 en Estados Unidos. En México se estrenó en 1985 y no hubo alfombra roja, pues no se estilaba en esa época que hubiera premieres internacionales en México. Tampoco duró mucho en cartelera en ambos países.
“Algo que él (Lynch) reconoce es que la película lo sobrepasó, como a cualquiera, una película de ese tamaño acaba sobrepasando a cualquiera”, dijo Casas.
Era evidente para De Laurentiis que iba a perder dinero con este filme, pero tenía un contrato con Lynch por dos películas de “Dune”. Decidieron que no habría más películas de la saga, aunque De Laurentiis seguía creyendo en Lynch y le dio la oportunidad de hacer un filme por un presupuesto reducido, que terminó siendo “Blue Velvet” (“Terciopelo Azul”).
“Fue cuando descubrió que realmente no era con recursos económicos con lo que él podía hacer su visión narrativa, sino realmente con una historia bien contada a su estilo”, dijo Cane.
“El fracaso de ‘Dune’ sirvió para que David Lynch se reinventara por completo y nos diera cosas maravillosas como ‘Terciopelo Azul’, como ‘Twin Peaks’ … si a ‘Dunas’ le hubiera ido bien, probablemente David Lynch habría hecho otras cosas. Fue un parteaguas para bien y para mal”.
Una segunda vida
De Laurentiis aprovechó parte de la escenografía de “Dune” para “Conan the Destroyer” (“Conan, el destructor”) con Arnold Schwarzenegger que también se filmó en los Estudios Churubusco y otras partes de México.
Pero, lo que nadie imaginó es que se usaría para hacer una película “de ficheras” (el cine de mujeres fatales en bares de mala muerte que predominó en la producción mexicana en la segunda mitad del siglo XX), titulada “Dos nacos en el planeta de las mujeres”, protagonizada por Alberto Rojas “El Caballo” y César Bono.
En perspectiva
Tanto Cane como Casas coinciden en que este es el momento perfecto para ver “Dune” de David Lynch, quien falleció la semana pasada a los 78 años.
“Todo mundo se debe por lo menos una vez en la vida una película de Lynch”, dijo Cane. “Van a descubrir cosas en la visión de David Lynch que probablemente no tienen nada que ver con la visión de Denis Villeneuve, pero es interesante”.
Casas, por su parte, destacó el tono que establece Lynch en el filme de intrigas palaciegas en una galaxia lejana con enormes gusanos de arena.
“Hay momentos de la película en las que parece que estoy viendo una adaptación de Shakespeare, un Ricardo III, un rey Lear. Ese gran Shakespeare que habla del poder”, dijo. “‘Dunas’ tiene un trasfondo ‘shakespereano’ muy poderoso, y eso es lo que más me gusta de la película”.
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Jessica Gunning gana en la categoría de mejor interpretación femenina en una miniserie en los SAG Awards 2025
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La actriz Jessica Gunning fue galardonada este domingo en la categoría de mejor interpretación femenina en una película para televisión o miniserie en los premios SAG Awards de este año.
Gunning interpretó el personaje de Martha en la miniserie de “Bebé reno”, una de las producciones más premiadas en la 76 edición de los Emmy del año pasado.
“Bebé reno” dio la sorpresa al liderar la tabla con tres galardones en los premios Spirit del cine independiente, uno de los termómetros en la carrera por los galardones más codiciados de Hollywood.
En la premiación de ayer, Jessica Gunning, también se alzó con el galardón a mejor interpretación revelación con un discurso en el que quiso agradecer al creador de la serie, Richard Gadd, por escogerla para ser “su acosadora” durante los siete capítulos de la trama.
Cabe recordar que Netflix fue demandada el año pasado por al menos 170 millones de dólares por una mujer escocesa que dijo haber sido difamada por su representación de acosadora en la exitosa miniserie “Bebé reno”.
La demandante, Fiona Harvey, ha afirmado públicamente ser la inspiración del personaje de Martha, interpretado por la actriz Jessica Gunning, con quien comparte un parecido físico y que, como ella, es abogada en Londres.
Pero en una demanda presentada ante un tribunal federal de Los Ángeles, Harvey dijo que Netflix y el creador de “Bebé reno”, Richard Gadd, fueron demasiado lejos al sugerir a través de la serie, que se autodenomina una “historia real”, que ella era una acosadora condenada dos veces a cinco años de prisión.
Harvey negó haber acosado a Gadd, que en el programa interpreta una versión ficticia de sí mismo llamada Donny Dunn, o haber sido condenada o encarcelada.
Agregó que mucha gente no podía notar la diferencia, y miles de usuarios de Reddit y TikTok hablan de ella como la “verdadera” Martha.
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ir al espacio está pasando de gran aspiración de la humanidad a un “Ryanair con cohetes”
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Cuando Andy Davis abrió sus regalos de cumpleaños aquella tarde de 1995, estaba a punto de certificar uno de los cambios más importantes del imaginario cultural del siglo XX norteamericano: la muerte de Western y la consagración del astronauta como gran figura aspiracional.
Porque, perdonadme la expresión, pero cómo molaban los astronautas. Hablamos de personas que se preparaban durante décadas, que arriesgaban su vida cada puñetero segundo y que lograban hazañas que nosotros, simples mortales, no podíamos ni imaginar. No había nada más glamuroso y guay que ser astronauta.
Ahora la cosa ha cambiado.
El ciclo de vida de todo medio de transporte. Cuando se inventó el tren, primero hubo curiosidad. Luego, miedo. Más tarde, lujo. Y, finalmente, el Rodalías de Barcelona o el tren de Extremadura. Es ley de vida: una especie de modelo Kübler-Ross de la percepción social de los medios de transporte.
Con los aviones pasó lo mismo. De los primeros vuelos de prueba pasamos al Espíritu de Sant Luis, después a los lujosos aviones de los años 60 y, ahora, un servicio manifiestamente malo que solemos asociar a las aerolíneas lowcost, pero que afecta a todo el sector.
En el espacio, estamos viviendo ese proceso y lo estamos viviendo muy muy rápido.
Pero ¿por qué? En el fondo, lo que estamos viendo es el desarrollo lógico de la privatización de la carrera espacial. Y es que, como llevamos señalando años, lo que se ha privatizado ahora no es el espacio. El espacio lleva privatizado ya muchos años. Lo que estamos viviendo es la privatización del sueño espacial.
O, dicho de otra forma, lo que hemos visto es el nacimiento de empresas que están sabiendo aprovechar la retórica espacial para encontrar financiación (ganándole la partida a las grandes agencias).
Detrás de toda esa retórica espacial… La nueva carrera espacial no va de “convertirnos en una especie interplanetaria” ni de llevar “turistas al espacio”. La nueva carrera especial va, por ahora, de financiar el desarrollo de una infraestructura muy cara, muy lucrativa y que será indispensable en el futuro.
Cuando Jeff Bezos decía que la gran batalla está en quien se encarga de sacar los dispositivos de la Tierra (la infraestructura básica de la nueva carrera espacial o, como el mismo dijo, el ‘Amazon Web Services’ del Espacio) llevaba razón, pero se quedaba corto. Hay muchos servicios críticos que van a depender de lo que ocurra ahí arriba.
El turismo (y la ‘banalización’ del espacio) es clave en todo esto. Desde que Dennis Tito se convirtiera en el primer turista espacial en 2001 (y contando los seis del último viaje de Jesús Calleja) unas 84 personas han ido al espacio a hacer algo que podríamos denominar como “hacer turismo”.
Es decir, Jesús Calleja es un síntoma de esa progresiva banalización del espacio, sí; pero ya teníamos muchísimos ejemplos previos. La clave está en llevar el análisis un paso más allá: en entender que la ‘democratización’ de los viajes espaciales vienen a sustituir la épica espacial de los años de la Guerra Fría.
Es su “aggiornamento”, su versión contemporánea: el relato que sirve para seguir moviendo los engranajes del desarrollo de la industria espacial. Por eso tiene sentido que vaya al espacio una estrella de televisión, por eso tiene sentido querer abaratar costos, por eso tiene sentido llevar a mucha gente. Porque como ocurre con las lowcost, el negocio es otro.
Y, en condiciones normales, sería algo muy interesante. Al fin y al cabo, el siglo XX nos ha enseñado que cada euro invertido en el espacio es un euro invertido en mejorar las condiciones de este planeta. Históricamente, el retorno de la inversión es enorme y esa ha sido una de las grandes palancas que han permitido seguir invirtiendo en él.
Sin embargo, conforme van pasando los años y vemos que la carrera empresarial deriva rápidamente en una lucha de poder, cabe preguntarse si la transferencia de conocimiento seguirá siendo tan efectiva. Si, de una forma u otra, la privatización del espacio será también la privatización de todo lo bueno que podamos aprender de él.
Imagen | Club of the Future
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SAG Awards 2025: Colin Farrell es premiado por su interpretación en la miniserie “El Pingüino”
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El actor Colin Farrell ganó este domingo el premio a la mejor actuación masculina en una miniserie durante la ceremonia de los Premios del Sindicato de Actores de Cine, SAG Awards 2025.
Farrell obtuvo el galardón por su papel protagónico en “El Pingüino”, que sigue la historia de Oswald “Oz” Cobblepot y su ascenso al poder en el mundo criminal de la Ciudad Gótica.
La serie está ambientada dos semanas después de los acontecimientos de la película de The Batman (2022), protagonizada por Robert Pattinson, en donde Ciudad Gótica está sumida por el caos después de que el Acertijo eliminara a Carmine Falcone, uno de los líderes del crimen de la urbe.
En este escenario, “El Pingüino” retoma la historia, con Oz Cobblepot moviéndose en un mundo criminal debilitado, pero lleno de oportunidades para quienes están dispuestos a ensuciarse las manos para controlar la ciudad.
Para Variety, esta miniserie es “un análisis de la criminalidad magistral, retorcido, perturbador y profundamente fascinante”, en el que el maquillaje del artista Michael Marino logra transformar a Farrell en un capo “tan lamentable como espantoso”.
Por su parte, para The New York Times la minserie cae en los clichés de las series y películas de mafias y critica la falta de presencia de Batman, a pesar de que los acontecimientos de la serie comienzan en un punto de inflexión para el superhéroe.
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